La Cortina de Humo, de Barry Levinson

Resulta sorprendente que esta película coincidiera en su estreno con la polémica del caso Lewinsky, ya que el film trata sobre un abuso sexual ocurrido en el despacho oval entre el Presidente y un becaria. Claro que en el film intentan ocultar lo que en la vida real se convirtió en un escándalo que le costó caro a Clinton.
Dos semanas antes de las elecciones salta la noticia de un escándalo sexual en la Casa Blanca. El gabinete del presidente llama a un asesor especializado en resolver problemas de todo tipo. Para darle poca importancia al abuso y que los medios no exploten el tema el asesor decide crear algo más impactante, una guerra. Para ello contratará a un productor de Hollywood e idearan una falsa guerra entre Estados Unidos y Albania.

Lo que más llama la atención en esta sátira política es lo que pueden llegar a hacer varias personas por ganar unas elecciones presidenciales utilizando el poder de la prensa y la televisión. Gracias a la escena de una niña corriendo con un gato entre sus brazos y un pueblo en llamas a sus espaldas el gabinete consigue volver a tener al pueblo a su favor, ignorando este que dicho pueblo es digital, que el gato está sobrepuesto a una bolsa de patatas y que la chica albanesa es en realidad una actriz.
Con esto se nos muestra el gran poder de manipulación que existe en las noticias y los hechos que ocurren en el mundo. El personaje del asesor es altamente extraño, nunca sabemos quien es ni porque el Presidente le conoce, pero es quien nos pone en tela de juicio la veracidad de las imágenes que vemos en Televisión. ¿La Guerra del Golfo? Solo se vio una bomba caer. ¿La Guerra de Vietnam? Una niña cubierta de Napalm. El poder de las imágenes. Dale a la gente una imagen y será lo que recuerden, aunque eso nunca haya ocurrido. Así pues la guerra ficticia que crean les hará olvidar al pueblo el desliz sexual de su presidente, confiando nuevamente en él.

El director Barry Levinson hace un trabajo correcto, de los mejores realizados en su últimos años (recordemos que últimamente ha hecho cosas muy prescindibles como “Man of the Year” o “Envy”), ayudado por un inteligente guión de Hilary Henkin y el siempre genial David Mamet. Así pues Levinson realiza un film ágil, con diálogos inspirados, convirtiendo esta sátira política en una de las más acertadas de cuantas se hicieron en aquel año (recordemos “Primary Colors” de Nichols con Travolta-Clinton). Destacan también nombres como Robert Richardson en la fotografía y Mark Knopfler en la composición musical.
Como es habitual en el director el reparto era de primer orden, encabezado por dos grandes como son Hoffman y DeNiro, que ya habían trabajado juntos, aunque brevemente, bajo las ordenes de Levinson en “Sleepers”. Dustin Hoffman volvió a estar nominado al Oscaro por su papel como productor de Hollywod que reivindica su papel en la Industria y ve en este engaño la posibilidad de crear su mayor producción, aunque desgraciadamente no se la pueda contar a nadie. Hoffman desprende energía en cada secuencia, con una verborrea incansable y unos diálogos ingeniosos que incluso critican ligeramente al mundo del cine (“Nunca he ganado un Oscar, aunque si los he producido” “Hay Oscar para todas las categorías menos para Mejor Productor, cuando nosotros somos los que tenemos el trabajo más duro.”). DeNiro, además de producir el film, compone un personaje más callado, más frió. Su papel es el de un hombre que tiene todo bajo control y que dado un paso se pone a pensar en el siguiente, respondiendo a todas las preguntas con “Estoy en ello”, es el mejor en su trabajo y no admite errores ni filtraciones. Es divertido el atuendo que lleva el gran Bob en este film, con sombrero y pajarita, además de un aspecto barbudo, cercano a profesor de Universidad. El mano a mano entre Hoffman y DeNiro esta a la altura de lo que cabía esperar, metidos cada uno en su personaje y disfrutando con lo que mejor saben hacer (tanto que repetirían como consuegros en “Los padres de él”). Completan el reparto Anna Heche (en su época de fama) como jefa de gabinete, Denis Leary como guionista y asesor de vestuario del proyecto, Kirsten Dunst como la actriz que da rostro a la chica albanesa, William H. Macy (habitual de Mamet, ¿cómo podía faltar?) como agente del FBI, y Woody Harrelson como el falso Sargento Schumann protagonizando la secuencia más divertida de todo el film en un avión.

Una sátira política con inteligentes toques de humor que critican la manipulación a la que es sometido el pueblo por medio de imágenes.

Lo Mejor: El guión. El mano a mano entre Hoffman y DeNiro.

Lo Peor: Es demasiado USA.

The Postman, de Kevin Costner

Siempre que he oído hablar de esta película ha sido refiriéndose a ella como mala, pésima y similares. Tras haberla visto yo no le adjudicaría estos adjetivos, sino uno más acorde con su situación como es fallida. Y es que tras esta epopeya con toques de western se esconde una fábula sobre un hombre que toma prestada una falsa identidad para sobrevivir consiguiendo dar esperanza a todo el mundo.

Veamos, la historia trata de un hombre que tras escapar de un campo de reclutamiento se esconde a pasar la noche en un vehículo abandonado. Allí tendrá la compañía de un esqueleto con vestimentas de cartero, las cuales tomará para abrigarse. Tras un momento de deliberación a nuestro protagonista se le ocurre conseguir alojamiento y comida diciendo que es el cartero de los Reestablecidos Estados Unidos y vendiendo a todo el mundo la historia de que su país está siendo reformado. Lo que el hombre no espera es que su mentira llenará de esperanza a millones de personas y abrirá paso a un futuro mejor.
Con esa historia bien podrían haber hecho una comedia dramática muy al estilo de Capra, de hecho me recuerda levemente a la historia de “Juan Nadie”. Pero todo eso queda por los suelos debido a los aires de grandeza de Kevin Costner, quien tras su premiada “Bailando con Lobos”, se embarcó en esta historia de ciencia-ficción con infulas de western ambientada en un futuro donde los Estados Unidos han quedado destruidos tras una guerra civil, y donde de nuevo nos vuelve a narrar la típica historia de rebeldes contra opresores (en este caso un grupo llamado Hornista). Y es que son los tramos donde la película quiere ser épica y tomarse en serio donde naufraga rotundamente. Así pues ya el villano de la función nos resulta caricaturesco al medirse en un duelo de monólogos shakespirianos con nuestro protagonista, que es un actor que deambula ciudad por ciudad con su burro, para luego descubrir que ese temible líder de los Hornistas era un vendedor de fotocopias que alcanzó el poder gracias a un libro llamado “Cómo conseguir el éxito”.
Con lo bonita que le habría quedado la película a Kevin contando la farsa que vive nuestro protagonista engañando a todo el mundo, demostrando que solo sirve creer en algo para reconstruirlo, y encima con un personaje protagonista que da para mucho más juego siendo este un actor pésimo que recorre ciudades en compañia de su mula. Pero no, Costner quiere hacer un espectáculo que le quite la espinita de “Waterworld”, muy similar a aquella, y que recuerda a “Mad Max”, pero va y nos hace una comedia, de esas que salen sin que se lo espere, la del absurdo. Solo así, además de lo anterior citado sobre nuestro villano, podemos entender que nuestro protagonista hable con su burro, que lo feroces villanos odien las películas de Van-Damme en beneficio de “Sonrisas y Lagrimas” y films de John Ford ( ¿serán críticos de cine? ) , o que la chica más guapa de la ciudad le pida un hijo con la bendición de su esposo, el cual no la puede dejar en cinta debido a que sufrió paperas de niño. En fin.

Que el guión lo firmen tipos como Eric Roth (Forrest Gump, Munich, El Buen Pastor) y Brian Helgeland (L.A. Confidential, Mystic River) es algo chocante, aunque todo buen guionista tiene guiones malos (en el caso de Helgeland tiene lindeces por ahí), resulta sorpredente que estos dos guionistas parieran un libreto con situaciones y frases sonrojantes (el momento en que Costner dice “Soy Yo” a los carteros debería estar entre las secuencias más absurdas de la década de los 90).
Si todo esto no basta falta hablar de la cosecha propia de Costner, que con esta quiere hacer su segunda “Bailando con Lobos”. En primer lugar, la película tiene que ser larga, 175 minutos parecen ser suficientes para Kevin, pero habría quedado muy bien quitando las dichosas secuencias del grupo de malos, y contando solo la mentira a la que somete el cartero al mundo, solo habría durado 90. Segundo, Kevin Costner no solo es el protagonista sino que se tiene que lucir con barba y afeitado, y de ambas maneras tiene que salir atractivo para ligarse a la chica protagonista. Y tercero, Costner se quiere homenajear a él mismo cabalgando frente a los villanos enseñando su brazo en una secuencia calcadita a la del comienzo de su película de indios.
Cualquiera que lea esto seguro que piensa que me cae mal este hombre. Nada de eso. Es que he vito en esta película una oportunidad desaprovechadísima, pero reconozco que Costner dirige de forma muy clásica, y con algún que otro momento conseguido (la secuencia en que coge la carta al niño), ayudado también por la notable fotografía de Stephen Window y la banda sonora de Newton-Howard. Eso sí, las secuencias de acción son de lo peor, y esa batalla final a cámara lenta con frase patriótica no la aguanta nadie consiguiendo un resultado final que queda empobrecido debido también a la falta de ritmo y, otra vez, a su larguísima duración.
Acompañan a Costner, que hace un papel bastante ridículo, Will Patton (chico Bruckheimer y Bay) como el villano orador de Shakespeare y pintor frustrado. Olivia Williams es la chica de la películas, que resulta ser más dura que nuestro heroe. Larenz Tate como Ford Lincoln Mercury (nombre que coge de coches), el verdadero héroe masculino, que cree en el cartero y va propagando su historia hasta conseguir un ejercito de fieles carteros. Giovanni Ribisi participa como un retrasado recluso del campo de prisioneros al principio de la película.
La película ganó los premios Razzies (o sea lo peor de lo peor) a Peor Película, Peor Director, Peor Actor, Peor Guión y Peor Canción Original y fue nominada como Peor Película de la década (honor que ostenta “Showgirls”). Yo no la defiendo, pero si creo que está bastante maltratada, y no por el público sino por su director, que no supo apreciar la historia que tenía en manos y se llevó por su grandilocuencia. Eso si, luego Costner dirigiría la digna “Open Range”.

Lo Mejor: La fotografía y la Banda Sonora.

Lo Peor: Es un despropósito que podría haber dado una bonita película.

News: el Joker e ¡¡¡Indyyyyyyy!!!

Dos de los platos fuertes cinematográficos del inminente 2008 están empezando a sacar sus cartas para ver quien se lleva el gato al agua en la taquilla (aunque yo lo tengo muy claro).

La revista Empire le dedica su portada al Joker de “The Dark Knight”. Algo sucio y desaliñado, el payasito nos mira con cara de pocos amigos. Veremos a ver como queda en el universo Nolan, yo tengo aún mis dudas al respecto. El que directamente dice que será horrible es nuestro querido Joker de toda la vida, Jack Nicholson. Aquí lo teneis.

Y ahora el plato fuerte. Después de que el susodicho trailer no apareciera el día de acción de gracias, y nos dieran con la puerta en las narices, tenemos las primeras fotos oficiales de Indiana Jones 19 años después de su última cruzada. Que expectación, madre mía. A Ford le sigue quedando tan bien la ropa como el primer día. En Mayo todo el mundo al cine a verlo en acción con la música de Williams de fondo y el mago Spielberg regalándonos otra gran aventura.

La cuenta atrás ha comenzado, y los trailers empezarán a aparecer en breve. Qué nervios.

Actrices: Michelle Pfeiffer

A pesar de que su primer papel protagonista fuera en esa horrenda secuela que es “Grease 2”, nuestra dama con ojos de gata se crearía una de las carreras más sólidas en el panorama Hollywoodiense. Tras la secuela del famoso musical cambiaría totalmente de registro dando un vuelco de 180º protagonizando una película mítica dentro del genero negro junto con Al Pacino y a las ordenes de Brian DePalma, “Scarface”. Con Pacino volvería a coincidir años después para el drama (considerado en muchos sitios comedia) “Frankie y Johnny”.
En los 80 participó además en la cinta de corte fantástico a las ordenes de Richard Donner, “Lady Halcón”, y participaría en la sátira sobre el mundo del cine que es “Dulce Libertad” de Alan Alda, en donde compartía cartel, además de con el director, con Michael Caine y Bob Hoskins. Formó parte junto con Susan Sarandon y Cher del trio de brujas encandiladas con un Diablillo Jack Nicholson en la divertida “Las Brujas de Eastwick”. Sus proyectos siguientes se pueden considerar menores como son “Casada con todos”, “Amazonas en la luna” o “Conexión Tequila”.
Pero en el año 1988 obtuvo el merecido reconocimiento con su papel de Madame de Tourvel en la adaptación cinematográfica que realizó magistralmente Stephen Frears de “Las Amistades Peligrosas”, junto con Glenn Close y John Malkovich. Gracias a su brillante interpretación fue nominada al Oscar como Mejor Actriz Secundaria, y ganría el Bafta. Al año siguiente volvería a estar nominada (Ganando el Globo de Oro), esta vez como Mejor Actriz, por “Los Fabulosos Baker Boys”, en donde demostraba lo bien que se le da cantar sobre el piano.
En 1992 formaría parte de “Batman Returns” de Tim Burton, dando vida a Catwoman de manera felina y sensual, y consiguiendo que a algunos se nos quedaran grabadas las imágenes en que lame al hombre murciélago ataviada con su uniforme de cuero negro y su látigo (puro sado). Volvería a optar a la estatuilla por última vez por “Por encima de todo”, y el maestro Scorsese la fichó para “La Edad de la Inocencia” en donde formaba pareja junto con el gran Daniel Day-Lewis.
Lo que viene después lo podemos considerar como películas de consumo rápido en donde su sola presencia basta para darse por satisfecho. “Lobo” de Nichols, lo volvió a unir con Nicholson, “Mentes Peligrosas” estaba producida por Bruckheimer, “Intimo y Personal” la emparejaba con el galán Redford, y de galán en galán se topo con el nuevo Batman por aquellas fechas, George Clooney, para rodar “Un Día Inolvidable”, que de no ser por la pareja sería una película muy olvidable. Se hizo hermana de Jessica Lange en “Heredarás la tierra”, fue la esposa fallecida de Peter Gallager en “Feliz Cumpleaños amor mío”, perdía a su hijo “ En lo más profundo del océano”, y terminaría el mileno formando matrimonio con Bruce Willis en “Historia de lo nuestro” y convirtiéndose en la Reina de las hadas, Titania, en “El sueño de una noche de verano”, donde compartía cartel con un plantel de primer orden, entre los que se encontraba Ally McBeal, que por aquel entonces se decía que flirteaba con el marido de la Pfeiffer (David E. Kelley fue el productor de la serie de Flockhart), aunque luego todo quedó en rumores.
Eso sí, parece que tanto a Pfeiffer como a Flockhart le gustan el mismo tipo de hombres porque Michelle comenzó el milenio protagonizando una película de suspense made in Hitchcock dirigida por Robert Zemeckis junto con Indiana Jones, Harrison Ford. “Lo que la verdad esconde” se convirtió en un tremendo éxito de taquilla, y a pesar de que las críticas hacia el film no fueron buenas, su papel como esposa fue muy bien acogido. Se suponía que tras este exitazo nuestra querida rubia volvería a inundar las pantallas con su presencia, pero no. Al año siguiente participó en una película destinada a mayor gloria de su protagonista masculino, Sean Penn, y de la jovencísima Dakota Fanning en “Yo soy Sam”, para al año siguiente participar en ese telefilm plagado de buenas actrices que es “La flor del mal” y terminar prestando voz al maligno personaje de Eris en el film animado “Simbad”.
Han tenido que pasar cuatro años para verla de nuevo y ha vuelto por todo lo alto. Si, su primer film estrenado fue “El novio de mi madre”, pero después llegaría “Hairspray” y “Stardust” dos películas en donde demuestra lo maligna que puede ser y que los años no pasan por ella.

No nos vuelvas a abandonar tanto tiempo Michelle.

P.D. Alejandro gracias por decirme la pagina web, es fantástica. Para los que quieran visitarla: http://www.pfeiffertheface.com/

BSO de la semana: The Hunchback of Notre Dame

The Hunchback of Notre Dame de Alan Menken y Stephen Schwartz: Coincidiendo con el estreno de “Encantada” voy a recuperar una de las mejores composiciones que realizó Alan Menken para los Estudios Disney en la época dorada (los 90). Para la adaptación cinematográfica de la obra de Victor Hugo, Menken creó canciones con cierto estilo gospel en donde sobresalen los temas “The Bells of Notre Dame” o “Topsy Turvy”. Ayudado por Schwartz creó una serie de canciones inolvidables que incluso tocaban temas más adultos que de costumbre, el caso de “Heaven’s Light/Hellfire” por ejemplo. En cuanto a la composición orquestal supone un verdadero gozo en donde se condensa dramatismo con gran emoción, el tema “Sanctuary” es de los que ponen la piel de gallina. A pesar de obtener excelentes críticas no ganó ni el Oscar ni el Globo de Oro, rompiendo la tradición anual y comenzando así su declive en la Disney, para la que al año siguiente compondrían la música del film más flojo de la productora (a pesar de que la serie de Tv es altamente recomendable) “Hercules”. Posteriormente dejarían de contar con él para sus largos animados (el último Oscar por una canción Disney se lo llevó Phil Collins por la soberbia “Tarzan”), aunque ha participado en películas destinadas al mercado del video y en “Zafarrancho en el Rancho”, ahora parece que vuelve por la puerta grande de nuevo con “Enchainted”. Aún así, considero “The Hunchback of Notre Dame” una de las mejores Bandas Sonoras para la Factoría Disney, a la altura de “The Beauty and the Beast” y “The Lion King”. Una Maravilla Musical.

In Memoriam: Fernando Fernán Gómez

Ha fallecido a los 86 años de edad el escritor, director y actor Fernando Fernán Gómez. Con una larguisima trayectoria en el mundo de las letras, está considerado, con toda la razón, como uno de los mejores actores que ha tenido el cine español. Fue miebro de la Real Academia Española y recibió el premio Principe de Asturias. Ha escrito varios libros y obras teatrales, que luego adaptaría para el cine (”Las bicicletas son para el verano” o “El viaje a ninguna parte” entre otras muchas) y ha participado en más de 200 películas y premiado en multitud de ocasiones. A pesar de que los medios se hacían eco de sus muestras de mal humor público (que poco nos importan), era un hombre respetado, culto, un caballero que nos ha dejado grandes títulos en la filmografía española y que poseía una voz inolvidable. Un grande del cine que nos ha dejado.

Descanse en Paz, maestro.

Irma la Dulce, de Billy Wilder

Tres años después de la maravillosa “El Apartamento”, Billy Wilder volvió a unir a Jack Lemmon y Shirley MacLane en esta película sobre un policía que se enamora de una prostituta con Paris como telón de fondo.

Nestor Patou es un policía que ha sido destinado a la zona más “inmoral” de Paris, una calle en donde desempeñan sus buenas artes las mujeres de vida alegre. La policía hace la vista gorda de tales actos inmorales siempre gracias a los sobornos que les pagan los chulos. Sin embargo el agente Patou es un hombre de ley, de firmes convicciones, y organizará una redada en que apresará a todas las damiselas, entre las que esta Irma, una guapa muchacha acompañada siempre por su perrita coqueta. Desgraciadamente para Patou su buena acción se convertirá en causa de despido y se verá inmerso en un mundo del que jamás hubiera pensado formar parte.

Basándose en la obra de teatro de Alexandre Breffor, Wilder, junto con I.A.L. Diamond en el guión, realizó una película romántica divertida en donde se tratan temas como la prostitucion, el amor, pero sobre todo la doble cara de las personas.
Irma es una muchacha tan alegre como la vida que lleva. A cada cliente le cuenta una aventura distinta de su vida para entristecerlos y así le den más dinero, convirtiéndose en la chica más deseada de toda la calle por los clientes.
Nestor se queda sin trabajo y por circunstancias de la vida se convertirá en el nuevo atesorado de Irma, pero puesto que el hombre no quiere ver a su amada acostándose con otros hombres inventa un personaje, un viejo inglés al que llama Sr. X. Así Nestor se convierte en otro farsante más, capaz de mentir por amor a su chica, pero al tiempo no sabrá discernir entre realidad y ficción creyendo que en realidad el misterioso Sr. X existe y que Irma se está enamorando de él.
La comedia de enredo está servida. Las situaciones que Nestor debe pasar para que Irma y el resto de chulos del barrio no se enteren de su treta son de lo más rocambolesco. Para ayudarlo el hombre tendrá como apoyo al camarero Moustache, posiblemente el mejor personaje de toda la película. Si hablamos de farsantes, o cuentistas, nadie mejor que él, un hombre que ha sido camarero, abogado, médico, soldado, y un largo etcétera. Sus diálogos son de los mejor del film, consiguiendo más de una carcajada.

Wilder se negó a hacer un musical como la Obra Teatral, así que adaptó las canciones a guión, aunque hay escenas que pueden considerarse musicales, ahí tenemos por ejemplo el momento en que a Nestor lo nombran jefe del clan y se monta una gran fiesta en donde Irma se pone a bailar sobre la mesa de billar. Es posible que esa adaptación sea la causante de que la película llegue a durar más de la cuenta (sobrepasa las dos horas de sobra), y le hubiera venido bien no haber enredado tanto la maleza en el tramo final, terminándolo de manera un poco inverosímil.
La dirección artística y la maravillosa música (premiada con el Oscar) ayudan al conjunto. Los colores vivos de las calles y el vestuario le dan al film un toque teatral muy adecuado.
Billy Wilder está considerado un maestro con todas las de la ley, y aunque está no sea de sus películas más redondas, si que se nota su particular sello, no solo en los inteligentes diálogos, sino también en su buen ritmo y su elegante dirección, superior a cualquier otra vista hoy día en cualquier comedia. Según se dice Wilder no veía a MacLane como prostitua ni a Lemmon como Latin Lover, pero viendo la película cualquiera lo diría, bueno tal vez en el caso de Lemmon. MacLane crea una dulce Irma de verdad, consiguiendo que nos enamoremos de ella, y consiguiendo una nueva nominación al Oscar y un Globo de Oro. Lemmon es uno de los grandes actores de la historia, pero aquí no lo veo como latin lover, no es su personaje, sino más bien como el pobre hombre que es expulsado del trabajo que mas quiere para verse rodeado en un ambiente de vicio. Su cambio de timidez a tipo duro, pasando por su magnifica creación como lord inglés, es absolutamente remarcable. A pesar de que Wilder quería a Charles Laughton para Moustache, el gran actor no estaba disponible a causa de una enfermedad y le dio vida magistralmente Lou Jacobi, es más cada vez que aparece es como un soplo de aire fresco.

Un bonita historia de amor, de la que no sería estrambótico decir que se copió “Pretty Woman”, con un gran sentido del humor.

Lo Mejor: Los actores. El ritmo.

Lo Peor: El tramo final está resuelto de manera inverosímil y parece que le sobren minutos.

Actrices: Anna Paquin

En la Ceremonia de los Oscars de 1993 hubo una persona que se me quedo grabada. No, no fue Tom Hanks. Fue una chica de 11 años por aquel entonces que se llevó el premio a la mejor actriz de reparto por su interpretación en “El Piano”. Memorable fue su discurso, no por lo que dijo, sino por lo que tardó en asimilarlo la pequeña. Su nombre: Anna Paquin.
Al contrario de lo que le pasa a muchos niños prodigio que tienen su minuto de gloria para luego desaparecer (Haley Joel Osment lo tuvo con “El Sexto Sentido”), Paquin siguió, aunque no inmediatamente, en el mundo del cine alternando películas comerciales con films más personales y minoritarios. Junto con Christina Ricci quizás sea la actriz que en poco mas de una década se haya fabricado una carrera tan interesante y variada.
Ha intervenido en “Hurlyburly” con, nada menos que, Kevin Spacey, Sean Penn y Robin Wright;, formó reparto entre un montón de rostros conocido en “Destinos Cruzados”; fue la chica de Balagueró para “Darkness”; fue una de las groupies que seguían a los “Casi Famosos”; tuvo una aventura con quien fuera su padre en “Volando Libre” (Jeff Daniels) en “The Squid and the Whale”; en “Buffalo Soldiers” tenía a Joaquin Phoenix, Scott Glenn y Ed Harris como compañeros; y estuvo en “La Ultima Noche” de Spike Lee en donde tenía un affair con Phillip Seymour Hoffman, director suyo en la obra teatral “The Glory of Living”.
Y es que Anna es una actriz de teatro. Además de la obra dirigida por Hoffman ha participado en “This is our Youth” junto con Jake Gyllenhall y Hayden Christensen; “Roulette”, “Distance from here”, y “After Ashley” en donde actuaba junto con el hermano de otro niño prodigio olvidado, Kieran Culkin.
Mucha gente acabaría reconociéndola gracias a el mayor éxito de su filmografía, “X-Men”, que la haría repetir en dos ocasiones más, en las cuales su personajes pasaba a ser cada vez más secundario.
Por supuesto ha participado también películas bastante fallidas o directamente malas. Empezando por esa comedia romántica juvenil que es “Alguien como tú” en donde ejercía de hermana de Freddie Prince Jr., pasando por una de las películas más flojas de Spielberg, “Amistad”, en donde tenía el papel de Isabel II que no llegaba más que al cameo, o la secuela oculta de “El indomable Will Hunting” que es “Descubriendo a Forrester”.
Actualmente tiene preparada una película titulada “Margaret” en donde forma tandem con Matt Damon, Mark Ruffalo y Jean Reno, además de participar en esa película de Halloween y que no saben cuando van a estrenar titulada “Trick´r Treat”. También ha colaborado en una película para la HBO con muy buena aceptación titulada “Bury my heart at wounded knee”, y se está especulando que podría ser la hermana de Gregor Sansa en la adaptación de “La Metamorfosis”. Sin embargo su proyecto más inmediato es la serie televisiva “True Blood” creada por ese genio que es Alan Ball y donde se mezclará el genero fantástico con la comedia ácida y el drama, pero que por la huelga de guionistas, en cuya manifestación estuvo presente, parecer ser que se ha paralizado.
Para finalizar os dejo con unas fotos de la actriz desde su premio hasta día de hoy. Juzgad si merece mejor puesto en Hollywood del que posee hoy día. Desde aquí la reivindicamos como una de las mejores de su generación.

Te queremos Anna.

El maltrato a las series

Como bien sabéis la sexta temporada de “24” fue estrenada por Antena 3 en un horario tan poco favorable como son las doce de la noche y en ciclos de dos capítulos diarios. Debido a la baja audiencia, comprensible por otra parte debido a las horas de emisión, la serie fue anulada de la programación sin aviso. Semanas después se volvió a emitir en el día de domingo a partir de la una de la mañana y con un único episodio, condenando aún más su existencia. Pues bien, ayer no emitieron la serie previa a la protagonizada por Kiefer Sutherland, “Sin Rastro”, sino que emitieron uno de tantos programas de cotilleos y coloquios alargado hasta las 2:30 de la madrugada, hora en que comenzó el capítulo de la serie.
Esto es una falta de respeto hacía los telespectadores que seguimos la series extranjeras, victimas de cambios de horarios y anulaciones. La serie “24” es una de muchas, recordemos como TVE pasó a horario nocturno “Urgencias”, “El Ala Oeste de la Casa Blanca”, “A dos metros bajo tierra”, o la más reciente y exitosa “Perdidos”. Esto no importaría si todos tuviésemos Canal Satelite y pudiéramos ver dichas series en FOX o cadenas digitales que tienen comprados los derechos de emisión, pero es algo que todos no nos podemos permitir y solo hay una manera de conseguir dichas series: Internet.

Desde aquí pedimos un respeto a los telespectadores que siguen series, ya no solo extranjeras, sino nacionales, que son condenadas a horarios inhumanos a favor de programas basura.

BSO de la Semana: Especial Batman

Batman/Batman Returns de Danny Elfman: Como es habitual Tim Burton contó para narrar las aventuras del caballero negro con su colaborador musical Danny Elfman, quien creó una portentosa Banda Sonora con un inolvidable tema principal que se convertiría en la marcha más memorable para un Super-heroe junto con la que compusó Williams para Superman. Desgraciadamente en el día del estreno de la película se daba más publicidada a el soundtrack del film a cargo de Prince que a la partitura de Elfman, pero el tiempo pone cada cosa en su sitio y para la secuela Elfman se superó a si mismo realizando un score más elaborado con temas para los diferentes personajes. Entre los temas memorables a parte del tema principal tenemos cuando el bat-movil recorre la oscura carretera para adentrarse en la batcueva acompañado por coros, el final en que Batman se presenta ante la imagen en el cielo, y por supuesto el maravilloso prologo de Returns, una verdadera joya musical y cinematográfica. Su composición fue utilizada además para la serie de animación (magnifica por otra parte).

Batman Forever/Batman & Robin de Elliot Goldenthal: A partir de la tercera vino el declive para el hombre murcielago cinematográfico. Las películas de Schumacher son un verdadero insulto y la música de un compositor tan reivindicable como Goldenthal en esta película ayuda a que el resultado del film alcance momentos más absurdos si cabe con una música más destinada a la comedia que a un film de aventuras (sin ir más lejos los temas correspondientes a los villanos), a pesar de contar con un tema principal en principio prometedor. No creo que Goldenthal trabajará mucho para la cuarta de Batman, es más creo que ni trabajó siquiera, sino que utilizaron la misma música y descartes de Forever, porque si veis una y otra película comprobareis que tiene absolutamente la misma música y está igualmente mal usada.

Batman Begins de Hans Zimmer y James Newton-Howard: Como ya comenté en su día el film de Nolan es una acertada renovación del hombre murcielago. Para la música contó con dos pesos pesados como son Hans Zimmer y James Newton-Howard, quienes se alian para crear una composición intensa en los momentos de acción como la batalla contra Ras Al Gul o dramaticos en el momento de centrarse en los miedos de Bruce Wayne. Su punto flaco podría ser el tema principal para Batman, que no llega a ser tan memorable ni a estar tan marcado como el compuesto por Elfman. Veremos a ver como se las apañan en The Dark Knight en donde tengo entendido vuelven a repetir los dos, esperemos que desarrollen está notable creación.