Spider-Man Trilogy

El famoso personaje de Marvel creado por Stan Lee y Steve Ditko clamaba por tener una gran película en que se luciera balanceándose con su tela de araña por la ciudad de Nueva York. El director Sam Raimi fue el encargado de llevar a Spider-Man el cine, creando un trilogía (por el momento) con excelente continuidad entre cada una de sus películas que se centrarían en narrarnos la relación entre Peter Parker con Mary Jane y Harry Osborn, a la vez que enfrentaba al trepamuros con conocidos enemigos.

Spider-Man

Si, Spider-Man debía llegar al cine por todo lo alto, como le correspondía debido a su gran fama dentro del Noveno Arte. Ya existían films en que el personaje era protagonista, pero eran películas de serie B más destinadas a videoclub que no conseguían captar la esencia del personaje. El proyecto empezó a adquirir más fuerza a mediados de los 90, incluso se anunció que el director James Cameron se encargaría de realizarla, puesto que ya tenía escrito un guión. Los rumores no cesaron en ese momento, ni siquiera años después, cuando “Titanic” acababa de arrasar tanto en taquilla como en los Oscars y se especuló que además del director estaría el protagonista de la historia del Trasatlántico, Leonardo DiCaprio, dando vida a Peter Parker, y Arnold Schwarzenegger como el Doctor Octoppus. Finalmente nada de esto sucedió. La película no veía el momento de ver la luz hasta que irrumpió en las salas la primera gran película Marvel tras “Blade”, la adaptación cinematográfica de La patrulla X, “X-Men”, cuyo éxito dio el pistoletazo de salida al proyecto, comenzando a barajar las posibilidades sobre quién lo llevaría a cabo por parte de la productora Columbia. Para sorpresa de todos se escogió a un elenco muy peculiar. El realizador sería el director de culto, conocido sobre todo por títulos de terror y fantástico como la trilogía “Evil Dead”, Sam Raimi, el cual ya había acariciado de manera origina el género de superhéroes con “Darkman”. Los actores elegidos fueron Tobey Maguire para dar vida al protagonista, Kirsten Dunst como Mary Jane y James Franco como Harry Osborn, acompañados por actores más veteranos como Cliff Robertson, Rosemary Harris, J.K. Simmons y, especialmente, Willem Dafoe que daría vida a Norman Osborn, alias El Duende Verde, un verdadero notición. La película se anunció para el verano de 2002, yendo la producción sobre ruedas para estrenarla en esas fechas. Un año antes, en verano de 2001, se lanzó un espectacular teaser trailer que funcionaba como pequeña pieza de acción en que se nos relataba el robo a un banco con los delincuentes siendo capturados en una gran tela de araña entre las Torres Gemelas de Nueva York y apareciendo en pantalla, por fin, el héroe. Desgraciadamente los acontecimiento del 11S obligaron a eliminar este avance y a cambiar algunas cosas de la película, pues las Torres Gemelas no debían aparecer más. El 3 de Mayo de 2002 llegaba a los cines norteamericanos “Spider-Man” precedida de una gran expectación que hizo al público acudir en masa a verla y convertirla en una de las películas más taquilleras de todos los tiempos.

La historia es muy sencilla. Peter Parker es el lumbreras de la clase, el bicho raro con gafas y encorvado que siente un amor incondicional desde niño hacia su vecina Mary Jane, a la cual no es capaz de decirle nada debido a su timidez. El mejor amigo de Peter, Harry, hijo de un importante magnate de la industria tecnológica, se acerca a la chica una vez observa que su amigo no da el paso. En una visita al Museo de ciencias, Peter es mordido por una araña adquiriendo sentidos arácnidos que le otorgan mayor fuerza, reflejos y flexibilidad. El joven decide utilizar dichas capacidades para conseguir dinero, sin embargo la muerte de su Tío Ben, de la cual se siente culpable, hace que se replantee su camino convirtiéndose en el defensor de la ciudad. Mientras todo esto sucede el padre de Harry, Norman Osborn, experimenta con una nueva formula para potenciar más la fuerza humana sufriendo las consecuencias y convirtiéndose en un temido Ser que vuela atemorizando a la ciudad.

“Spider-Man” habla del paso de la adolescencia a la madurez y de escoger el camino que va a marcar nuestro futuro. En el caso del joven trío protagonista se trata de salir de casa para caminar solos y descubrir que quieren. Harry Osborn ha vivido siempre bajo el mandato de su padre, el cual está harto de cambiarlo de colegios privados para acabar metiéndolo en un colegio público. Harry quiere conseguir la aprobación de su padre en todo momento, pero el científico siempre parece estar descontento con lo que hace el muchacho. Mary Jane es la chica de los sueños de Peter, el verdadero motor que hace al muchacho seguir adelante y tener esperanzas. La joven sueña con llegar a ser actriz, para lo cual se muda al centro aceptando todo tipo de trabajos que le ayuden a alcanzarlo. Por último tenemos a Peter Parker, el muchacho que quiere estudiar ciencias desde niño, pues tiene un don natural para ello, sin embargo la picadura de la araña marcará la vida del joven para siempre, tanto como la muerte de su tío, el cual le dio el consejo que siempre le guiará: un gran poder conlleva una gran responsabilidad. Parker se convertirá en Spider-Man haciendo el bien.

Sin lugar a dudas los responsables del film eligieron el camino más fácil a la hora de adaptar los comics y comenzar una Saga cinematográfica. El origen de Spier-Man está muy bien retratado y Peter Parker está creado a imagen y semejanza del creado por Lee y Ditko, poseyendo problemas reales, pero no se puede decir lo mismo del resto. Puesto que las series de animación del trepamuros tenían gran éxito se decide que la chica del film debe ser Mary Jane Watson, en lugar de Betty Brant, que aparece fugazmente en el Bugle, o Gwen Stacy, la cual protagoniza uno de los mejores comics del arácnido que aquí se utiliza para la batalla final entre el Duende y Spidey, por supuesto sin tener el dramatismo que hubiera tenido en caso de haber escogido a la rubia como novia de Parker. Esto último fue lo que más me molestó, pues con Gwen Stacy hubieran funcionado igual de bien Mary Jane y Harry dentro de la trama, y el protagonista sentiría más dolor al final al perder a otro ser querido a manos del Duende Verde, pero parece que tenían miedo de cargar excesivamente de dolor al protagonista y solo deciden incluir la muerte de Tío Ben. Además esta elección marcará el desarrollo de la trilogía, y es que lo primero que nos dice Peter es que la historia que nos va a relatar trata sobre una chica, Mary Jane, lo cual se desarrollará en las películas posteriores, quedando el final de este film en un punto y seguido.
Además de los cambios mencionados a favor de una historia coherente que funcionara como película hay que sumarle otros dos cambios importantes respecto al comic. Primero, el hecho de que Peter no fabrique sus lanzadores de redes, sino que la picadura de la araña radiactiva hace que las muñecas le muten pudiendo lanzar telas de araña. Ésta idea fue creada por James Cameron y Raimi la usa. El otro cambio lo tenemos en el Duende Verde, el cual para entrar en acción se enfunda una mascara y un traje que poco tienen que ver con el terrorífico villano dibujado en el papel, y eso que Willem Dafoe hace una interpretación magnifica que podría haber encumbrado con un excelente maquillaje, pero se decantan por ponerle una máscara que simule la imagen de un Duende.

Al igual que la sencilla historia del film Sam Raimi se decanta por una puesta en escena convencional, dirigida al público mayoritariamente juvenil, en donde encontramos dos partes claramente diferenciadas.
La primera comprende hasta que Peter toma la identidad de Spider-Man tras su graduación y la muerte de su tío. Este tramo se caracteriza por estar lleno de gags y tramos propios de comedia de instituto, no en vano es este escenario donde se desarrolla la vida de los tres jóvenes protagonistas. El principio en que Peter alcanza el bus escolar y entra, con el rechazo de todos los compañeros, es un claro guiño a “Forrest Gump” que bien podrían habérselo ahorrado, posteriormente presenciamos el momento en que el protagonista es mordido por la araña con un plano detalle de este suceso dentro de una secuencia más bien floja. El descubrimiento de los poderes por parte de Peter siguen siendo propios de una comedia juvenil que no acaban de funcionar del todo, y la secuencia de acción en que descubre poseer sentido arácnido demuestra una clara influencia de “Matrix” al utilizar la ultracámara lenta. Las partes más interesantes de este tramo son las protagonizadas por Norman Osborn y el tramo final del mismo, en que Peter pierde a su tío y busca a su asesino para vengarse, en ese momento la película adquiere fuerza e intensidad.
La segunda parte del film está mucho mejor llevada. Peter lleva una doble vida como estudiante de Universidad y justiciero enmascarado, mientras comienza a trabajar como fotógrafo en el Daily Bugle, en donde entra en escena J.Jonah Jameson para dar las notas humorísticas. Además Harry y Mary Jane comienzan a salir, lo que entristece a Peter, pues su amigo no le ha confiado nada al respecto. El toque romántico tiene aquí su máximo exponente en el beso que le da MJ a Spider-Man de noche bajo la lluvia. Las secuencias de acción se incrementan al verse las caras en cuatro ocasiones Spider-Man y el Duende Verde. Sus combates están muy bien representados y tienen emoción. El único momento en que sus combates pierden fuerza es cuando Spidey es rescatado por los habitantes de la ciudad. La nota de suspense la pone la conversación de Norman Osborn con su yo interior frente al espejo en una escena propia del fantástico que rememora a Jekyll y Hide o la visita de Norman al piso de Harry y Peter en Acción de Gracias, cuando entran a la habitación de Parker tras su última pelea en un edificio en llamas y el muchacho está en el techo. La pelea final no escatima en violencia, y nos muestra a un Spidey sangrando a manos del violento Duende. La conclusión del film deja claro que habrá segunda parte, al no acabar Peter con MJ por miedo a que sus enemigos le hagan daño, y posee la típica secuencia del héroe surcando los cielos para acabar posado en una bandera norteamericana, pues no olvidemos que Spider-Man, como Superman, es un héroe altamente americano, sobre todo de Nueva York.

El guión está firmado por David Koepp, el cual sigue demostrando que puede hacer cosas buenas (el perfil psicológico de los personajes, la relación de Peter con su tío) con otras mediocres (algunas frases, la forma que tiene Peter de ir practicando con sus nuevos poderes, la aparición de los habitantes de la ciudad salvando a Spider-Man y diciendo que si te metes con uno de ellos te metes con toda Nueva York). Aún así la película funciona para presentar a los personajes y dejar lucirse al enmascarado trepamuros.
El compositor Danny Elfman vuelve a colaborar con Raimi realizando una correcta partitura que contenga un característico tema para el protagonista, otro para el villano y otro para las secuencias dramáticas entre los personajes.
Los Efectos Especiales son los encargados de dar vida a Spider-Man surcando los rascacielos de la formas más creíble y realista posible, aunque en ocasiones el resultado sea más bien flojo.
El reparto está correcto en la búsqueda del personaje. Tobey Maguire da vida a Peter Parker/Spider-Man de la forma más digna posible. Kirsten Dunst es Mary Jane, el gran amor de Peter, para el cual la actriz está muy ajustada y se aleja de la imagen física que el personaje mostraba en los comics. James Franco es Harry Osborn, sin dudas el mejor actor joven del elenco. Curiosamente el actor que da vida a su padre, Norman, es el mejor del reparto, Willem Dafoe, el cual consigue ser la personificación perfecta del Duende Verde, con el único inconveniente de disfraz que eligieron para cuando entra en acción. Rosemary Harris es la Tía May y Cliff Robertson el Tío Ben, ambos muy convincentes. J.K. Simmons está correcto como Jameson, el editor del Bugle que quiere ver a Spider-Man hundido. Bill Nunn es Robbie Robertson, Ted Raimi es Hoffman, trabajador pelotas de Jameson, mientras que la atractiva Elizabeth Banks es la Señorita Brant. Mencionar el cameo que hace Bruce Campbell, protagonista de la Saga “Evil Dead”, como presentador del espectáculo de lucha en el que Peter se inscribe. Además Raimi le regala a Campbell presentar a Spider-Man oficialmente, incluso poniéndole el nombre.

La película se convirtió en la película del 2002 en cuanto a taquilla se refiere, ofreciendo a los fans lo que siempre habían querido ver. Recibió dos nominaciones a los Oscars correspondientes a Efectos Especiales y Sonido.

“Spider-Man es una correcta película de acción y aventuras que por fin traslada al personaje al Séptimo Arte.

Lo Mejor: Las peleas entre héroe y villano. Willem Dafoe.

Lo Peor: Apenas arriesga nada. Sus escena propias de comedia juvenil.

Spider-Man 2

Peter Parker sigue luchando contra el mal a la vez que tiene problemas por poder compaginar sus tareas privada. Pronto aparecerá un nuevo enemigo al que deberá plantarle cara, el Doctor Octopuss.

Una vez “Spider-Man” se presentó en todo el mundo y arrasó en taquilla se pusieron en marcha con su secuela de forma inmediata fijando el estreno en Junio de 2004. El reparto repetiría al completo, a pesar del rumor de que Maguire sería sustituido por Jake Gyllenhal debido a los problemas de espalda que padeció en el rodaje de “Seabiscuit”, así como el director Sam Raimi. El guión estaría firmado esta vez por Alvin Sargent. El presupuesto fue mayor, lo cual, unido al anunciado nuevo villano, el Doctor Octopuss, prometía mayores dosis de espectacularidad, sin olvidar la trama principal de la Saga, como es la vida diaria de Peter Parker y su relación con Mary Jane y Harry Osborn.

En esta ocasión la película trata la crisis que sufre Peter, su vida como Spider-Man le resta tiempo para llevar bien sus estudios, le impide rendir en el trabajo consiguiendo que le despidan y su relación con sus seres queridos ha disminuido, no le devuelve las llamadas a Harry y nunca ha ido a ver a Mary Jane actuar en la obra “La importancia de llamarse Ernesto”. El protagonista pasa esta crisis porque no sabe si el camino que ha elegido es el correcto y porque tiene muchos secretos ocultos, ya que aún se siente culpable por la muerte de Tío Ben y siente la necesidad de contárselo a Tía May, sigue sintiendo un fuerte amor hacia Mary Jane, la cual sigue luchando por labrarse un futuro como actriz, pero el miedo a que la puedan hacer daño lo obliga a seguir ocultándole su secreto, y su amigo Harry Osborn busca la muerte de Spider-Man en señal de venganza por la perdida de su padre, lo cual hace que tenga más de un encontronazo con Peter porque no quiera decirle dónde está.

La fidelidad al comic es mucho mayor en lo que ha personalidad de personajes y relación entre ellos se refiere. El villano elegido está mucho mejor retratado que el Duende Verde ya que no lleva máscara sino unos enormes brazos mecánicos que le aportan una fuerza sobrehumana, consiguiendo retratar fielmente al personaje de Doc Ock. La licencia que se toma es en el origen del villano, y es que repetir el arquetipo de científico malhumorado con ansias de poder era muy fácil así que deciden otorgar al personaje un origen más normal y romántico, en el que se nos descubra como un brillante científico enamorado locamente de su esposa al que el accidente ocurrido durante la Fusión le convierte en un ser dominado por sus cuatro brazos mecánicos. Un cambio muy aceptable y bien integrado dentro de la trama.
Además los creadores comienzan a introducir guiños a los conocedores del comics que puedan servir para futuras películas, como la aparición del hijo de J. Jonah Jameson, el astronauta que trae el simbionte alienígena, o el Doctor Connors, profesor de Peter que se convierte en el Lagarto.

Si en la anterior película había un desequilibrio patente entre comedia y trama dramática en esta ocasión se pule consiguiendo una película mucho más sólida y resistente, en donde hay gags contados que funcionan muy bien y que no se entrometen en la historia principal. Esto es en parte gracias al guión de Sargent, mucho mejor que el de Koepp, pero sobre todo a la puesta en escena de Raimi, que parece disfrutar mucho más con la nueva aventura del arácnido demostrando más seguridad.
Ante todo la mayor virtud de “Spider-Man 2” es su narración vertiginosa en donde apenas hay bajones de ritmo. Ya la primera secuencia parece ser una muestra de ello. Comienza a cámara lenta con un primer plano del rostro de Mary Jane en una valla publicitaria, de nuevo la voz en off de Peter aparece recordándonos quién es el gran amor de su vida, y de repente su jefe de la pizzería le grita que frene. Comienza una carrera contrarreloj para el protagonista que debe entregar unas pizzas de forma imparable. Así es toda la película, sus escenas intimas se contrarrestan muy bien con las secuencias de acción consiguiendo un equilibrio perfecto. Raimi parece haber aprendido de los errores cometidos en la anterior película, entre ellos la falta de personalidad, cosa que pule con el uso del panorámico y una planificación excelente, en la cual se permite homenajear una de las viñetas más celebres del comics, aquella en que Peter camina de espaldas con un cubo de basura en primer termino que contiene el traje de Spider-Man dejando claro que el protagonista ha decidido abandonar su vida de justiciero.
Existe mucho más dramatismo en esta película, gracias sobre todo a la relación de Peter con Mary Jane y Harry, y a la maravillosa escena en que le declara a Tía May la verdadera razón de la muerte de su Tío. Esa escena es puro cine intimista, con un primer plano de Peter relatando lo sucedido, lo cual hace que Tía May retire despacio su mano de la del muchacho. A parte de esa escena también tenemos que resaltar la conversación en la cafetería entre Mary Jane y Peter, un sencillo plano contraplano que culmina con una espectacular secuencia de tensión.
Sam Raimi decide introducir momentos mucho más tensos propios de un director como él, autor aclamado del cine fantástico. En general toda la parte del nacimiento del Doctor Octopuss en la sala de operaciones es para enmarcar, con planos propios de película de terror de serie B (esa enfermera siendo arrastrada con la uñas arañando el suelo), así como también hay que destacar el maravilloso juego que hace con los cristales para describirnos la muerte de la esposa de Octavius.
Las secuencias de acción son colosales, demostrando que han invertido cada dólar que ha costado la cinta en crear verdaderas piezas visuales que nos hagan vibrar en los combates entre Spidey y Doc Ock. La primera de ellas acontece en el banco y en los edificios adyacentes, con Tía May secuestrada por el villano y Spider-Man luchando por salvarla. No hay freno para el enfrentamiento, ni siquiera cuando ambos personajes están cayendo al vacío. La otra gran secuencia de acción tiene lugar cuando Peter recupera la confianza en sí mismo y Octopuss ha secuestrado a Mary Jane. El combate pasa de enmarcarse en un rascacielos a desarrollarse sobre un tren en marcha, cuya velocidad será paralela al ritmo que posee la secuencia. Quizás lo peor del film se encuentre en esta escena, cuando nuestro trepamuros se quita la máscara debido a una ráfaga y debe detener el tren de una manera más propia de Superman que de Spider-Man.

El final del film es fantástico, pues deja abiertas muchas ventanas hacia una tercera parte concluyendo de manera algo pesimista. Harry descubre que Peter es Spider-Man a la vez que su padre se le aparece y le indica su verdadero camino, ser el nuevo Duende Verde, mientras que Mary Jane también descubre que su mejor amigo y vecino es el superhéroe declarándole su amor y comenzando una relación que pone punto y aparte a esta historia con un primer plano de la chica que observa, de manera algo preocupante, como su amor parte a salvar la ciudad.

La parte técnica del film supera por mucho a lo visto en la anterior película. Los movimientos de Spider-Man están mejor desarrollados y resulta mucho más creíble, el personaje del Doctor Octopuss está fabricado de manera impresionante, costando diferenciar cuándo los brazos son reales y cuándo digitales.
El montaje es mucho más dinámico y se permite introducir una pequeña pieza cómica cuando Peter decide abandonar ser Spider-Man y volver a comportarse como un muchacho timorato al son de la canción “Raindrops Keep Falling on My Head”.
La música de Danny Elfman sigue acompañando bien a las imágenes y crea el llamativo tema de Doctor Octopuss.
El elenco interpretativo está mucho más desenvuelto y se cree mucho más su personaje consiguiendo unas interpretaciones de altura. Al elenco conocido se añade Alfred Molina como el Doctor Octopuss, el nuevo ser que atemoriza a la ciudad con sus cuatro brazos de metal, y Dylan Baker como el Doctor Curt Connors. De nuevo repiten en plan participación especial Willem Dafoe y Cliff Robertson como Duende Verde y Tío Ben respectivamente, y Bruce Campbell vuelve a deleitarnos con un breve personaje que funciona como portero del teatro en donde actúa Mary Jane.

La película consiguió hacerse con el Oscar a Mejores Efectos Especiales con toda justicia y volvió a alcanzar el éxito en taquilla confirmándose la tercera parte para 2007.
Existe una versión conocida como 2.1. en que Raimi introduce escenas que no aportan nada más que ensombrecer al conjunto, ya que se trata de escenas absurdas que intentan ser divertidas. Sin duda alguna ésta elección de escenas adicionales insertadas fue un adelanto a lo que sería “Spider-Man 3”.

Más intensa, divertida, dramática y con más acción, “Spider-Man 2” es todo un triunfo que por fin da al personaje su gran película por excelencia. Un gran film de superhéroes.

Lo Mejor: Es respetuosa con el personaje. Su intensidad.

Lo Peor: Peter haciéndose el Superman para rescatar al tren. La versión 2.1.

Spider-Man 3

¿De qué trataría la nueva aventura del arácnido? Era una pregunta que ya se hacían los fans una vez estrenada la secuela, que dejaba entrever algunas posibilidades. Los rumores no dejaron de cesar hasta que se anunció el nuevo villano del film interpretado por Thomas Haden Church, agraciado por su interpretación nominada al Oscar en “Entre Copas” que daría vida al Hombre de Arena. A él había que sumarle otro villano que debía aparecer obligatoriamente, pues así lo requería la historia, el segundo Duende Verde en la figura de Harry Osborn. Ya teníamos dos villanos, algo nunca antes visto en una película de Spider-Man. Lo más sorprendente fue el anuncio de que además se trataría el tema del simbionte alienígena que transforma a Peter otorgándole el famoso traje negro que lo convierte en una persona más agresiva. Un verdadero notición, pues eso dejaba abiertas las puertas para que en una presumible futura cuarta entrega apareciera Venom como villano de la función, pero ¿para qué esperar si también lo podemos introducir aquí? O eso pensaron los creadores, con Raimi a la cabeza, que decidieron otorgar al cruel personaje varios minutos de gloria, confirmando así tres villanos para el film.
El 3 de Mayo de 2007 llegaba a las pantallas “Spider-Man 3”, prometiendo mantener la emoción de la segunda parte y engrandeciéndola con la lucha interior de Peter Parker.

Peter Parker lleva una vida idílica en que todo parece ir sobre ruedas, la ciudad de Nueva York adora a Spider-Man y está a punto de pedirle matrimonio a Mary Jane. Desgraciadamente los problemas reaparecerán al enfrentarse con su amigo Harry y descubrir que el verdadero enemigo de su Tío, Flint Marco, ha escapado de la cárcel y se ha convertido en un Ser capaz de convertirse en arena.

Reconozcamos que el punto de partida de la película daba para un film tan oscuro como el nuevo atuendo del protagonista. Peter busca venganza por la muerte de su Tío en la persona de Marco, a la vez que el simbionte alienígena va dominándolo poco a poco transformándolo en una persona mucho más cruel que realiza actos vandálicos y le hace olvidar quién es en realidad. Una premisa muy buena que los artífices echan por la borda al no saber muy bien cómo encauzarla. Y es que tener tantas tramas adyacentes para dejar cerradas dan muchos problemas.
En primer lugar tenemos el esperado enfrentamiento entre Peter y Harry que se resume en una secuencia de acción aérea en la cual el hijo de Norman Osborn pierde la memoria. A mitad de película vuelve a recuperarla pensando dañar a Peter alejando a Mary Jane de su lado y concluyendo con una lucha en la mansión Osborn contra el lado siniestro de su amigo, el cual lo deja marcado de por vida. Bien, que no exploten más la vena malvada de Harry es porque uno de los temas de la trilogía es la amistad entre ambos personajes, la cual se empezó a cuestionar en la película anterior para seguir desarrollándola aquí y consolidándola con esa aparición inesperada final de Harry aliándose con su compañero de instituto en el combate final.
En segundo lugar tenemos al Hombre de Arena que, como el Doctor Octopuss en la anterior, recibe ciertos cambios que no fueron del todo bien recibidos. Los más satisfactorios son los que describen la personalidad de Marco y el por qué de sus actos, su hija pequeña padece una enfermedad y para curarla necesita dinero. Ahora bien, lo sangrante fue transformar al personaje en verdadero asesino de Tío Ben, consiguiendo que Peter enfurezca mucho más. Desgraciadamente el villano, por muy bien representado e interpretado que esté en el film, acaba quedando en segundo termino a favor de la tercera trama.

La última trama pertenece al simbionte alienígena, el cual se pega al traje de Spider-Man otorgando a Peter mayor fuerza y poder, a la vez que una chulería bastante cargante. Ciertamente el simbionte debe convertir a Parker en una persona despreciable que haga que lo odien sus seres queridos, de hecho en la película su historia de amor con Mary Jane se ve en peligro por culpa de éste, pero de ahí a que el personaje solo consiga tener más ganas de bailar en las calles y de ligarse a chicas guapas hay un trecho muy largo que hace caer en el ridículo a los creadores del film. Una vez el personaje se deshaga del huésped alien nacerá Venom en la figura de Eddie Brock, el cual aparecerá en pantalla unos breves quince minutos, insuficientes para dicho personaje, demostrando así la poca simpatía que tiene Raimi por él.
A parte de todas las tramas, se introduce un nuevo personaje femenino, Gwen Stacy, que funciona como novia de Eddie Brock y como personaje femenino que da celos a Mary Jane al besar a Spider-Man frente a toda la ciudad. Otro ahorro que podrían haber hecho los artífices del film, pues se cargan un personaje celebre dentro de los comics.

Raimi había conseguido alcanzar una madurez creativa en la anterior película que aquí parece olvidar a ratos para caer en el mayor de los ridículos, como en todas las escenas de bailecitos de Peter, las cuales bien podrían haber suprimido por el bien de los fans. Aún así, y salvando estos lamentables tramos, el director sigue otorgando a la película un empaque visual excelente que la hace merecedora de ser considerada un gran espectáculo.
Las secuencias de acción hacen gala de los magníficos efectos especiales regalándonos combates muy bien ejecutados en que Spider-Man siga demostrando sus cualidades. La secuencia de acción final es todo un despliegue de medios en donde los responsables echan toda la mitad del presupuesto para crear una secuencia de lucha grandilocuente con diálogos más propios de los Power Rangers.
Los momentos protagonizados por el simbionte son muy interesantes y poseen cierta inquietud, como el momento en que el alien está a punto de emparejarse con el traje del héroe dibujando su sombra la figura de un monstruo. Raimi nos regala increíbles planos en que Spider-Man está sobre grandes edificios vestido de negro y una de las mejores escenas, aquella en que Peter se libera del traje en el campanario.
Las escenas dramáticas siguen siendo intimistas, con conversaciones sencillas entre los personajes que demuestren lo problemas reales de Peter, el cual olvida prestar más atención a su novia debido a que la fama como Spider-Man se le está subiendo a la cabeza. El hombre de Arena protagoniza la mejor secuencia, ya no solo dramática, sino de todo el film, su nacimiento. Está realizada íntegramente por Efectos Especiales, pero eso no le resta puntos para que posea tristeza en el momento en que el personaje quiera alcanzar la medalla de su hija y no pueda.
El personaje de Venom sale muy mal parado, tan solo protagoniza la lucha final contra Spider-Man y el nuevo Duende, sin demostrar todo el potencial que ofrece. Una verdadera pena.

Según anunciaron ésta sería la última entrega dela Saga, y la verdad es que el final podría sugerirlo así. La amistad entre Harry y Peter queda consolidad para siempre, así como la historia de amor que cierra la trilogía con ese sencillo plano de los dos jóvenes protagonistas abrazados bailando.

De nuevo el elenco técnico de Efectos Especiales se lució, en especial en la creación del Hombre de Arena, que aparece visualmente con un gran respeto hacia el comic. No se puede decir lo mismo del nuevo Duende Verde, al cual transforman en un surfero del aire que no lleva ni la máscara característica.
La banda sonora corrió a cargo de Christopher Young debido a problemas creativos que tuvieron Danny Elfman y Sam Raimi. Aún así se mantuvieron los temas principales y se crearon otros nuevos, realmente interesantes, para los villanos.
De nuevo repite el elenco interpretativo, protagonizando un bajón en lo que a Maguire se refiere, y es que protagonizar bailes a lo Travolta hace mucho daño. El resto cumple visto el material que tienen entre manos. La incorporación de Haden Church es un soplo de aire fresco y sigue dando prestigio a la franquicia, pues da vida al Hombre de Arena de manera sensacional. Topher Grace es Eddie Borck, alias Venom, el joven que busca quitarle el puesto de fotógrafo a Peter, ganándose su antipatía y jurando acabar con él, cosa en la que lo ayudará el simbionte alienígena. Bryce Dallas Howard está muy guapa como Gwen Stacy luciendo rubio platino, pero no sale muy bien parada en lo que ha representación del personaje se refiere funcionando más bien como florero. Theresa Russell es Emma Marco, esposa de Flint Marco. James Cromwell es el Capitán Stacy, padre de Gwen y jefe de policía. Bruce Campbell posee aquí más metraje como chef del restaurante francés en donde Peter invita a Mary Jane a cenar.

A pesar de estar por debajo de las expectativas “Spider-Man 3” resultó ser un gran éxito de taquilla que ofrecía un gran espectáculo. Recientemente Raimi ha declarado su intención de hacer una cuarta parte prevista para 2011 en donde subsanará los errores cometidos en ésta tercera entrega, la cual en mi opinión, y a pesar de los fallos, está un poco por encima del primer film.

Espectacular, con grandes dosis de acción y efectos especiales “Spider-Man 3” funciona como final de la trilogía que nos describa la historia de Peter Parker con su amor Mary Jane y su amigo Harry Osborn.

Lo Mejor: Es un gran espectáculo. Haden Church. El nacimiento del Hombre de Arena.

Lo Peor: Los bailecitos de Peter Parker. Venom. Demasiadas tramas para un solo film.

Ali, de Michael Mann

En 1964 Cassius Clay se proclama campeón del mundo de los pesos pesados al derrotar a Sonny Liston. Una década después, ya conocido como Muhammad Ali, vuelve a combatir por el título contra George Foreman en Zaire.

Hacer la película sobre Muhammad Alí estuvo en el punto de mira del director afroamericano Spike Lee durante muchos años, tanto interés tenía en realizarla que cuando se anunció que Michael Mann iba a encargarse de ello puso el grito en el cielo. Mann se mostró al principio reticente a realizar el film, aunque también había mostrado mucho interés por el proyecto. A finales de los 90 tanto el actor elegido para dar vida a Ali, Will Smith, como el propio personaje sobre el que se iba a realizar el biopic eligieron a Mann para hacer el film que relataría los hechos más importantes de la vida de Muhammad Ali.

La película nos narra la década comprendida entre la victoria que llevó al protagonista a ganar el título de los pesos pesados en 1964 hasta la mítica pelea contra Foreman en Zaire en el año 1974. Una década en la que el personaje vivió una amistad con Malcolm X, quien le introdujo en la religión islámica, tuvo problemas con la justicia debido a su oposición a participar en Vietnam y no ocultaba su afición a las mujeres guapas.
Muhammad Ali fue un hombre que luchó para que su identidad fuera reconocida por todo el mundo. El entrar a formar parte del grupo afroamericano islámico que Malcolm X le descubre, y cuyo precursor es Elijah Muhammad , significa para el boxeador romper con la esclavitud, con el nombre de esclavo que su familia ha llevado y abrazar una religión que pregona la paz y una nueva esperanza para el ciudadano negro. Por desgracia la asociación musulmana demuestra a Ali no ser tan firme como parece, sino que se mueve también por intereses, así se explica que lo acepten dándole su nuevo nombre cuando gana el titulo de los Pesados y que le den la espalda, expulsándolo incluso, cuando es acusado por el Gobierno y condenado a pasar cinco años de cárcel y a pagar una multa de 10000 dólares. A pesar de ello Ali no renuncia a sus creencias ni a su nombre, pues él se ha hecho a sí mismo y nadie le manda, convirtiéndose en el héroe del pueblo.

Con esta película Michael Mann comienza su andadura en el S. XXI poniendo en práctica el uso del cine digital. El director utiliza en este film las cámaras digitales para rodar algunas escenas nocturnas u oscuras y tramos de combates otorgando a la película un aire cuasidocumental que desarrollaría aún más en su posterior “Collateral”, a partir de la cual rodaría siempre en este sistema.
A pesar de comenzar su andadura en digital el director es fiel a sí mismo y realiza una película con fuerza en sus imágenes, en donde la cámara se incrusta en los personajes para describirnos sus sentimientos y en que el uso de la steadycam funciona para darle más empaque de documental. Largos planos acompañados por una música acorde con el tema del que se habla y perfectamente fotografiada, esta vez por Emmanuel Lubezki, dejan claro que estamos ante un film 100 % Michael Mann.
Puesto que estamos ante la historia del mayor boxeador de todos los tiempos ha de haber combates. Al contrario que en otras producción hollywoodienses sobre el mundo del boxeo aquí apenas hay una emoción triunfal sino una muestra de los hechos tal cual. Si es cierto que en ocasiones concretas se introduce una cámara lenta o la música hace aparición, pero sin llegar a la exaltación. Mann estudió cada combate que iba a aparecer en la película para plasmarlo en la pantalla de forma calcada. El realizador coloca los objetivos en diferente puntos de vista mientras se desarrolla el combate (dentro del ring, en plano subjetivo de un boxeador, mostrándonos al público) consiguiendo que el interés no decaiga.

A pesar de poseer fortaleza en sus imágenes “Ali” adolece de un montaje que no aguanta todo lo que se nos cuenta de manera equilibrada. Los dos primeros actos (el triunfo del boxeador llegando a alzarse con el título y siendo aceptado dentro de la comunidad islámica; su enfrentamiento con el Gobierno de Estados Unidos y su retirada de licencia) se sustentan bien, hay interés en saber cómo el personaje se enfrentó a estos problemas. Ahora bien, no se puede decir lo mismo del tercer acto, que nos describe la preparación y el posterior combate en Zaire. Parece que toda la película ha sido hecha para realizar este momento, que ocupa la extensa media hora final. Quizás su error sea el detenerse en un solo hecho en esta ocasión (el combate contra Foreman) mientras que en los otros dos tramos había muchos mas temas. Tampoco ayuda la forma de concluir el film, congelando la imagen con el campeón sobre el ring demostrando ser el mejor y apareciendo las típicas letras que nos resuman qué fue de su vida después, como si de un telefilm se tratara. Por este motivo el film entra a formar parte de las películas buenas, pero no brillantes, de la carrera del director.

El libreto del film fue escrito por Stephen J. Rivele, Christopher Wilkinson, Eric Roth y el propio Mann, consiguiendo introducir en él todos los hechos relevantes en la década que envuelve al film. Los diálogos son buenos y tratan de ser respetuosos con los personajes que escenifican.
El director de fotografía Emmanuel Lubezki otorga una extensa galería de colores, cambiando tonos según el lugar donde se desarrolle la acción, además las composiciones de los planos, utilizando de diferente forma la profundidad de campo, son muy llamativas.
El reparto está perfecto en su conjunto, Mann es un excelente director de actores que se preocupa en que el más mínimo personaje demuestre tener importancia dentro de la trama. Will Smith destaca sobre el resto no solo por dar vida al personaje protagonista Muhammad Ali, sino porque se trata de su primera gran interpretación dramática, quizás la mejor de su carrera a día de hoy. El actor adquirió la masa muscular que tuvo el boxeador en la época que se describe y aprendió a boxear de la misma forma que él, transformándose completamente. Otra transformación la tenemos en Jon Voight, al cual es difícil reconocer tras el maquillaje que lleva para dar vida a Howard Cosell, el entrevistador televisivo que hace buenas migas con el campeón a pesar de protagonizar diversos enfrentamiento públicos para complacer a la audiencia. Jamie Foxx se estrena con Michael Mann dando vida a Bundini, el guía de Ali en el ring, un personaje que sufre la caída del boxeador convirtiéndose en un alcohólico. Jada Pinkett Smith coincide con su esposo dando vida a Sonji, primera mujer de Ali que se convierte al Islam por él. Mario Van Peebles da vida a Malcolm X. Ron Silver es Angelo, el entrenador del campeón. Jeffery Wright es Howard Bringham, fotógrafo siempre acompañando al protagonista. Nona Gaye es Belinda, segunda esposa del boxeador y Michael Michele da vida a la tercera chica que rompe el corazón del protagonista en la cinta, Veronica.

La película consiguió dos nominaciones a los Oscars correspondientes a Actor (Will Smith) y Secundario (Jon Voight).

Brillante en su forma y con buenas interpretaciones “Ali” se presenta como una cinta interesante que nos describe a uno de los personajes más influyentes del Siglo XX. Lástima que su excesiva duración le pase factura.

Lo Mejor: El estilo de Michael Mann. Los actores.

Lo Peor: Su tercer acto pesa mucho.

Beowulf, de Robert Zemeckis

A principios del S. VI en Dinamarca una feroz criatura conocida como Grendel atemoriza al reino. El Rey Hrothgar hace un llamado dirigido a todo héroe que se vea capaz de derrotarla ofreciendo como recompensa la mitad de los tesoros de su Reino. Entre estos héroes llega Beowulf.

Reconozco que no tenía mucho interés en ver esta película a pesar de estar dirigida por uno de los directores a los que mas aprecio, Robert Zemeckis. La razón era que la anterior película del director realizada mediante las mismas técnicas, “Polar Express”, no me había gustado tanto como esperaba y donde poco se dejaba ver del artesano que era el realizador. Sin embargo con esta segunda incursión en el terreno de la animación por motion capture el director nos ofrece una película mucho más sólida.

El cantar épico de Beowulf es conocido y ha sido adaptado en multitud de ocasiones en diferentes medios, existe incluso un film protagonizado por Christopher Lambert de Serie B en que se cruzaba la brujería con la ciencia ficción y otro por Gerard Butler lanzado directamente al mercado domestico. La leyenda de Beowulf nos narra cómo el héroe se enfrentó al monstruo Grendel y, posteriormente, a su madre derrotándolos y ganando el botín prometido. Anciano y siendo Rey de su pueblo, Gautlandia, Beowulf se enfrenta por última vez con un dragón que ha escapado de su cueva al serle robado una copa de plata. Tras derrotar al dragón Beowulf muere.

La adaptación de la historia para la película ha sido llevada a cabo por Roger Avary y Neil Gaiman, quienes ofrecen una perspectiva muy interesante al cuestionar el heroísmo del protagonista, convirtiéndolo en un ser tan débil y avaricioso como los gobernantes de su tiempo. Este cambio se ve sobre todo al final de la segunda parte de la cinta, cuando Beowulf cede ante la madre de Grendel, a la que no mata sino que se acuesta con ella para darle un hijo obteniendo a cambio el convertirse en Rey del Reino que acaba de salvar. La cruel bruja promete a Beowulf no atacar nunca sus confines si él le da para siempre la copa dorada con forma de dragón, pero si alguna vez ésta copa le es usurpada la terrible criatura atacará sin piedad. En el último acto del film tenemos a un anciano Rey Beowulf que ha combatido contra infinidad de criaturas y que está a punto de combatir por última vez contra una de ellas. Con esto último los guionistas intentan ser lo más fieles posibles al poema en su estructura, pues al final de la película Beowulf se enfrenta a un dragón, pero no a uno cualquiera sino al que representa su mayor pecado, el haber mentido al mundo respecto a su hazaña de matar a la madre de Grendel, la cual se presenta como verdadera vencedora del film, capaz de manipular a todo hombre.
Si Beowulf es cuestionado como un gran héroe lo mismo se puede decir de la criatura Grendel, la cual nos es mostrada como un ser torturado que vive en su cueva sufriendo los continuos festejos que se realizan en el Reino, razón por la cual decide matar a los hombres. Grendel tan solo tiene a su madre como protectora, encontrando en ella además cariño.

Zemeckis ha vuelto a sus mejores días, o al menos en cuanto a narración se refiere. Y es que si esta película me ha supuesto una grata sorpresa ha sido por la magnifica forma en que está narrada, con una planificación ejemplar y la inteligente utilización de una elipsis que nos resume el periodo del reinado de Beowulf mediante sus hazañas a través de su corona. Gracias a la tecnología informática Zemeckis puede realizar sus largos travellings, siendo el más memorable aquel que nos hace viajar desde el salón Heorot hasta la guarida de Grendel utilizando seres vivos, pues comienza con el movimiento de la Reina Wealthow, sigue con el caminar de las ratas por el techo y concluye con el volar de un ave que nos eleva por los cielos. El director utiliza además el plano subjetivo cuando la madre de Grendel aparece hablándole a su hijo y acercándose a él, dejándonos entrever gracias a un reflejo su verdadero aspecto. También hay que mencionar la violencia explicita mostrada, así como la carga sexual propia de los bárbaros protagonistas. Y es que “Beowulf” es una historia de guerreros sucios, salvajes y maleducados, en donde apenas encontramos esa glorificación del héroe. Una historia de vikingos de verdad que solo dedican su tiempo a guerrear, beber, comer y fornicar.
El punto débil del film lo encuentro en la falta de emoción de la película. Puede que resulte impresionante ver el film gracias a su factura técnica, pero en la medida de lo fílmico apenas encontramos un tramo que nos emocione como debería una película épica. Tal vez sea consecuencia de la personalidad del héroe, muy alejada de otros protagonistas de películas épicas, y de arriesgar algunos tramos para su disfrute en salas acondicionadas al 3D, perdiendo la fuerza que deberían tener sin pertenecer a dicho efecto.
La Banda Sonora corre a cargo del inseparable de Zemeckis, Alan Silvestri, quien sigue demostrando lo gran compositor que es.

Si en “Polar Express” el director contó con su amigo Tom Hanks para dar vida a varios personajes en esta ocasión cuenta con un reparto mucho más extenso de actores de primera fila que prestan sus movimientos y su voz, a la vez que su figura digitalizada, para la creación de los personajes protagonistas. Ray Winstone se transforma perdiendo unos kilos de más y consiguiendo una figura atlética como Beowulf, Anthony Hopkins conserva todos sus rasgos como el Rey Hrothgar, John Malkovich es Unferth, el consejero, personaje que poco tiene en común con el actor que le presta su talento, Robin Wright es la Reina Wealthow, Brendan Wleeson es Wiglaf, mano derecha de Beowulf, Crispin Glover es Grendel, el monstruo desfigurado y torturado por los festejos que realizan en el Reino, Alison Lohman es Ursula, criada y amante de Beowulf en sus años de Rey, Angelina Jolie es la madre de Grendel en su forma más atractiva.
El hecho de contar con actores deja ver que Zemeckis sigue siendo un director al que le gusta trabajar con ellos a pesar de llevar a cabo sus films mediante técnicas modernas. Si embargo, la traslación de algunos de ellos resulta fallida, no solo en la traslación del actor al personaje sino en la composición del mismo, con una ligera descompensación entre cabeza y cuerpo. Además de ello, las técnicas de animación mediante Motion Capture debe seguir progresando pues aún no han conseguido llegar a ese realismo que tanto pregonan, para no ir muy lejos diré que cuesta creer que los objetos que portan los personajes tengan peso, pues los alzan con excesiva ligereza. Esperemos que este sistema siga evolucionando limando dichos fallos y perfeccionando la animación hiperrealista, por lo pronto el director ultima “Cuento de Navidad”, de nuevo realizada con este sistema y con Jim Carrey como protagonista.

Espectacular en su estilo y con una narración de primera “Beowulf” es una cinta recomendable en que podremos ver una historia de espada y brujería clásica realizada con las últimas tecnologías.

Lo Mejor: La virtuosa narración.

Lo Peor: Su carencia de emoción.

El Último Mohicano, de Michael Mann

1757. Inglaterra y Francia luchan por adueñarse de territorios norteamericanos, para combatir a la milicia franco-india los ingleses reclutan a granjeros e indios de la región. Las hijas del coronel Munro se dirigen al fuerte William Henry, donde está su padre, pero caerán en una trampa de la que saldrán vivas gracias a la ayuda de tres hombres, los últimos de una especie.

Sobre la novela de James Fennimore Cooper se han realizado varias adaptaciones cinematográficas, sin embargo es la de Michael Mann la más recordada y exitosa. El director rodaba así su primera superproducción hollywoodiense en que dejaría patente su personal estilo a la hora de narrar con la música como elemento narrativo apoyándose en una grandiosa fotografía y unos buenos actores.

La película nos narra dos historias de amor paralelas protagonizadas por las dos parejas de hermanos del film. En primer lugar, y de forma mucho más evidente, tenemos la protagonizada entre Cora, hija de un importante oficial británico, y Nathaniel, un piel blanca adoptado por los mohicanos también conocido como Ojo de Halcón. Ambos viven en mundos completamente distintos pero eso no impide que nazca entre ellos un respeto que se convertirá en amor a medida que avance su camino hasta el fuerte William Henry. Entre ambos personajes nos encontramos con Duncan, enamorado desde niño de Cora, que pondrá todos los impedimentos posibles por entrometerse. La otra historia romántica tiene lugar entre los hermanos de ambos, Alice y Uncas. Los dos personajes destacan por su extrema timidez que les impide decirse lo que sienten, sin embargo sus leves miradas y, sobre todo, su fatídico destino dejarán claros éstos sentimientos.
La trama romántica tiene lugar en un escenario altamente hostil. América está sufriendo una guerra entre dos países en continuo enfrentamiento que buscan gobernar los territorios de Canadá. Las primeras victimas de esta guerra son, como siempre, los inocentes, los nativos que se ven obligados a participar en ella para no perder sus propiedades y que cada vez sienten más repulsa por los que los gobiernan, apareciendo levemente el fantasma de lo que vendrá pocos años después, la Independencia. Otra consecuencia de la guerra en Norteamérica es la desaparición de especies nativas, este es el caso de los mohicanos y de los hurones, clanes rivales que combaten para los ingleses y los franceses respectivamente.

El director Michael Mann consigue una obra visualmente poderosa en que cada escena consigue transmitirnos sensaciones. La apertura ya nos engulle gracias al sonido de tambores compuesto por Randy Edelman y Trevor Jones apareciendo ante nosotros el vasto territorio norteamericano y continuando con la cacería de un ciervo que llevan a cabo los protagonistas. En especial hay tres motivos, que son rasgos propios del director, por los que esta película es de las más sólidas a nivel de dirección de Mann. La primera es la magnifica descripción de los sentimientos que empujan a los personajes por medio de las miradas, en que el dialogo es mínimo y son los silencios los que narran la escena. Esto puede verse en el momento en que Uncas observa a Alice subir por unas rocas, o, sobre todo, en la escena en que Cora y Nathaniel se besan por primera vez, tras haber contemplado el ataque al fuerte y estar presenciando el infierno. La escena posee lirismo, describiéndola el director por medio de primeros planos en donde los besos son protagonista. Otro motivo es por la magnifica utilización de los escenarios naturales, mostrándolos con una belleza que acrecienta el espectáculo que estamos viendo. Por último tenemos la impresionante secuencia final en que se trata de liberar a Alice y acabar con Magua, villano hurón del film. Los dos puntos anteriormente citados se unen en este tramo de cerca de ocho minutos de manera magistral para crear una secuencia emocionante. El momento en que Uncas lucha con Magua por Alice, y cuando ésta decide seguirlo hacia la muerte, tiene una fuerza visual irrefutable, posiblemente lo mejor del film.

El guión corre a cargo del propio Mann y de Christopher Crowe. Primeramente decir que respecto al libro se toman muchas libertades creativas en post de una historia más dirigida a un público masivo en que el protagonista viva una historia de amor con el personaje femenino más fuerte, dejando a su hermano en segundo termino. A parte de ello nos encontramos con un guión al que si le hubieran recortado diálogos no le habría pasado nada, sino todo lo contrario. Con esto me refiero sobre todo a los momentos de romanticismo protagonizados por Nathaniel y Cora durante la segunda parte de la cinta, que llegan a rozar lo extremadamente cursi. Menos mal que a la hora de rodar las escenas el director consigue llevarlas a buen puerto.
La fotografía corre a cargo del gran Dante Spinotti. El director de fotografía otorga a la imagen belleza e intensidad con una fotografía naturalista. Destaca el momento en que la iluminación procede de una fogata en la escena de amor, otorgando más calidez al momento. Spinotti ya había trabajado con Mann en “Hunter y repetiría posteriormente con él en “Heat”, “El Dilema”, y la inminente “Public Enemies”.
La banda sonora del film es un portento de sobra conocido, raro es a quien no le suene el tema de apertura de la película. Edelman y Jones crean una composición magnifica que otorga más emoción a las imágenes. No solo sirve como acompañamiento sino también como elemento descriptivo.

El elenco del film está encabezado por el gran Daniel Day-Lewis como Ojo de Halcón, el papel heroico de acción por excelencia del intenso actor con el que demostró ser capaz de resultar atractivo físicamente y funcionar como héroe. La bella Madeline Stowe es Cora, pareja romántica de Day-Lewis. La actriz nos da un recital interpretativo por medio de su hermosa mirada en que todas sus líneas de dialogo parecen demasiadas para transmitir lo que siente. Wes Studi es Magua, el villano del film. Como siempre Studi da vida al indio violento. Russel Means es Chingachgook, padre adoptivo de Nathaniel y sanguíneo de Uncas, es la representación del fin de su raza, el último mohicano del título. Eric Schweig es Uncas, el callado hermano de Ojo de Halcón, cuya valentía contrasta con su timidez. Jodhi May es Alice, la dulce e inocente hermana de Cora que sufre un trauma al contemplar la violencia de la guerra. Steven Waddington es Duncan, el oficial enamorado de Cora que no acepta a Nathaniel. Maurice Roeves es el Coronel Munro, padre de las protagonistas, que muestra su mandato inglés cumpliendo las ordenes a raja tabla, sin importarle cómo sufran las mujeres e hijos de los nativos reclutados. Mencionar la breve aparición de Pete Postlethwaite y Colm Meany como oficiales ingleses.

La película se convirtió en el primer gran éxito de taquilla de Mann consiguiendo además el Oscar correspondiente a Mejor Sonido.
Intensa, con una gran belleza, en donde todo está orquestado para conseguir trasladar al espectador a esa época, dentro de esos bosques, “El último mohicano” es una gran película de aventuras, de las mejores de los 90.

Lo Mejor: Su puesta en escena. La música. La fotografía. La secuencia final.

Lo Peor: El exceso de romanticismo en los diálogos.

Ángeles y Demonios, de Ron Howard

Cuando está a punto de celebrarse el Conclave para elegirse un nuevo Papa los cuatro preferiti candidatos al cargo son secuestrados. El Vaticano manda llamar al profesor Robert Langdom para resolver el enigma que les conduzca a los cuatro secuestrados e impedir la detonación de una bomba de antimateria.

A pesar de las lapidarias críticas recibidas “El código Da Vinci” se convirtió en un éxito cinematográfico a nivel mundial, era lógico por tanto que sus creadores decidieran adaptar otra novela de Dan Brown, en esta ocasión la primera aventura del personaje de Robert Langdom titulada “Ángeles y Demonios”, claro que no la realizarían como precuela, tal y cómo sucede con los libros, sino como secuela de la anterior película, aunque sin hacer alusión directa a los hechos acontecidos en aquella.

Si algo bueno tiene “Ángeles y Demonios” es que no trata de descubrir ningún misterio milenario ni de vendernos la moto con alguna teoría absurda sobre el origen del Universo, como si lo hacía “El código Da Vinci”. La temática que toca la historia, tanto la literario como la cinematográfica, es el enfrentamiento entre ciencia y religión, razón y Fé, enfrentando a nuestros protagonistas contra la desaparecida hermandad de los Illuminati, los cuales fueron ajusticiados por la Iglesia hace siglos debido a sus ideas científicas. Siempre se ha abierto un debate entre los que están de parte de un lado o de otro (si no que se lo digan a Tom Cruise) pero, como dice Lagdom, es posible entender ambas y aceptarlas, pues no dicen sino lo mismo pero con diferente idioma, lo cual no las hace incompatibles, sino todo lo contrario. Así pues la historia trata de decirnos que la razón y la Fé no tienen por qué ir separadas. A pesar de esto la película hierra en su finalidad de transmitirnos dicho mensaje por la misma razón que la primera película, han sido excesivamente fieles al libro.
De un buen libro se puede hacer o bien una película buena o una mala, pero de un mal libro es raro que hagan una buena película. Ha sucedido, claro que sí, pero no sobre las novelas de Dan Brown. Y es que los libros de este hombre no son puramente thrillers para pasar el rato, sino que hay en ellos una pretensión de demostrar saber más que nadie por medio de teoremas y explicaciones históricas que, ciertamente, no llevan a ningún sitio dentro de la trama. Bien que en “El código…” lo hiciera porque después de todo por medio de los cuadros se intentaba explicar la fantástica teoría que esconde la historia, pero en “Ángeles y Demonios” sobran muchas conversaciones acerca de las esculturas que adornan el Vaticano o el tipo de papel que utilizaban los científicos religiosos para escribir en inglés. Eso se ha mantenido en la película al igual que sucedió en la anterior y hace la historia parezca no avanzar. Además ambas historias están desarrolladas de igual forman, con una estructura calcada. Sucede un crimen (en este caso un secuestro y robo), llaman a Langdom, conoce a los miembros de seguridad del lugar y a una joven atractiva que será su compañera de aventuras y comienza la carrera por descubrir la verdad siguiendo pistas por medio de representaciones artísticas y llegando siempre a los lugares con el tiempo justo. Desde luego a Brown no se le puede tildar de original, más bien de escritor de ciencia-ficción, aquí incluso introduce una bomba de antimateria creada por el CERN que es capaz de hacer más daño que todos los meteoritos de “Armageddon”. Sin embargo, y aunque ambas historias posean una estructura idéntica y dosis fantásticas que ni Iker Jiménez, siempre me ha parecido mejor “Ángeles y Demonios”, ya no solo porque no esconda ningún teorema sino porque era una historia de crímenes en donde, a pesar de los dialogos teóricos, la acción no se detenía.

El equipo de la primera película repite al completo, a nivel técnico claro, porque interpretativo solo repite Hanks como Langdom. Que la película vuelva a estar dirigida por Ron Howard siempre da algo de miedo, sobre todo cuando la presente tiene mucha más acción que la anterior. Verdaderamente me he sentido sorprendido al ver lo bien que Howard mantenía la historia. Salvo los momentos de conversaciones artísticas e históricas que se desarrollan en la primera parte del film el resto es un no parar por las calles de Roma, las iglesias y los lugares secretos del Vaticano. Por fin el director sabe hacer una película que tenga algo de emoción, no en exceso pero si la suficiente como para que la larga duración pase rápida. A su favor también hay que citar la presentación de los asesinatos, sin cortarse un pelo en mostrar ojos extirpados ni cuerpos mutilados. En contra debemos decir que en los momentos de suspense el director sigue fallando sin conseguir ponernos en tensión, una lástima. Ayuda mucho el hecho de haber rodado en los exteriores de los lugares donde acontece la trama, pues el espectador parece estar dentro de un tour por la ciudad Italiana acompañando a los protagonistas.
Akiva Goldsman escribe el libreto, esta vez con ayuda de David Koepp. Siguen existiendo conversaciones propias de una clase de arte que no llevan a ningún sitio pero por suerte han disminuido con respecto al literario, del cual han cambiado algunas cosas a favor del film, cómo el tan temido final del helicóptero, del que tampoco han realizado una maravilla, que esa escenita se las trae por muy buenos efectos especiales y sonido que tenga.
Hans Zimmer vuelve a acompañar a las imágenes por su vibrante música, en la que ha variado muy poco respecto a la anterior. Los coros siempre se les dan bien al compositor y dan más emoción a la historia.
De nuevo se ha contado con un reparto internacional que hace lo que puede dentro de las posibilidades de la historia. Tom Hanks repite como Robert Langdom mostrando una clara evolución, ya que en la anterior estaba muy contenido y huraño mientras aquí se muestra mucho más simpático y dispuesto a la acción, terreno en el que se desenvuelve mucho mejor. Nunca pasará a la historia de sus mejores interpretaciones, pero si lo hará por el hecho de haberse embolsado 50 millones de dólares. Ewan McGregor es el Camarlengo Patrick McKenna, el hombre de confianza del recién fallecido Papa preocupado por la estabilidad de la Iglesia. McGregor se encuentra muy ajustado en su papel, aunque no está del todo mal cuesta creérselo como un hombre de Dios. Ayelet Zurer es Vittoria Vetra, la científica que se une a Langdom en la búsqueda del dispositivo. La actriz está por estar, más que nada porque su personaje es absurdo y demuestra la poca imaginación de Brown emparejando por obligación a Langdom siempre con mujeres. Vetra es una científica que participó en la creación de la antimateria y que es llamada para que les de información sobre ella. Cuando Lagdom se pone en marcha ella se une porque si, porque así si encuentran el explosivo podrá ayudarlo a desactivarlo para luego resultar que, inexplicablemente, es una chica inteligentísima que sabe de Arte y Religión tanto como el bueno del Profesor. Ciertamente la actriz no tenía mucho con lo que trabajar viendo dicho personaje. Pierfrancesco Favino es el Inspector Olivetti, el hombre que recomendó llamar a Langdom y quien le ayudará en su búsqueda. Stellan Skarsgard es el Comandante Richter, jefe al mando de la Guardia Suiza, protectores del Vaticano. Armin Mueller-Stahl es el Cardenal Strauss, quien defiende las sagradas leyes del Vaticano y su tradición a la hora de elegir un Santo Padre que guíe a la Iglesia.

En resumidas cuentas, una película digna del original literario del que parte, para pasar un rato y de paso, viendo los tiempos de crisis que vivimos, viajar por un módico precio a Roma y visitar sus lugares culturales.

Lo Mejor: El ritmo se mantiene bien.

Lo Peor: La estructura calcada. La historia no tiene mucho interés.

The Matrix Trilogy

En 1999 una película que tuvo poca pero inteligente promoción llegaba a las pantallas revolucionando todo lo que habíamos visto dentro del cine de acción. Se trataba de “The Matrix” de los Hermanos Wachowski, apadrinados por uno de los productores de cine comercial más exitosos, Joel Silver. El film no tardaría en convertirse en todo un referente dentro del género de acción y ciencia-ficción. Como era normal, debido al éxito que tuvo, los directores realizaron dos secuelas para crear un trilogía, la cual declararon estaba pensada desde un principio, expandiéndola por medio de juegos y cortometrajes. El resultado fue una serie visualmente excelente que perdía solidez a cada nuevo film.

The Matrix

Thomas Anderson lleva una doble vida, de día trabaja para una empresa de software y de noche ejerce como hacker bajo el alias de Neo. Pronto será localizado por Morfeo, un terrorista informático sobre el que ha estado investigando Neo, y que le desvelará una terrible verdad que cambiará la percepción sobre la realidad que lo rodea.

¿Qué es Matrix? Esa es la pregunta que todo el mundo se formulaba antes si quiera de que la película llegara a los cines, y es que la publicidad no se excedía mucho más que de un breve avance a modo de teaser trailer en que una sucesión sin freno de imágenes aparecían ante nosotros para finalizar con un Keanu Reeves enfundado de negro y gafas de sol disparando hacía la cámara para aparecer el título seguido de una dirección web conocida como www.whatisthematrix.com. Un marketing muy inteligente, no solo por el secretismo con el que se llevó a cabo la película, cuyo presupuesto no se excedió de 80 millones de dólares, sino por publicitarla a través de ese inteligente eslogan web, anticipando ya lo que sería el futuro a la hora de promocionar una película, internet.
El 31 de Marzo de 1999 llegaba a los cines norteamericanos (en España llegó a finales de Junio) “The Matrix” con un gran éxito de crítica y público, el cual salía alucinado ante lo que acababa de ver. El boca oreja funcionó a las mil maravillas naciendo así el principio del cine de acción del S.XXI, como dijeron algunos críticos.

La película trata sobre un tema tan recurrente en la ciencia ficción como la guerra entre humanos y maquinas de una forma original. Dentro de doscientos años las maquinas gobernarán nuestro planeta y nos utilizarán a los humanos, desde nuestro nacimiento forjado en campos de cultivo, como fuentes de energía para poder vivir. A la vez que se sirven de nosotros nos mantienen enchufados a un sistema de realidad virtual conocido como Matrix en el cual vivimos una vida real en una época doscientos años anterior a la presente sin saber nada sobre nuestra verdadera existencia. Es una ironía pensar que dentro de cientos de años esto pudiera pasar, pues acabaríamos siendo para las maquinas lo mismo que son ellas para nosotros hoy, ya que se han vuelto prácticamente imprescindibles en nuestra vida diaria actual.

“The Matrix” contiene una alta carga filosófica a través de preguntas que se hace el protagonista como ¿Quién soy? ¿De donde vengo? ¿Es esto real? Los Wachowski beben sobre todo de Platón y su Alegoría de la caverna, en la cual nos describía como un esclavo conseguía escapar de la cueva, lo único que conoce, para descubrir el mundo de lo real. En “The Matrix” el sistema informático que nos gobierna es la cueva y el mundo real es el mundo gobernado con máquinas. Neo es el esclavo liberado con ayuda de Morfeo, pero mediante su voluntad pues si él no acepta cortar el enchufe (tomar la pastilla roja) seguirá vagando en las sombras.
Además hay un guiño a “Alicia en el País de las Maravillas” en el momento en que Morfeo le ofrece a Neo la posibilidad de saber la verdad cómo si fuera Alicia cayendo por la madriguera del conejo.
No debemos pasar por alto tampoco el leve aspecto religioso que siempre se le saca a la cinta, mediante la búsqueda por parte de Morfeo y Trinity de El Elegido, el hombre que vendrá a liberarnos de las máquinas para siempre y nos guiará en nuestro camino. Neo es ese hombre en la película, y en el trascurso de la misma deberá aceptarlo y creerlo. El nombre de Morefo viene del Dios griego del sueño, medio por el cual llega a Neo el personaje en el film, y Trinity viene a significar Trinidad, tal vez con alusión religiosa.

Visualmente los Wachowski realizan la película que ha sentado las bases a la mayoría de cine fantástico posterior. Los hermanos declararon abiertamente sus influencias del manga japonés (con “Ghost in the Shell” a la cabeza), el cine de acción de John Woo y las películas de artes marciales. Todo ello lo mezclan creando un cocktail visual impresionante en donde la sorpresa no se detiene.
Cabe destacar que la mayor virtud del film es saber encontrar el equilibrio entre trama y secuencias espectaculares de acción, consiguiendo tener el ritmo justo con una narración de primera. La película comienza con una breve secuencia de acción que nos deja sorprendidos, y es que ver a una mujer caminando por las paredes, esquivando disparos y realizando saltos imposibles no se ve todos los días en cine. Así se nos presenta Trinity. A continuación comienza la primera de las tres partes que integra la trama. Conocemos a Neo en su doble faceta, la de hacker y la de informático, le seguimos en su búsqueda de Morfeo y conocemos a los peligrosos agentes, que lo amenazan si no deja su vida de pirata informático. Este primer tramo concluye una vez Neo conozca a Morfeo y acepte conocer la verdad sobre su mundo. El segundo acto transcurre primordialmente en el mundo real, el mundo de las maquinas, a bordo de la nave Nebucanesser, en donde descubrimos humanos liberados y otros nacidos libres, conocidos como los Hijos de Sión, la última ciudad existente. Aquí los espectadores se sienten como el protagonista, perdidos ante tanta información mediante la cual se nos desvela que todo lo que conocemos es una simple ilusión. En este tramo Morfeo cuenta a Neo la profecía de El Elegido, lo entrena para sobrevivir en Matrix así como lo enseñará los peligros que puede encontrar en forma de agentes y lo lleva a ver a la Oráculo, la cual dice en secreto a Neo que no es quien se esperaba Morfeo. Una vez vuelvan de Matrix tras perder a Morfeo dará comienzo el tercer acto, el tramo de acción por excelencia, el rescate de Morfeo. Neo confía en las posibilidades que Matrix les ofrece y se lanza con Trinity a la desesperada cargados con armas y artillería pesada. El tiroteo en el vestíbulo, la explosión del ascensor, el encuentro con el agente en el tejado, la destrucción del helicóptero contra la fachada cristalina del edificio y la pelea final con carrera contrarreloj final hacen de los últimos veinticinco minutos un gran espectáculo de acción.

Los efectos especiales del film están muy bien insertados en la historia, y sirven a favor de ella. John Gaeta fue el responsable de supervisarlos creando maravillas. Ahora bien, si por algo dio que hablar la película en el momento de su estreno fue por el “bullet time” (tiempo bala). Gracias a él se congelaba la imagen y la cámara giraba 180º en torno a un personaje narrándonos la acción a velocidad hiperlenta, tanto que podía verse la trayectoria de las balas. El momento álgido del bullet time tiene lugar al final, cuando Neo esquiva las balas del agente en la azotea y en el posterior duelo con el Agente Smith en el hangar de metro.
La fotografía me parece brillante. Los colores azulados realistas se utilizan para mostrarnos el mundo real, siempre dentro de la nave Nebucanesser, mientras que los verdosos escenifican Matrix, de forma muy inteligente pues están dentro de una computadora cuyo código cifrado es de dicho color.
La música corrió a cargo de Don Davis, aunque fueron los temas cañeros los que más sonaron a la hora de acompañar a las secuencias más vibrantes, como el tiroteo en el vestíbulo.
El reparto está formado por Keanu Reeves, que vivió su resurrección en cine gracias a Neo, y de la cual aún hoy vive. El actor está como siempre, con su rostro inexpresivo, pero consiguió dar vida al personaje por el que le recordarán. Laurence Fishburne es Morfeo, el capitán de la nave Nebucanesser y guía de Neo en el mundo real. Fishburne implantó estilo con su atuendo de traje morado y corbata verde, rematado con gafas sin patillas. Carrie-Anne Moss es Trinity, miembro de la tripulación de Morfeo, su mejor soldado dentro de Matrix, y la mujer que se enamorará de Neo. Hugo Weaving es el Agente Smith, el letal Ser creado por Matrix para defenderse de infiltraciones exteriores que se replantea su existencia y busca salir del sistema. Joe Pantoliano es Cifra, otro miembro de la tripulación que funciona como Judas al traicionarlos.

“The Matrix” fue una revolución que se saldó con un gran éxito mediático hasta el punto de convertirse en titulo de culto y título de referencia en el nacimiento del nuevo reproductor domestico que llegaba a los hogares, el DVD. Ganó cuatro Oscars correspondientes a Montaje, Edición de Sonido, Sonido y Efectos Visuales.

Un pieza indispensable dentro del género fantástico.

Lo Mejor: La perfecta compenetración entre trama y estilo visual.

Lo Peor: Que visualmente ha sido copiada hasta la saciedad.

The Matrix Reloaded

Neo y sus compañeros deben detener el avance de las máquinas hasta Sión reinsertándose en Matrix y localizando al creador de llaves.

Los Wachowski anunciaron por medio de Joel Silver su intención de realizar dos películas más para así crear una trilogía. Éstas dos películas serían rodadas simultáneamente y estrenadas con seis meses de diferencia en un ejercicio parecido al que hizo Zemeckis con las secuelas de “Regreso al Futuro”. Para ir calentando motores y poner más ansiosos a los muchos fans de la película original, los Wachowski lanzaron varios elementos de marketing que funcionaban como complementos al mundo que habían creado y ofrecían una obertura a las películas de estreno inminente. “Animatrix” fue una serie de cortometrajes en los que se explicaba el origen de Matrix y otras aventuras de personajes humanos que habían sido capaces de plantarles cara al sistema dentro de él. El cortometraje más llamativo e importante fue “El Vuelo del Osiris”, realizado íntegramente por ordenador se sitúa justo antes de comenzar “Matrix Reloaded”, con los tripulantes de la nave Osiris descubriendo a las máquinas excavando hacía Sión y mandando un comunicado de alerta. El cortometraje acompañaba a las copias de la película “El Cazador de Sueños” de Lawrence Kasdan. “Enter the Matrix” fue un videojuego que salió a la venta para consolas y ordenador a la vez que se estrenaba la película. En él el jugador se pone en la piel de Niobe y Ghost, personajes secundarios dentro del film, viviendo aventuras paralelas a las de Neo, Morfeo y Trinity en el film hasta llegar a la autopista, donde los personajes confluyen. El juego solo sirvió al film de ofrecer escenas adicionales que no se verían en la pantalla. Con esto los Wachowski, y todos los implicados, demostraron querer explotar el filón lo máximo posible, acrecentando la expectación. El primer film del díptico llegó a las salas de todo el mundo el 15 de Mayo de 2003, con Premiere en Cannes incluida, dejando una sensación más bien tibia.

“Matrix Reloaded” es el comienzo de una cuenta atrás, las máquinas han descubierto el emplazamiento de Sión y pretenden acabar con él erradicando toda amenaza humana. El consejo de Sión impide que una gran cantidad de naves entren en Matrix para localizar a la Oráculo, única persona dentro del sistema que las pueda ayudar, debido a la temible amenaza que se les acerca. La Nebucanesser y otras dos naves obtendrán permiso para la reentrada en el sistema. Una vez dentro Neo habla con la Oráculo hasta descubrir que debe encontrar al creador de llaves, para lo cual debe localizar a Merovingio, un poderoso Ser con acento francés. Una vez localicen a Merovingio conocerán a Persefone, su esposa, y a los gemelos fantasmagóricos, custodios del creador de llaves. Pero sus problemas no acaban ahí, pues pronto el Elegido descubre que el Agente Smith sigue vivo, totalmente liberado de sus funciones y propagándose como un virus por todo el sistema de Matrix.

Demasiada filosofía esconde esta parte de “Matrix”. Conversaciones pretenciosas vacías en su fondo, personajes desdibujados, situaciones que rozan lo ridículo. Al parecer los hermanos directores se creyeron eso de ser los nuevos Mesías del cine y pensaron que hicieran lo que hiciesen iba a ser recibido mejor que le primera película. Bueno, a nivel de taquilla sí que lo fue, pero les costó caro.
Empecemos con las conversaciones entre los personajes, llenas de pretenciosidad y cargantes hasta más no poder. Si la revelación de Morfeo a Neo en el primer film era lo más complejo que tenía “The Matrix” en esta los Wachowski intentan rizar el rizo y hacer de cada dialogo un teorema filosófico. Sin ir más lejos pondremos como ejemplo la conversación entre Neo y el Oráculo, en que para decirle que debe buscar al creador de llaves da unos cuantos rodeaos con curvas peligrosas, pero ahí no acaba la cosa, pues una vez se va la señora aparece el Agente Smith, que al desconectarse del control de Matrix parece haber aprendido a hacerse preguntas existenciales en donde se defina el objetivo de cada acto. Lo Wachowski van de listillos demostrando su torpeza en los diálogos.
Sigamos con la extensa cantidad de personajes que aparecen en la cinta. A los ya conocidos Neo, Morfeo, Trinity, Agente Smith y Oráculo se unen ahora una gran cantidad de secundarios que podrían haber tenido algo mejor definida la personalidad. Niobe es la capitana de la Logos, antiguo amor de Morfeo cuya trama se desarrolla en el videojuego “Enter the Matrix”. Merovingio es un Ser poderoso dentro de Matrix, capaz de crear códigos a su merced y dominar seres, pero nos deja la sensación de ser más un fanfarrón calenturiento incapaz de enfrentarse a los protagonistas sin su sequito de asesinos. Persefone, su esposa, no sale mejor parada. Inexplicablemente ayuda a Neo a encontrar al creador de llaves a cambio de un beso de amor real, lo que enfurece a Trinity. Tras darles al creador aparece su esposo pillándolos con las manos en la masa, pero ella, tan tranquila, afirma que se trata de una pequeña venganza por haberse ido a los servicios con una preciosa mujer y que ahora puede divertirse matando a sus visitantes. Que maja la chica. Seraph es el asistente personal y protector del Oráculo, el cual antes de ceder el paso a alguien que quiere ver a su señora debe pelear con él, porque solo peleando se conoce a la persona. En fin, será la filosofía Zen. El creador de llaves posee todas las llaves para entrar a cualquier lugar de Matrix. Por último tenemos al Arquitecto, personaje sorpresa del film, que nos descubre que Neo es otro de los muchos elegidos que ha tenido Sión, y que ésta será destruida una vez más, continuando un ciclo que lleva funcionando desde el inicio del sistema. Toma ya, y luego dijeron que George Lucas se cargó el concepto de la Fuerza en el Episodio I cuando no es nada comparado con lo que los Wachowski hacen aquí, destrozar todo lo que se estableció en el primer film para ir de originales y creativos por medio de otra conversación filosófica propia de encefalograma plano. Bueno, ahora siendo un poco más clementes y centrándonos en lo que este señor nos desvela podemos presuponer, calentándonos la cabeza, que el poderoso Merovingio fue el primer elegido y que su sacrificio por salvar Sión fue recompensado dándole privilegios en Matrix, así cómo a su esposa Persefone, la cual sabe que el nuevo Elegido deberá amar de verdad a la mujer que está a su lado, por eso solicita el beso.
Supongo que ya no hace falta hablar de las secuencias absurdas, visto lo visto no hace falta, aunque no puedo contener mi odio ante esa escenita de discoteca dentro de las cuevas de Sión o el momento en que Seraph lucha con Neo inexplicablemente para a continuación decirle que solo luchando se conoce a la persona, me dejó KO.

Visualmente la película sigue estando a la altura, que por algo se gastaron tanta pasta. A los hermanos Wachowski les va el espectáculo y aquí amplían las escenas de acción de forma bastante considerable. Las protagonizadas por Neo siempre son peleas, y se caracterizan por poseer el ya clásico “bullet time”. Había que evolucionar y ya que la primera Matrix acababa con el protagonista volando en esta ocasión nos lo ponen en plan Superman siempre que pueden, con lo que su estatus de deidad dentro de Matrix queda patente, y más aún gracias a su nuevo uniforme al estilo monje. De todas las peleas protagonizadas por Neo la que más dio que hablar fue el combate con decenas de Agentes Smith. Si, reconozcámoslo, fue muy flipante, pero también reconozcamos que cantaban los FX a la legua, y es que sustituir a Keanue Reeves por un doble digital no siempre queda bien en pantalla. Nada, la mejor secuencia de acción del film sucede en la autopista creada para la película en que se nos relata la huida de Trinity y Morfeo para salvar al creador de llaves de manos de los gemelos y los agentes. Alucinante, muy bien dirigida y montada. Por ella mereció la pena verla en cine.
A nivel de guión no encontramos la solidez del primer film por mucho que queramos, pero lo peor es que se saltan ciertas reglas como son la continuidad. La historia comienza seis meses después del primer film y me cuesta creer el cambio tan brusco de un personaje como Morfeo, ya no solo físicamente (Fishburne estaba más gordo) sino a nivel de personalidad. En “Matrix” daba la sensación de ser una persona altamente respetada y seguida en Sión para aquí mostrárnoslo como alguien en quien pocos creen y que tiene al consejo superior de la ciudad en contra casi totalmente. Tampoco me gustó que suprimieran al personaje de Tanque, el único humano de la primera que sobrevivió para aquí ser sustituido por el esposo de su hermana inexplicablemente.

El equipo artístico y técnico repitió de nuevo. Los actores están correctos sin más. Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss, Lurence Fishburne, Hugo Weaving repiten sus roles añadiéndoseles Monica Bellucci como Persefone, Lambert Wilson como Merovingio, Jada Pinkett Smith como Niobe, Harold Perrineau como Link o Harry Lennix como el Comandante Lock.
La actriz Gloria Foster dio vida al Oráculo por última vez, ya que le vino la muerte antes de finalizar la tercera entrega y tuvo que ser sustituida por otra actriz. Otra actriz, Aaliyah, fue elegida para participar en el film pero su muerte lo impidió.

“Matrix Reloaded” es una película incompleta, necesitada de sus complementos, en especial de la tercera entrega que se avecinaba subtitulada “Revolutions”, pues su final nos dejaba con Neo en estado inconsciente, tras haber demostrado sus poderes dentro del mundo real, al lado del personaje en que el Agente Smith se había insertado. Al final de los créditos se mostraba un breve avance de ésta última entrega.
La sensación general fue de decepción, de haber tirado por la borda todo lo conseguido en la primera película. Aún así obtuvo grandes cifras en taquilla.

Lo Mejor: La secuencia en la autopista.

Lo Peor: Se pierde en su pretensiones.

The Matrix Revolutions

Trinity y Morfeo, acompañados por Seraph, deben encontrar a Neo, encarcelado por Merovingio en una estación de tren. Mientras tanto las máquinas están a punto de llegar a Sión y el Agente Smith casi controla completamente Matrix.

“Revolutions” carece de todo lo que le sobra a “Reloaded”, o sea, charlas existenciales e innecesarias. Salvo su primer acto en que se rescata a Neo, y donde se nos presenta un nuevo personaje conocido como el Ferroviario, cuya función es similar a la de cancerbero en el Hades, el resto de la cinta va directa al grano. De nuevo reunidos, Neo, acompañado de Trinity, decide marchar a donde se encuentra la fuente de Matrix para detener a Smith e impedir que gobierne en el sistema, mientras Morfeo, Niobe, Link y Ghost se ponen rumbo a Sión para ayudar al asedio de las máquinas. Así pues queda claro que ésta última parte funciona como complemento a la segunda, siendo aquella más densa en sus ideas y la presenta mucho más directa a la hora de desarrollar los acontecimientos.

Si hay algo que destacar de esta tercera entrega es la dualidad entre Neo y Smith. Ambos personifican el bien y el mal, y su batalla final decidirá el futuro tanto de Matrix como de la raza humana. Neo acuerda con las máquinas entregarse si destruye a Smith, y la única manera de la cual puede conseguirlo es dejando que el villano lo infecte erradicándolo como si Neo fuera un antivirus. Tenemos así que Neo y Smith no pueden vivir ajenos, son dos seres similares, con poderes y destinados a destruirse mutuamente.
“Todo lo que tiene un principio tiene un fin”. Ese era el eslogan del film, y la frase más importante que le dice el Oráculo a Neo dejando claro que el objetivo de su existencia es salvar Sión y reiniciar Matrix. El Arquitecto dijo en la película previa que la ciudad sería destruida y seguiría la cadena de Elegidos, pero parece que Neo es el último, pues gracias a matar a Smith se entrega a las máquinas que lo absorben y crean de nuevo Matrix, esta vez mucho más alegre, con cielo multicolor. Así pues el protagonista consigue ganar y ofrecer un nuevo comienzo en donde los humanos que quieran podrán ser liberados.
Por fin en este título se desarrolla algo más la historia de amor entre Neo y Trinity, demostrando cada uno su amor incondicional. Al principio lo hace Trinity al exigir que liberen a Neo y al final lo hace él al entregarse libremente a las máquinas tras haberla perdido. Ambos se acaban sacrificando por amor.

“Matrix Revolutions” se estrenó en todo el mundo a la vez, el mismo día a la misma hora, para así impedir que nada se filtrara por Internet ni se pudiera desvelar el final de la historia.
En esta ocasión los Wachowski tiraron la casa por la ventana en un espectáculo de efectos espaciales con dos secuencias como cabecera: el asedio a Sión y la batalla final entre Neo y Smith. La primera secuencia es puramente bélica, los soldados de Sión se preparan para el ataque masivo de los calamares gigantes. La épica hace gala cuando el capitán Mifune da el grito de guerra y se desata la batalla. Todo se convierte en una sucesión de disparos y explosiones sin parangón descritos en paralelo con la carrera de Morfeo y Niobe por llegar a tiempo. La segunda secuencia es la tan anunciada pelea entre Neo y Smith. Precedida por unas breves frases de dialogo sin importancia los dos personajes entran a saco dándose golpes a mansalva mediante gran número de ralentizaciones, una tan llamativa como el puñetazo en la cara de Smith que le deja marcados los nudillos. Esta secuencia alcanza más espectacularidad al desarrollarse también en el cielo, con ambos volando rodeados de una lluvia incesante y rayos electrizantes. Ambas secuencias devuelven a los Wachowski del primer Matrix en cuanto a escenas de acción se refiere, pero no en cuanto a profundidad ni desarrollo. Existe otra escena de acción con cierto aire de Deja Vú con respecto “The Matrix” cuando Trinity y Morfeo llegan al club Inferno y se enfrentan a los guardias en un escenario similar al del vestíbulo.
El guión no se puede decir que vaya mucho más lejos que el de “Reloaded”, funcionando como punto y final de una Saga que no podía dar más de sí.

Los efectos especiales fueron mucho más abundantes esta vez por culpa de las secuencias anteriormente comentadas. La Banda Sonora estuvo creada absolutamente por Don Davis, con colaboración de Juno Reactor, sin intromisión de temas punteros, adquiriendo cierto aire de épica gracias a coros en el momento de la pelea final.
El reparto repitió por completo, incorporándose Mary Alice como el Oráculo, en sustitución de Gloria Foster.

“Matrix Revolutions” es la segunda pieza del díptico formado junto con “Reloaded” que trata de poner punto y final a la historia de Neo. La decepción frente a la segunda entrega se notó considerablemente en la taquilla de “Revolutions”, recaudando apenas lo que había costado.
Por culpa de estas dos películas “The Matrix” perdió la fuerza que poseía, ya que funcionaba muy bien como pieza de ciencia-ficción en solitario.

Lo Mejor: Va directa al grano.

Lo Peor: No tiene más que ofrecer.

Jóvenes Ocultos, de Joel Schumacher (por Patricia Domínguez)

Mi amiga Patricia me envía su comentario sobre el film realizado por Joel Schumacher en los 80 que trata el tema vampírico dese una perspectiva juvenil. Un título de culto que siempre pongo a la cabeza de la irregular filmografía del director y que Patricia nos comenta con acierto.

Jóvenes Ocultos

“The Lost Boys” o “Jóvenes ocultos”, que viene a ser lo mismo en Español y como yo prefiero llamar a esta película por una cuestión de nostalgia, es una divertida comedia de vampiros dirigida por Joel Schumacher que vio la luz en el año 1987 y que fue muy bien recibida en los cines de Estados Unidos. Recaudó más de 32 millones de dólares y ganó el premio Saturn a la mejor película de horror de 1987. La película formaba parte de la tendencia de la década de 1980 por adaptar la figura del vampiro a la audiencia del momento. Cuenta con el protagonismo de los jóvenes actores Jason Patric, Corey Haim y Kiefer Sutherland y el coprotagonismo de Jami Gertz, Corey Feldman, Dianne Wiest, Edward Hermann, Alex Winter, Jamison Newlander y Barnard Hughes.
Para la realización de esta película Schumacher revisó la novela de Anne Rice “Entrevista con el vampiro” aunque otros elementos que influyeron en el director fueron filmes como “Nosferatu” (1979), “Drácula” (1979) y “El Ansia” (1983). Finalmente Janice Fischer, James Jeremias y Jeffrey Boam consiguieron un guión original que mezclaba terror y humor a partes iguales.

Tras el divorcio de sus padres Sam (Corey Haim) y Michael (Jason Patric) se trasladan con su madre Lucy (Dianne Wiest) a la casa de su abuelo (Barnard Hughes), un viejo que vive entre animales disecados en Santa Carla, una pequeña ciudad de California donde las desapariciones son cada vez más frecuentes y donde la superstición sobre la existencia de vampiros es más que un rumor. Cuando Michael empieza a comportarse de manera extraña, tras unirse a una banda de la zona liderada por un tipo llamado David (Kiefer Sutherland), Sam, su hermano pequeño, con la ayuda de dos chicos, que trabajan en una tienda de comics y supuestos expertos en el tema vampírico que le ayudan a descubrir que está ocurriendo en realidad, se ponen en marcha para destruir el origen de todo aquello, al vampiro jefe, pero, para poner fin a todo esto Michael tendrá que luchar con todas sus fuerzas.

No sé qué efecto tendría esta película en mí si la viese hoy día por primera vez, pero desde luego guardo un grato recuerdo de ella y me ha gustado verla de nuevo tras muchos años. Me parece que tiene el espíritu del cine de ese momento, cuando todavía se escribían guiones originales y frescos, de películas como Los goonies, Indiana Jones, Cuenta conmigo…. Tenían esa mezcla entre fantasía y realidad con una gran dosis de aventura, donde por supuesto los buenos siempre ganan. Películas que te hacían pensar que todo eso te podía ocurrir a ti, pero sobre todo y lo más importante, eran películas que nos hacían soñar.

Sentimentalismos a parte, recomiendo esta película por muchas razones:
Es ágil, entretenida, divertida, con una gran banda sonora a cargo de un acertadísimo Thomas Newman que recurre a numerosos temas de los ochenta interpretados por grupos como Inxs, The Doors, Mummy Calls, Echo, Troy Seals…por citar algunos.
Por ser una buena adaptación del genero vampírico a la época en la que fue rodada y que hoy día revivimos, tanto estética como musicalmente hablando, los 80.
Para ver a un jovencísimo Kiefer Sutherland convertido en un rebelde y sanguinario chupasangre, a un guapísimo Jason Patric sufriendo por no caer rendido a la llamada de la sangre y por supuestísimo para recordar al tándem Corey Feldman y Corey Haim, protagonistas de muchos filmes de ese momento y hoy día algo olvidados.

Curiosidades y cotilleos:

Keena Wynn y John Carradine (un veterano de las películas de vampiros) fueron elegidos originalmente para realizar el papel del abuelo. Wynn murió antes de comenzar el rodaje y Carradine se encontraba demasiado enfermo.

El título original (The Lost Boys) es una referencia a los Niños Perdidos de la historia de Peter Pan y el país de Nunca Jamás.

Por aquellos tiempos Kiefer Sutherland, el malo de la peli, estaba apuntito de casarse con Julia Roberts. Esta boda nunca se llevó a cabo ya que Julia se lio con el otro protagonista del film Jason Patric, el bueno de la película.

Actrices: Scarlett Johansson

Sin llegar a alcanzar la calidad interpretativa de otras jóvenes compañeras de interpretación lo cierto es que Scarlett Johansson se ha convertido en un figura con gran popularidad en lo últimos años. Sus gruesos labios, su sensual mirada y sus vertiginosas curvas la han convertido en una sex symbol por derecho propio. Sin embargo sus inicios no presagiaban que su destino fuera tal.

Nacida el 22 de Noviembre de 1984 Johansson comenzó, como muchos otros niños actores, con pequeñas apariciones en películas como “Un muchacho llamado Norte”, “Causa Justa” o “Solo en casa 3”. En 1997 Robert Redford la eligió para interpretar a la joven niña que sufre un trauma al tener un accidente con su caballo en la adaptación de la novela “El hombre que susurraba a los caballos”. Su posterior film fue en 1999 con la comedia familiar “My brither the Pig”. Comenzaría el milenio de la mejor manera posible, con dos títulos de alta calidad. El primero fue “El hombre que nunca estuvo allí” de los hermanos Coen, dando vida a una joven lolita, y el segundo “Ghost World” en donde hacía dúo friki con Thora Birch como dos inadaptadas. En 2002 participaría en la olvidable película de Serie B “Arac Attack” y en 2003 conseguiría llamar por fin la atención de público y crítica gracias a “La joven de la perla” y “Lost in Translation”. En la primera daba vida a Griet, la sirvienta que sirve como modelo al pintor Johanees Vermeer mientras en la segunda, dirigida por Sofia Coppola y compartiendo cartel con Bill Murray, daba vida a Charlotte, la joven que pasa en Tokio unos días acompañando a su marido fotógrafo y que acaba enamorándose de un veterano actor. Por ambos films resulta nominada a los Globos de Oro pero sin recompensa en los Oscars, ya que los votos se dividieron entre ambos papeles y acabó sin mención alguna. Tras la cinta de corte juvenil “The Perfect Score” vuelve a demostrar su talento interpretativo junto a John Travolta en la bella “A love song for Bobby Long”, por la que vuelve a ser nominada al Globo de Oro. A éste título le siguen “A Good Woman“, basada en la obra de Oscar Wilde, y “In Good Company”, una comedia en donde se liga al jefe de su padre interpretado por Dennis Quaid.

2005 marca el antes y el después gracias a trabajar con dos directores tan diferentes como Michael Bay y Woody Allen. Con el director taquillero rueda “La Isla”, donde comienza a lucir su melena rubia platino y unos modelitos la mar de ajustados que dejan entrever su espectacular figura. A pesar de ser un fracaso de taquilla y de crítica Johansson pasó a encabezar portadas de revistas, cosa que iría a más gracias al papel que le brindó Woody Allen en “Match Point”, en donde conseguía irradiar sensualidad en cada aparición. Gracias a ésta película recibiría una nueva nominación al Globo de Oro y se convertiría en nueva musa del director Neoyorquino repitiendo dos veces más, en “Scoop”, junto a Hugh Jackman, y “VickyCristinaBarcelona”, junto a Javier Bardem, Rebeca Hall y Penélope Cruz. Tras “Match Point” adquiere mucho más estatus e imagen publicitaria gracias a sus espectaculares curvas y rueda bajo las ordenes de Brian de Palma la irregular “La Dalia Negra”, en donde conoce a Josh Hartnett, con quien viviría un breve romance. En “The Prestige” de Christopher Nolan, vuelve a coincidir con Hugh Jackman dando vida a Olivia, ayudante de los magos protagonistas, un papel que parecía mucho más de lo que finalmente fue. Sus últimos trabajos no consiguieron el éxito previsto, “The Nanny Diaries” acabó siendo otra cinta familiar más en donde la Johansson quedaba muy bien arropada por buenos secundarios; “Las Hermanas Bolena” fue un film histórico más destinado para televisión en donde lo mejor era la portentosa Natalie Portman, la cual se merendaba a su compañera de reparto, una Johansson que cree poder funcionar a base de sus lindos rasgos; “The Spirit” fue un despropósito en todos los sentidos. Últimamente ha sido noticia por su matrimonio con el actor Ryan Reinolds aunque parece que con “He´s Just not that into you” a vuelto al buen camino laboral, a pesar de tratarse de una cinta coral. Ha hecho pinitos en la dirección en un corto que iba a formar parte de “New York, I love you”, pero los resultados del mismo parecen no haber satisfecho a los productores y lo han dejado para los extras del DVD. Confiemos en que su próximo proyecto la vuelva a situar en primera fila, y es que verla enfundada en traje de cuero negro como La Viuda Negra en “Iron Man 2” promete, y mucho. Los termómetros del verano que viene parece que van a volver a subir grados de más gracias a esta chica que ha cambiado su pelo rubio platino por castaño oscuro.

¡¡¡ Un placer tenerte entre nosotros Scarlett !!!

Cinemadreamer en El Mundo de Ángel

El amigo Ángel solicito para su blog, el imprescindible “El Mundo de Ángel”, colaboración para participar en su sección titulada “El Evaluador Invitado” (que yo copié con su permiso para crear “La Firma Invitada”) mediante el cual los que quisiéramos participar comentáramos un film que nos gustara siguiendo el sistema establecido en su blog, es decir mediante calificaciones Excelente, Notable, Bien, Aprobado y Suspenso con su Nota Final correspondiente. Yo elegí la Opera Prima de Mel Gibson, “El Hombre sin Rostro”. Aquí podéis leer mi evaluación sobre dicho film.
Aprovecho para dar las gracias a Ángel y decir que ha sido un placer participar.

Star Trek, de J.J. Abrams

Nunca he sido un admirador del universo Star Trek, he visto seis o siete de las diez películas que lo han formado y algún trozo de los episodios televisivos sin conseguir que me engancharan ni me ofrecieran más que un simple pasatiempo. Sin embargo cuando se anuncia la nueva película observamos que está protagonizada por unos jóvenes Kirk, Spock y compañía colocándose tras la cámara el mago de la televisión J.J. Abrams, lo cual ya hace que los que no somos fans sintamos un interés mayor. Éste interés crece al conocer que Abrams tampoco ha sido nunca un fan y que ha realizado este film con la visión puesta en la gente que desconoce el Universo Trekkie, para así captar nuevas audiencias y reflotar una Saga que parecía muerta en cine.

El objetivo del film es presentarnos a personajes conocidos por el público de una manera totalmente nueva, reinventando sus orígenes pero respetando la esencia. James T. Kirk se nos descubre como un joven rebelde y soberbio cuyo padre falleció en el ataque a la nave Kelvin, en la cual nació 25 años atrás. Kirk se alista en la flota de la Federación por la recomendación de un viejo amigo de su padre sin saber que ese acto marcará su Destino. Spock por su parte se cría en el Planeta Vulcano entrenándose en materias que hagan ampliar su capacidad lógica. El personaje de orejas puntiagudas se nos presenta con un interesante dilema al ser un mestizo con padre vulcano y madre humana, con lo cual se encuentra entre asimilar los hechos de manera lógica sin que nada le afecte como todo miembro de su raza y mostrar sus sentimientos debido a su parte humana, con lo cual su estatus se encuentra siempre cuestionado por sus mayores vulcanos. Ésta dualidad de Spock le hará estar en guerra consigo mismo hasta que descubra su verdadera personalidad y la asimile. Además de los dos personajes carismáticos tenemos a otros secundarios bien definidos cómo el Doctor McCoy, amigo de Kirk desde que se alistan que tiene miedo a volar o Uhura, especializada en lingüística que llamará la atención tanto de Kirk como de Spock.

Aparentemente nos encontramos con una precuela al uso, pero sabiendo que ha sido conocida en su fase de producción también como “Star Trek XI”, y siendo Abrams quién se encarga del proyecto, intuimos que hay más detrás. Si en su primer film, también de origen televisivo y perteneciente a una Saga cinematográfica, “M:i:III”, emulaba a “Alias” con un desarrollo por medio de flashback, en esta ocasión nos encontramos con una reescritura de “Star Trek” al más puro estilo “Lost”, pero sin flashbacks. No desmenuzaré nada del argumento, solo diré que es muy acertado cómo Abrams ha conseguido reiniciar la franquicia sin olvidarse de las otras películas consiguiendo que funcione como secuela y como brillante, y necesario, reinicio. No estamos, pues, ante una película que se olvida del resto como ya pasará en “Batman Begins” o “Casino Royale”.

Abrams nos ofrece un espectáculo sci-fi espléndido en donde visitaremos planetas increíbles, viajaremos a la velocidad de la luz y veremos a nuestros héroes intentar salvar la Galaxia. Todo lo que siempre ha caracterizado a la serie, solo que ofrecido de la mejor manera posible en que los 120 minutos de duración se hacen cortos gracias al endiablado ritmo del film. No hay un solo momento para el aburrimiento en esta nueva aventura galáctica ya que el director nos integra más en la trama gracias a sus movimientos de cámara mediante los cuales sigue a los personajes a bordo de las naves y nos muestra que el dinero gastado ha sido bien invertido en impresionantes decorados que escenifiquen la USS Enterprise. Lo único que le achaco al Abrams director es su, todavía, incapacidad para rodar secuencias de acción física de manera entendible y sin marearnos tanto con la cámara.

Hay grandes momentos dentro del film. El prologo es impresionante y nos adentra en materia dejándonos claro que esto no es otra película trekkie al uso. En él tenemos tensión y emoción a partes iguales en unos breves doce minutos. A continuación se nos presentan los personajes. Puesto que se trata de captar nuevas audiencias que no se sintieran interesadas por este mundo anteriormente, los artífices se inclinan por mostrarnos una jovencísima tripulación del Enterprise que ronde los 21 o 25 años y cuyas trifulcas internas mayormente bien podrían lidiar con otras Sagas juveniles de éxito actual (véase “High School Musical” o “Crepúsculo”). Afortunadamente estos breves tramos de comedia adolescente duran poco y funcionan medianamente bien, salvo contadas ocasiones, dotando al film de fescura. A parte de eso la película sigue sorprendiéndonos visualmente, alcanzando el calificativo de emocionante en momentos que no son pocos, como la primera aparición del Enterprise recién terminada, el episodio aventurero en Vulcano o la fantástica batalla final. Citar que hay un breve paréntesis dentro del film que recuerda a “El Imperio Contraataca”, puede que de forma intencionada pues Abrams es un gran admirador de “Star Wars”.

El director ha vuelto a contar con Roberto Orci y Alex Kurtzman para elaborar el original guión partiendo de la serie creada por Gene Roddenberry.
La fotografía distingue muy bien entre diferentes ambientes, siendo la nave romulana mostrada interiormente con una iluminación verde gaseosa y la Enterprise mucho más blanca con reflejos cristalinos.
A destacar dos apartados. Los Efectos Especiales, de primera, cortesía de ILM demostrando una vez más que son unos genios creando naves espaciales y mundos extraterrestres. La Enterprise nunca ha lucido tan bien en pantalla grande como aquí. La Banda Sonora de ese genio llamado Michael Giacchino que envuelve a la trama y la acompaña de manera excepcional alcanzando la épica en varios momentos. El compositor no usa el tema de Star Trek, salvo en los créditos finales, sino que crea algo nuevo y original.
El reparto está formado por rostros jóvenes que cumplen el cometido de dar vida a personajes ya conocidos desde una perspectiva más juvenil y prototípica. Chris Pine es James Tiberius Kirk, el joven rebelde que demostrará tener garra de líder sin olvidar su chulería tirando los tejos a toda mujer que se le presente. Zachary Quinto, conocido por la serie “Heroes”, da vida a Spock en la que posiblemente sea la mejor interpretación del film de manos de un joven actor. Leonard Nimoy seguro que debe estar orgulloso de que su papel emblemático esté en buenas manos, el actor participa en el film como presencia invitada teniendo gran importancia dentro de la trama. Karl Urban se embarca en otra Saga tras “El Señor de los Anillos” o “El Mito de Bourne” para tener más protagonismo dando vida al Doctor McCoy, a quien consigue interpretar de manera muy solvente. Zoe Saldana es Uhura, la especializada en lingüista de la tripulación que tendrá sus tira y afloja con el mando superior. Simon Pegg vuelve a ofrecer una serie de gags dando vida a Scotty, creador de la teletransportación dentro de curvatura. John Cho es Sulu, demostrando altas habilidades en la lucha. Antón Yelchin es Chekov, especializado en marcar rutas. Además de estos actores tenemos a Eric Bana como el villano Nero, un romulano lleno de venganza hacia la Federación, Ben Cross como Sarek, padre de Spock mientras que Winona Ryder es la madre, Amanda.

En definitiva “Star Trek” de Abrams es un emocionante, espectacular y fresco reseteo a una serie que parecía no poder darnos mucho más. Una buena película de sci-fi en el espacio, que hacía tiempo que no se veía una.

Lo Mejor: Su ritmo. El argumento. La música. El épico tramo final.

Lo Peor: Demasiado toque teen a la hora de presentar los personajes.