Los Abrazos Rotos, de Pedro Almodóvar

Tres años después de “Volver” Pedro Almodovar regresa con una historia que posee todo lo que siempre ha caracterizado su cine, como son la pasión, los celos y los secretos del pasado que torturan a los personajes. Con “Los Abrazos Rotos” el director manchego hace un homenaje al cine negro de los 50 y al drama italiano, a la vez que implanta su particular sello dejando claro que estamos viendo una de sus películas. Es esto último precisamente lo que hace que el film quedé descompensado y lo convierta en una obra imperfecta.

La historia gira en torno al guionista Harry Caine, anteriormente conocido como Mateo Blanco, un director de cine que decidió olvidar su nombre, y todo su pasado, una vez se quedó ciego. Caine vive tranquilamente en Madrid escribiendo guiones que vende su jefa de producción y amiga, Judit, cuyo hijo, Diego, cuida de Mateo y le sirve como lazarillo cuando su madre no está. Un día aparece un joven director que quiere rodar una película que tenga el guión firmado por Caine. A partir de ese momento la vida de los protagonistas revivirá las viejas heridas marcadas por un pasado en que conocieron al productor, recientemente fallecido, Ernesto Martel y, sobre todo, a su amante, Lena, con la que Mateo vivió una intensa historia de amor.

Rotos, no hay mejor adjetivo para describir tanto a la estructura que posee el film como a la naturaleza de los personajes que lo pueblan. Al igual que las fotos rotas que guarda Mateo y que Diego intenta recomponer la película funciona a base de flashbacks que nos expliquen por qué el protagonista llegó a quedarse ciego, estableciéndose así un puzzle fílmico en el que al final todas las partes queden unidas y den sentido al conjunto.
Los personajes principales poseen una rotura emocional. Judit siente la culpa de lo que pasó en los días que precedieron a la ceguera de Harry. Ernesto Martel siente que Lena le engaña y sufre cada vez que le es imposible escuchar lo que esta dice en la pantalla, incrementando su dolor y su fuerte carácter posesivo. Lena se encuentra atrapada viviendo junto a un hombre que no ama y que le impide vivir cerca de Mateo. En el caso de Mateo/Harry esta rotura se amplia mediante su discapacidad física, la visión ausente. No solo perdió a la mujer que amó sino también su sentido más preciado, el que le permitía llevar a cabo lo que más le gustaba, el cine. Y es que un director de cine sin visión es cómo un enamorado sin corazón.

Pedro Almodóvar vuelve a firmar el guión y la dirección del film. En lo que respecta al guión Almodóvar parte de una fotografía tomada en Lanzarote que recordó en una fatídica noche de migraña. El manchego crea una historia central muy buena que, como ya he citado antes, posee todos los ingredientes del drama y el cine noir. Ahora bien, donde decae el film es en las historias secundarias que van apareciendo fugazmente, sin apenas desarrollo, como la de Rubén Ochandiano o las que tienen al personaje de Blanca Portillo y Tamar Novas como protagonistas al final del film. Respecto a Ochandiano he de decir que lo que más me molesta es el hecho de que Almodóvar haya vuelto a caer en introducir la homosexualidad. ¿Tiene que ser homosexual el personaje? Al contrario que en “La Mala Educación” o “La Ley del Deseo”, películas en donde el cine tenía también mucha importancia, aquí la homosexualidad del personaje está por capricho. Ni siquiera esa presunta obsesión que tiene el joven por Blanco justifica que sea gay, pues sencillamente puede admirarlo tan solo por ser director de cine, que es lo que él quiere llegar a ser. Para rematar el error, y caer en lo ridículo, introduce una breve escena que no aporta nada mas que mostrar al joven con su novio, que no es otro que el vocalista de El Canto del Loco, Dani Martín. Por otra parte, la historia secundaria que esconde Blanca Portillo respecto al personaje de Tamar Novas al final no es más que una de esas sorpresas metidas con calzador para dar a la película más intensidad, cuando no la necesita.

Salvo esos detalles, que si se hubieran pulido le habrían quitado al film unos diez minutos innecesarios, el resto de la historia está bien llevada. Lo más destacable para mi es el juego de las dobles personalidades. Mateo Blanco pasó a mejor vida para convertirse en Harry Caine y olvidar así todo su pasado. Lena es llamada así solo por Martel, mientras por Mateo es llamada por su nombre completo, Magdalena, como si él la poseyera por completo y el viejo empresario solo una parte de ella, pero además esconde otra personalidad que ha querido dejar atrás. Ray X es el pseudónimo del personaje que desencadena los recuerdos. El nombre no es caprichosos, pues él es el autor de un documental sobre Mateo Blanco, consiguiendo hacer una radiografía del director ciego.

A nivel de dirección poco que reprochar, Almodóvar ha alcanzado una madurez desde “Hable con ella” (su mejor película) que lo acompaña durante todo el film. Nada mejor que ver esa escena en que Penélope Cruz se confiesa poniéndose voz en la pantalla, o la escena de sexo bajo las sabanas, en la cual nos sugiere todo lo que sucede bajo ellas. En especial he quedado enamorado de dos planos maravillosos, y que ya considero son de lo mejor rodado por el director. Uno es cuando Mateo Blanco pasa sus manos por la imagen del televisor en que aparece Lena. Lucha por intentar sentirla y verla a través de sus manos como hace con el braile. El otro plano es al principio del film y describe al protagonista perfectamente a través de lo que carece, la mirada. El ojo de Kira Miró refleja a Lluís Homar describiéndonos así la incapacidad del personaje.
La mirada es fundamental dentro de la trama. El plano citado es solo uno de los momentos en que el director nos muestra un ojo, pues a mitad de película observamos unos pendientes que simulan dos ojos. Además existe en la historia el vouyerismo, que no es otra cosa que observar a escondidas, y el propio cine, medio altamente visual.
Almodóvar se autohomenajea también por medio del fragmento perteneciente al film que Balnco rodó, “Chicas y Maletas”. En él se nota claramente un guiño a “Mujeres al borde de un ataque de nervios” y al humor que caracterizó al director en aquello años. Por supuesto, no faltan los decorados de colores chillones marca de la casa almodovariana.
Hay que destacar el excelente trabajo de fotografía de Rodrigo Prieto y la maravillosa música compuesta por Alberto Iglesias, que consiguen crear un ambiente perfecto para el drama noir que ofrece el director.

Ahora citemos al reparto. Normalmente los films del director poseen un gran nivel interpretativo, pero en esta ocasión nos encontramos con un conjunto regular. Puede que sea a posta y en referencia a lo que sucede con el film dentro del film, “Chicas y Maletas”, el cual cuando Blanco lo escucha declara estar desentonado y mal de intención, la película posee escenas muy bien interpretadas y otras que parecen leídas por primera vez y sin encontrarle el tono justo. Lluís Homar da vida a Mateo Blanco/Harry Caine, para ello el actor aprendió a comportarse como un ciego y perdió varios kilos. En general está bien, aunque hay breves momentos en que su ceguera no parece real. Penélope Cruz repite con Almodóvar para ser Lena, la mujer fatal que encandila a Martel y enamora a Blanco. Si en “Volver” la actriz hacia referencia a Anna Magnani, aquí la hace a Audrey Hepburn en esa rápida sesión de fotos y a las damas de cine negro americano, luciendo peluca rubia inclusive. Aún así, la ganadora del Oscar no consigue conquistarnos como hiciera con Raimunda. Entre Cruz y Homar debe existir una química que nos haga conectar con ellos y sentir empatía, pero no se alcanza del todo, quizás también por falta de desarrollo. Blanca Portillo se eleva como lo mejor del reparo dando vida a Judit, la amiga de Mateo. Portillo sabe sacar adelante frases difíciles de naturaleza novelesca y profunda, e incluso se marca un divertido gag por medio de una ginebra. José Luis Gómez es eficientemente Ernesto Martel, el empresario posesivo que no deja escapara a Lena. Tamar Novas es Diego, el hijo de Judit y amigo lazarillo de Harry, con quien crea una historia de vampiros a tener en cuenta. Novas está correcto. Rubén Ochandiano es Ernesto Martel hijo, personaje del que el actor no sabe sacar apenas nada. Entre otros interpretes que aparecen, y que forman parte del mundo del director, tenemos a Chus Lampreave, Ángela Molina, que consigue emocionarnos en apenas cuatro minutos en pantalla, Lola Dueñas, Rossy De Palma, Alejo Sauras, Kiti Manver, Dani Martín en una aparición fugaz y innecesaria, al igual que la de Kira Miró, la cual, a pesar de ofrecernos mediante su ojo uno de los mejores planos del film, demuestra su deficiente capacidad interpretativa intentando solventarlo mostrándonos su maravillosos senos.

En definitiva, sin ser una de las mejores obras del autor, “Los Abrazos Rotos” es una apuesta interesante a la cual no le hubiera venido nada mal un recorte de metraje.

Lo Mejor: La puesta en escena. La música. La fotografía.

Lo Peor: Su desequilibrio, tanto en la trama como en los actores.

Desde el Infierno, de Albert y Allen Hughes

A finales del S.XIX, en Londres, se suceden varios asesinatos en el distrito de Whitechapel. Las victimas son prostitutas que han sido sometidas a una salvaje carnicería mediante la cual les extirpan uno de sus órganos. El inspector Abberlaine será el encargado de esclarecer este misterio y descubrir quien se esconde tras el temible pseudónimo de Jack el Destripador.

La novela gráfica de Alan Moore y Eddie Campbell es un terrorífico relato acerca del temible personaje que atemorizó las calles londinenses. El libro describe la personalidad de el Destripador a través de cartas que esbozan su perturbadora mente y nos descubren un ser maquiavélico que piensa que sus asesinatos son mandato divino, realizando mediante ellos un ritual que le eleve por encima de todo ser humano. Es, pues, Jack el Destripador el protagonista de la historia, siendo la novela gráfica una posible aproximación a los hechos que acontecieron en aquellos días. La película de los hermanos Hughes posee el título y los nombres de los personajes, así como también la razón por la que el Destripador comete sus crímenes, la cual incrimina a la Corona Británica y nos muestra un entramado de tramas secretas en que tiene cabida la masonería, dándonos un interesante y perturbador punto de vista sobre el asunto. Pero no podemos hablar de una adaptación propiamente dicha, sino más bien de un film basado muy ligeramente en la novela gráfica de Moore y Campbell, ya que el Destripador queda como un asesino en la sombra hasta que se descubre al final su identidad por medio del verdadero protagonista de la cinta, el Inspector Abberlaine, el cual pasa de ser un investigador obeso con bigote a tener los rasgos de Johnny Depp. Estos cambios, y el hecho de no haber tenido el valor de haber trazado un thriller psicológico sobre la personalidad del Destripador como ofrecía el original literario, han hecho que la película fuera menospreciada y atacada por todo admirador de la obra de Moore. Pero volvemos al eterno dilema, ¿Por no haber trasladado de forma correcta a la pantalla la novela podemos considerar “Desde el Infierno” una mala película? En mi opinión, no. El film de los hermanos Hughes me supuso una sorpresa de la que aún hoy guardo buen recuerdo y cuyos posteriores visionados no la han perjudicado.

La película comienza en 1888 en el barrio de Whitechapel, en donde van a dar comienzo las terribles hazañas del asesino. Conocemos a las protagonistas femeninas, las prostitutas, las cuales viven atemorizadas por los dueños de la Calle Nichols, quienes les piden parte del dinero que ganan. La aparición de Ann, una antigua compañera del oficio, marcará la vida de las chicas, pues la joven será secuestrada mientras está con su esposo en el lecho. El misterio de quiénes se han llevado a Ann y a su esposo, y por qué, intentará ser resuelto por las chicas, pero un misterioso hombre ha comenzado su andadura por el barrio de Whitechapel eliminando a cada una. El caso se le encarga a Abberlaine, un inspector atormentado por la muerte de su esposa que se pasa las horas en los fumadores de opio persiguiendo al Dragón mientras ve visiones del futuro, las cuales, espera, puedan ayudarle a resolver el caso antes de que el Destripador concluya su obra.

El personaje de Jack el Destripador ha llenado infinidad de libros y protagonizado cientos de películas. Aún hoy día no se conoce su identidad, siendo uno de los asesinos más celebres de la historia. “Desde el Infierno” nos presenta una posibilidad bastante creíble en donde tiene cabida la importancia del cambio de siglo. El S. XX está próximo, y con él llegarán las nuevas ciencias médicas que estudiarán al cuerpo humano y revolucionarán la medicina. Es en este ambiente cuando aparece el asesino, el cual extirpa a cada victima un órgano mediante un excepcional trabajo que pone en evidencia sus dotes en anatomía. En una de las cartas que envió, Jack el Destripador dijo: “Los hombres mirarán atrás y dirán que yo di a luz al S.XX”, posiblemente se refiriera a su maestría a la hora de tratar el cuerpo humano, aunque lo hiciera con fines abominables. El título hace referencia a la forma que tenía el asesino de firmar sus cartas, poniendo de remite “Desde el infierno”.

Estructura clásica. Al principio se nos presentan a las victimas, su ambiente, a los posibles sospechosos y comienzan los asesinatos. Entra en escena el inspector encargado del caso, el cual es distinto a los de su oficio por poseer el don, o la maldición, de ver visiones que están a punto de suceder y que no duda en enfrentarse a la autoridad superior. A la mitad el inspector entra en contacto con una de las prostitutas, con la cual intimida y acaba teniendo un romance, lo cual hace que se involucre emocionalmente en el caso. Mientras, los crímenes se suceden y la histeria incrementa en el barrio culpando a los judíos. El tramo final esclarece quién es y qué persigue el asesino y enfrenta al protagonista en una persecución contrarreloj por impedir que este cometa su último crimen.
Como vemos el esquema es tradicional y presenta una historia detectivesca accesible a todo tipo de público, sin ocultar su comercialidad. Me parece bien dicha estructura, sobre todo al tratarse de un relato en que tenemos a un personaje de terror clásico. La película transcurre de manera acertada y nos ofrece una historia en donde el suspense por saber quién es el asesino se mantiene bien, siendo casi todos los personajes sospechosos. La mayor pega la encuentro en la forzada historia de amor entre Abberlaine y la prostituta Mary Kelly, cómo si no se pudiera hacer una película de suspense sin el obligado toque romántico.
Cabe citar que estamos ante enorme flashback, se trata del ultimo sueño del inspector Abberlaine antes de encontrar lo que tanto ansía en un mar de opio. El film comienza con los labios del inspector aspirando de la pipa, sumiéndose en el recuerdo de aquel 1888, y finaliza con el personaje en la misma situación, pero tras haber concluido su andanza en este mundo, con lo que toda la historia es el recuerdo de Abberlaine y se puede asemejar a “Erase una vez en América”.

Albert y Allen Hughes se enfrentaban con este film a su segundo largometraje, aunque no soy partidario de un estilo moderno en las películas de época reconozco que la propuesta visual de la cinta es uno de sus mayores aciertos, así como la dirección de los hermanos, los cuales demuestran un estimulante dominio narrativo. Remarquemos el principio, ese largo travelling que nos describe Whitechapel. Se abre con un gran plano general de Londres anocheciendo, con un cielo rojo sangriento que no depara nada bueno. La cámara desciende y nos adentra en las calles del barrio transitado por putas, borrachos, ladrones, asesinos y demás desalmados. El movimiento de la cámara descendiendo nos describe la naturaleza del barrio, es como si se tratará de los bajos fondos, del lugar al que nadie quiere pertenecer pero que todos conocen. Una vez mostrado el lugar donde se van a cometer los crímenes damos paso a describir a los personajes con una dirección elegante y clásica en donde habrá cabida para leves pinceladas de, digamos, psicodelia, la cual se presenta cuando Abberlaine tiene una visión. Las visiones del inspector siempre son de color verdoso, acordes con la bebida que toma para alcanzar su placer, la Absenta, y todas ellas pasan de forma acelerada, mezclando imágenes subliminales. Además de estos tramos existe otro momento en que los Hughes utilizan la aceleración, y es cuando el Destripador comete un asesinato, en ese momento el tiempo pasa aceleradamente manteniendo el plano y describiéndonos cómo el lugar del crimen se va abarrotando de gente. Puede que no aporte mucho, pero visualmente es efectivo.
Me parece muy acertado el hecho de no haberse cortado a la hora de mostrar sangre ni cuellos degollados. Aunque la mayoría de los asesinatos sucedan de forma sutil es digno de mención aquel en que una prostituta se detiene y frente a ella pasa fugazmente la figura ennegrecida del asesino para mostrarnos a continuación a la mujer en la misma posición pero con el cuello emanando sangre.

Para ayudar a la riqueza del film la fotografía se presenta con colores vivos que se ensombrecen para la ocasión, no olvidemos que estamos ante un film de suspense. La utilización del vestuario de las prostitutas me parece muy interesante, no hay ninguna que vaya vestida del mismo color ni tenga el mismo peinado, diferenciándolas tanto física como psicológicamente, pues estos rasgos definen sus personalidades.
Trevor Jones crea una interesante composición que mezcla el tema de misterio que subraya la presencia maléfica que azota las calles de Whitechapel con otro más romántico y trágico para Mary Kelly y el inspector Abberlaine.
Johnny Depp vuelve a ponerse en la piel de un investigador tras “Sleepy Hollow”, si bien en esta ocasión se muestra más austero y trágico, además de no mostrar titubeos, no hemos de pasar por alto que entre ambos personajes existe una similitud, y es que ambos estudian los casos desde una vertiente diferente a las de sus colegas, buscando una razón lógica y racional por mucho misterio que la envuelva. De todas formas Depp está correcto como investigador victoriano torturado y adicto al laudano, su sola presencia basta. Mucho más ajustada se encuentra Heather Graham, con su pelo teñido de rojo. La actriz no consigue del todo que sintamos simpatía por su personaje, el cual ha de ser el más carismático de las cinco prostitutas. Ian Holm da vida impecablemente al prestigioso Profesor Sir William Gull, cuya avanzada edad le ha hecho retirarse de la medicina y dar paso a otros más jóvenes que él. Robbie Coltrane es el Sargento Godley, el mejor ayudante de Abberlaine dentro del cuerpo. Como siempre, Coltrane cae simpático. Jasón Flemyng es el inquietante Netley, el cochero que transporta a Jack el Destripador.

A pesar de resultar un fracaso de taquilla y critica, “Desde el Infierno” es una película estimable muy bien realizada, cuya maldición es partir de un material gráfico venerado.

Lo Mejor: Su atractiva puesta en escena.

Lo Peor: La historia de amor. Compararla con su homónimo literario.

Sin City, de Robert Rodriguez y Frank Miller

Frank Miller siempre rechazó la idea de que sus historias gráficas de “Sin City” fueran llevada a la pantalla, sin embargo el director Robert Rodríguez consiguió convencerlo enseñándole una muestra de lo que sería su visión cinematográfica mediante una escena que había grabado con Josh Hartnett y Marley Shelton. El aclamado escritor quedó tan maravillado que no solo permitió a Rodríguez llevar su admirada obra al cine sino que aceptó participar como co-director, haciendo que Rodríguez dimitiera del sindicato de directores. El resultado fue un traslado integró del papel a la pantalla en que los personajes trazados se convertían en actores de primera fila.

El film está estructurado en tres partes, basadas en tres comics de la serie que tienen, en mayor o menor medida, la venganza como tema.
El largo adiós: Protagonizada por Marv, un violento asesino que intenta redimirse y que conoce a una mujer, Goldie. Al despertar, después de haber hecho el amor con ella, se la encuentra muerta a su lado. Alguien quiere cargarle el muerto, pero no cuentan con la furia del desfigurado animal que destrozará todo lo que se ponga por delante con tal de vengar a su amada.
La Gran Masacre: Dwight es un detective que sigue a unos peligrosos sospechosos liderados por Jackie Boy hasta Old Town, el barrio de las mujeres más salvajes y peligrosas de Sin City. Una vez dentro del barrio los hombres a los que persigue Dwight son ajusticiados por las guerreras, descubriendo que no se trata de unos simples juerguistas, sino de un grupo de la policía, activando así una cuenta atrás para impedir que el viejo barrio vuelva a pertenecer a la pasma.
Ese Bastardo Amarilo: John Hartigan cumple condena en la cárcel tras haber impedido que el hijo del Senador Roark, mano de hierro en Sin City, violara a la pequeña Nancy Callahan. Ocho años después, al no recibir la puntual correspondencia de la niña, Hartigan confiesa todos los cargos de los que se le acusan consiguiendo la libertad y poniendo su olfato en busca de Nancy, para protegerla de nuevo de los lobos que la acechan.
Además de estas tres historias el film se abre y cierra con el personaje del sicario. El prologo es con el atractivo profesional manteniendo una conversación con una espectacular dama de rojo y el cierre transcurre en el ascensor del hospital, momentos después de lo acontecido en “La Gran Masacre”, con una de las chicas de Old Town.

“Sin City” posee todos los rasgos del cine negro: Voces en off de los personajes protagonistas, en especial hombres duros; mujeres fatales que conquistan a los protagonistas masculinos y marcan su destino en la historia; calles sucias y polvorientas llenas de chusma en donde todo el mundo sabe todo, pero sin decir nada; altos cargos corruptos, como senadores, obispos o policías. Frank Miller siempre ha confesado su admiración por ese tipo de cine y por los personajes a los que dieron vida Bogart o Cagney, así como también por Harry Callahan, personaje que inspiró a Hartigan. La ciudad que da título a las tramas es un personaje más y describe la cantidad de pecadores que caminan por sus calles.
Robert Rodríguez sigue los comics cual storyboard, plasmando en la pantalla todo lo que está en el papel, mezclando un blanco y negro digitalizado con colores llamativos en los momentos puntuales. Si, como trasladador del comic a la pantalla no hay duda de que Rodríguez consiguió triunfar, pero olvidó algo que sigue sin meterse en la cabeza de los cineastas que se enfrentan a celebres comics, y es que el séptimo arte posee un lenguaje diferente al noveno, y por lo tanto las armas con las que desarrollar la historia deben ser diferentes.
Reconozco que cuando salí del cine de ver la película lo primero que dije fue: “Impresionante, ha sido un orgasmo visual”. Así, con esas palabras. Pero claro, una vez reposada la película y, lo que empeora la cosa, revisionada empezamos a ver sus fallos cinematográficos y a descubrir que no son pocos. Curiosamente dichos fallos son consecuencia de haber querido ser fiel al comic. Apenas hay dramatismo ni emoción en las historias, y la continua voz en off acaba por hastiarnos. Tampoco ayuda el hecho de haber sido rodada íntegramente con pantalla verde, impidiendo que sintamos ver algo real e incremente su naturaleza de comic en movimiento. Así pues, no podemos considerar a “Sin City” una película propiamente dicha, sino más bien un experimento visual llevado a cabo por un fan del comic, cosa que posteriormente ha seguido sucediendo.
El nombre de Quentin Tarantino aparece como director invitado, cuando lo único que hizo fue dirigir una pequeña escena entre Clive Owen y Benicio del Toro sin mucho interés.

El guión procede también directamente del comic, cada frase y cada monologo son sacados de los libros de Miller. De las tres historias elegidas por el director las más conseguidas son la primera y la tercera. ¿Razón? Sus protagonistas. Tanto Marv como Hartigan poseen un carisma arrebatador que nos hace simpatizar con ellos aunque no estén callados en sus pensamientos. La historia central protagonizada por Dwight apenas posee interés y se antoja demasiado lenta, consiguiendo que la película pegue un frenazo de ritmo preocupante, además de una puesta en escena caducada.
Rodríguez vuelve a participar en todas las facetas posibles (producción, montaje, fotografía, música, efectos especiales) dejando claro que él es autor absoluto de sus películas. Nunca he sentido una admiración hacia el cineasta pero hay que reconocerle el esfuerzo que pone en cada trabajo, a pesar de los resultados.
Los efectos visuales cantan de forma intencionada ya que el director quería que la película poseyera un aroma de irrealidad. Casi todo o que vemos en el film a parte de los actores está realizado por ordenador, desde los coches hasta los edificios, incluidas las sombras de los personajes. Mencionar que el color de la sangre cambia un poco en cada episodio, en el de Marv es roja, en el de Dwight suele ser blanca y en el de Hartigan amarilla, concordando con cada tramo que narra.
La música corrió a cargo de Carter Burwell, Robert Rodríguez y John Debney, cada uno centrándose en una historia concreta.
El montaje alterna las tres historias cruzando a los personajes. Así por ejemplo tenemos a Dwight en el bar cuando Marv está en plena investigación o a este último cerca de Hartigan cuando se reencuentra con Nancy en el mismo bar.
El reparto está formado por un elenco de reconocidos interpretes que se lo pasan pipa en este experimento. Mickey Rourke volvió a trabajar con el director tras “Once upon a time in México” para dar vida a Marv de manera magistral y utilizando gran cantidad de maquillaje que afeara su rostro, cosa que puede parecer imposible. Jaime King es Goldie, la mujer de la que se enamora Marv y que acaba asesinada, y su gemela Wendy, la cual busca tanta venganza como el sanguinario desfigurado. Elijah Wood es Kevin, el salvaje animal con especial cariño por las cabezas. Carla Gugino es Lucille, agente de la condicional de Marv, bollera y predestinada a sufrir el hambre de Kevin. Rutger Hauer es el Cardenal Roark, dueño de Kevin. Clive Owen es Dwight, el hombre misterioso que acaba enfrascado en una refriega entre prostitutas y policía. Rosario Dawson es Gail, la valkiria amazona, líder de las mujeres en Old Town y antigua amante de Dwight. Michael Clarke Duncan es Mamut, el guarda que coacciona a Gail para que se rindan. Benicio del Toro es Jackie Boy, causante de todo lo que va a suceder en Old Town. Brittany Murphy es Shelley, actual amante de Dwight y ex de Jackie Boy que trabaja en el bar al que van todos los protagonistas. Alexis Bledel es Becky, la joven prostituta que esconde a sus compañeras más de lo que aparenta. Devon Aoki es Miho, la fría asesina especialista en cercenar miembros. Bruce Willis es Hartigan, el noble policía que busca cumplir con su deber protegiendo a Nancy Callahan. Junto a Rourke, el mejor actor de la cinta. Jessica Alba es Nancy, la joven a la que Hartigan espera proteger que se ha acabado convirtiendo en sexy bailarina de bar. Nick Stahl es Roark Junior y el bastardo amarillo, el hombre que persigue a Nancy y tortura a Hartigan. Michael Madsen es Bob, antiguo compañero del policía al que da vida Bruce Willis. Josh Hartnett es el hombre misterioso cuya presencia avisa de que la muerte se acerca.

“Sin City” es un film atractivo visualmente, un ejercicio experimental que traslada directamente las historias de Frank Miller a la pantalla. Se habla de segunda parte, pero mejor que lo dejen como está.

Lo Mejor: Las historias de Rourke y Willis. Su esfuerzo visual.

Lo Peor: Su vacío fílmico.

Poster y Trailer: Public Enemies

Empezamos a tener material promocional de la que es, para un servidor, la película más esperada de este 2009, “Public Enemies”. Y es que Cine negro de la mano de Michael Mann con Depp, Bale, Cotillard y un gran elenco de secundarios es una propuesta prometedora que está ganándose cada vez más mi confianza a cada fotograma nuevo que aparece.
En primer lugar, el poster. Creo que será el primero de unos cuantos centrados en los protagonistas, ya que sería muy poco comercial no aprovechar la imagen de Bale en plena época de popularidad con Batman y la inminente “Terminator: Salvation”. Este poster es sencillo, se trata de Johnny Depp como Dillinger entre edificios. Si, recuerda aquel poster de “El Caballero Oscuro” con Joker como protagonista, pero las comparaciones son odiosas. Personalmente me gusta este nuevo cartel y me parece una excelente carta de presentación para quienes no conozcan aún el proyecto.

En segundo lugar tenemos el tráiler, que nos sirve sobre todo para ver por qué camino se va a desenvolver Mann para narrar esta historia. Aunque se trate de una historia ambientada en los 30 el director ha sido fiel a sí mismo y la ha rodado en digital, implantando su particular estilo visual. Además el tráiler comienza con las imágenes del atraco a un banco que promete ser tan espectacular como “Heat”, aunque mucha gente quiera ahora ver similitudes con la última de Batman hay que recordar que es en el policiaco de 1995 donde encontramos el atraco más grande jamás filmado. 
Así que nada, aquí les dejo el avance y ya me comentarán qué les parece.
Ah, ¡me encanta la música que le han puesto al avance!

El 3 de Julio estará en las pantallas españolas, si nada lo impide.

Convocatoria: “La Firma Invitada”

En primer lugar comunicaros que este mes de Marzo apenas habrá nuevos comentarios en el blog, salvo seguramente “Watchmen”, “Los Abrazos Rotos” y algún otro. Quiero tomarme un respiro bloguero, pero como no me gusta que el blog quede muerto se me ha ocurrido seguir el ejemplo de Ángel (El Mundo de Ángel) y solicitar la participación de todo aquel que quiera contribuir para “La Firma Invitada”. Se trata de escribir un comentario sobre una película que os guste mucho para publicarla a partir del 1 de Abril. Mi idea es dedicar dicho mes íntegramente a ello, con vuestros comentarios, que pueden estar organizados y estructurados de la manera que queráis. Tan solo pongo dos condiciones:
-Que la película que se comente no esté ya publicada en el blog.
-Que no pertenezca a una Saga o Trilogía (“EL Padrino”, “La Guerra de las Galaxias”,……) salvo que sea de terror (Viernes 13, Scream, Halloween, Pesadilla en Elm Street)
Huelga decir que los textos deben estar bien escritos, y no en dialecto de móvil como suele pasar en algunos comentarios de posts.
Puede participar todo el que quiera y no tiene por qué tener un blog o una página web, con lo que si conocéis a alguien que quiera aportar su granito de arena al proyecto será bienvenido.
Los post serán publicados como lo llevo haciendo normalmente, poniendo el título de la película y su director, agregándole además entre paréntesis el nombre del autor que lo haya escrito.
Para que no se repitan films iré anunciando las películas que la gente haya decidido comentar. Por el momento están pilladas “Jóvenes Ocultos” que escribirá Patricia Domínguez, “Las Amistades Peligrosas” por Alejandro Colera, y “La Edad de la Inocencia” que intentaré escribir yo.
Para comunicar su colaboración ruego se ponga en contacto o bien por un comentario en este post o bien mandándome un mail a la dirección rcabello15@msn.com. Si alguno de los participantes tuviera un blog ruego se me comunique para que se le enlace a través de su texto.

Espero que os guste la iniciativa y que participéis para conseguir un mes de Abril majo donde haya cabida para muchos amantes del cine.
En espera de vuestras noticias, recibid un cordial saludo.

Ramón.