Hasta mi Regreso (17 de Septiembre)

A veces las cosas ocurren sin que uno lo espere. Tenía previsto irme el domingo a la playita a pasar unos días (que ya tocaba) pero resulta que me han llamado para trabajar curiosamente en el mismo sitio que iba a veranear. Así pues debo dejar un poco aparcado el blog, y despedirme hasta mi regreso, que se producirá, si todo va bien, el 17 de Septiembre. Y puede que regrese con buenas noticias (aunque es poco probable).

Nos vemos por la blogosfera el 17 de Septiembre con mi opinión acerca de ciertas peliculillas con estreno inmediato (La Jungla 4.0).

Saludos.

BSO: In America

Para la película de Jim Sheridan el músico Gavin Fridey creó una composición de gran belleza en donde crea dos estilos. El primero de ellos es de corte más alegre referido al mundo que viven las niñas, en donde predomina la esperanza, como es “All Our Troubles Have Flown Hawai”. En segundo lugar tenemos una composición más dramática y romántica como se puede apreciar en el tema “Fe Fi Fo Fum”, referido al momento en que el padre queda a solas con la madre en su hogar y donde el piano es el principal protagonista. Friday ya trabajó con Sheridan en “In the name of the Father” o “The Boxer” y aquí nos ofrece una preciosa composición para una película optimista, aunque algo regular.

Los 4 Fantásticos y Silver Surfer, de Tim Story

Reed Richards y Sue Storm están a punto de casarse, pero una nueva amenaza llega a la Tierra, y los 4 Fantásticos tendrán que detenerla.

Antes de nada decir que no soy un acérrimo lector del grupo Marvel en que se basa esta película, pero si he leído alguna que otra historieta y debo reconocer que como adaptación es correcta en cuanto a realizar chistes malos de los que hacían gracia por los años 60, pero que hoy día han dejado de tenerla. Tengo que confesar que yo a la primera parte la defiendo levemente como producto de consumo rápido que es y porque iba sin pretensiones, además de que me entretuvo. Pues bien, la secuela que tenemos aquí repite el esquema de la anterior con la única diferencia de introducir un personaje nuevo que parece ser el villano, y no es más que un pobre que obedece ordenes de una nube gigantesca que se elimina planetas (forma absurda de ahorrarse la creación de ese gran personaje que es Galactus).

Si en la anterior se nos narraba las dificultades que tenían los héroes para adaptarse a sus poderes, cómo Reed se debía declarar a Sue, Johnny haciéndose el chulo, y Ben Grim con problemas debido a su nuevo estado, aquí se nos presenta el mismo esquema. En lugar de dar el paso de pedir de salir a Sue, ahora Mr. Fantastico debe dar el paso al matrimonio, Ben sigue siendo el coleguita del elastico y teniendo sus piques con Johnny, el cual es el que tiene ahora los problemas de adaptación al ser tocado por Estela Plateada, lo cual le impide tocar a nadie puesto que cambiaria las habilidades.

Me parece muy bien que repitan el esquema si les funciono, ahora bien podrían haberlo hecho de otra manera, como por ejemplo con más dramatismo y no metiendo chistes fáciles en momentos supuestamente dramáticos, como cuando Johnny está cayendo a la tierra y, en lugar de mostrarlo hundido, lo muestran frente a un camello. Y es que en lugar de hacer una secuela superior (cosa que había hecho “Spider-Man”), hacen una secuela que no avanza nada en lo anterior contado, y que, para demostrarlo, dura menos de hora y media. Es más, recuperan al Dr. Doom (era de esperar) para aparecer el hombre como aparecía en la anterior, o sea en plan humano sin rasguños, cosa que se sacan de la manga en su encuentro con el heraldo. Es una pena que un personaje tan carismático dentro del Universo Marvel sea tan maltratado en el cine, porque si hubieran sido inteligentes, en esta ocasión se lo hubieran ahorrado, se habrían centrado más en Estela Plateada y Galactus seguramente habría aparecido aunque solo fueran 5 minutos. Lo mejor de la película es, sin duda, Estela Plateada, aunque sus apariciones son breves, son lo que hace que la película no aburra en extremo, y encima suelta las mejores frases del film con más naturalidad que el cuarteto protagonista.

Elegir a un director con tan poco personalidad cinematográfica como Tim Story no sé a quien se le ocurriría, pues el hombre repite incluso secuencias que ya estaban en la anterior (allí un rescate en el puente de Brooklyn para aquí ser un rescate igualito en Londres). No aporta nada de tensión a la historia, salvo los momentos del Heraldo sobre su tabla, o el prologo, pero eso a más para los de Fx, porque vamos creo yo que el presupuesto (150 millones de $) se lo han fundido solo en hacer al personaje plateado.

Del reparto poco que decir. Reconozco que Chris Evans me gusta como Johnny Storm, le aporta esa prepotencia y chulería que la Antorcha. Ioan Gruffud no me pega como Mr. Fantastico, pero como la esencia del personaje se la han cargado, el hombre hace lo que puede. Michael Chiklis vuelve a ponerse su traje de goma naranja y a pasar claustrofobia. Jessica Alba no es Sue Storm por mucho que quieran vendernos, a pesar de tener unos bonitos ojos gracias a las lentillas. Julian McHamon seguro que no quería pasar el suplicio del maquillaje y pidió que su personaje tuviera la misma apariencia que en la anterior y unas frases estupidas. Doug Jones con su cuerpo y Laurence Fishburne con su voz prestaron su talento para crear a Estela Plateada, que exige ya una película en solitario.

Lo mejor: Estela Plateada. La Partitura de John Ottman. Es corta.

Lo Peor: Es igual que la anterior. El Dr. Doom.

Mi Vida Sin Mi, de Isabel Coixet

 

Isabel Coixet consiguió un gran éxito de crítica y público con esta película que relata la historia de Ann, una chica de 23 años, casada y con dos hijas, a la que se le localiza un tumor en ambos ovarios anunciándole que le quedan pocos meses de vida. Tras conocer la noticia la joven tomará una difícil decisión, no comunicar a nadie de sus conocidos la noticia. Dicha decisión no es tomada a la ligera, sino que Ann no quiere que en los pocos meses que le quedan de vida ella sea una carga más para ningún miembro de su familia, sino que todo sea como si no tuviera más que un poco de anemia.

Antes de que llegue el final de su vida, Ann confeccionará una lista de cosas que tendrá que hacer, como es grabar cintas para sus hijas, hacerse unos cambios de look, visitar a su padre, quedar bien con su madre, buscar una buena mujer para que cuide de su marido y sus hijas, y mantener una aventura con otro hombre. El objetivo de no hacer daño a nadie mientras vive sus últimos días no será posible del todo, pues le romperá el corazón a Lee, el hombre con el que tendrá una aventura. Él no sabrá la existencia de su enfermedad en ningún momento de su relación, pero lo que para ella es vivir una aventura, para Lee es haber encontrado a la mujer de su vida, la única persona que lo ha querido y que ha llegado en el momento más necesitado. La única persona que sabrá de la enfermedad de Ann será el médico que le comunique la noticia, y para el que Ann tendrá reservada una tarea en su ausencia, un médico que trata de subir el animo a la joven llevándole caramelos en cada visita.

El dilema que se nos plantea en este film es sencillo pero muy complicado ¿Qué haríamos si nos dijeran que vamos a morir en dos o tres meses? ¿Seriamos capaces de comunicar la noticia a nuestros familiares para conseguir que también ellos sufrieran nuestros últimos días, o por el contrario no diríamos nada hasta que llegará nuestra última hora y ya ellos lo aceptarán igualmente? Ann toma la que posiblemente sea la decisión más dura de todas, esperando que todos la entiendan llegado el momento.

La directora catalana se arriesga contándonos esta historia de la manera más honesta posible, en donde la sensibilidad (que no sentimentalismo) es palpada en cada momento, ayudada por la excelente música de Alfonso de Villalonga. Comenzando con esa secuencia de apertura con Ann bajo la lluvia para entrar el juego del hombre que consigue hacer música con las copas, unas copas frágiles de las que sale la más bella melodía, al igual que Ann, una mujer frágil que sacará fuerzas para hacer lo mejor por los demás y dejar las cosas bien atadas antes de morir. La película tiene grandes momentos como el primer beso entre Lee y Ann en el coche, cuando ella le pide que le bese o se pone a gritar; la grabación de las cintas a sus hijas en el coche; la imagen de Lee observando a Ann dormir. También remarcar la que posiblemente sea una de la secuencia más hermosa en donde entra en escena la magia a través de los ojos de Ann, que imagina a la gente de un supermercado moverse al son de Senza Fine, en los momentos más duros cabe la posibilidad de seguir soñando e imaginar un mundo mejor.

Sarah Polley compone un personaje conmovedor con Ann, son podría quedarme con ningún momento concretamente, pero sí me emociono cuando se entera de la noticia de que va a morir, cómo mediante su mirada vemos todo lo que está viviendo por dentro, incluso Coixet crea ahí ciertos momentos cómicos, lo cual demuestra el excelente guión (ganador de varios premios) con el que los actores cuentan y del que saben sacar muy buen partido. El fantástico Mark Ruffalo es Lee, el hombre que se enamorará perdidamente de Ann. Scott Speedman es Don, el marido de Ann que ha conseguido trabajo. Julian Richings hace un trabajo formidable como el Dr. Thompson, un hombre incapaz de mirar a los ojos a alguien para decirle que va a morir y que sentirá una gran simpatía por Ann. Deborah Harry es la madre de Ann, una mujer que no ha tenido mucha suerte con los hombres y que tiene a su hija viviendo a la espalda de su casa en una caravana. Mencionar las apariciones de Maria de Medeiros como la peluquera y de Alfred Molina como el padre de Ann.

Lo Mejor: La honestidad de la propuesta. Sarah Polley.

Lo Peor: Trata un tema muy delicado que puede hacer difícil su visionado.

Bourne, Jason Bourne

Las películas de Jason Bourne han sido thrillers bien fabricados que contenían vibrantes secuencias de acción. “El Caso Bourne” era una película en donde se nos presentaba un personaje que no recuerda nada de su pasado pero que sin embrago es una maquina de matar, al finalizar Bourne sabía que había sido adiestrado por una organización llamada Treadstone. Como thriller la película funciona bastante bien, puesto que sentimos la misma curiosidad que el protagonista por saber quién es. Como film de acción contenía secuencias bien trabajadas como son la huida de la embajada de Zurich, la persecución por las calles de Paris o el vibrante enfrentamiento contra el Profesor (un por entonces desconocido Clive Owen). Lo único que no cuajaba del todo era la historia de amor, muy cogida por los pelos, aunque se puede defender diciendo que Marie es la única persona que ayuda a Jason en las circunstancias en las que se encuentra.

Como todo lo que rinde en taquilla tiene secuela en Hollywood, y el Bourne literario de Ludlum tenía 3 partes, en 2004 llegaba “El Mito de Bourne”. Se dice que segundas partes no son buenas, sin embargo el cambio de director, de Doug Liman (ahora en labores de Productor Ejecutivo) al inglés Paul Greengrass, hizo que Bourne alcanzará una nueva dimensión consiguiendo que las secuencias de acción estuvieran a un nivel igual que la historia que se nos narraba, y no inferior como en la anterior, en que había pocas y no estaban al nivel de la trama. La historia comienza con Bourne viviendo junto a Marie en la India intentando recordar más cosas de su pasado. Un sicario es enviado para matarlos, pero solo consigue eliminar a Marie, cosa que enfurece a nuestro protagonista. En esta secuela se nos explica poco más sobre el origen de Bourne, sin embargo la trama está mucho mejor explicada y es más interesante, el personaje de Pamela Landi rivaliza con el de Abbot dentro de las oficinas de la CIA, y sobre todo veremos que Bourne empieza esto como una venganza y acaba en redención, pues recordará su primera misión oficial como agente de Treadstone e intentará enmendar su errores pidiendo perdón a la hija del hombre que asesinó con lo cual vemos que Jason Bourne no es el hombre frío y distante que parece tras su cara de piedra, sino un hombre atormentado arrepentido de actos pasados y que exige saber quién es. Greengrass implantó un estilo documental cámara en mano, consiguiendo que las secuencias de acción sean más dinámicas y vibrantes que en la antecesora, así por ejemplo la persecución por Moscú es superior a la de Londres y la pelea contra otro miembro de la agencia es más realista.

Y llegamos a la última entrega de las aventuras del agente amnésico, en donde por fin sabremos como Bourne llegó a convertirse en ese asesino. De la historia podemos hablar bien poco, pues es más de lo mismo. A Jason lo persiguen y él por su parte intenta recopilar información que lo lleva a la fuente de donde surgió el sistema que le creó. Sin la segunda era mejor que la primera puesto que igualaba trama con secuencias de acción, en esta ocasión Greengrass, que repite tras su excelente labor en la anterior, tira la casa por la ventana a la hora de confeccionar secuencias emocionantes sin darle ni un respiro al espectador. Así pues tenemos esa espectacular secuencia en la estación de Waterloo en donde Bourne dará instrucciones a un periodista por todo la estación para que no le atrapen, seguida por la impresionante secuencia que se vive en Tánger, donde lo que comienza como un seguimiento se convierte en una carrera contra reloj para salvar a alguien esencial en la Saga y concluyendo con la pelea más brutal de todas las que tiene la Saga. Pero lo mejor de todo es que a pesar de no inventar nada, la película es un continuo homenaje a las dos anteriores, así pues vemos una persecución que finaliza igual que finalizaba la de la anterior película, el recuerdo de Marie viene dado gracias al corte de pelo y cambio de color que Nicky se hace, y lo más inteligente y por lo que hay que quitarse el sombrero, porque yo no sé si lo tenían planeado o les salió por ahí a los guionistas, es conseguir que la última secuencia de “El Mito”, en donde Landy habla con Bourne, sea aquí la que de paso al último tercio del film. Toma ya. Greengrass nos ha estado contando lo que sucede en la anterior película antes de esa secuencia en 1 hora y cuarto de manera vertiginosa, consiguiendo la mejor película de acción de toda la Saga, y de las mejores en los últimos años.

Los Directores

Doug Liman comenzó la Saga de manera muy correcta, procedía del cine independiente y consiguió una película estimable con factura clásica. Lo que menos me gusta de su dirección es que las escenas de lucha resultan demasiado coreografiadas. No pudo dirigir la segunda debido al rodaje de “Sr. y Sra. Smith”.

Paul Greengrass llegaba de rodar Bloody Sunday, con la que tuvo mucho éxito e imprimió en Bourne un estilo más cercano al documental. Muchos se quejan de los mareos de cámara y de que Greengrass es demasiado televisivo con abusos de primeros planos, en mi opinión cada vez que mueve la cámara hay que fijarse que es en los momentos de más acción, y que los personajes en esos momentos están confusos o con la adrenalina a topa, no vamos a negar que la forma en que se nos presenta no nos pone igual a los espectadores.

Gadgets

Al contrario que James Bond, Ethan Hunt u otros personajes similares, Jason Bourne tiene como principal arma su inteligencia a la hora de salir de aprietos. Así pues de la embajada americana de Suiza saldrá escalando en lugar de liarse a mamporros; en Berlín dará esquinazo a los policías cogiendo un tren; utilizará ropa tendida para ir cruzando los tejado de Tánger sin cortarse con cristales; engañará a unos matones con un ventilador unido a una linterna. En las peleas nuestro protagonista sabe defenderse mejor que nadie, y cuando sus enemigos llevan cuchillos él prefiere cosas más prácticas de andar por casa como pueden ser un bolígrafo, una revista, o un libro.

Las Chicas

Marie es la típica chica estudiante erasmus conocedora de recónditos lugares que ve en Jason una oportunidad de conseguir dinero rápido (20000 $) por llevarlo a Paris. Junto a él descubrirá su identidad y vivirá una historia de amor que los llevara a visitar diversos lugares del mundo conluyendo en la India, en donde encontrará su fatidico destino.

Pamela Landy es la mujer más dura de la CIA, la tia con más ovarios que trabaja en la Agencia capaz de plantar cara al más alto cargo. Ella será la que reabra el caso Bourne y llegue hasta lo que es Treadstone, ganándose la enemistad de varios compañeros de la Agencia.

Nicky es al principio una simple analista destinada a Paris, para convertirse en una de las personas que ayudan a Bourne. ¿Por qué? La respuesta la tenemos en esa secuencia que mantienen ambos en una cafetería de Madrid cuando ella le pregunta a él si de verdad no recuerda nada. La mirada de ella en ese momento ya nos está diciendo muchas cosas, reafirmada con la sonrisa final que se marca cuando anuncian que no han encontrado el cuerpo de Bourne.

La CIA

El centro de inteligencia americana es el gran villano en los films Bourne. Comenzando con Concklin, jefe al mando de las operaciones para las que utilizaban a Borune, que acaba siendo “eliminado” por su propia gente. Por encima de él esta Abbot, quién dice no saber tanto como sabe. Noah Vosen es el subdirector de la CIA encaprichado con acabar de una vez por todas con Bourne y todo aquel que este a su lado, y Ezra Kramer el director adjunto de la Agencia. Bourne es para ellos la maquina revelada contra su creador.

Los Asesinos

Ninguno como El Profesor, al que conocemos en Barcelona dando clases de piano. Su enfrentamiento con Bourne en ese campo de maiz no tiene desperdicio. Kirill es un sicario que elimina a Marie, pero deja vivo a Bourne, craso error que acabará pagando en Moscú. El resto son meros sicarios enviados a liquidar al amnésico, con el que tendrán de todo menos palabras.

El Agua

Muchos se preguntarán ¿y este apartado? Pues bien, para mí el agua en esta saga significa muerte y renacimiento. Jason Bourne se nos presenta ante nuestros ojos en el agua, perdido en el mar. Cuando se despierta no sabe quién es, es como si estuviera muerto para el mundo. Marie muere en el mar en ese sensacional plano en que va hundiendose lentamente mientras Jason la contempla. Pero lo mejor viene cuando Jason finalmente ha recordado todo, lo vemos hundiéndose en el agua y de repente empieza a moverse y a nadar, desapareciendo a ritmo de Moby. Así pues Jason Bourne empezó una nueva vida rescatado del mar y ahora que ha encontrado lo que buscaba desaparece de nuevo entre las aguas, renaciendo como una nueva persona.

Las secuencias de acción

Persecuciones como la de Paris con ese estilo Frankenheimer son para enmarcar. Aunque me quedo con la secuencia de la estación de Waterloo y la persecución de Tánger. Mencionar la de la persecución por Nueva Cork y la huida de la embajada de Suiza. Por supuesto, ninguna de esas secuencias tendría la emoción que tiene si no fuera por la brillante partitura de John Powell.

Europa, Europa

Si por algo son atractivas las películas de Jason Bourne es porque nos muestran una Europa visualmente atractiva, sin apenas monumentos históricos (salvo en planos muy generales) que las harían fácilmente identificables. Entre las ciudades que han tenido la visita de Bourne están Berlín, Paris, Madrid, Suiza, Londres y Moscú.

El Reparto

Matt Damon se metió la taquilla en el bolsillo gracias a este personaje. Aunque comenzó mostrándonos su cara de niño bueno, ha ido llevando al personaje cada vez con más mala leche pero sin perder humanidad. Una de las cosas que siempre me han llamado a atención de Bourne es que apuntaba con la pistola pero nunca disparaba, gracias al Ultimátum sabemos que su último paso para convertirse en el agente de Treadston fue debido a una pistola y un victima. Es impactante como el rostro de Damon cambia en esa secuencia-flashback, de tener la última pizca de humanidad atener una sangre fría terrorifica. Y es que cuando se trata de repartir leña como Jason Bourne Damon pone cara de pocos amigos.

Entre la multitud de actores que han estado por aquí tenemos a Franka Potente como Marie, sabia elección para dar vida a una europea. Chris Cooper como Concklin; Brian Cox (posiblemente el hombre que más trabaja en cine de su generación) como Abbot; Clive Owen como El Profesor; Kart Urban como Kirill; Joan Allen, sensacional, como Pamela Landy; Julia Stiles (denle más papeles por favor) como Nicky; Albert Finney como el doctor encargado de crear a Bourne; David Strathaim como Vosen y Scott Glenn como Kramer. Daniel Brül realiza una breve participación como hermano de Marie en “Ultimátum” y Edgar Ramirez como el asesino Paz está muy desaprovechado.

La música

Además de la excelente partitura de John Powell, al finalizar cada película Bourne aparece el tema “Extreme Ways” de Moby, con lo cual se consigue dar un aire de serie al conjunto.

La trilogía de Bourne es un ejemplo de buenos thrillers, con escenas de acción bien construidas y que no dan un segundo de respiro. Jason Bourne es un hombre que busca saber quién es en realidad, pero en el fondo ¿no es eso lo que queremos saber todos?

Amor a Quemarropa, de Tony Scott

Tras muchos años oyendo hablar de ella, el otro día me dispuse a ver esta película dirigida por el hermano listo de Ridley Scott, con guión de Quentin Tarantino y con un reparto de primer orden. Una película romántica en donde la acción, el drama, el humor y la carretera van cogidos de la mano.

La película nos narra la historia de amor entre Clarence y Alabama. Él es un chico que trabaja en una tienda de comics y que va al cine en el día de su cumpleaños a ver una sesión especial de cine de Artes Marciales, allí tendrá un encuentro fortuito con Alabama, una chica de vida alegre contratada para hacerle la noche más feliz. Aunque para ella no era más que un trabajo más (el tercero) se enamorará de Clarence y se casarán, pues han nacido para estar juntos. Sin embargo los problemas no tardan en aparecer. Clarence decide ir a visitar al chulo de Alabama para recoger las cosas de ella y dejarle bien claro que ya no le pertenece. En su encuentro con el singular chulo, un tío blanco que se cree negro, Clarence no tendrá más salida que acabar a disparo limpio marchándose de allí con la supuesta maleta de Alabama. Cuando Alabama se entera de la muerte de Drexl llora, pero no de tristeza sino de alegría, sus llantos bañados con una sonrisa le agradecen a Clarence que le haya liberado de ese cabrón. Pero lo que encuentran en la maleta es algo muy diferente a pertenencias personales. Cocaína. Haciendo gala de su carácter impulsivo, Clarence decide ir a Hollywood a venderla y sacarse el dinero suficiente para vivir sin preocupaciones con Alabama. Claro que los problemas acaban de empezar, pues los verdaderos dueños de la mercancía emprenderán una búsqueda tras ellos eliminando a todo aquel que sepa algo del paradero de los jóvenes.

Partiendo de un guión que escribiera Tarantino con Roger Avary titulado “My Friend´s Best Party” Tony Scott realiza una película visualmente atractiva, con buen ritmo y con su particular estilo característico a la hora de rodar tiroteos como son las cámaras lentas y los halos de luz que bañan la escena. Se dice que esta es su mejor película, sin embargo no estoy de acuerdo, pues a pesar de haberla dirigido creo que el merito de este film lo tiene más Tarantino gracias a su soberbio guión plagado de diálogos ingeniosos. Y es que el film irradia todo lo que es el cine de Tarantino. Para empezar el film empieza en un bar (al igual que “Pulp Fiction”, “Reservoir Dogs” o incluso “Asesinos Natos”) en donde el protagonista expresa su admiración por Elvis con un monologo muy Tarantiniano. A continuación Clarence se dirige al cine el día de su cumpleaños para visionar un ciclo de films de Sonny Chiba, actor al que admira Quentin y que trabajó para él en “Kill Bill”. Como todo buen film Taratiniano tenemos un chulo salido de la olla que cree ser negro, el padre de Clarence que es policía, un gangster elegante que lleva sin matar a nadie cerca de dos décadas, un matón especialista en dar palizas, un productor narcotraficante, su ayudante algo estupido y cocainómano, los policías que buscan atrapar al productor, el amigo de la pareja protagonista que es un actor frustrado y su compañero de piso colocado a todas horas del día.

Entre todos los personajes se entablaran conversaciones y situaciones de lo más pintorescas. Entre las más memorables (de las muchas que hay) tenemos el encuentro entre Clarence y Drexl en el club de este último; la conversación entre el gangster y el padre de Clarence en que nos enteramos que los sicilianos eran negros; el paseo en montaña rusa que le dan al ayudante estupido y donde se lo pasan de vicio Alabama y Clarence. Teniendo entre medias el mundo de Hollywood no desaprovechan la oportunidad de ridiculizarlo, especialmente en el momento en que Clarecen y el productor hablan de grandes películas y dicen que las que ganan los Oscars son siempre las mismas y que la última gran peli que lo ganó fue “El Cazador”, sin olvidar que la película favorita de Clarence en años se titula “Vietnam me mata”, y cuya secuela, en fase de pre-producción, se llamará… “Vietnam me mata 2”, título en donde Hollywoood demuestra su originalidad, como bien dice el productor. Sin embargo la secuencia por la que esta película es recordada sobre todo es por la brutal paliza que le propaga un, por aquel entonces, desconocido James Gandolfini a Patricia Arquette, un momento realmente inolvidable digno de encabezar la lista de palizas en el cine de Hollywood.

A pesar de que a Tarantino no le gustó demasiado la forma de Scott de llevar a la pantalla su historia, y de que cambiaran el verdadero final, el guionista le cedió unas cuantas frases al director para su siguiente film, y el mejor de su filmografía en mi opinión, “Marea Roja” en donde Quentin aportó su granito de arena en la conversación sobre caballos y en las referencias a Silver Surfer de Kirby, los comics vuelven a estar presentes como en esta en que Clarence quiere enseñarle a Alabama el numero 1 de Spider-Man. También se podría hacer una similitud entre el nombre de la protagonista y el submarino, ambos del mismo nombre. Según se dice también, “Asesinos Natos” era la continuación de esta historia, y no es nada descabellado viendo que ambas se mueven en el terreno de la Road Movie y que las parejas protagonistas son los Bonnie and Clyde de los 90. Desgraciadamente Stone hizo lo que quiso con el trabajo de Quentin según las malas lenguas.

El espectacular reparto está compuesto por Christian Slater como Clarence y Patricia Arquette como Alabama, ambos en dos de sus mejores interpretaciones, en especial él. Gary Oldman vuelve a transformarse para dar vida al sádico Drexl; Dennos Hopper da vida al padre del protagonista; Brad Pitt se pasa toda la película colocado en un papel inhabitual en su carrera, y de los más divertidos de la cinta; Michael Rapaport es el amigo de Clarence en Hollywood y quien le consigue el contacto: James Gandolfini es el matón que persigue a la pareja en busca de la droga; Tom Sizemore da vida a un policía bastante similar al que diera vida en “Asesinos Natos” mientras Chris Penn da vida a su compañero; Val Kilmer aparece siempre desenfocado en segundo termino como Elvis, el mentor. Citar dos nombres que trabajarían para Quentin tras esta, Christopher Walken magnifico en el breve papel del gangster que hace el interrogatorio a Dennos Hopper, y un muy secundario Samuel L. Jackson como un pobre traficante que acaba acribillado a manos de Gary Oldman, pero al que Quentin recompensaría convirtiéndolo en uno de sus actores fetiche.

Mencionar la Banda Sonora compuesta por Hans Zimmer, una composición que podría emparentarse con “Thelma & Luise” por su estilo, pero que no deja de sorprender viendo como queda en pantalla. Por supuesto, también tenemos canciones de todas las épocas, otra característica más del sello Tarantino.

Lo Mejor: El guión. La paliza que le da Gandolfini a Arquette.

Lo Peor: El final made in Hollywood.

30 Años sin Groucho

Hoy, 19 de Agosto de 2007, se cumplen 30 años de la muerte de uno de los mayores genios que ha tenido el Séptimo Arte: Groucho Marx.

Nacido en 1890 en Nueva York como Julius Henry Marx, procedente de una modesta familia de inmigrantes alemanes judíos, a los 15 años ya debutó sobre un escenario como cantante, e interpretaría junto a sus hermanos (Chico, Zeppo y Harpo) obras de vodevil, hasta debutar en Broadway con la obra “Coconauts” en 1925. Los hermanos firmaron un acuerdo con Paramount para cinco films, entre ellos el basado en sus obras “Los Cuatro Cocos” y “El Conflicto de los Marx”. Concluirían el contrato con “Pistoleros de Aguadulce”, “Plumas de Caballo” y “Sopa de ganso”, uno de sus films más celebrados. Posteriormente firmarían para la MGM, ya sin Zeppo, para la cual realizarían títulos inolvidables como “Un Día en las Carreras” y la magistral “Una Noche en la Ópera”.

Groucho siempre daba vida al empresario buscavidas que, con lengua acida y crítica, intentaba florecer de la manera más sencilla sin dejar de poner a caldo a la sociedad. La velocidad de sus diálogos y el humor absurdo consiguió que se metiera al público en el bolsillo, a la par que su característica imagen con bigote pintado, gafas y puro le convertirían en un icono del Séptimo Arte tan reconocible como Chaplin, con quien coincidió en un partido de tenis. Además de actuar escribió varios libros, entre ellos “Groucho y Yo” donde da rienda suelta a su característico humor.

Hoy me gustaría homenajear a tal personaje con varias de sus frases celebres:

“Debo confesar que nací a una edad muy temprana.”

“Jamás aceptaría pertenecer a un club que me admitiera como socio.”

“Nunca olvido una cara. Pero en su caso, estaré encantado de hacer una excepción.”

“Desde el momento en que cogí su libro me caí al suelo rodando de risa. Algún día espero leerlo.”

“Una mañana me desperté y maté a un elefante en pijama. Me pregunto como pudo ponerse mi pijama.”

“La televisión ha hecho maravillas por mi cultura. En cuanto alguien enciende la televisión, voy a la biblioteca y me leo un buen libro.”

“El matrimonio es una gran institución. Por supuesto, si te gusta vivir en una institución.”

“Bebo para hacer interesantes a las demás personas.”

“Solo hay una forma de saber si un hombre es honesto: preguntárselo. Y si responde “sí”, sabes que es un corrupto.”

“El secreto del éxito es la honestidad. Si puedes evitarla, está hecho.”

“Detrás de cada gran hombre hay una gran mujer. Detrás de ella, esta su esposa.”

“El matrimonio es la principal causa de divorcio.”

“He pasado una noche estupenda… pero no ha sido ésta.“

“¿Pagar la cuenta?… ¡Qué costumbre tan absurda!”

“Estaba con esa mujer porque me recuerda a usted… sus ojos, su cara, su risa… todo me recuerda a usted… excepto usted.“

“Hasta luego cariño… ¡Caramba!, la cuenta de la cena es carísima… ¡Es un escándalo!… ¡Yo que tú no la pagaría!”

“El verdadero amor sólo se presenta una vez en la vida… y luego ya no hay quien se lo quite de encima.”

“Oiga mozo, ¿y no sería más fácil que en lugar de intentar meter mi baúl en el camarote, metiera mi camarote dentro del baúl?”

“He disfrutado mucho con esta obra de teatro, especialmente en el descanso.“

“Perdonen que no me levante”

Descanse en Paz, Maestro. Nosotros no le olvidamos.

Portadas de DVD para Piratas del Caribe 3

Entrando en “Tu Blog de Cine” me he encontrado con las (supuestas) caratulas para el DVD de la 3ª entrega pirata que saldrá en Diciembre y no puedo más que expresar mi absoluta decepción con dichas cubiertas. Aún estoy en duda sobre si son las definitivas pero bueno, haremos caso a los compañeros de dicha página. Son dos distintas (una para 1 disco y otra para la especial de 2) y en lugar de haber optado por algo más tipo cine, con los personjes entre la neblina, se ponen han poner los rostros de los protas arriba (muy Bruckheimer) y abajo una imagen de la peli (de la que me quedo con la de Sparrow Vs. Jones y el remolino al fondo). Pero es que lo que más me ha irritado es que los rostros están en dirección contraria a como son en realidad, si no fijaos en Deep en la portada de la EE y luego veis el poster que protagonizaba él en donde sale en la misma postura. Ay, cuanto daño está haciendo Photoshop a la industria del cine. Ya no hay portadas buenas.

No sé vosotros, pero a mi me gustan las buenas caratulas, y, aunque no me vaya a comprar esta pelicula sin que antes descienda de precio (cosa difícil viendo que la 2ª aún sigue por las nubes) creo que se deberían trabajar más las portadas de los DVD o BR o HD-DVD.

¿Qué pensais?

Los Renegados del Diablo, de Rob Zombie

Otra sorpresa que me he llevado con esta película. Recomendación de un buen amigo (ese buen cinéfilo-compulsivo) que me dijo que pasaría un buen rato viéndola. Y no se equivocó. Ya que lo que yo pensaba que era una película más de gore y asesinatos terroríficos es ni más ni menos que un western salvaje.

Al principio del film la policía va a un rancho para detener a un grupo de asesinos psicopatas que hacen toda clase de perrerías a sus víctimas. La redada es llevada a cabo por el sheriff, un hombre devoto de Dios y llevado por la venganza, que fracasará en su intento de atraparlos. Comenzará así una huida de los asesinos (dos hermanos)con el sheriff pisándoles los talones. Solo ver la situación vemos que estamos ante un western, los forajidos que escapan del sheriff que les persigue.

El inicio es en un rancho en donde hay un gran tiroteo al más estilo Peckinpah o Arthur Penn para después seguir a los asesinos hacía un motel de carretera en donde secuestrarán a varias personas y les harán todo tipo de perrerías hasta que llegue el padre de las dos criaturas y se marchen a un sitio seguro. El Sheriff por su parte, está envenenado por la venganza, los tipos a los que persigue mataron a su hermano y él no tiene otra tarea en la tierra que vengarlo para que descanse en paz, por supuesto tiene a Dios de su parte para encomendar dicha misión.

El director y guionista Rob Zombie me ha sorprendido gratamente, aunque aún no he visto “La casa de los 1000 cadáveres”, con está película en donde homenaje el cine realizado en los años 70. La factura de la película, su estética y sus personajes están muy bien situados en esos finales de los 70, pero es que además la forma en que está realizada la película bebe de las que se hacían en aquellos años, enriqueciendo más la experiencia. Así Zombie demuestra que no solo es un rockero sino que también es un tío que sabe de cine y quiere compartirla con nosotros dándonos una lección, con referencias cinéfilas ya desde los nombres de los protagonistas, todos basados en personaje interpretados por Groucho Marx en sus películas. Además aprovecha para poner en ridículo a los críticos con esa gran escena cómica entre el sheriff y el crítico empedernido conocedor de toda la vida de los Marx. Lástima que el hombre insulte al Rey Elvis.

Por supuesto no hemos de olvidar que estamos ante una película que se ha vendido como terrorífica, concepto que lo habrán puesto más bien por las brutales secuencias que contiene, y donde yo remarco dos en concreto, la del motel al completo, con ese final de la limpiadora entrando, encontrándose el pastel y su resolución a base de trailer acelerado por la carretera; y la secuencia en el rancho en donde el sheriff va a darles a los malhechores un poco de su propia medicina haciéndoselo pasar muy mal.

Sin ser gore ni desagradable hay que subrayar el gran final del film, en donde, al más puro estilo “Bonny and Clyde”, los asesinos se lanzan contra una barrera policial en busca de su fatídico destino. La cámara se va deteniendo en cada uno de ellos a medida que les van disparando y la imagen se va congelando cuando los disparos les alcanzan, todo ello con música de fondo hasta el final en donde los disparos entran con estruendo.

Los personajes del film son bastante pintorescos. Los asesinos, que forman el grupo de “Los Renegados del Diablo” son el Capitan Spaulding, un viejo payaso cachondo con malas pulgas con los niños, con sus dos hijitos sádicos y hambrientos de sexo, y sangre, Ottis y Baby. Los nombres de estos van cambiando a medida que avanza el film por otros también como referencia a Groucho. Luego tenemos a la mamá del clan, como otra sádica señora que vende su cuerpo para vivir. El sheriff es el brazo duro de la ley, el Charles Bronson del film, el hombre que ve que por las buenas no va a conseguir nada y se monta en un camino de ira destinado a la venganza. Después tenemos esos personajes secundarios que dan vidilla al film como son ese grupo de artistas que van con un toro mecánico y que sufrirán los actos vandálicos de los chicos. El crítico de cine especializado con los Marx que culpara al Rey de no haber recordado como se debía a Groucho (impagable). El hermano, supuesto, del Capi Spaulding, un tío que regenta un burdell y que tiene como compañía siempre a dos tiernas chicas. Y luego tenemos al hijo perdido de la familia, un ser bastante desagradable de ver que aparece en los momentos más oportunos. Supongo que varios de estos personajes aparecían en el anterior film de Zombie, pues entre ambas películas existe relación, aunque no sé hasta que punto, de continuidad.

Lo Mejor: Es frenética, sádica y muy divertida.

Lo Peor: Pensar que no es más que otra de terror.

La Rosa Púrpura del Cairo, de Woody Allen

Cecilia es una mujer con una vida desgraciada, la fábrica donde trabajaba su marido ha sido cerrada y ella tiene que trabajar como camarera en una cafetería. Su única felicidad la consigue en el cine, en donde descubrirá la película “La Rosa Púrpura del Cairo”.

El Cine es Sueño

Que el cine es una ventana hacía la felicidad para muchos es cierto, para Cecilia es además una forma de huir de su realidad, adentrándose en la historia que se le cuenta. Y es que nuestra protagonista bien puede ser un reflejo de esa sociedad norteamericana, victima de la depresión que buscaba evadirse de su cruel realidad. Con un marido que no la quiere, Cecilia se enamorará de Tom Baxter, el protagonista de la película que están echando en el cine de su pequeño pueblo de New Jersey. El problema surgirá cuando el personaje salté de la pantalla a la vida real para compartir con Cecilia momentos que ella siempre ha soñado, como amar y ser correspondida. Por supuesto no todo es felicidad, pues, al huir Tom de la película, la historia que en ella se cuenta se queda coja, falta un personaje y los demás personajes no pueden sino esperar a que vuelva a la pantalla para seguir la historia.

Allen vuelve a demostrar sus dotes a la hora de confeccionar historias entrelazando lo que ocurre en la pantalla a la par que la historia de Cecilia con Tom y la preocupación que tienen los empresarios al ver que un personaje ha escapado.

En la pantalla los demás personajes del film no pueden continuar la historia a falta del personaje de Tom. Aquí vemos cómo todo personaje, sea protagonista o sea secundario, tiene importancia, y que con la ausencia de alguno la película deja de tener su encanto. Por supuesto se aprovecha para meter momentos de discusión del plan “Mi personaje tiene más importancia” o “Yo no salgo hasta el rollo cinco”.

Mientras tanto Tom será para Cecilia todo lo que ella ha querido, un hombre galante, valiente y que la ama. Claro que es un personaje de ficción, no existe, es una invención de un actor, él solo puede existir en la bobina de un cine. Pero ¿qué mas da? ella está viviendo lo que muchos han soñado, enamorarse del protagonista, sentirse importate, ver como su vida se ha convertida en una e esas historias que tanto le gusta ver en una pantalla de cine.

Los empresarios piensan como impedir que se les echen encima toda clase de demandas, pues en todas las ciudades el personaje de Tom Baxter está comenzando a perder la memoria. Aquí entra el actor que le ha dado vida, Gil Shepherd, quien conocerá a Cecilia y surgirá entre ambos un cariño especial. O eso parece, porque cuando parece que Allen va a concluir la historia de final feliz, y que nuestra protagonista va a tener una vida como siempre ha soñado descubrimos la cruda realidad. Esa secuencia final en que una derrotada Cecilia entra al cine, se sienta, observa la pantalla y su rostro va cambiando de triste a un poco más alegre nos muestra lo que de verdad es el cine, en él la chica se va con el héroe y los malos pierden, desgraciadamente la vida es mucho más compleja. Y es que los sueños solo existen en el cine.

El elenco está encabezado por la exmujer, y exmusa, de Woody Allen, Mia Farrow (la cual, siempre me ha dado mal rollo) dando vida a Cecilia de forma magistral, solo por su secuencia final contemplando la película merece los honores. Jeff Daniels da vida a Tom Baxter y a su real Gil Shepherd de forma correcta, de los dos me quedo con Baxter, el aventurero de Egipto que escapa de la película para vivir algo real, pues hacer todos los días lo mismo resulta algo aburrido. Shepher por su parte solo está preocupado con llegar a ser una estrella y dar vida a personajes más importantes, aunque para ello tenga que hacer daño a personas con buen corazón. Danny Aiello es Monk, el marido de Cecilia, un hombre con los pies en la tierra que ve como su mujer vive en un mundo de fantasía, aunque él no es que sea el marido perfecto pues la pega y no hace nada para llevar dinero a la casa.

Como no podía ser de otro modo Allen fue nominado a la categoría de Mejor Guión adaptado, lo cual no es de extrañar. A esta película le deben mucho “El Último Gran Heroe” o “Pleasantville”.

Una película maravillosa que demuestra que en una pantalla de cine todos nuestros sueños pueden hacerse realidad.

Lo Mejor: La secuencia final de Farrow en el cine.

Lo Peor: Quizás algún que otro momento dentro de la pantalla.