I´ll be back…..?

Los Vengadores, de Joss Whedon

Hace cuatro años “Iron Man” marcó un antes y un después en las adaptaciones cinematográficas MARVEL. La famosa editorial de comic entraba en el mundo del cine como productora y dueña de las adaptaciones de la mayoría de sus personajes, comenzando así un proyecto de gran envergadura que concluiría una etapa con la película que ahora nos ocupa.
Tras los créditos del film sobre el Hombre de Hierro se escondía una escena sorpresa que emocionó a todo buen fan del comic. Tony Stark recibía la visita inesperada de Nick Fury, quien estaba a punto de hablarle de la Iniciativa Vengador. El plan de MARVEL era claro: querían hacer realidad el sueño de varias generaciones de lectores del Noveno Arte, llevar a la gran pantalla a los seres más poderosos del planeta juntos en un película. Así se comenzó con la producción de varias películas sobre personajes conocidos, como “Thor” o “El Capitán América”, además de estrenar también en 2008 “El Increíble Hulk”. En todas y cada una de ellas MARVEL allanaba el camino hacía su gran superproducción y ofrecía un pequeño aperitivo tras los créditos de cada film para que funcionara como puente con el resto de películas.

En 2010, cuando se estrenó “Iron Man 2”, MARVEL tuvo gran presencia en la Comic-Con de San Diego. Presentaba los ordajes y primeras escenas de “Thor” y “Capitán América” pero el plato fuerte llegó cuando presentaban al equipo completo de “Los Vengadores”. Robert DowneyJr, Samuel L. Jackson, Scarlett Johansson, Chris Evans, Clark Gregg, Chris Hemsworth y Tom Hiddleston estaban ya garantizados al haber protagonizado o participado en alguna película de la productora. A ellos se les uniría Jeremy Renner como Ojo de Halcón (que tuvo cameo en “Thor”), CobieSmulders como Maria Hill y Mark Ruffalo como cuarto rostro cinematográfico de Bruce Banner/Hulk. El elegido para dirigr la película fue Joss Whedon, elección que contentó a muchos fans, pues no sólo es el creador de “Buffy”, sino que también fue guionista de “Toy Story”, “Alien Resurrection” o “Titan A.E.”, además de crear la serie de culto “Firefly” y firmar su salto al cine, la estupenda “Serenity”.El estreno del film se fijó para 2012, cuando se descubriría si habría merecido la pena tanto trabajo por parte de la porductora.

La historia comienza cunado Loki, el hermano de Thor, es enviado a la tierra por una raza alienígena que le encomienda la misión de doblegar a los humanos y preparar una invasión que ponga fin a la libertad en la Tierra. Nick Fury y su equipo de SHIELD lideran la defensa de nuestro mundo y para plantar cara a tan temible enemigo reúnen a los héroes más poderosos del Planeta.

Aquí se unen todas las piezas de las anteriores películas, o al menos se intenta. Si, aparece el cubo cósmico que se nos fue presentado en “Capitán América” y “Thor”, la imaginería de Stark tiene vital importancia (su nueva torre), los personajes se encuentran como al final de sus films (el Capitán despierto en un mundo que ha cambiado, Banner escondido por el mundo intentando controlar a la bestia que lleva en su interior, Stark feliz con Pepper), pero siguen existiendo algunas lagunas, en especial en lo que se refiere a Thor. Sinceramente su aparición en el film me pareció demasiado forzada. Se hace alusión a que Odín ha conseguido enviar a su hijo a la tierra mediante sus poderes, pero nada más, podrían haberse expandido un poco más y explicara cómo el padre de todos los Dioses ha conseguido suplantar al Arco Iris.

MARVEl sigue fiel a sí misma. Sus productos resultan divertidos y altamente entretenidos. ”Los Vengadores” se puede definir como un blockbuster certero que ofrece grandes dosis de diversión y acción. Sin embargo no es la gran película que esperaba y que muchos si ven. Esto es culpa en especial de su primer acto, en el cual se presentan los personajes unos a otros y comienza a darse forma al equipo. Para presentar a los protagonistas ya tenemos las películas individuales, así que aquí no había más que entrar directo al grano, sin embargo el film agota demasiado tiempo explicando rasgos de cada uno y deteniéndose demasiado en el plan de Loki, el cual hemos visto más de una vez en otros film (eso de abrir una puerta tridimensional de otro mundo para que invada la tierra no es nuevo). Por lo tanto he de manifestar mi decepción ante la primera parte del film. Cosa contraria debo decir a partir de la mitad, cuando el equipo está completo en la nave de SHIELD y comienza la acción de verdad. La secuencia en la base de Fury es fantástica, con nuestros héroes combatiendo por primera vez juntos, y algunos entre ellos (Thor y Hulk, que luego protagonizarán uno de los momentos de gloria del film). Tras ella llega lo que queríamos ver, la gran secuencia MARVEL de la historia. La batalla final.
Whedon lleva la película a buen puerto gracias a un ritmo bien medido que sólo encuentra sus altibajos en el primer tramo. El director realiza un producto superior a la media con una planificación elegante en donde tienen bastante presencia los contrapicados y los planos inclinados, pero que no parece aportar gran cosa a lo que ya hiciera Favreau, Johnston o Branagh. Claro que eso cambia en la secuencia final. La gran batalla que acontece en Nueva York es apoteósica. Todos nuestros superhéroes juntos plantando cara a un ejército alienígena. Golpes, martillazos, rayos láser, flechas y explosiones se dan cita en ésta vibrante secuencia por la que vale la pena pagar la entrada. Es la guinda del pastel, el sueño hecho realidad para todo fan del comic y Whedon lo sabe, por eso nos regala un travelling que pasa de un héroe a otro mostrando cada una de sus habilidades y cómo plantan cara a los villanos. La épica hace aparición, por fin, en el film gracias a esa secuencia, en la que además encontramos los gags más memorables de la cinta.

El guión está escrito por el propio Whedon. La historia es de manual, pero está bien llevada y la relación entre los personajes (que es lo más importante) bien construida, y se ciñen a sus originales de papel, existen los clásicos piques entre camaradas, en especial cuando Tony Stark tiene algo que decir (como era de esperar Robert Downey Jr. se dueña de la función cuando aparece). Todos los personajes poseen su gran momento de gloria, pero el que da la sorpresa es Hulk, protagonizando grandes picos de emoción al final. El tono del film, como he citado anteriormente, es amable y desenfadado, con chistes ingeniosos. En contra hay que decir que la maldad de Loki, y su plan, quedan por debajo de lo que se esperaría para un film de estas características.
La cinta posee tres partes. La primera se centra en cada personaje por separado y cómo Fury los va agrupando a todos mientras Loki planifica su plan. La segunda parte comienza cuando los protagonistas están reunidos en la nave de SHIELD y tiene su primera reunión (con Stark como alma de la fiesta y cazando a un piloto de SHIELD despistado con marcianitos). La tercera parte abarca desde que ha tenido lugar el ataque en la nave hasta el final, o sea, la gran secuencia del film, la batalla.

El apartado técnico sigue siendo de gran nivel, aunque el traje de Thor siga pareciendo de plástico (ojo al chiste que hace de él Stark, en alusión al director que se encargó de su película). La Banda Sonora se le ha encomendado a Alan Silvestri (que ya compuso la de “Capitán América”), consiguiendo un tema central solvente, aunque el resto de la composición me resulta deficiente viniendo de él.

El reparto al completo se encuentra bien metido en su papel. Los mejores son Downey Jr. (¿había alguna duda?), Chris Evans, Samuel L. Jackson, Tom Hiddleston (aunque su Loki no llegue a ser un villano de la envergadura que el grupo merece) y Clark Gregg (su agente Coulson adquiere mucho más protagonismo y funciona como hilo emocional para el grupo). El resto está correcto, subiendo el nivel en lo que se refiere a Johansson (aquí no está de florero como en “Iron Man 2”), quien además protagoniza junto a Hiddleston una de las mejores escenas del film con reminiscencias a “El Silencio de los Corderos”.

Una de las películas más esperadas del año que consigue reunir en el cine a los héroes MARVEL. No es una Obra Maestra, pero si ofrece un gran y digno espectáculo de altura. Hasta que se vuelvan a juntar podemos darnos por satisfechos con ésta primera reunión.

Lo Mejor: La Batalla Final. Disfrutar como niños viendo a nuestros superhéroes juntos.

Lo Peor: La historia es de manual. Su primer acto.

[•REC]³ Génesis, de Paco Plaza (por Miguel Delgado)

Este viernes 30 se estrena la tercera parte de la saga de terror que comenzó haya por otoño de 2007. Tras dos entregas más, y una cuarta en camino, es ahora mismo la saga de terror más importante del cine español, y si me pones, la única. Se han intentado hacer muchas películas de horror por estas tierras, pero todas de tan bajo nivel e interés general, que solo la saga creada por Jaume Balaguero y Paco Plaza (antes habían dirigido la aún más terrorífica “OT, la película”), ha aguantado como estandarte de ese otro cine que tanto se pide entre el público nacional. Tanto “[REC]”, como “[REC]2” tenían el potencial de enganchar al público y crear una legión de seguidores, amén de que además en este caso las críticas ayudaron, por lo menos en el caso de la primera parte. No tanto en el caso de la segunda, que tuvo que ver divididas las opiniones de profesionales y del público en general, cuando mantenía las virtudes de su predecesora, y aún así sabía innovar y no estancarse en un “más de lo mismo”. Incluso, como ya se ha apuntado en varios medios, tiene un aire al “Aliens” de James Cameron, como secuela del primer film.

Al final, las voces negativas no consiguieron que la gente se desenganchara, por lo que el anuncio simultaneo de una tercera y cuarta parte fue recibido con bastante ilusión. Aunque había varios cambios importantes. Para empezar, Plaza y Balagueró ya no dirigirían juntos, si no que el primero se encargaría de narrar una precuela que contaría el origen de la famosa infección (que en el fondo no ha sido tal), y el segundo el episodio que pondría punto y final a la saga, que llevará el subtitulo de “Apocalipsis” y que debería estrenarse el año que viene, si ningún retraso lo impide. Y así, entre anuncios de caras algo más conocidas en el reparto, varios trailers que ponían los dientes bien largos, y alguna que otra novedad que ahora comentare, me plante con bastante ilusión en la premiere que tuvo lugar en el cine Capitol, en Madrid, este lunes pasado. El ambiente era inmejorable, se notaba que la gente tenía ganas de pasárselo bien. Al equipo técnico y artístico, que estaba prácticamente al completo (Estaban Paco Plaza, Leticia Dolera, guapísima como siempre, Diego Martín y bastantes miembros más del reparto), se les notaba nerviosos, pero también muy ilusionados por el trabajo a presentar.

Nada más empezar el film, uno nota uno de los cambios más importantes de este film respecto a anteriores entregas de la saga, y es la gran presencia del humor en esta entrega, tanto negro, como incluso algo absurdo. En las anteriores películas ya había pinceladas de humor, pero todo era demasiado angustioso. Aquí se encuentra mucho más patente, pero que nadie piense que es algo negativo, ya que esta tan bien pensado y llevado, que uno disfruta con cada broma por muy inesperada que pueda parecer. Ya les gustaría a muchas comedías puras tener escenas tan divertidas como las que aquí encontraran. Pero que nadie piense que esto va solo de bromas, pues también nos encontramos con escenas que pondrán los pelos de punta y alegraran a aquellos que deseen dejarse llevar por el horror y por el gore. Aunque el cambio más importante es el abandono progresivo del falso documental, del found footage, género al que incluso se permiten satirizar en algún que otro momento. La película empieza como las anteriores, con una cámara grabando los acontecimientos, aunque pasamos poco a poco a lo que sería una película convencional, como ocurría en esa obra maestra llamada “District 9″. Seguro que habrá algunos fans que se lleven las manos a la cabeza por estos cambios, pero la película adquiere un nuevo aire y una identidad propia, si que sea ajeno su lugar en la saga entera.

Así, con esto, nos encontramos por primera vez banda sonora, de Mikel Salas, aunque es bastante discreta. Lo mismo ocurre con la fotografía de Pablo Rosso, un trabajo muy currado, pero nunca buscando belleza o extremismo en la luz o los movimientos de cámara.

Donde nos encontramos más cambios es en el reparto artístico. Los principales protagonistas, Leticia Dolera y Diego Martin, no son los típicos personajes, que se dedican a correr y a gritar, si no que poseen un matiz mucho más cinematográfico que los personajes de las anteriores entregas (aunque Dolera grita bastante bien, como en ese pequeño homenaje a “El resplandor” que tiene). Ambos están realmente bien, en seguida te crees su relación y te dejas llevar por ellos. Es cierto que destaca más Dolera en el papel de Clara, esa novia con motosierra en una escena maravillosa que homenaje en el tono a “Evil Dead II” de Sam Raimi (De hecho esta entrega podría venir a ser lo que fue aquella para el primer “Evil Dead”, más humorística y desquiciada.). Pero la labor de Martin no tiene que ser dejada atrás, pues demuestra lo buen actor que es. Gracias a ellos dos la película llega a unas cotas altísimas, con un final apoteósico que te deja con ganas de verlo una y otra vez, siendo, si me pones, los mejores 15 minutos de toda la saga. Por medio de ellos dos nos encontramos un montón de personajes, algunos sin mucho fuelle, pero otros realmente inspirados que se encuentran algo desaprovechados.

Porque esta no es una película perfecta. Para empezar, como acabo de decir, da la impresión de que muchos personajes están desaprovechados, la película no deja, salvo hacia el final, de incluir o volver a traer a escena, personajes que en la mayoría de los casos acaban abandonando la pantalla de manera rápida. Muchos parecen incluidos solo para poder matarlos rápidamente. También el guión pose algunas lagunas (poco importantes todo hay que decirlo), y Plaza, en los primeros minutos de la cinta en los que abandona la cámara en mano, abusa del susto facilón. Pero aún así, todo estos factores terminan siendo nimiedades ante la avalancha de diversión propuesta, imposible no reír, saltar o emocionarse con lo que uno ve, para colmo expuesto con gracia y originalidad, y eso es lo más importante. Como curiosidad añadiré que esto no es una precuela. Tal vez haya algún despistado que se acerque a la sala de cine sin haber podido ver las anteriores, pensando que no pasará nada, ya que esto es el “Génesis”. La película empieza antes que lo narrado en el primer [REC], pero termina después de los visto en el segundo, y muchas cosas no se entenderán sin haber visto esta segunda entrega precisamente. Que nadie tampoco espere grandes explicaciones. Más que en tecnicismos de secuelas, sería mejor definirla como una historia paralela, un entretenimiento que alguien podría por esto tachar de innecesario, pero ni mucho menos. Estas películas son muy necesarias, y más en nuestro cine.

Al final de la película, cualquier duda que podrían tener Plaza y cia. Debió ser solventada por el estruendoso aplauso que se oyó al empezar los créditos. Parece que está gustando mucho en los preestrenos y en los pases de prensa mostrados hasta ahora, y ya solo falta que sea un éxito de público. Y que el “Apocalipsis” que se encargara de dirigir Balaguero (en esta solo figura como “productor creativo”) sea tan divertido y rompedor. Y que llegue pronto.

Hugo, de Martin Scorsese

¿Martin Scorsese adaptando un libro infantil? Resulta difícil de creer pero así es. Cuando se conoció la noticia de que el celebre director se encargaría de llevar a la gran pantalla el libro “The Invention of Hugo Cabret” del escritor Brian Selznick muchos no se lo podían creer, y aún menos cuando anunció que la rodaría en 3D, convirtiéndose así en otro de los directores seducidos por el formato de moda y que ha resultado ser en la mayoría de las ocasiones insatisfactorio.
Las primeras imágenes por medio de sus avances no presagiaban nada bueno. Parecía una aventura juvenil del montón, y costaba reconocer tras ellas al creador de “Goodfellas” o “Casino”, pero, como siempre pasa, debemos esperar a ver la película para juzgar, y la sorpresa ha sido mayúscula. La crítica se ha vuelto a rendir a los pies de Scorsese, quien ha realizado a través del relato del joven Hugo, que vive escondido en la estación de tren de Paris dando cuerda a los relojes y ejerciendo como ladronzuelo ocasional para sobrevivir, una hermosa carta de amor al cine en general y a George Méliès en particular.

Una de las funciones primordiales de Scorsese en los últimos años ha sido la de preservar el cine siendo presidente de la Film Foundation, dedicada a rescatar todo aquel material cinematográfico amenazado por el deterioro de los años. De esta forma entendemos mejor que eligiera llevar a la gran pantalla el relato de Hugo Cabret, ya que tras él puede hacer homenaje a uno de los más representativos pioneros del Séptimo Arte, el francés George Méliès, un hombre que vio en el cinematógrafo la oportunidad perfecta para sorprender al público ofreciéndole nuevas experiencias por medio de grandes trucos visuales. Así consiguió transportar al público que acudía a ver sus películas a un maravilloso mundo submarino o al (por aquel entonces) lejano espacio, llevándolos directamente a la luna.

Para mi gusto el núcleo de la historia es Méliès y el importante legado que dejó. Entonces ¿por qué el protagonista es el pequeño Hugo? El niño se pasa casi toda la película de aquí para allá intentando descifrar un mensaje que su padre le dejó escondido en un autómata. Al igual que él el espectador se encuentra desconcertado y a la espera de que se resuelva dicho misterio. Hugo somos nosotros, los espectadores, quienes avanzamos a la par que él en busca de respuestas, que nos serán reveladas de una forma maravillosa.

Hay un tema que me parece fundamental en la película, el tiempo. Nuestro protagonista, Hugo, se dedica a dar cuerda a los relojes; el autómata que le legó su padre funciona mediante un mecanismo de engranajes más propio de un relojero; una de las películas que se homenajea es “El hombre mosca” de Harold Lloyd, y más concretamente la famosa secuencia en que queda colgado de la manecilla del reloj. El tiempo, el enemigo del hombre desde siempre, capaz de enterrar en el olvido a personas que hicieron por la humanidad cosas importantes, por muy pequeñas que fueran. Sin embargo, y éste es el mensaje que nos quiere lanzar Scorsese, no debemos olvidar a aquellos a los que les debemos lo que somos y que marcaron el camino que recorremos.

Méliès nunca dejo de ser mago, con el cine trataba siempre de asombrar al espectador ofreciéndoles un gran truco de magia visual. De la misma forma Scorsese quiere seguir sus pasos consiguiendo enamorarnos y dejaros boquiabiertos con su preciosa puesta en escena en la que ayuda magistralmente el 3D. Puede que “Avatar” fuera la gran revolucionaria y que otras posteriores alcanzaran cotas importantes, pero lo que Scorsese consigue con el formato en ésta ocasión supera todo lo anterior, no porque sea más espectacular, sino porque está utilizado como nunca. Es un elemento narrativo más, y el director es muy consciente de ello, por esa razón lo usa de manera muy efectiva cuando debe, y no tarda en ello, ya desde el inicio del film nos asombra transformando un gran mecanismo de engranajes en la ciudad de Paris y ofreciéndonos un prologo sencillamente espectacular. Luego hay momentos en que el 3D vuelve a hacer gala de manera asombrosa, como para intimidarnos con la presencia del vigilante de la estación (atención a ese primer plano en que se acerca), cuando nos adentra en el esqueleto del autómata y, sobre todo, cuando narra los gloriosos años de Méliès. Así Scorsese nos da lo que su amigo Spielberg no ha conseguido con su aventura equina, magia.

Visualmente la película es una maravilla, no en vano ha sido la triunfadora en apartados técnicos en los últimos Oscar con cinco estatuillas. La fotografía corre a cargo de Robert Richardson, quien da el toque necesario para que el relato parezca un hermoso cuento, resaltando los colores. Howard Shore compone una bonita Banda Sonora cuyo mayor defecto es la de resultar un tanto repetitiva a lo largo del metraje, y a propósito de esto he de citar el talón de Aquiles del film (que no todo es bueno): el ritmo. Como dijo mi acompañante (La Película del Día), es curioso que una película en la que tiene tanta importancia los relojes peque de tener un ritmo un tanto irregular. Reconozco que le hubieran venido muy bien un metraje algo menor, en especial me rechinan las repetitivas escenas protagonizadas por el Inspector de la estación, cuya función es ser la amenaza para Hugo hasta el final. Una pena, ya que por culpa de ello la película no llega a ser todo lo redonda que pudiera.

El reparto está formado por conocidos de Scorsese y del guionista John Logan. Ben Kingsley da vida a George Méliès de manera magnifica y haciendo gala de su siempre agradable presencia escénica; Helen McCrory es Jeanne, esposa y musa de Méliès; Sacha Baron Cohen es el Inspector de la estación, personaje que parece sacado del cine de Jaques Tati; Emily Mortimer es la florista de la estación; Christopher Lee es el entrañable librero; Michael Stuhlbarg es el historiador de cine Rene Tabard, alter ego de Scorsese en el film, quien, de paso, se regala un pequeño cameo, algo que no hacía desde “Gangs of New York” si mal no recuerdo. Como presencias invitadas tenemos a Ray Winstone y Jude Law, ambos como tío y padre del joven Hugo respectivamente. Sobre Chloë Grace Moretz y Assa Butterfield diré que es un placer ver a niños así en pantalla, que reflejan tan bien la inocencia y consigan emocionarnos en cada una de sus escenas, en especial el joven actor, brillante como Hugo Cabret.

“Hugo” es otra muestra más del gran talento de Scorsese, quien nos regala una hermosa carta de amor al cine, la segunda del año. Y es que, junto con “The Artist”, la cinta de Scorsese ha conseguido emocionarme y recordarme qué es eso a lo que llamamos la magia del cine.

Lo Mejor: El amor al cine que desprende.

Lo Peor: Su duración podría haber sido menor.

IX Muestra SyFy:Día 4, por Miguel Delgado

XI MUESTRA SYFY: DOMINGO 11

Con la sesión del domingo terminaba la muestra SyFy de este año. El sábado fue un día largo y cansado, con muchas películas, pero este último día tenía un ambiente más ligero y distendido. En parte porque había menos películas, y solo dos de ellas películas de programación normal del evento. Para empezar, pudimos ver, en sesión doble, “Ultimatum a la tierra” (1951), y “El planeta de los simios” (1968), gracias a Phenomena Experience, un proyecto emprendido por el director Nacho Cerdá por el cual podemos volver a ver clásicos del género en el cine. No entrare a hablar de las películas, ya que nada más nuevo se puede decir de ellas, son dos obras maestras de la ciencia ficción y dos clásicos del cine, pero si recomiendo que si tenéis la oportunidad de acercaros a algunas de estas dobles sesiones de Phenomena, aprovecharlo, es un lujo poder ver películas así de nuevo en pantalla grande, con spots clásicos de la época y trailers de películas míticas (en este pase pudimos ver los de “La fuga de Loga”, “La guerra de los mundos” de Byron Haskin, “Almas de metal” y uno buenísimo de la japonesa “Los monstruos del mar”, que termino por enloquecer al público). Y ya pasamos de lleno a la recta final del evento con dos películas más.

THE INNKEEPERS

Parece ser que últimamente, el director Ti West se ha hecho un nombre en el cine de terror gracias a “The House Of The Devil”, película que ha dividido a crítica y público, pero que le ha granjeado un amplio número de seguidores. De hecho, casi me atrevería a decir que fue la sesión que más llena estuvo (me fue imposible sentarme en las primeras filas, no como en el resto de los días). Puedo asegurar, de primeras, que la película me gustó, pero me resulta difícil saber hasta qué punto me llego a convencer. Una historia de un hotel a punto de cerrar, y dos empleados convencidos de que un espíritu habita por allí. Lo primero que me sorprendió es lo bien dibujados que están los personajes de la cinta. West se toma su tiempo para que acabes empatizando con ellos. Sara Paxton es la protagonista del evento, y solo le hacen falta a West unos cinco minutos para que te enamore. y su compañero Pat Healy no se queda atrás, aunque es más friki y menos adorable. En un segundo plano se queda el resto del reparto, que sin embargo también cumple sin problemas. El ritmo es el adecuado y es francamente divertida. No me esperaba una película con tanto humor, y sobre todo tan bueno. Posee una inocencia y una gracia que es muy difícil encontrar el cine de hoy en día (no como en los 80). El problema de la cinta es que, sin resultar aburrida, progresa muy lentamente, tanto que apenas llegar a dar miedo, salvo por una escena muy rápida, y la parte final, que si que tiene algún momento para helarte la sangre. West se muestra acertado en los sustos y en la atmosfera, pero apenas juega con elementos que puedan causar terror. Es mucho más cómica que terrorífica. Pero aún así uno no puede evitar salir con una sonrisa en los labios, después de haber disfrutado como un enano, aunque nos hayan faltado dosis de terror.

LOBOS DE ARGA

Esta película pude verla ya hace un cerca de un mes en un preestreno organizado en el cine Palafox. Decidí quedarme a verla de nuevo, básicamente porque podía, y además estaba el director Juan Martínez Moreno y los actores Gorka Otxoa, Secun de la Rosa (que sin embargo, tuvo que irse antes de las preguntas al final de la proyección), y Coté Soler. Curiosamente, Carlos Areces, que asistió el resto de días como espectador, no vino esta vez. Cuando la vi en el Palafox, pase un buen rato, aunque no terminó de convencerme. Esta vez, a lo mejor por el ambiente que se respiró, disfrute más de la película. La verdad es que el humor funciona, es francamente divertido, y la historia está realmente inspirada. Lo mejor sin duda es el trió protagonista, Otxoa, Areces y De la Rosa son tres grandes del humor en nuestro país, lo dominan de sobra y es muy fácil que te saquen la carcajada sin demasiado esfuerzo. Sin embargo, hay varias cosas que no me terminan de convencer. Echo en falta un aire más gótico en el ambiente, una historia como la que se cuenta, con leyendas, maldiciones y hombres lobo, lo agradecería. Pero el principal error es que, en la última parte del film se pierde un poco el rumbo, el guión para avanzar tiene que añadir dos nuevos personajes que no aportan nada a la trama (y eso que Mabel Rivera y Luis Zahera está muy bien, y este último tiene una escena muy buena con Soler). En ese punto las bromas empiezan a estar de más y algunas no convencen, aunque en las dos últimas escenas la cosa vuelve arriba, son realmente divertidas (aunque el final no tenga demasiado sentido). La labor de Martínez Moreno es correcta, al igual que el diseño de los hombres lobo, aunque a veces quedan algo cutre (SPOILER El que mejor queda me parece el que sale al final del todo, me pregunto por qué no harían todos así). El público se lo paso de miedo viéndola, y es que te ríes de lo lindo, que es la intención. Me dejo un mejor sabor de lo que recordaba. En la sesión de preguntas al final, tanto al director como a los actores se les vio disfrutando de la recepción y contestando animados a todas las preguntas, aunque tampoco es que dijeran nada de gran relevancia, casi todo fueron anécdotas divertidas. Tampoco tiene fecha de estreno (Se ha ido retrasando hasta quedarse en el limbo), sería una pena que no terminara llegando a los cines.

Y con esto terminamos la XI Muestra SyFy. Yo disfrute como un enano todos los días, y el año que viene repetiré seguro. Lo mejor que vi para mí estaría entre “Apolo XVIII” y “The Innkeepers” aunque también son muy recomendables “Stake Land”, “Hobo With A Shotgun”, “The Woman”… lo peor sin duda, “Atrocious” y “4:44 Last Day On Earth”, dos tonterías mayúsculas que no recomiendo a nadie. Destacar la labor de Leticia Dolera como presentadora, estupenda y encantadora. Y haber si para el año que viene vuelve al Palafox.

IX Muestra SyFy:Día 3, por Miguel Delgado

XI MUESTRA SYFY: SABADO 10

El tercer día de la muestra era el más largo de todos. Para empezar, a las 11 de la mañana estaba el preestreno de “Lorax, en busca de la trúfula perdida”, cinta de animación que ha sido un enorme éxito en USA. Pero la acreditación de prensa no incluía, inexplicablemente, la entrada para esta sesión no estaba incluida, y teniendo en cuenta la hora a la que había terminado el viernes y que la de hoy era un día intensivo, decidí no ir. Mentiría también si digo que tengo muchas ganas de ver el film. Si el segundo día me lo había pasado bien, en mayor o menor medida, en todas las sesiones, no puedo decir lo mismo de la que nos ocupa. Vi dos películas muy estimables, sí, pero también tuve que tragarme dos tonterías mayúsculas.

THE PRODIGIES 3D

En principio no conocía nada de este film, pero la verdad es que me llamaba mucho la atención al ser una cinta francesa (aunque en ingles), de animación, sobre superhéroes. Lo primero que llama la atención es el estilo de animación empleado, algo extraño la verdad, a medio camino entre el dibujo tradicional y la animación 3D. No me terminó de convencer, ya que en ocasiones este estilo parece restar espectacularidad al conjunto en general, y eso que tiene unas cuantas escenas impresionantes, con una muy buena utilización de los recursos de la animación. El 3D apenas es perceptible, una excusa supongo para atraer a más público. En cuanto a la historia, después del prólogo, tarda demasiado en empezar con lo que sería el centro del asunto, tarda demasiado en mostrar los poderes de los chicos, lo que se hace algo irritante. Cuando ya por fin se muestra la verdadera naturaleza del film, la película mejora, pero tampoco se eleva a grandes niveles. Es una curiosidad sin más, que te tiene interesado, pero no deja huella.

ATROCIOUS

Lo segundo que se pudo ver es esta coproducción de México y España, una película de terror rodada en primera persona, sobre una familia que se va a una casa en Sitges (¿Peloteo al festival?), ya allí se desatara el horror… o la idiotez. Porque la película no es mala, es malísima. Lo primero que uno puede comprobar es la poca calidad de los intérpretes empleados, seguramente colegas del director sin experiencia previa. Que tengan unos diálogos forzadísimos y muy tontos no ayuda en lo más mínimo claro. El uso de la cámara en primera persona es de lo más desesperante, hay escenas enteras sin dialogo que lo único que pasa es recorrer un chusco laberinto, mientras vemos las ramitas. Pero lo peor de todo es que el final tiene ínfulas de grandilocuencia, intenta hacer algo muy grotesco a lo REC (después de unos 25 minutos de correr con visión nocturna por un laberinto sin que pase nada), pero lo único que hace es llenar la cinta de un mayor número de incongruencias, como si no tuviéramos bastante con lo visto ya. Vamos, si me dicen que es la versión Asylum de “El proyecto de la bruja de Blair” me lo creo. Aunque reconozco, eso sí, que no me lo pase mal viéndola, debido a las risas que provocaba todo lo que podíamos ver en pantalla. Es lo que tienen estos eventos, al final somos todos como una gran familia que nos reímos de las bobadas. SI la hubiera visto solo en casa no la habría acabado con toda seguridad.

THE WOMAN

Había que quitarse la espinita de “Atrocious”, así que tenía bastantes esperanzas puestas en la nueva película de Lucky Mckee, director de “May”, una cinta de culto ya. Venía precedida de buenas críticas, y aunque el comienzo del film resulta extraño y no muy atrayente, el film si que cumple con las expectativas. Aunque no es, en ningún momento, lo que podía imaginar. Lo primero es que no se me ocurriría colocarla en el género del terror. Sí que es cierto que la cinta expone algunos horrores, pero no en el sentido de género que podría confundir a más de un espectador. Hay mucho humor más negro que la noche, hay drama también, y si, algo de gore, pero bastante dosificado. De hecho, se encuentra mucho más cercano al estilo de cine independiente americano tipo Todd Solonz, con una banda sonora formada por canciones muy indies, que si bien no parecía haber convencido a algunas personas, a mí me parece que encajan a la perfección. Y es que la familia de la que habla el film es en apariencia feliz, pero en este caso las apariencias engañan, y mucho. El personaje del padre esta llevado por el actor Sean Bridgers de una manera estupenda, encantador y asqueroso al mismo tiempo. Cuando este hombre de familia captura a una mujer salvaje y se decide a domesticarla, se desatará todos los horrores de la familia. Te ríes y te impresionas con todo lo que ocurre, tiene un ritmo estupendo y uno se lo pasa realmente bien. La pena es que llegado al final se deje llevar por la exageración y el bizarrismo extremo, crea un clima demasiado excesivo que me descuadró mucho y no me convenció SPOILER Que el padre pase de ser un monstruo humano a un psicópata asesino hace que se pierda fuerza en la venganza de la mujer FIN DE SPOILER. Y, como se había comentado, si que es de un feminismo claro. Regusto final raro, pero recomendable.

APOLO XVIII

Esta era una de las pocas películas de la muestra que conocía de antemano. Producida por los Weinstein y por Timur Bekmambetov (director de “Guardianes de la noche” y “Wanted”), la dirección corre a cargo del español Gonzalo López-Gallego (“Nómadas”, “El rey de la montaña”), que además, fue a la muestra a presentar este film. Cuenta, en clave de falso documental (otro más, y van…), la misión secreta del Apolo XVIII, un viaje a la Luna, que en principio parece normal, pero en seguida descubrirán que las cosas no son lo que parecen… Había oído muchas cosas del film, y ninguna demasiado buena, pero me ha sorprendido de verdad. Lo más destacable para empezar es lo directa que va al grano. Aquí no os encontrareis preámbulos en los que los protagonistas se cuentan su vida durante minutos y minutos. Apenas hay una escena, pero es la única y ayuda a describir la relación entre los dos protagonistas. El resto es un aumento de la tensión y el temor en muy buena medida, ayudado por el trabajo de los actores y por el buen hacer de López-Gallego, que usa las cámaras de las que dispone con habilidad, sin forzar, y respetando formatos (algo que pocas películas de este estilo hacen), que ayudan a darle una credibilidad que ayuda al convencimiento general. El film pasa volando además, y con un final muy intenso y con sentido, algo tampoco muy típico de estas películas, que se empeñan en terminar rápido y con algo que no está bien explicado (como “Atrocious” sin ir más lejos”). No todo es perfecto SPOILER da la sensación de que podría haber aprovechado algo más a los bichos piedra, aunque supongo que serán temas del presupuesto FIN SPOILER. Después de la proyección, el director se quedó contestando a algunas preguntas, y la verdad es que estuvo muy correcto, simpático, y sobre todo se le vio muy humilde, contestando a todo con habilidad y cortesía, aunque algunas preguntas fueran auténticos dardos envenenados. Contó que el rodaje se llevó a toda leche, que tuvo muy buen trato con los Weinstein o que había varios finales, que me encantaría ver alguna vez por cierto. Me parece inexplicable que no tenga fecha de estreno en nuestro país, y se da por hecho que ya no se va a estrenar, cuando se estrenan películas mucho peores con menos probabilidad de éxito. La mejor de la muestra de momento.

4:44 LAST DAY ON EARTH

Ya era muy tarde, pero a pesar de lo abultado de la jornada, bastante gente se quedo para ver lo nuevo de Abel Ferrara. Movido por la curiosidad del argumento, me quede a pesar de la hora tardía. Vaya hora en la que lo decidí, porque la película de Ferrara es una estupidez de las malas, de las que se creen que son muy buenas y que están mostrando algo muy digno. Para nada. Desde la primera escena (una grimosa escena de sexo), se suceden una serie de tonterías a cada cual más grande y esperpéntica. No se que se le pasaría al famoso director para creer que ver a Willem Dafoe y a su novia hippie meditando, hablando por Skype, o haciendo el memo, es, no solo interesante, sino trascendente. Él resulta cargante, con sus monólogos fatalistas que nadie parece compartir, y ella es una artista new age que en el fondo se comporta como una niña malcriada y lo único que hace destacable es cambiarse de vestidito. Y así, hasta que termina la película. No hay más, y para rematar la faena, hay diálogos como “No llores, me harás llorar y estoy muy bien maquillada”, o pedir comida china el día antes del apocalipsis (?), y que te la traigan (!!). El fin del mundo nunca fue tan aburrido, absurdo y pedante. Al final hubo gente, supongo que cegada por el nombre del director, que aplaudió el film, pero las caras en general eran de estupefacción. No se a quien se le ocurrirá meterla en la programación de este año, no es una película para este festival.

Y así terminó la jornada, cabreado y cansado. Hoy toca revisión de dos clásicos, y un par de películas más, una que ya pude ver hace un mes y de la que tengo pendiente hablar

IX Muestra SyFy:Día 2, por Miguel Delgado

XI MUESTRA SYFY: VIERNES 9

Después de asistir al preestreno de “John Carter”, el segundo día de la muestra ya estaba formado por lo que viene a ser la esencia del evento. Películas de terror, fantasía, ciencia-ficción… que aún no han llegado a las carteleras españolas, y que probablemente la gran mayoría no lleguen, teniéndonos que darnos con un canto en los dientes si aparecen en DVD. En la jornada de hoy, tres películas y una sesión especial que la verdad, no estuvo nada mal. Como curiosidad, decir que me estoy planteando pedir un sueldo a SyFy debido a la cantidad de veces que tengo que informar de que es la muestra a la enorme cantidad de personas que preguntan para que es esa cola tan grande (en el Palafox apenas pasaba gente, por lo que no tenías que estar constantemente explicándoles que era la muestra SyFy). Hoy me tocará explicarlo unas cuantas veces más seguro.

HELL

La primera película que pudimos ver el viernes fue la alemana de Hell (2011), cine de corte apocalíptico que cuenta en sus créditos, como productor ejecutivo, con Roland Emmerich. No resulta raro verle en una película de este estilo, ya que todos sabemos la afición de este hombre a cargarse la tierra (más o menos, sus apocalipsis tienen finales felices). Aunque no hay que esperar grandes destrucciones ni catástrofes naturales, esto va por otro lado. La típica película en la que una situación horrible sirve para presentar las miserias del ser humano. Esa es la intención, pero no esta plenamente conseguido, debido a que todo lo que se cuenta ya lo hemos visto, y de manera más convincente y aterradora. El punto de partida (La temperatura del planeta a aumentado, provocando un sol cegador y abrasador) es muy interesante, pero solo esta aprovechado al principio y al final, y sin un sentido claro. El director Tim Fehlbaum lo usa a veces demasiado convenientemente (en una escena hace una noche iluminada y cuando sale el sol ya es abrasador). Y a partir de cierto momento, la cosa se transforma en “La matanza de Texas” del fin del mundo, pero mucho menos impactante y terrible como lo visto en la película de Hooper y en su remake. Se llevo el premio a la mejor fotografía en Sitges, y es que es lo único un poco destacable, el resto no vale demasiado la pena. SPOILER y ya ese “Happy Ending” resulta poco creíble y un poco irritante.

STAKE LAND

Después de salir y de tener que volver a hacer cola otra vez (algo que hay que hacer siempre, y que según va cayendo la noche se hace más pesado por el frio), la segunda película del viernes fue “Stake Land”, también de corte apocalíptico, pero esta vez provocado por vampiros, del tipo monstruo sin cerebro. Cine USA independiente de bajísimo presupuesto (en la presentación, Leticia Dolera creo que dijo que era de 500.000 dólares solamente). La verdad, se nota en algunos aspectos que no contaban con grandes cantidades de dinero, como en la fotografía, bastante básica, o en el maquillaje de algunos vampiros, aunque en general suelen estar a buen nivel. Por lo demás el buen hacer de Jim Mickle en el guión y la dirección es digna de elogio. Se nota que sabe del género, y que es lo que quiere ver el público. Viene a ser todo lo que “Zombieland” debería haber sido, pero no fue. Mezcla comedia y drama con gran solvencia, introduciendo personajes que te enganchan al momento. Destaca sobre todo Nick Daminci, esa especie de Mickey Rourcke cazavampiros. La banda sonora tira por el camino sinfónico, y añade drama y melancolía a la historia, una música sorprendente para este tipo de producciones, pero no por ello poco acertada. Reconozco, eso sí, que Michael Cerveris como villano no esta del todo convincente, a pesar de tener algún buen momento SPOILER y su condición de vampiro mutante inteligente no esta explotada en la trama, se acaba con él y no se vuelve a hablar de este importante hecho FIN DEL SPOILER. Pero por lo demás, una divertidísima película. Mickle puede tener un gran futuro contando con mayores presupuestos.

HOBO WITH A SHOTGUN

Cuando Robert Rodríguez y Quentin Tarantino crearon el proyecto “Grindhouse”, una de las mayores gracias fueron los falsos trailers que se veían en el intermedio de las dos películas. Como por estas tierras se estrenaron por separado para sacar el dinero que no habían conseguido en USA, solo pudimos disfrutar del de “Machete” junto a “Planet Terror, mientras que los demás hubo que recurrir a internet para poder verlos (son totalmente recomendables, por cierto). Tal fue el impacto, que se organizó un concurso de falsos trailers, que acabo ganando “Hobo With A Shotgun” del canadiense Jason Eisener, que ahora, ha terminado siendo un largometraje de verdad, al igual que ocurrio con “Machete” (y también hay planes para convertir en largo “Thanksgiving” de Eli Roth”). Un indigente llega a una ciudad de mala muerte dominada por el mafioso Drake y sus hijos, que no dudan en cometer asesinatos a diestro y siniestro pata controlar a los aterrorizados pueblerinos. El pobre mendigo solo quiere llevar una vida tranquilo y comprarse un cortacésped, pero le tocan demasiado los huevos, así que decide tomarse la justicia por su cuenta. Este es el punto de partida, y la película no tiene mucho más. Solo hay una palabra que se me venga a la mente para describir la película: Salvajada. Todo tipo de violentas burradas que se te puedan venir a la mente sobre hombres, mujeres y niños están presentes en el film, que no escatima en sangre, en vísceras y en partes mutiladas para mostrar la lucha de este “vagabundo” del título, interpretado por el mítico Rutger Hauer. Sin bien la película es mala aposta, con ese aire retro y desfasado, la actuación de Hauer es de primerísimo nivel, del resto del reparto sorprende ver a Gregory Smith en un papel despreciable (Creo que no le veía desde “Pequeños Guerreros”). Es el motor de la película, y la lleva con tal profesionalidad, carisma y buen hacer, que es imposible caer rendido. Por lo demás, tiros y sangre sin ningún pudor y desvergüenza SPOILER cierta divertida escena en un autobús escolar en la que no puedes evitar reírte a pesar de la burrada que es por como esta llevada FIN SPOILER. Como homenaje del cinecutre que podía verse en sesión doble en los cines en los 70 u 80, “Hobo With A Shotgun” resulta más satisfactoria que “Death Proof” y que “Machete”.

TRASH ENTRE AMIGOS (STONEHEDGE APOCALYPSE)

Despues de estas tres sesiones había organizada una sesión de “Trash entre amigos”, nunca había asistido, así que no sabía muy bien de que iba el tema. La cosa va de cuatro amiguetes (Nacho Vigalondo, Sr. Ausente, Ruben Lardín y Raul Minchinela, todos profesionales del medio), se dedican a destripar y desproticar de una película de esas que van directas a video, de una calidad lamentable, llenas de errores y carne de videoclub. Lo que vimos en esta ocasión fue “Stonehedge Apocalypse”, una demencial cinta en la que las piedras del famoso monumento se mueven ocasionando desastres en todas partes del mundo (menos en España). Aunque no puede decirse que viéramos el film, ya que estábamos todos más pendientes de las bromas sobre militares con uniformes cutre, científicos en pantalón corto y paredes pintadas por egipcios desganados. Al final el desvarío es total, ya que es la película entera (aunque, gracias a Dios era corta), lo que hace que llegue un punto en el que los comentarios de estos cuatro personajes llegue a ser un poco cargante, pero hubo algún momento en el que llegue a llorar de la risa.

Con una sonrisa terminamos la sesión del viernes, que en líneas generales fue muy disfrutable. A ver que nos deparan las demás.

IX Muestra SyFy:Día 1, por Miguel Delgado

Desde el 8 al 11 de Marzo se celebra en Madrid la IX Muestra de cine fantástico Syfy. Miguel Delgado asistirá al mismo y nos irá relatando cómo se desarrolla. Desde aquí comenzaré a publicar sus crónicas diarias.

IX MUESTRA SYFY: JUEVES 8

Desde hace nueve años se celebra en Madrid la Muestra SyFy de cine fantástico, un interesante certamen donde siempre ofrecen una amplia variedad de películas de género que no se han podido ver antes por estas tierras. Ya fui a unas cuantas sesiones el años pasado, pudiendo comprobar cómo se las gasta la organización y el público asistente, que de tan entregado a veces se pasa (risas, gritos o comentarios fuera del lugar son habituales), pero eso no me ha impedido decidir ir a la muestra completa este año, cubriendo el evento para el blog.

Había unas cuantas novedades respecto a la pasada edición. La más importante es el cambio de emplazamiento, siendo este año el cine Callao el elegido para la ocasión. Hasta ahora la muestra había tenido lugar en el cine Palafox, y el cambio no ha sido demasiado para bien. El Callao me gusta, pero es ligeramente más pequeño, y hacer cola en mitad de la Plaza de Callao de Madrid no es demasiado cómodo, como he podido comprobar de primera mano. Pero es un buen cine y hay más cosas que hacer durante los descansos, así que tampoco es para llorar. También la vuelta como presentadora de Leticia Dolera, que el año pasado no pudo asistir, siendo sustituida por una más que correcta Alexandra Jiménez. Y respecto a la programación, un cartel bastante coherente, aunque se echa en falta alguna cinta asiática, imprescindibles en estos certámenes. Aún así es lo único que objetar al respecto.

Pero vayamos ya al grano del asunto, siempre para abrir la Muestra recurren a un preestreno potente, una cinta de renombre, que normalmente suele estrenarse al día siguiente a su proyección en el certamen. En las dos últimas ediciones las encargadas de dar el pistoletazo de salida fueron “Watchmen” y “Destino Oculto”, y este año la elegida era “John Carter”. También hoy había una revisión de “El gabinete del Dr. Caligari” con nueva banda sonora interpretada en directo por el grupo Pegasvs, pero, en un actos algo incomprensible, esta proyección coincidía con la superproducción de Disney, que fue la que elegí ver.

John Carter, de Andrew Stanton

Como ya he dicho, “John Carter” es la última apuesta de Disney por crear un blockbuster potente. La película adapta la novela “Una princesa de Marte” de Edgar Rice Burroughs, que llevaba mucho tiempo en las agendas, con intención de rodarse. Se habló por un tiempo de que Jon Favreau (Iron Man y su secuela) sería el encargado de dirigirla, pero finalmente el encargado ha sido Andrew Stanton, que para quien no lo sepa, es una de las mentes creativas de Pixar, director de “Bichos”, “Buscando a Nemo” y “Wall-E”. Vamos, un curriculum envidiable. Esto no ha impedido que hayan salido unas cuantas voces augurando que la película se va a llevar un soberano batacazo en taquilla. No estoy seguro de ello, y no me importa (estas premoniciones parecen hechas por gente que tenga algún interés en que un film sea un fracaso o un éxito, antes de verlo), pero si me parece una fecha extraña para un film de aventuras, digamos, más veraniego.

Pero lo que supongo que le importa a todo el mundo (menos a los directivos de la Disney, claro está), es la calidad de la película. Ganas había de ver lo que había conseguido Stanton después de comprobar lo bien que le quedo a Brad Bird, otro niño prodigio de Pixar, su “Misión Imposible: Protocolo Fantasma”. El resultado es bastante inferior que sus trabajos previos de animación, algo esperable, pero no desdeñable, en absoluto. Intenta resumir el argumento es una tarea harto difícil. Para empezar nos encontramos con un prólogo llevado por una voz en off que no hace augurar nada demasiado bueno, Mil nombres extraños y poco interés. Un tipo muy malo que va conquistando las ciudades de Marte (Basroom para los nativos), y que para colmo recibe más poder. Por suerte, este enseguida da paso al resto del film, que empieza en un Nueva York de final del siglo XIX, aunque enseguida su protagonista y su acción se trasladan a un Marte lleno de vida, y con una tecnología de aire “Steampunk”, donde el tal John Carter vivirá muchas aventuras.

Lo primero aclarare que no he leído las novelas de Burroughs (una saga con una gran numero de ejemplares), así que no juzgaré la película por su fidelidad al libro, si no por su trama en sí. Después del principio que he contado, la película mejora bastante. Taylor Kitsch da vida a un muy solvente John Carter, muy carismático y competente en todas las facetas del papel (tampoco es que sea muy complicado, pero sabe expresar emociones vamos), y seguimos con interés su historia. También da gusto ver todo lo relacionado con la tribu de los Thark, los primeros que encuentran a Carter. El diseño y ejecución de estos personajes es soberbio, así como los miembros de la tribu que conocemos son personajes interesantes de básicas y salvajes costumbres. El problema son los humanos rojos de Marte. no es que actores como Lynn Collins, Dominic Westo Ciaran Hinds estén mal, pero toda la historia de conquistas, ciudades, reinos, bodas… resulta muy poco original y atractiva. Y lo seres de los que forma parte Mark Strong no son mucho mejores. Esto lastra el film, haciendo que nos interesen más unos personajes que otros, y unas partes del film más que otras. Aunque es cierto que la historia de amor está bien llevada, y se molesta en una épica que finalmente encuentra, aunque no de manera total. El guión en sí es entretenido y ágil, aunque algo complejo a veces, y lo que es peor, de los que es mejor no pensar dos veces, para no ver la gran cantidad de lagunas que tiene.

Que a pesar de lo dicho, el film resulte agradable es sin duda obra de Stanton. Un buen ritmo, un reparto convincente y una puesta en escena impresionante ayudan a tragarnos lo que nos quiere contar. Que nadie espere nada parecido ni a la mitad de lo que fue “Wall-E”, eso está claro, pero aún así consigue que se pase el tiempo volando, sin que se pierda enjundia. Y destacar, por encima de todo, un aspecto: el 3D de John Carter es el mejor que se ha visto hasta ahora, sin ningún tipo de duda. Por una parte, no hay una gran pérdida de luz (un poco sí, eso parece inevitable), ni reborde en planos cercanos, algo bastante molesto y que ocurría incluso en las mejores producciones de este formato como “Transformers: Dark Of The Moon” o la reciente “Hugo”- Y también, por el buen hacer del director, jugando con los fondos y con los efectos visuales, pero son forzar en ningún momento, consigue un 3D que está siempre presente, sin que sea necesario lanzar cosas a la cara del espectador. Por esta razón, no creo que la película pierda en dos dimensiones, pero si se decide pagar un poco más, esta es la mejor opción sin duda. Esperaba más, eso sí, de la banda sonora del cada vez más prestigioso Michael Giacchino, que aquí compone una música correcta pero nada destacable.

En resumen, una “Space Opera” entretenida, aunque nada más. Es superior a últimos productos Disney como las dos últimas secuelas de “Piratas del Caribe”, “El aprendiz de brujo” o la nefasta “Alicia en el país de las maravillas”. Estaría al nivel de “Prince of Persia”, aventuras entretenidas pero demasiado fáciles de olvidar, que por cierto, se estrenó por estas fechas y fue un pequeño fracaso.

Para cerrar, decir que me parece una vergüenza que cortaran los créditos al final de la proyección nada más empezar estos (vamos, que casi ni vimos el nombre del director), como si fuera una película de Antena 3. Y no me vale como excusa que fuera para poner el ultimo trailer de “Los vengadores”, que por cierto, es completamente espectacular.

Poster: Los Vengadores

Ya ha visto la luz el poster definitivo del megaproyecto MARVEL más esperado, “Los Vengadores”. Lo que hace unos años parecía imposible parece haberse hecho realidad. Iron Man, Capitán America, Hulk, Thor, Ojo de Halcón, la Viuda Negra y Nick Fury enfrentándose a Loki en una película que promete ser un gran espectáculo y que deberá demostrar que ha merecido la pena cada película individual de los personajes (en especial la secuela del hombre de hierro y “Thor”, las cuales sacrificaban gran parte de su metraje en explicar detalles que tuvieran lógica para éste film).
El poster me ha defraudado, más que nada porque me recuerda a uno de los que salió para “Watchmen”.

Dirige Joss Whedon y llegará a las salas el próximo 4 de Mayo (una semanita antes a España, 27 de Abril). ¿Alguien duda que vaya a arrasar en taquilla?

Oscar´s 2012

El pasado Domingo 26 de Febrero se entregaron los Oscar. Para un servidor fue una noche especial, no sólo porque los ganadores me parecieron de los más justos de los últimos años, sino por compartirlos con La Película del Día, con quien ya los seguí vía internet el pasado año, pero en ésta ocasión ha sido juntos, en persona, y si, fue una noche inolvidable, precedida de una cena fenomenal en buena compañía, en la que pasamos nervios, nos reímos y celebramos el triunfo de “The Artist”. Muchas gracias.
Las dos favoritas de la noche, “The Artist” y “Hugo”, empataron a cinco estatuillas cada una, siendo la de Scorsese la ganadora en los premios técnicos y la de Hazanavicius la ganadora moral y digna triunfadora con los premios gordos, en especial los correspondientes a Mejor Película, Director y Actor (sensacional Dejaurdin). Ambos films celebran el Séptimo Arte y Hollywood las ha recompensado de manera muy acertada. Meryl Streep consiguió su tercera estatuilla y el gran Christopher Plummer al fin se llevó el Oscar. “Millenium” consiguió el premio a Montaje, Woody Allen el de guión original por “Midnight in Paris” y Alexander Payne el de guión adaptado por “The Descendants”.
En definitiva, unos premios muy bien repartidos, a continuación los ganadores:

Mejor película: The Artist
Mejor Director: Michel Hazanavicius, The Artist
Mejor Actor: Jean Dujardin, The Artist
Mejor Actriz: Meryl Streep, The Iron lady
Mejor Actriz de Reparto: Octavia Spencer, The Help
Mejor Actor de Reparto: Christopher Plummer, Beginners
Mejor Banda Sonora: Ludovic Bource, The Artist
Mejor Canción Original: The Muppets (Man or Muppet)
Película Animada: Rango
Mejor película extranjera: A Separation: Asghar Farhadi (Iran)
Dirección Artística: Hugo
Cinematografía: Hugo
Vestuario: The Artist
Maquillaje: Iron Lady
Mejor edición: The girl with the dragon tattoo
Efectos Especiales: Hugo
Mejor Guión Adaptado: Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash: The Descendants
Mejor Guión Original: Midnight in Paris, Woody Allen
Edición de sonido: Hugo
Mezcla de Sonido: Hugo
Documental: Undefeated: Daniel Lindsay, T.J. Martin, Rich Middlemas
Mejor cortometraje, Live Action: The Shore: Terry George, Oorlagh George
Mejor documental corto: Saving Face: Daniel Junge, Sharmeen Obaid-Chinoy
Mejor Corto animado: The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore: William Joyce, Brandon Oldenburg