El Padrino: Parte III, de Francis Ford Coppola

Siguiendo el dicho de que no hay dos sin tres la Paramount le pidió a Coppola un nuevo Padrino. Habían pasado quince años desde “El Padrino: Parte II” y el director no pudo rehusar la oferta debido a la crisis comercial por la que estaba pasando su carrera. De nuevo Coppola se reunió con Puzo para escribir el guión y crear una historia completamente original.
La línea argumental que se eligió sería la búsqueda del perdón por parte de Michael Corleone y la cesión de poder al hijo bastardo de Sonny. Como telón de fondo, además de Nueva York, se eligió Sicilia y hechos históricos que tuvieron como protagonista al Banco del Vaticano.
Parecía que no habría problema en contar de nuevo con los actores que ya había participado en las anteriores entregas, pero Robert Duvall solicitó una excesiva suma de dinero para volver a interpretar a Tom Hagen. Al no llegar a un acuerdo, Coppola modificó el guión justificando que Hagen había muerto años atrás e introdujo al personaje del abogado B.J. Harrison. Para dar vida a Mary, la hija de Michael, se eligió a Winona Ryder, pero problemas de agenda y salud le impidieron participar sustituyéndola por Sofia Coppola, algo por lo que la cinta, y el propio director, serían criticados.

El 25 de Diciembre de 1990 llegaba a las pantallas la esperada “El Padrino: Parte III”. La opinión general fue que no dejaba de ser una buena película pero no alcanzaba la excelencia de sus predecesoras.

En Busca de la Redención

La película transcurre veinte años después de “El Padrino: Parte II”. Michael Corleone es ya un hombre mayor que busca la reconciliación con sus hijos y la desvinculación con los negocios sucios. Será un viaje de dolor en que busque la absolución por todos sus pecados.

Michael recibe Honores Papales: La cinta se abre mostrándonos la residencia de los Corleone en el Lago Tahoe, ahora sumamente descuidada. El recuerdo de la muerte de Fredo aparece en forma de flashback. Michael escribe una carta a sus hijos pidiendo que acudan a la ceremonia en Nueva York donde recibirá Honores Papales.
Como es habitual en las películas de “El Padrino” comenzamos con una celebración de temática religiosa, esta vez un nombramiento bendecido por el Santo Padre. La secuencia nos pone en situación presentándonos cambios en la familia y nuevos personajes. Michael ha sufrido un relativo cambio, ya no se muestra como el hombre de faz seria e inmutable, sino como un anciano agradable que disfruta de la compañía de sus seres queridos y que se siente incomodo al recibir la visita de matones como Joey Zasa. Kay asiste a la celebración para pedirle a Michael que deje a su hijo Anthony dedicarse a la música y dejar la carrera de Derecho. Aunque al principio se muestra reacio a dejar que su hijo tome ese camino acaba accediendo. Connie Corleone ha adquirido mayor importancia en la vida de Michael y anima la velada. Gracias a ella entrara en escena un nuevo personaje, Vincent Mancini, el hijo de Sonny. Connie acompaña a Vincent ante Michael y ejerce como madrina sobre él. Vincent tiene problemas con Zasa y no trata de ocultarlos enfrentándose a él frente a su tío Michael, demostrando así que ha adquirido el carácter impulsivo y violento de Sonny. El arzobispo que ha realizado la ceremonia conversa en todo momento con el abogado de Michael, Harrison, dejándonos ver que tras ese nombramiento se esconden negocios. Mary, la hija menor de Michael y Kay, ya es una mujer y es Presidenta de la Asociación Vito Corleone, destinada a obras benéficas. La joven siente atracción por su primo Vincent, al cual se acerca y coquetea. Entre otros invitados encontramos a Don Altobello, viejo amigo de la famlia y padrino de Connie, al hijo de Tom Hagen, y ahijado de Michael, que se ha convertido en sacerdote o al siempre fiel guardaespaldas de Michael, Al Neri, que aquí adquirirá mayor protagonismo. La ceremonia concluye con la foto de familia en la cual Michael invita a Vincent a posar.

El asunto Inmobilaire: Los planes de Michael con el Vaticano son llegar a un acuerdo para convertirse en principal accionista y socio de Inmobilaire, una gran empresa que genera millones de dólares. A cambio de participar en dicha empresa el arzobispo pide la ayuda económica de Michael debido a los problemas que está padeciendo el Banco del Vaticano. Afirmada la participación de Michael en la sociedad la noticia saldrá en todos los periódicos y pondrá sobre aviso a los antiguos socios de Michael. En la reunión con la Junta Directiva de Inmobilaire el anciano Don descubre tener varios enemigos en la sociedad que le impedirán controlar la empresa. No hay que engañarse, Michael busca alejarse de una vez por todas del mal camino y con Inmobilaire pretende comenzar una nueva vida que limpie de una vez por todas tanto su alma como el nombre de su familia. Mientras todo esto sucede, Michael acoge a Vincent como guardaespaldas. EL joven impulsivo a tenido la visita de dos matones enviados por Joey Zasa, con lo cual su vida corre peligro. Ha comenzado una guerra entre él y Zasa en la que Michael debe ser arbitro y aconsejar a su joven sobrino.

El atentado en Atlantic City: Para contentar a sus socios y liquidar las deudas que tiene con ellos Michael acuerda con Don Altobello una reunión con todos los jefes de las familias en New Jersey. Los planes de Michael son ofrecer una cuantiosa suma a cada uno para así poner punto y final a sus relaciones y dejarlos contentos. Casi todo el mundo se siente satisfecho ante la generosidad de Don Corleone, menos Joey Zasa, que no recibe nada. Zasa se siente insultado y declara la guerra a Don Corleone marchándose. Altobello busca una reconciliación pacifica y va tras Joey. Los miembros de las familias se quedan tranquilamente continuando la reunión cuando de repente comienza a vibrar toda la sala. Lo que parece un terremoto se convierte en un ataque del que pocos saldrán vivos. Vincent y Al salvan a Michael y lo sacan de ahí. Una vez en casa intentan descubrir quién ha podido maquinar un ataque como ese. En la discusión Michel sufre un infarto, en su dolor maldice el nombre de Altobello y recuerda a su hermano Fredo. Rápidamente es llevado al hospital.

Vincent toma cartas en el asunto: Con Michael en el Hospital la familia se siente ofendida y busca venganza. Vincent, apoyado por su tía Connie y por Al decide tomarse la venganza por su mano y ocuparse de Zasa. Vincent oculta un secreto y es que mantiene una relación de amor con Mary, su prima. La joven quiere saber todo cuanto pueda de los asuntos de la familia y su pasado, a lo cual le responderán solo lo justo y necesario. Es la persona más inocente del clan y no debe verse inmiscuida. Vincent planea la muerte de Zasa en plena fiesta del barrio de Litle Italy, a vista de todos. Esta escena recuerda en tema y situación a la acontecida en la segunda película cuando Vito mata a Fanucci, solo que aquí Vincent actúa a vista de todos, creando una masacre en donde caerá el jefe junto con sus hombres. Con Zasa muerto Michael se muestra colérico, no es así como deben hacerse las cosas y menos sin su permiso. La noticia de que Connie y Al apoyaron a Vincent lo coge por sorpresa, ya nada pueda hacer asi que será mejor seguir adelante. En su estancia en el hospital Kay visita a su exmarido para darle las gracias y comunicarle que Anthony debutará en la Opera de Sicilia. Michael se sentirá muy satisfecho y promete ir el día de estreno a ver a su hijo. Altobello visita también a Michael y acuerdan hacer las paces en Sicilia.

Regreso a Sicilia: Michael es recibido por todo lo alto y acogido en casa de Don Tommasino, quien siempre se ha comportado como un gran amigo de la Familia. Entre las caras conocidas Michael se reencontrará con su antiguo guardaespaldas, Carlo, y visitará la tumba de su primera esposa, Apollonia, junto a sus hijos, a los que se abrirá y contará cosas que nuca les había contado. Michael le dice a Mary que la historia con su primo Vincent es imposible y que debe alejarse de él. La visita a su tierra natal sirve a Michael para comenzar a limpiar su alma y querer ser mejor persona, pero antes debe zanjar unos asuntos. El asunto Inmobilaire es el causante de todo lo que ha sucedido. Altobello está compinchado con Lucchesi, un importante hombre de negocios que dirige la junta de Inmobilaire y que está asociado con el arzobispo. Michael descubre que lo han tratado como a un pelele y pide consejo a Don Tommasino, quien le recomienda que visite al cardenal Lamberto, un verdadero hombre de Dios. Para empezar a preparar su contraataque Micael pide a Vincent que se una a Altobello utilizando como excusa que está enamorado de Mary, así podrá descubrir qué planean.

La confesión: Siguiendo el consejo de Don Tommasino, y acompañado por él, Michael visita al cardenal Lamberto, quien lo escucha atentamente y entiende su preocupación. Lamberto siente simpatía por su visitante y descubre que su alma está sufriendo. Tras un amago de infarto del que se recupera Michael accede a la propuesta de Alberto a confesarse. A solas, en el claustro, Lamberto escucha a Michael. Sin duda alguna esta es una de las secuencias más memorables de toda la cinta. Michael confiesa cada pecado para a continuación escucharse la campana de la Iglesia. Es escalofriante y muy duro cuando dice que él mato al hijo de su madre, él mato al hijo de su padre. Sus pecados son terribles pero la absolución no es imposible. Para seguir su camino de salvación Michael intenta hacer las paces con Kay antes de la actuación de su hijo y la acompaña por Sicilia enseñándole sus raíces. Mientras tanto Altobello y Lucchesi han contratado a un asesino para que mate a Michael. Don Tommasino es asesinado por este asesino al ser reconocido.

El nombramiento de Vincent: Velando a Tommasino el anciano Corleone se siente agotado y sin fuerzas para continuar. Necesita traspasar su poder antes de que se desencadene la tormenta. Vincent es nombrado Vincent Corleone y convertido en nuevo Don, es el unión de la familia que puede llevar las riendas. Michael pone una sola condición a Vincent para ser el jefe de la familia, que deje en paz a Mary. En el Vaticano se nombra un nuevo Papa, el elegido es Lamberto quien tomará el nombre de Juan Pablo I. La primera acción de Vincent será planear la venganza contra todos los enemigos de los Corleone utilizando a Al para encargarse del arzobispo, Carlo para acabar con Lucchesi y así tomarse su vendetta contra el hombre que mató a su patrón y sus guardaespaldas para proteger la Opera donde tendrá lugar “Cavallería Rusticana”.

Cavalleria Rusticana: Haciendo honor a la tradición de películas de “El Padrino” el tramo final se presenta como una enorme secuencia que hace honor a la Opera que se representa. La familia Corleone al completo asiste para ver el debut de Anthony. Connie regala a Altobello una cajita de dulces que el anciano devorará a medida que transcurra la función. El nuevo Papa, Alberto, muere por envenenamiento ya que impedía las acciones empresariales del Vaticano y era un estorbo para el arzobispo. El sicario contratado para matar a Michael falla dentro de la Opera y debe tomar otro punto de acción. Neri mata al arzobispo en el Vaticano, Carlo hace lo propio con Lucchesi en su despacho y Altobello muere debido al veneno de los pasteles. A la salida de la Opera, cuando parece que todo ha acabado favorablemente para la Familia, a excepción de la muerte del Papa, al cual Michael tenía gran aprecio, se escuchan unos disparos. El sicarios ha intentado matar a Michael pero ha fracasado. En su lugar se ha cobrado otra victima. Mary cae murta a ojos de su padre, quien no puede contener un grito de dolor. El final operístico se subraya al ponerse Connie el mantón sobre la cabeza de forma teatral y trágica.

Años después, un Michael ya viejo se encuentra solo en Sicilia sentado en una silla. En su memoria viven los recuerdos de juventud y los bailes junto las tres mujeres más importantes de su vida: Apollonia, Kay y su hija Mary. Las ha perdido a las tres. “Ardería en el Infierno por mantenerte a salvo”. Esa frase es la que le dice Michael a su hija cuando ella duda sobre los negocios de su padre. Su intento de salvarla ha fracasado. Su camino de redención se ha cobrado como victima a su ser más querido, ahora solo le queda morir para que el diablo cobre su deuda.

El Final de los Corleone

No había otro camino. Al final de la segunda parte nos encontrábamos con un Michael odioso e insalvable, ya no se podía empeorar esa imagen diabólica. Ahora había que intentar salvarle, y el camino elegido para ello es su búsqueda del perdón y el intento de salvar a sus hijos de todo el mal. “Nuestro bien más preciado son los hijos” A pesar de no tener una estrecha relación con Anthony, debido a que sabe que él mató a Fredo, intenta complacerlo dejándolo marchar en busca de su sueño y apoyándolo días antes de la función. Mary es diferente, la niña de sus ojos, la encargada de dirigir la Fundación que creó y que se muestra limpia. La lucha de Michael por volver al buen camino es constante pero le saldrá muy cara al perder al miembro de su familia más amado.

Francis Ford Coppola realizó con “El Padrino III” una película notable, pero no excelente, no hemos de olvidar que se trata de un encargo impuesto y que tal vez por esa razón no saliera tan bien como las anteriores. Tampoco ayudó la negativa de Duvall a participar obligando al director a modificar el guión.

Comenzaré diciendo las virtudes que encuentro en la tercera parte de la Saga Corleone.
El personaje de Michael Corleone y su camino de redención. Me parece excelente como está llevado y que se decidiera tomar este camino. Las secuencias protagonizadas por Michael siguen teniendo fuerza, en especial las que tienen lugar en Sicilia. Entre los grandes momentos que se quedan grabados en la memoria citaré cuando Anthony le canta a su padre la canción Siciliana rememorando sus tiempos de juventud con Apollonia y consiguiendo una sensación de nostalgia pasmosa, o el momento de la confesión junto al padre Lamberto. Además la portentosa, maravillosa e inolvidable interpretación de Pacino vale ya para que esta película se tenga en cuenta.
El protagonismo de la Iglesia. Me encanta como Coppola retrata los negocios del Vaticano, demostrando que la Iglesia es otra multinacional que se mueve por dinero. Aquí descubrimos una confrontación entre poder y fe. Hay hombre de Dios ambiciosos para los que solo existe el dinero, como el arzobispo, y otros que creen aún en el poder de Dios para entrar en las personas y salvar su alma, como el padre Lamberto. Para crear esta trama Coppola y Puzo tomaron hechos históricos como los problemas del Banco Vaticano o la muerte de Juan Pablo I.

Ahora veamos las cosas flojas que impiden a esta tercera parte llegar a la altura. En especial se trata de dos puntos.
La falta de personalidad en los personajes secundarios. Son muchos los nuevos personajes que buscan tapar el hueco de antiguas presencias. El elegir a George Hamilton para sustituir a Robert Duvall como abogado no cuaja, es más, el nuevo abogado Harrison llega hasta casi a molestar y caer mal. Lucchesi y el arzbosipo no alcanzan a tener la entidad que tuvieron Sollozo o Hyman Roth en las anteriores. El hijo mayor de Michael, Anthony, demuestra más soltura cuando protagoniza la Opera que cuando tiene escenas intimas con su padre. Afortunadamente tenemos otros personajes secundarios como Don Altobello o Jaey Zasa que si consiguen ser recordados.
Tanto Mary como Vincent merecen protagonizar el segundo punto que flojea. Empezaré hablando de Vincent. Si bien es cierto que en la primera película nos mostraban los flirteos de Sonny con otras mujeres nunca se nos dejó claro que tuviera un hijo, y menos aún que fuera reconocido y tuviera favores de la familia como aquí se nos dice. Ahí ya veo una laguna, pero puesto que ha pasado veinte años arguméntales desde la anterior película lo perdonaremos. La verdad es que Vincent si tiene personalidad, se muestra como un chico arrogante que busca el poder por medio de la violencia y que es digno heredero del carácter de su padre. Bien, ahora lo que no consigue ser creíble por ningún motivo es la historia de amor entre Vincent y Mary. En ningún momento es creíble, resulta muy forzada y perjudica la película. En especial al final, cuado Mary cae muerta, Vincent suelta un “No” con menos pasión que un recién nacido. Sin lugar a dudas es el gran lastre de la película.

A nivel de dirección y puesta en escena Coppola sigue demostrando tener buen pulso y ser todo un maestro. Secuencias como la de apertura de la fiesta, el atentado en Atlantic City, la muerte de Zasa, la confesión de Michael o todo el tramo final de la Opera están realizadas con elegancia y profesionalidad, adquiriendo la mayoría de ellas gran fuerza.
El factor nostalgia está muy presente, la estructura es muy parecida a la de “El Padrino”. Para empezar, la escena en que Michael es investido se rodó en la misma iglesia donde se rodó el final de “EL Padrino”.Comienza con un Michael ya mayor en plena celebración que recibe a todo aquel que quiere verlo. El Don será objeto de atentado y de nuevo Sicilia tiene gran importancia. Además hay un traspaso de poder. Son muchas las coincidencias entre ésta película y la original de 1972, de hecho Coppola quería comenzar la tercera entrega con la conversación que el arzobispo mantiene con Michael planificándola de la misma manera que la que tenía Bonasera con Vito en el primer film.

El guión de Puzo y Coppola es completamente original. El mayor reto es completar un hueco de veinte años que separa ambas películas. Así pues debemos ser clementes y entender que han sucedido muchas cosas entre ambos films, como por ejemplo la venta de todos los casinos y negocios de Michael o el conocimiento de la existencia de Vincent. El libreto de esta parte es el más flojo pero no es para nada despreciable, siguen existiendo frases con garra y la atmósfera de film operístico de clausura. Es el fin de Michael Corleone, con él muere la dinastía.

Una vez más el equipo técnico repitió demostrando que seguía estando en forma. Gordon Willis en la fotografía, Dean Tavoularis en la dirección artística y Carmine Coppola en la Banda Sonora secundaron la dirección de Coppola y la reforzaron.

A nivel interpretativo encontramos por única vez en la Saga un desnivel en los actores. Al Pacino vuelve a erigirse como un monstruo interpretativo que aprovecha cada plano en la imagen más torturada y melancólica de Michael Corleone. Él solo levanta toda la cinta. Talia Shira recibe más protagonismo como Connie, la hermana de Michael. Shire vuelve a estar excelente y se muestra como una gran mujer que busca lo mejor para la posteridad de la familia y no duda en tomar decisiones. Diane Keaton es Kay en su versión de preocupada madre y sufrida exmujer de Michael. Andy Garcia es Vincent Manzini, el impulsivo heredero de Sonny. Garcia demuestra tener presencia y saber desenvolverse pero su historia de amor con Sofia Coppola no le ayuda. La hija del director ha recibido muchos palos injustamente por esta película. De acuerdo, no es que brille, pero hay que reconocer que sus momentos con Pacino merecen un mínimo de atención. Desgraciadamente, y al igual que Garcia, la historia de amor que viven no hay por donde cogerla. Eli Wallach es Don Altobello. Wallach está muy bien y recuerda el nivel interpretativo que ha predominado en esta Saga. Joe Mantegna es Joey Zasa. Mantegna se esfuerza y consigue una interpretación convincente. Raf Vallone es el Cardenal Lamberto, futuro Juan Pablo I. La humanidad que desprende este hombre es brutal y muy afín a lo que requiere el personaje. George Hamilton el abogado Harrison, ni de broma tapa el hueco dejado por Duvall. Richard Bright vuelve a dar vida a Al Neri demostrando que con Michael tiene una relación de amistad. Bridget Fonda aparece como presencia invitada y para demostrar lo bien que se le dan a Vincent las mujeres. Como participación especial tenemos a la madre de Martín Scorsese dando vida a una de las habitantes del barrio de Little Italy que suplica a Vincent para que termine con Zasa.

“El Padrino: Parte III” puso fin a la Saga de los Corleone de la mejor manera posible. Mucho se habló de un posible “Padrino IV”, incluso Puzo demostró su deseo de contar la historia de Sonny joven en paralelo al reinado de Vincent como jefe, en un ejercicio similar al de “EL Padrino II” con Michael y Vito. Coppola negó tal proyecto y hoy día tal posibilidad está muerta y enterrada, cosa que sucedió definitivamente con la muerte del autor de la novela. En conjunto la Trilogía queda muy bien y nos narra no solo la historia de los Corleone sino en concreto la historia de Michael Corleone.
A pesar de no contar con todo el beneplácito de la critica “EL Padrino: Parte III” recibió siete nominaciones a los Oscars: Película, Director, Secundario (Garcia), Montaje, Fotografía, Banda Sonora y Dirección Artística. Fue la única vez en que una historia de los Corleone se iba de vacío, teniendo a rivales tan fuertes como “Uno de los Nuestros” o la triunfadora “Bailando con Lobos”. Lo más indígnante es que Pacino no se llevara otra nueva nominación.

Operística, nostálgica, conclusiva. “El Padrino: Parte III” puede ser considerada la oveja negra de la Familia, pero ya nos gustaría tener más a menudo ovejas negras así. En conjunto, y junto con sus dos predecesoras, forman una gran historia, una obra capital en el Cine, y es que “El Padrino” es la mayor Trilogía de la Historia.

Lo Mejor: La buena labor técnica. Sigue desprendiendo solemnidad. Al Pacino.

Lo Peor: La historia de amor entre Vincent y Mary. Tener tan magnas predecesoras.

El Padrino: Parte II, de Francis Ford Coppola

Antes incluso de que “El Padrino” se estrenara, y viendo la cantidad de tinta que estaba corriendo acerca del film, la Paramount planeo realizar una secuela en el acto. El enorme éxito de “El Padrino” y su triunfo en los Oscars aceleró la marcha de la producción. Francis Ford Coppola prefirió que contrataran a otro director para encargarse de la película recomendando a Martín Scorsese, pero la productora se negó a aceptarlo. A cambio de realizar la película Paramount ofrecía a Coppola todo lo que pidiese. Así pues, el director aprovechó su posición privilegiada y pidió que le dejaran tiempo para poder realizar una pequeña película en San Francisco así como una llamativa suma de dinero y derecho al montaje final sin intromisiones. Aceptados estos términos Coppola volvió a reunirse con Puzo para dejar preparado el guión.

¿Sobre qué iba a tratar la segunda parte de “El Padrino”? La novela de Puzo relataba la juventud de Vito Corleone y eso no se había visto en pantalla, así que se decidió que se esa sería una de las líneas narrativas. La otra línea argumental estaría protagonizada por Michael Corleone, ya convertido en un importante hombre de negocios y jefe del Hampa.

El equipo técnico y artístico repitió en su totalidad, prescindiendo de algunos actores secundarios cuyos personajes no aparecían. Para escoger a los nuevos personajes se siguió llevando a cabo la elección de actores desconocidos para el gran público que dieran bien como italianos y cubanos en la parte ambientada en Cuba. Solo hubo dos personajes que tuvieron historia propia dentro del casting.
En primer lugar el personaje de Hyman Roth. Pacino impuso a Lee Strasberg, creador del Actor´s Studio de Nueva York donde el actor se había formado. Strasberg declinó amablemente la oferta pero la insistencia de quererlo para el papel hizo que el padre de Coppola, Carmine, se reuniera y hablara con él hasta convencerlo. Strasberg compartiría escenas con su discípulo Pacino.
El segundo problema fue la elección del joven Vito Corleone. Si Brando había envejecido considerablemente para la primera cinta no costaría mucho rejuvenecerle para la segunda, o al menos eso pensó Coppola al principio. Desgraciadamente el estudio ya quedó algo hastiado con la actuación de Brando en los Oscars y sus ínfulas de estrella como para tenerlo de nuevo en el rodaje, ni siquiera si dignó a aparecer como presencia invitada en la escena final en que salen todos reunidos a la mesa. Así que se sugirió que se localizara a otro actor que diera vida al joven Vito Corleone. Coppola había visto “Malas Calles” de su amigo Scorsese y quedó impresionado con el actor que daba vida a Johnny Boy. Coppola tardó en recordar que ese mismo actor había sido contratado para dar vida a uno de los guardaespaldas del Capo en la primera cinta pero que lo había dejado marchar para interpretar la película a la que estaba atado Pacino. Sin dudarlo un momento presentó el nombre de Robert De Niro como único candidato posible a dar vida al joven Vito Corleone. La productora no puso inconvenientes y De Niro demostró sus dotes interpretativos marchándose cuatro meses a Sicilia a aprender el dialecto, pues su papel era íntegramente hablado en siciliano, y a visitar al mismo dentista al que había ido Brando para que le hiciera una prótesis dental que le dejara la mandíbula similar a como la mostraba el astro. Coppola demostraría que su elección era idónea y que fue todo un golpe de suerte que el actor no participara en “El Padrino” para así estar en su secuela.

Como cabía esperar “El Padrino. Parte II” fue anunciada a bombo y platillo. Su larga duración, superior a las tres horas, no preocupó mucho al estudio esta vez y se fijó su estreno para Navidad de 1974. Fue un nuevo éxito.

La perdida del alma de Michael Corleone

“El Padrino. Parte II” se presenta como una película mucho más densa y compleja que su predecesora. En ella se nos narra la ascensión de Vito Corleone así como la guerra que emprende Michael contra Hyman Roth y las consecuencias que ella tiene.
Son dos historias paralelas, las historias de un padre y su hijo distanciadas en el tiempo que se interconectan creando un paralelismo entre ambos y demostrando que Michael ha seguido los pasos de su padre pero no su código del honor y respeto hacia las personas más importantes de su vida, su familia.
A continuación relataré cada historia por separado para luego compararlas y descubrir, lo mejor que pueda, las diferencias entre Vito y Michael Corleone.

Vito Corleone

Sicilia. 1901: El Padrino nació bajo el nombre de Vito Andolini en el pueblo de Corleone, Sicilia. En 1901 su padre fue asesinado por insultar al jefe local de la Mafia, Don Ciccio. Su hermano mayor, Paolo, juró vengarse y desapareció entre los bosques, dejando a Vito, con solo nueve años, como único heredero que acompaña a su madre en el funeral. Mientras marcha el cortejo fúnebre se escuchan unos disparos que hacen huir a todos. Paolo ha muerto. La madre de Vito se dirige con él a pedir clemencia a Don Ciccio para que lo deje con vida y perdone todos los problemas que le han causado. El viejo jefe se niega en redondo a aceptar tal cosa pues cuando crezca el niño querrá una vendetta, ante lo cual la madre de Vito le pone un cuchillo en la garganta y exige a su hijo que huya. La mujer muere y el niño es nombrado proscrito con orden de busca y captura. Unos vecinos de Vito lo ayudan a escapar y tomar un barco con rumbo a America, donde el niño llegará en compañía de muchos otros inmigrantes. Al pasar por el registro de pasajeros será bautizado como Vito Corleone y puesto en cuarentena debido a tener viruela. El niño toma una habitación desde la que contempla la estatua de la Libertad y se sienta entonando una canción.

Nueva York. 1917: Vito está casado y tiene su primer hijo, Santino. Vive en un pequeño piso de Little Italy y trabaja en una tienda. Acompañando al hijo de su jefe, y compañero de trabajo, a una representación teatral conoce a Don Fanucci, el hombre más temido de la zona, al que todos pagan por que les proteja. Vito se queda algo sorprendido cuando ve el miedo que tiene su compañero y su cobardía a la hora de acercarse a Fanucci cuando tiene amenazada a su novia. Pronto descubrirá el poder que ejerce Fanucci sobre el barrio a ser despedido para que trabaje su sobrino. En contra de lo que pudiera parece, Vito no se siente molesto con su jefe, sino todo lo contrario, le agradece que confiara en él y que le diera un puesto de trabajo durante tantos años. A su llegada a casa, a pesar de la mala noticia, se muestra feliz y le da a sus mujer un tierno beso. Mientras cenaba con su esposa Vito escuchó la llamada de un vecino que le pedía el favor de guardarle unas cosas. Vito no se negó ni aún cuando descubrió que se trataban de pistolas. A los pocos días aparece el vecino y le agradece que le haya guardado sus cosas. A cambio le pagará con un regalo. Esto es un detalle importante pues será la primera vez que Vito reciba un favor por otro. El vecino se hace llamar Clemenza y regala a Vito una alfombra robada. Comienza así una amistad entre ambos.

La muerte de Don Fanucci: Los años pasan, Vito tiene ya tres hijos, Santino, Fredo y el recién nacido Michael. Con Clemenza y Tessio tiene un negocio de venta de vestidos robados que les va viento en popa, algo que enfurece a Don Fanucci, pues no ha recibido nada de lo que ganan los chicos y eso le parece una falta de consideración. Cuando Vito conduce por la calle llevando la mercancía es asaltado por Fanucci, quien le exige un porcentaje generoso de sus ganancias. Clemenza y Tessio no ponen inconveniente a que se le pague a Fanucci, pero Vito no está de acuerdo. Tras convencer a sus socios acuerda un encuentro con Fanucci para que acepte sus condiciones. Por primer vez Vito dice la frase de que le hará una oferta que no podrá rechazar y demuestra que se niega a ser un títere movido por los hilos de los poderosos. En la celebración de la procesión en Little Italy Vito se encuentra con Don Fanucci, quien no niega su admiración hacia el joven ladrón y su valentía al encontrarse con él sin haber aceptado las condiciones. Fanucci acepta por esta vez, pero será la última. Mientras el viejo Don camina por las calles haciéndose notar Vito lo sigue por los tejados, en donde ha escondido una pistola. Cuando Fanucci va a entrar en su casa descubre a Vito escondido en el pasillo. El viejo se sorprende pero no se asusta, Vito, sin pestañear, se acerca a él y le pega dos tiros para a continuación rematarlo volándole la cabeza. Se han acabado los tiempos del reinado de Don Fanucci, ya nunca más los vecinos del barrio tendrán miedo. Tras esto Vito se reúne con su esposa e hijos y sujeta entre sus brazos al pequeño Michael, a quien dice querer mucho.

Don Vito Corleone: El barrio vive tiempos de calma. Vito camina siendo saludado por varias personas y recibiendo regalos de varios tenderos, aunque él no lo vea necesario y esté dispuesto a pagarlos. Una amiga de su mujer le pide el favor de que hable con su casero para que no la eche de la casa en que vive. Para contentar a la señora, y a su esposa, Vito se reúne con el Sr. Roberto y le pide por favor que deje vivir a la señora en la casa, a cambió le pagará seis meses de alquiler. El casero se muestra sorprendido y, aunque al principio acepta decide rehusar porque no quiere que se tengan perros en las viviendas. Todo cambia cuando Vito recibe su visita en la oficina que han abierto. El Sr. Roberto se muestra altamente arrepentido de haber rehusado la oferta y accede a que la señora se quede a vivir en la casa por un precio módico. El cambio de actitud en el casero es debido a su información acerca de Vito, y de cómo es respetado y querido por todas las gente. Roberto se marcha llamando a Vito Don Corleone y ofreciéndole su amistad para lo que necesite. A la marcha del casero Vito se reúne con sus socios y contempla la fachada de su nuevo negocio de aceites.

La vendetta de Vito: Vito viaja con su familia a Sicilia para conocer a los familiares de su esposa y expandir su negocio de aceite. Sin embargo hay otra razón por la que Vito ha ido a Sicilia, para vengar la muerte de sus padres y su hermano. Con ayuda de Tomassino es recibido por Don Ciccio, quien se encuentra viejo, sordo y débil. Vito se acerca al anciano, le dice que su padre se llamaba Antonio Andolini y lo mata rajándole el pecho. En la huida Tomassino recibe un disparo en la pierna, lo cual explica su cojera en la primera parte cuando acoge a Michael. Vito Corleone se convierte así en un hombre respetado y temido a partes iguales, cuya mayor preocupación es el bienestar de su familia y amigos.

Michael Corleone

La comunión de Anthony Vito Corleone: La trama de Michael comienza en 1958 en su residencia de Tahoe, Nevada. Como ya pasara en el primer film la secuencia de apertura tiene como telón una celebración familiar de índole religioso, una comunión. Ahora Michael es el que ejerce las funciones de Padrino de la Familia y por tanto debe recibir a todo aquel que quiera hablar con él, sin embargo los asuntos familiares tienen una importancia secundaria para Michael como observamos en esta secuencia, ya que los primeros encuentros que tiene son con el Senador Geary y, después, con Johnny Ola. En ambos casos el asunto a tratar es el deseo de Michael por conseguir un nuevo hotel en Las Vegas. Con el Senador se mostrará implacable y mostrará su cara más terrorífica cuando el político insulte a su familia, así como también le comunicará que conseguirá de él todo lo que pida sin pagarle nada a cambio. Con Ola se reúne para acordar la asociación con el poderosos Hyman Roth y así estar respaldado a la hora de adquirir el nuevo hotel. Una vez realizadas estas entrevistas, que no son más que para conseguir más poder, Michael decide recibir a los que quieren hablar con él.

En esta escena encontramos una clara diferencia con la boda que abría “El Padrino”. En aquella ocasión el Don recibía gente amiga que le pedía favores, aquí Michael se reúne para hablar de negocios que lo beneficien. A parte de eso la atmósfera y los personajes son diferentes. La familia Corleone ha ido en decadencia, Connie se ha convertido en una mujer vividora acumulando matrimonios que acaban en divorcios, Fredo sigue siendo débil y estúpido con incapacidad para controlar ni a su propia mujer, Tom dejo de ser consigliere y solo ejerce como abogado de la familia. Apenas hay luz en la secuencia, todos es oscuro, ensombrecido, y prevalece la noche al día. Es como si estuvieran poniéndonos sobre aviso de que algo malo va a suceder. Y así es. Tras la comunión, Michael sufre un atentado en su propia habitación. Han atentado contra su vida, contra la de su esposa y han puesto en peligro a sus hijos. Sea quien sea quien lo haya hecho va a pagar.

El complejo plan de Michael: Sin pensarlo mucho Michael se dirige a Miami para hablar con Roth y dejarle claro que sigue a su lado en los negocios que tiene preparados y que sabe quien intento matarlo, se trata de Frankie Pentangeli, un antiguo miembro de su Familia que heredó todo de Clemenza y que se encuentra en guerra con los hermanos Rosatto, protegidos de Roth. El anciano confía en Michael y le dice que no se preocupe, sus negocios están a salvo. Tras esto Michael va a Nueva York para reunirse en secreto con Pentangeli y recriminarle que han intentado matarle. Pentangeli está hecho a la vieja usanza y quiere sangre por lo que le ha pasado a su Padrino, pero Michael piensa con la cabeza fríamente y le exige que haga las paces con los Rosatto para así acercarse al hombre que de verdad intentó matarlo, Roth. Sin embargo no todo es tan sencillo, Michael tiene una manzana podrida dentro de su familia que ayudó a que entraran en su finca para matarlo, y debe descubrir quién es.
Pentangeli se cita con los Rosatto para descubrir que intentan matarlo. El plan de Michael no ha empezado como esperaba.

La Habana: Roth convoca una reunión en Cuba con todos sus socios para invertir en propiedades de gran importancia en la isla. Michael se encuentra entre ellos. Roth se impacienta con el joven Corleone debido a su tardanza en entregar el dinero que lo haga entrar en el negocio de Cuba. Michael le pide paciencia. Fredo llega a la Habana y trae consigo los dos millones. El Senador Geary también llega a Cuba, su amistad con Michael se ha consolidado tras haberle salvado el cuello en un asunto complicado. Cuando van a un espectáculo sórdido Fredo se delata rompiendo a Michael el corazón. Él fue el contacto de Ola y quien le dijo todo lo que necesitaba saber. El sicario de Michael mata a Ola pero fracasa al matar al viejo Roth, quien se encuentra moribundo en el hospital. En la celebración del Nuevo Año Michael besa a su hermano y le dice que sabe que ha sido él quien lo traicionó. Estalla la Revolución Cubana. El débil hermano no volverá a América junto a él por miedo. A su llegada a Estados Unidos Michael recibe otra noticia que lo hundirá aún más, Kay acaba de perder al hijo que esperaban.

El juicio contra los Corleone: Para sorpresa de Michael y Tom el gobierno tiene como testigo a Pentangeli para testificar con la familia. Fredo regresa a Nevada y es recibido por Michel, quien lo acaba repudiando y declarándole que para él no es nada, ni un amigo ni un hermano, y espera no volver a verlo nunca. En el juicio Michael es acompañado por un anciano que resulta ser hermano de Pantangeli, lo cual hace que el testigo niegue todas las acusaciones contra Michael. Michael ha vuelto a ganar, pero su vida familiar se derrumba a pasos agigantados. Kay quiere abandonarlo llevándose a los niños, cosa que él impide echándola de casa y quedándose con ellos. Además su furia es insostenida al enterarse de que el aborto no fue natural sino provocado por ella misma, pues se niega a seguir trayendo al mundo seres que acaben convirtiéndose en criminales. La última conversación que tiene Michael con su madre ya daba señales del fino hilo que sustentaba la estabilidad familiar del Padrino, ahora ya roto. En el funeral de la Mamma Connie pide a su hermano quedarse a vivir junto a él y también aboga por Fredo, quien quiere verlo. Michael decide aceptar la petición de Kay y abraza a su hermano mayor por última vez, pues la mirada que le dirige a su sicario Al Neri no deja lugar a dudas de cual será el destino de Fredo.

La perdición de Michael: Connie regresa junto a su hermano por falta de dinero y por miedo, Tom rehúsa interesantes ofertas por miedo también a lo que pueda hacer Michael. El Don se ha convertido en un ser temido, pero no respetado. Pentangeli recibe una ultima visita de Tom en la que charlan acerca de los grandes tiempos, aquellos en que los Corleone eran un Gran Imperio, cosa que ya no es. Tras esto Pentangeli se corta las venas y muere. Roth regresa a America y es asesinado por orden de Michael, quien se asoma a la ventana de su despacho para ver por última vez a su hermano Fredo, a quien Neri mata. Es el fin de la poca humanidad que quedaba dentro de Michael Corleone, quien acumula muertes a su paso. No solo perdió la bondad, sino también su alma.

Vito/Michael

Que la película narre el origen de Vito Corleone no es caprichoso, gracias a ella podemos ver un paralelismo y comparar cómo es de diferente Michael.
“Es mi familia. Pero yo no soy así.” Con esas palabras un joven Michael decía a Kay a que se dedicaba su Familia al principio de “El Padrino”. Ahora observamos que Michael, efectivamente, no es como su familia.
Vito se nos presenta como un implacable e inteligente hombre de negocios que sabe conseguir lo que se proponga, cosa que Michael también. Ambos ascienden en los negocios, de acuerdo. Sin embargo lo que los diferencia es su idea de Familia. Vito siempre actúa mirando el bienestar de su familia, de sus seres queridos. Nunca va a ningún sitio si no es con su mujer e hijos, y muestra una continua fidelidad hacia ellos. Es un hombre honrado, que si bien tiene negocios sucios es porque se ha visto obligado a llevarlos a cabo para sobrevivir y dar a su familia lo que merecen. Aún a pesar de ascender y ser respetado por las gentes, Vito se muestra como uno más entre sus vecinos, nunca mira por encima del hombro ni alza la voz a nadie. A pesar de tener poder se muestra como una persona humilde que antepone su familia ante todo.

Michael parece que sigue los pasos de su padre al tener junta a toda su familia y protegerla, pero no muestra apenas síntomas de cariño, al contrario, su temple frío impide que veamos en él una pizca de humanidad. A medida que avanza la trama descubrimos cómo Michael va olvidándose de los principios de su padre. Su decadencia personal tiene lugar cuando golpea a su esposa y mata a su hermano. Definitivamente Michael no es como el resto de su familia. Es peor.

Si nos detenemos en el montaje observaremos que los flashbacks siempre van encadenados cuando se hable de la relación de Michael con su familia, nunca cuando haya una escena de negocios o se hable sobre ellos. Así se deja claro que lo más importante dentro de la trama son los lazos familiares y como sin ellos las personas no son nadie.
En especial hay que remarcar por todo lo alto el final. El último flashback tiene lugar en 1941, justo cuando Michael ha decidido alistarse. La noticia es recibida bastante mal por parte de Tom y Sonny, pero no por Fredo, quien lo felicita. Cuando llega el Don a casa todos salen a recibirlo menos Michael, que se queda solo en la mesa, como apartado de su familia. Eso concuerda con la imagen final de la cinta. Michael esta solo sentado en su jardín. Ha matado el miembro de su familia que lo apoyó cuando nadie lo hizo. Ahora se ha quedado solo por completo. Su padre estará llorando en el cielo por él.

La Mejor Segunda Parte de la Historia

Siempre que se anuncia una secuela se pone como referencia “El Padrino. Parte II”, y no es para menos. Nunca ha existido una segunda parte tan compleja y perfecta como esta película, a la cual llamar secuela es erróneo. Y es que la película no solo nos cuenta hechos posteriores a “El Padrino” sino anteriores, con lo cual estamos ante algo tan arriesgado e interesante como una precuela/secuela que complementa a su predecesora en todos los sentidos. “El Padrino. Parte II” es tan completa, y tiene tanta entidad propia, que se puede ver tanto como una película individual e independiente como un complemento y continuación a la película de 1972, de hecho el subtitulo Parte II no es en vano y se aleja de cualquier segunda parte anterior.

Desde el primer minuto en que la película se abre con la última escena de “El Padrino” hasta el minuto final de los créditos sabemos que estamos presenciando algo fuera de lo común, una obra gigantesca en proporciones y temática que llega a superar a su predecesora. Francis Ford Coppola consiguió con esta cinta alcanzar una cima insuperable a día de hoy. El director ha madurado y no solo crea una planificación centrada en los actores sino que rueda impresionantes secuencias que elevan la película a la épica. El tramo en que Vito llega a América y ante sus ojos aparece la estatua de la Libertad, o ese plano memorable en que se asoma por la ventana de su cuarto y la dama de hierro se refleja en el cristal ya nos da pistas de que Coppola a levado el listón y no tiene interés de descenderlo a lo largo de la obra. El alo trágico shakespeariano sigue notándose con la misma fuerza, hasta el punto de superarlo y alcanzar el calificativo de tragedia griega en donde el final posea un pesimismo irrevocable. Podría citar todas las escenas de la cinta porque cada una posee Cine al 100% con unas interpretaciones, de nuevo, inmejorables.

El guión elaborado por Puzo y Coppola es mucho más rico que el anterior. Además del paralelismo entre Vito y Michael y el tema de la familia encontramos un tema tan importante como el de la venganza. Vito busca venganza por la muerte de su familia; Michael quiere vengar la ofensa hacia él y los suyos; Roth revela que quiere vengar a Moe Green; Pentangeli se pone en contra de Michael porque cree que lo ha traicionado; Fredo ayuda a los enemigos de su hermano por haber sido siempre considerado inferior dentro de su familia.
Para enriquecer aún más la historia, se juega con el hecho histórico de la caída de Baptista y el triunfo de la Revolución Cubana.
La cinta posee frases tan grandiosas como la que le dice Michael a Connie cuando ésta le solicita permiso para casarse: “La tinta de tu divorcio no está seca y quieres volver a casarte” o el recuerdo de Don Vito con frases como “Ten cerca a tus amigos, pero más a tus enemigos”. Una genialidad de guión en todos los sentidos.

El montaje por medio de flashbacks es fantástico y casa muy bien los hechos acontecidos a finales de los 50 con los de primeros de Siglo. Además de ellos la cinta posee un ritmo pausado en las escenas intimistas para que los actores saquen todo lo que puedan del personajes. De nuevo el tramo final de la obra utiliza un montaje en paralelo que muestre las distintas muertes.

La dirección artística y el diseño de producción llevado a cabo por Dean Tavoularis está cuidado al máximo y consigue transportarnos, gracias también a la espectacular fotografía de Gordon Willis, a Little Italy. Ya he citado la épica de la obra, y eso es gracias también a la labor de estos grandes profesionales que consigue crear unos escenarios magnánimos que nos sobrecojan. La llegada a la Isla de Ellis de los inmigrantes, la fiesta de la virgen en Little Italy, la Revolución de La Habana. Todo ello es sobrecogedor está realizado al detalle y demuestra como se puede ofrecer un gran espectáculo por medio de un gran drama.
La Banda Sonora está compuesta por Nino Rota y el padre de Coppola, Carmine. Superior a la anterior, la nueva composición incluye temas más trabajados y elaborados sin olvidar la base. En especial destacar el tema “The Inmigrant”, toda una maravilla que otorga a la imagen más sentimiento e intensidad.

De nuevo el reparto está perfecto y ofrece las mejores interpretación de la Historia, junto a las de la primera entrega. Al Pacino es Michael Corleone de nuevo, pero esta vez mucho más temible, con una mirada intimidatoria y amenazante. Es un diablo que no muestra compasión ni arrepentimiento y que no se fía ni de aquellos que llevan su sangre. Pacino supera su labor en la primera entrega, cosa que ya era difícil, y nos ofrece al mejor Michael Corleone de la Trilogía. Robert Duvall como Tom Hagen se muestra más temeroso y decepcionado con Michael y su forma de llevar la familia. Lo verdaderamente grande de Duvall es que vale más lo que no dice, pues descubrimos sus verdaderos pensamientos por leves detalles que el actor deja ver. Diane Keaton posee más protagonismo que en la primera entrega, aunque sigue quedándose muy en segundo plano. La escena con Pacino en que le revela la verdad sobre su aborto es escalofriante. John Cazale es Fredo Corleone, esta vez mucho más presente y con más peso en la trama. Cazale fue un excelente actor que bordó cada papel y aquí protagoniza una de las escenas más memorables de la Historia cuando Pacino le besa y le anuncia que conoce su traición. Talia Shire deja de ser la sufridora Connie de la primera parte para convertirse en una vividora y derrochadora mujer que apenas se ocupa de sus hijos. Lee Strasberg ofreció su talento y dio lecciones de interpretación como Hyman Roth. Michael V. Gazzo es Frankie Pentangeli en una impresionante interpretación que logra tapar el hueco dejado por Clemenza y Tessio en las anteriores. Richard Bright es Al Neri, con una presencia más constanto que en la anterior donde su presencia no excedía de muy secundario. Robert De Niro es el joven Vito Corleone consiguiendo algo tan difícil como convencernos que de verdad es el viejo Padrino de la anterior película. A De Niro le pasa como a Brando en la anterior, vemos al personaje en todo momento y nos cuesta reconocer al actor, y eso que De Niro no lleva maquillaje apenas. Su trabajada voz ronca, sus gestos cuidados al detalle, su mirada, pocos habría salido indemnes de hacer este papel, pero De Niro lo hace con creces y consigue la primera gran interpretación de su carrera. Marlon Brando no participó en la cinta pero en el último flashback su presencia se nota desde que le dicen “sorpresa” y le cantan por su cumpleaños. James Cann participó para la escena en que están todos reunidos al final y cobró la misma cantidad que por la primera entrega. Para dar vida a los senadores que presiden el Juicio se contó con productores y escritores como Roger Corman, William Bowers, Phil Feldman y Richard Matheson.

La cinta fue todo un éxito y consiguió once candidaturas a los Oscars, de nuevo tres de ellas fueron a parar a actores secundarios (Lee Strasberg, Michael V. Gazzo y Robert De Niro) siendo al final para De Niro. Pacino perdió injustamente como Mejor Actor y Talia Shire estuvo nominada como secundaria. La película superóa a su predecesora en Premios consiguiendo seis Oscars: Película, Director, Guión Adaptado, Secundario, Banda Sonora y Dirección Artística. Era la primera vez que una secuela ganaba Mejor Película y la única vez que un actor ganaba un Oscar por el mismo personaje por el que otro actor también lo ganó.

Para televisión se creó el llamado “Padrino Épico” que montaba las dos partes juntas y modificaba el montaje narrando los hechos en lineal, con lo cual la experiencia enriquecedora que supone el ver la trama de “El Padrino. Parte II” con los flasbacks se perdía. Para este montaje se añadieron algunas escenas breves y se modificó el final introduciendo la escena suprimida en la primera parte en que Kay enciende una vela por Michael.

Trágica, majestuosa, épica en todo su significado, impactante. “El Padrino. Parte II” demostró que no solo se podían hacer segundas partes buenas, sino que se podía superar lo anterior. Coppola volvió a triunfar, esta vez por todo lo alto, pues ese mismo año regaló otra gran película como es “La Conversación”. La secuela del Padrino marcó un hito en la Historia del Cine y aún hoy día es venerada con todas las de la ley. Vuelve a hablar de la Familia, de los lazos de sangre y nos muestra cómo los hijos acaban decepcionando a los padres. Sin lugar a dudas y, para un servidor, la Mejor Película de la Historia.

Lo Mejor: Cada segundo tiene su peso en Oro.

Lo Peor: Absolutamente nada.

El Padrino, de Francis Ford Coppola

Poco podía imaginar Mario Puzo que su novela conocida primeramente como “Mafia” y luego rebautizada como “El Padrino” se convertiría en una de las películas más populares de la Historia y que daría lugar a la Saga cinematográfica más grandiosa y elogiada.

Cuando en 1969 salió a la venta el libro de Puzo ya había varias productoras interesadas en hacerse con los derechos de la novela. Dos de ellas eran pequeñas productoras sin mayor envergadura, pero luego estaba la Paramount con Robert Evans como jefe de producción. En un principio la idea de realizar “El Padrino” no iba más allá de una modesta película de serie B con un puñado de actores y un presupuesto bajo que modificaría la novela cambiando la década de los 40 y 50 por la presente de los 70. Esta idea se debió al anterior fracaso de Paramount en el terreno del cine negro, “Mafia”, y no pensaban jugársela otra vez. Pero todo cambió. “El Padrino” acabó convirtiéndose en un fenómeno de ventas en las librerías y el anunció de que la película estaba en marcha hizo que todo el mundo pusiera sus ojos sobre cómo la iban a hacer y cuál sería el resultado.

El primer paso de Evans fue contratar a Albert S. Ruddy para que se encargará de producir la cinta. A continuación se llegó a la conclusión que no habría nadie mejor para adaptar la novela al cine que el propio autor del libro. Puzo se embolsó otra cuantiosa cantidad de dinero a cambio de escribir el primer guión. Primer problema grave de la producción que se le presentó a Ruddy, hacía falta un director para la película y nadie quería encargarse de ella. Se tanteó a una gran cantidad de directores con renombre y ninguno estaba dispuesto a ponerse en la silla del director de “El Padrino”. Finalmente el elegido fue un joven cineasta de espíritu independiente que luchaba contra el sistema de estudios de Hollywood desde San Francisco, en donde había fundado su productora American Zoetrope. Francis Ford Coppola se negó en rotundo la primera vez que le propusieron dirigir “El Padrino”, no quería saber nada sobre adaptar un best-seller, y mucho menos hacerlo para un gran estudio, pero la segunda vez que fue tentado para hacerla no pudo decir que no. Su productora pasaba malos momentos y el proyecto estrella que había dirigido su amigo George Lucas, “THX1138”, resultó ser un fracaso en todos los sentidos. Por éste motivo accedió a hacerse cargo de la película.

Cuando Coppola subió a bordo del barco las cosas empezaron a cambiar en torno al proyecto. El director exigió que si iba a hacer la película se mantuviera la época del film y que para dar vida a los personajes se escogieran caras desconocidas en su mayoría para el gran público y no grandes estrellas. Además Coppola volvió a escribir el guión asociándose con Puzo y le dio a la película un nuevo matiz, para él esta historia no trataba sobre el mundo del hampa, sino que representaba el drama de una familia en donde se daban la mano el poder, la corrupción, la venganza o el honor. Surgió un nuevo problema a la hora de llevar a cabo el proyecto, los Sindicatos del Crimen estaban poniendo trabas en contra del film. La respuesta de Paramount fue solicitar a Coppola y Puzo que eliminaran toda palabra que hiciera mención a Mafia o Cosa Nostra, algo que no tuvo mayor repercusión para el trabajo de ambos pues el guión tenía nimias alusiones a ellas.

Llegamos al momento del casting. En Hollywood no se vivía tanta afluencia de gente para conseguir un papel en una película desde los tiempos de “Lo que el viento se llevó”, las colas para las audiciones eran eternas y las sesiones de casting duraban todo el día. En especial se vivieron dos momentos tensos a la hora de elegir actores. Ambos momentos se refieren a la elección de los actores que darían vida a los personajes más fuertes de la historia, Don Vito y Michael Corleone. Para el papel del patriarca de la familia tanto Puzo como, después, Coppola tenían claro que el que debía interpretarlo era Marlon Brando, pero la productora no estaba dispuesta a contar con él. Nombres como Burt Lancaster, Ernest Borgnine o Lawrence Olivier fueron mejor recibidos y barajados. Brando se había convertido en veneno para el cine, sus últimas películas habían sido fracasos estrepitosos y su comportamiento en los rodajes no hablaba muy a su favor. Pero Coppola siguió en sus trece, era Brando o Brando. Para convencer completamente a la productora que solo él podría dar vida a Don Corleone grabó un video en que el astro se envejeció con betún en el cabello, ojeras en los ojos y unos trozos de algodón que introdujo en sus carrillos y que le daban un aire de bulldog. Tanto Evans como el resto de ejecutivos se quedaron pasmados, había que contratar a Brando para la película.

El segundo gran problema de casting fue la elección de Michael Corleone. Multitud de actores se presentaron a las pruebas, entre ellos Martín Sheen o Ryan O´Neil. La productora presentó como candidatos a Robert Redford o Jack Nicholson, pero Coppola de nuevo tenía muy claro quién debía hacerlo. Se trataba de un joven actor con bastante éxito en los escenarios teatrales pero que no había tenido fortuna en cine. Al Pacino nunca gustó a los productores de la cinta, no veían en él a un Michael Corleone apropiado. Coppola luchó contra mar y tierra porque al final le dieran el papel. Finalmente la productora accedió al imponerle a Coppola que James Caan estuviera en el reparto dando vida a Sonny Corleone. El director accedió encantado pues por fin tenía al Michael que quería. Surgió otro pequeño problema en la elección de Pacino, tenía un contrato con MGM por el cual debía realizar la película “The gang that couldn´t shoot straight” y no podría intervenir en “El Padrino”. La solución fue una indemnización por la cual el actor se quedó en la ruina y el cese de un actor que debía dar vida a uno de los guardaespaldas del Don para sustituir a Pacino en la película de MGM. Su nombre era Robert De Niro y poco podía imaginar que esta decisión le proporcionaría la fama dos años después.

“El Padrino” se comenzó a rodar no sin pocos problemas entre miembros del equipo. A Evans nunca le gustaban las pruebas que le llegaban de la película y sus peleas con Coppola eran constantes, así como también lo eran los enfrentamientos entre el director y el director de fotografía, Gordon Willis, al final del rodaje. La película se terminó con vistas a estrenarse en Marzo de 1972, tras un laborioso trabajo de montaje que tuvo de nuevo a Evans de por medio. La duración de la cinta acabó rozando las tres horas, lo cual fue lo único en que estuvieron de acuerdo productores y director.

Finalmente el 24 de Marzo de 1972 se estrenaba en salas norteamericanas “El Padrino”. El éxito de público fue arrollador, tanto que acabó convirtiéndose en la película más taquillera de la Historia.

La tragedia de los Corleone

“Es el drama de un rey y sus hijos”. Así define Coppola “El Padrino”, y razón no le falta. De una novela que versaba sobre los negocios turbios de la familia Corleone sin ocultar en ningún momento su participación dentro del Crimen Organizado de Nueva York el director realizó uno de los dramas familiares más grandes de toda la Historia Universal.
Decir que “El Padrino” es una película de mafiosos o que habla sobre la Mafia es quedarse corto. Por supuesto nos muestra una familia con alto poder dentro de las esferas criminales pero lo más importante en la trama, el verdadero núcleo, es la importancia de la familia. La fidelidad, el respeto, el honor que se tiene dentro del grupo familiar así como la elección de una cadena sucesoria que tome las riendas del patriarca y siga sus pasos. También nos narra la evolución del personaje de Michael Corleone, o cómo una buena persona puede acabar convirtiéndose en un ser malvado y sin escrúpulos.
Es una tragedia shakesperiana con todas las de la ley que posee una estructura casi teatral mediante la cual observaremos los distintos temas que la pueblan y los maravillosos personajes que la protagonizan.

La película puede dividirse en cuatro partes delimitadas por fundidos a negro y encadenados. Las partes poseen varias escenas de introducción a lo que va a acontecer a continuación. Para analizar el film nada mejor que ir parte por parte y analizar, lo mejor que se pueda, lo que ofrece esta Gran Obra.

La Boda de Connie Corleone: El sonido de una marcha casi fúnebre abre la cinta. Tras el título escuchamos unas palabras. “Creo en América”. Observamos a un hombre narrar la triste historia de su hija y de cómo fue ultrajada por unos salvajes. La justicia no ha hecho nada por ella, así que ha ido a pedir su propia justicia al único hombre en quien puede confiar ahora. Es como si un vasallo fuera a suplicar a su señor que le proteja y que lo defienda. Cuando se acerca a su oído a solicitarle lo que quiere observamos el rostro de Don Corleone, quien se niega a llevar a cabo lo que le propone su visitante debido a su falta de fidelidad y confianza. Gracias a esta breve introducción se nos define psicológicamente el personaje de Vito Corleone. Ataviado con un elegante esmoquin, una flor roja y una gatito entre sus piernas, su imagen impacta y sobrecoge. No hay duda, estamos ante un hombre que se hace respetar con una sola mirada. Don Vito Corleone es un hombre mayor que se mueve por las costumbres sicilianas, en el día de la boda de su hija está obligado a escuchar toda petición que se le haga. No duda en ofrecer su amistad y en otorgar lo que se le pida. Solo exige una condición: amistad por medio de fidelidad y de un favor que llegará en cualquier momento. Un hombre firme en sus convicciones que antepone el honor y el respeto ante todo.

El gran primer bloque que compone la boda de Connie Corleone sirve para presentar el mundo en que se desenvuelve “El Padrino”. Observemos como la secuencia se abre en el despacho del Don, completamente a oscuras. Es donde se desarrollan los negocios sucios, entre sombras, a escondidas. Mientras, en el exterior, una escena de alegría y felicidad llena de costumbrismo como es una boda. El jolgorio se desarrolla con todo lujo de detalles, tan solo la presencia de agentes federales rompe con la normalidad. Así a lo largo de la cinta descubriremos cómo los lugares oscuros y cerrados servirán para llevar a cabo negocios sucios, mientras que los abiertos y luminosos describirán situaciones de calma y felicidad.

En esta secuencia se nos deja claro también quién compone la familia de Don Vito. Santino Corleone, Sonny, es el primogénito del Don, su heredero legitimo. De carácter impulsivo y con mal genio Santino tiene como debilidad las mujeres y no desaprovecha ocasión para irse con una de las invitadas de la boda a una habitación. Tom Hagen es el consigliere de la Familia e hijo adoptado de Don Vito. A pesar de nos tener sangre siciliana, sino irlandesa, es tratado por el Don como uno más dentro de sus seres queridos. Fredo Corleone se nos presenta como una persona débil, no en vano ya va borracho y se desenvuelve torpemente con su lengua. Connie Corleone es una mucha alegre que vive el día más feliz de su vida al casarse con Carlo Rizzi, alguien a quien no se le dará nada dentro de los negocios de la familia por orden del Don, con lo cual se nos deja claro que no es un hombre que le caiga bien. Michael Corleone llega tarde a la boda de su hermana, y lo hace vestido de militar, ya que acaba de volver recientemente de la Guerra. Michael es diferente al resto de su familia, ya su indumentaria lo deja claro, y esto queda aún más claro cuando ni su padre ni su hermano Sonny comparten con él una secuencia a solas, tan solo aparecen compartiendo plano en la foto de boda, e incluso ahí Michael se sitúa en una esquina, alejado de los miembros principales. Él es diferente, no quiere tener nada que ver con los negocios de la Familia, solo quiere vivir en paz junto con su novia Kay, y eso su padre lo respeta, pues, como descubriremos más adelante, quiere para su hijo menor una vida mejor dentro de lo establecido por la sociedad. Además de a los miembros sanguíneos que forman el clan conocemos al ahijado de Don Vito, el cantante Johnny Fontane, que pide a su Padrino un favor para participar en una película, así como también vemos a personajes como Clemenza, Tessio o Luca Brassi, generales del clan, soldados que no dudan en cumplir las ordenes que se les dan. En un breve instante observamos también a otro de los patriarcas de Nueva York que tendrán vital importancia al final de la cinta, Barzini.

El atentado a Don Corleone: En este bloque encontramos diversas subpartes.
En primer lugar comprobamos la forma de actuar por parte de la Familia para conseguir sus objetivos. A la hora de hablar con el productor de cine Jack Woltz para que le dé el papel a Johnny, Tom Hagen recibirá una negativa rotunda. La respuesta que sirve de estimulo para que el productor entre en razón tiene lugar en una de las secuencias mas terroríficas de la cinta. El productor se despierta y descubre sangre entre sus sabanas. Al poco descubre que no es suya pero ¿de quien es? Al destapar por completo las sabanas descubre la cabeza de su bien más preciado, un caballo. El grito inmutable del productor deja claro que aceptará lo que se le ordene.
Tras esto tiene lugar la reunión con Virgil Sollozzo, un recién llegado a la ciudad que quiere la ayuda del Don para traficar con drogas puesto que el anciano posee contactos en altas esferas de la política y del orden público. La respuesta de Don Vito es firme, no quiere saber nada de drogas pero le agradece el haberse puesto en contacto con él. Esta reunión precede el suceso que desencadenará la guerra entre familias y el cambio dentro del clan Corleone.

Es Navidad. Los miembros de la familia preparan la celebración. El Don ha enviado a su sicario Luca Brasi a infiltrarse dentro de la familia Tattaglia para descubrir que pretende Sollozzo en realidad. Brasi muere a manos de Sollozzo y el Don está a punto de ser masacrado en la calle a ojos de su hijo Fredo, quien impotente contempla a su padre falleciendo en el suelo. Tom Hagen es capturado por Sollozzo para recibir instrucciones, mientras Sonny arde en deseos de comenzar una guerra donde corra la sangre. El odio hace aparición en los Corleone y la palabra vendetta rodea la atmósfera. Michael, el que siempre ha estado al margen, decide visitar a su padre en el hospital. En el lugar Michael recibirá un fuerte golpe por parte de un inspector de policía al que paga Sollozzo. Hay que tomar cartas en el asunto y limpiar el honor. Para sorpresa de todos es Michael quien decide dar el paso. Casi matan a su padre, le han herido, ha deshonrado a la familia Corleone, pero lo que Michael dice querer no es venganza, son solo negocios. Aquí comenzamos a ver en quién se convertirá Michael Corleone. A su vuelta del hospital se muestra sentado en un gran sillón mientras su hermano Sonny y Tom discuten sobre qué hacer. Él es quien da la solución de forma calmada y fría, como lo haría un jefe. Estamos siendo testigos de la transformación de Michael, que dará su primer gran paso con el asesinato de Sollozzo y el agente de policía en el restaurante. Esa secuencia es de las más memorables no solo por su crudeza sino por la enorme interpretación que ofrece Al Pacino, quien al igual que su personaje da un giro de 180 grados y demuestra su convicción a la hora de apretar el gatillo y su nervio cuando suelta la pistola.

Tras este tramo observamos un intermedio a base de varias escenas encadenadas que van describiendo la guerra entre familias que se va desarrollando por las calles. El montaje concluye con el anuncio de que Don Vito Corleone vuelve a casa. Cuando lo suben a su habitación para que repose y pregunte por su hijo menor recibirá la dura noticia de que fue él quien comenzó todo matando a Sollozzo. Pocas escenas son tan tristes como esta en que el padre llora la caída en desgracia de su hijo, con él han caído todas las esperanzas de tener a uno limpio de todo pecado, pero ahora es tarde.

El exilio de Michael: En este tramo encontramos la parte más relajada y romántica de todo el film. Michael, por orden de los miembros de la Familia, ha huido a Sicilia para alejarse de toda la Guerra. Bajo la protección de Don Tomassino y con la compañía de dos guardaespaldas Michael recorre los lugares que vieron nacer a sus antepasados. El joven decide dirigirse a la cuna de su padre, Corleone, y así descubrir sus orígenes sicilianos. El viaje que emprende Michael aquí no solo es físico sino también espiritual, gracias a su estancia en Sicilia se forjara un nuevo carácter que ya empezaba a aparecer poco antes de matar a Sollozzo.
Mientras caminan tranquilamente por los parajes campestres de la comarca Michael y sus acompañantes se encuentran con un grupo de mujeres. Una de ellas deja atónito al joven Corleone, que se enamora en el acto. Cuando preguntan por ella a un tabernero descubren que es su hija, pero en lugar de escapar Michael habla con él y la pide en matrimonio. La historia de amor entre Michael y Apollonia es una maravilla descrita a través de imágenes costumbristas en que los dos salen a pasear y hablan con la excelente música de Nino Rota como acompañante. Sin duda alguna es el momento de relax que la película requiere.

En América, mientras tato, las cosas van complicándose. La guerra parece no acabar, Sonny está más violento y Connie vive un matrimonio infeliz con Carlo, quien la pega y maltrata a la mínima. Lleno de furia Sonny se dirige a casa de su hermana para darle una lección a Carlo y acabar de una vez con las palizas. Cuando llega al peaje Sonny descubre ser presa de una trampa. Escondidos entre las cabinas de peaje se encuentran unos hombres armados que vacían sus cargadores sobre el mayor de los Corleone. Es una secuencia brutal y salvaje que recuerda al final de “Bonnie and Clyde”, con Sonny acribillado.
La noticia de la muerte de Sonny rompe por completo al viejo Don en otra gran secuencia dramática. Tom está bebiendo solo. Don Vito se sienta a su lado y le pide que le cuente por qué está su mujer llorando. Tom no sabe como decir algo que el Don intuye. La noticia ataca como un mazo al anciano que intenta mantener la compostura y preparar el entierro dirigiéndose al hombre que le pidió un favor al principio de la cinta, el funerario Bonasera. Frente al funerario el Don no podrá reprimirse y las lagrimas aparecerán sin remisión. Ha perdido a un hijo.

La vida de Michael y Apollonia parece idílica en Sicilia, pero las noticias de la muerte de Sonny los ponen alerta y deciden mudarse a otro lugar más oculto. Si la muerte de Sonny hundió al Don, lo que está a punto de sucederle a Michael lo transformará en un ser ávido de venganza y poder. Su esposa está subida en el coche. Michael ve como su guardaespaldas Fabricio huye corriendo. Sabe que va a pasar. Apollonia enciende el coche y explota. Michael siente como su vida se evapora y lo poco que quedaba de bondad en él ha desaparecido.

El regreso de Michael: Tras una reunión entre las cinco familias de Nueva York en que el Don descubre que en realidad fue Barzini quien mató a Sonny, y no los Tataglia como tenia pensado, se permite regresar a Michael, quien se convertirá de inmediato en sucesor de Don Vito.

Lo primero que hace Michael es encontrar a Kay Adams, su antigua novia, para solicitarle matrimonio. A pesar de las duda de Kay, Michael consigue convencerla de que no está metido en ningún negocio sucio que tenga que ver con su familia sino que solo ayuda a su padre. Michael necesita a Kay para crear una familia, no porque la ame. Su amor se quemó con la muerte de Apollonia, pero como todo el mundo sabe un buen gobernante necesita una mujer a su lado.
El tiempo pasa, el cambio de poder ha sido realizado, Michael lleva ahora las riendas de la familia con su padre como consigliere. Tom Hagen pasa a ser solamente abogado. El siguiente paso de Michael es visitar a Moe Green en Las Vegas y ver como van los negocios por allí. En Las Vegas se encuentra Fredo, quien sigue mostrándose como una persona fácilmente manipulable. Michael no se anda con rodeos y le comunica a su hermano que o se está del lado de la familia o en contra. Tras la reunión con Green el nuevo jefe de la familia tiene claro que debe actuar en cuanto llegue la ocasión, el resto de las Familias se están preparando para destruirlo.

Las dos últimas secuencias que protagoniza Don Vito Corleone son de las que dejan huella en el corazón. La primera de ellas es en la que charla con su hijo Michael y le comunica que le vana matar. Lo suelta como algo natural, y es que en el mudo en que se desenvuelven la muerte les ronda a cada paso. En esta escena Don Vito desvela a Michael lo triste que se siente al comprobar que él es quien se ha hecho cargo de la Familia ahora. Tenía mejores planes para él, quería que fuera alguien respetado en las altas esferas de la política, pero ahora todo eso se ha hundido. Es una escena muy emotiva e intimista entre un padre y un hijo que se demuestran el amor mutuo.
La ultima escena de Don Vito es su muerte. Está jugando felizmente con su nieto, haciéndole bromas y corriendo junto a él. De repente el anciano no puede más y se cae. Es una escena altamente realista que nos entristece. El Don ha muerto.

En el funeral de su padre Michael observa a sus enemigos y descubre quién pretende traicionarlo dentro de su grupo. No hay marcha atrás, ha de tomar cartas en el asunto. Mientras se realiza el bautizo del hijo de su hermana, del que Michel es Padrino, los hombres de armas del clan se ponen en acción e inician una serie de asesinatos que destruya a las familias rivales y todo tipo de problemas. Para finalizar Michael mata al marido de su hermana por la muerte de Sonny, a quien vendió. Días después Connie exige a Michael que le diga la verdad sobre su esposo recibiendo continuas evasivas. Kay, a solas con Michael, le pide que la mire y le diga que él no ha tenido nada que ver con la muerte de Carlo. Michael cumple su petición. La escena final es apoteósica, con Kay saliendo de la habitación y observando como rinden pleitesía a su marido los que antes trabajaban para Don Vito. La puerta del despacho se cierra sin dejar que Kay vea nada más, ella no pertenece a ese mundo. Ha nacido un nuevo Don. Es la Era de Don Michael Corleone.

La película que marcó una época

“El Padrino” es una película perfecta, incluso sus leves fallos de montaje brusco juegan a su favor, y es que la película transmite tanto respeto como el propio Don Vito Corleone. No hay duda de que Coppola, con ayuda de excelentes profesionales, realizó la primera gran Obra Maestra de su carrera. El director sabe cómo situar la cámara para que los actores se luzcan, porque de eso se trata, “El Padrino” es una película de actores en donde la dirección artística, la fotografía y la banda sonora los ayuden.
Gordon Willis se convirtió en la mano derecha de Coppola. A pesar de sus enfrentamientos consiguieron llevarse bien a lo largo de gran parte del rodaje. La iluminación de la película resalta los colores, en especial cuando nos encontramos en sitios cerrados y la oscuridad hace gala.
Dean Tavoularis se encargó del impecable y cuidado diseño de producción que nos traslada a finales de los 40 y principios de los 50.
Nino Rota compuso la que fue su última gran Banda Sonora. El tema principal funciona muy bien como marcha fúnebre mientras el tema de amor es altamente emotivo.

La visión que ofrece “El Padrino” sobre la Mafia puede resultar romántica, incluso amable, pero Coppola no duda en mostrar asesinatos a sangre fría que demuestren lo duros que son los Corleone. Sonny acribillado, el ojo de Moe Green sangrando, la cabeza del caballo en la cama, la muerte de Sollozzo y el Capitán McCluskey.
La violencia también está presenten en el matltrato que sufre Connie Corleone por parte de su hermano Carlo Rizzi. La secuencia en que la mujer rompe toda la cubertería delante de su marido es demoledora y la respuesta de él ante tal hecho quitándose el cintura añade más carnaza al asunto.

El guión escrito por Puzo y Coppola es formidable y posee ese alo de teatralidad buscada con excelentes frases que han pasado a los anales del Cine, ¿o acaso nadie ha escuchado “Le haré una oferta que no podrá rechazar”?

La tradición siciliana se reflejan lo mejor posible, con momentos altamente costumbristas como es la estancia de Michael en Sicilia o su boda con Apollonia. También se resalta el papel de la Mamma italiana cuando todos están en la mesa para comer, ahí no hay sitio para los negocios.

Una de las cosas que mas destaco de “El Padrino” es la simbología que posee. Las naranjas simbolizan que la muerte está próxima. Cuando atentan contra Don Vito éste acaba de comprar naranjas, y su muerte tiene lugar cuando se ha metido una naranja en la boca.

El termino Familia posee dos significados en la trama. La familia propiamente dicha, como grupo de igualdad sanguínea en donde existe el respeto y la confianza, y la Familia como entidad corporativa, como gran empresa que desempeña negocios.

Existen tres celebraciones de índole familiar a lo largo de la cinta que esconden cierto significado. En primer lugar la boda de Connie. Con ella se abre la película y en ella conocemos a los personajes, con lo cual nos sentimos como unos invitados más de la celebración. La segunda celebración es el funeral de Don Vito. Significa que su época ha terminado, es el adiós a los viejos tiempos. La tercera es el bautizo de Michael Francis Rizzi. Es toda una pieza maestra dentro de la cinta que resume perfectamente el nacimiento de Michael Corleone como nuevo Padrino. A medida que Michael responde a cada pregunta del sacerdote sus hombres cometen los asesinatos en un excelente montaje en paralelo. No solo estamos siendo testigos del bautizo del hijo de Connie sino de Michael como nuevo Don. Ahora es él quien mueve los hilos.

Como he citado Coppola se centra sobre todo en los actores por medio de una cuidada planificación y composición de planos. Para un servidor “El Padrino”, así como su secuela, posee las mejores interpretaciones de la historia del cine. Todo resulta altamente creíble. Coppola y el estudio decidieron contratar a un gran numero de actores italianos para los papeles secundarios y el resultado fue un logro mayúsculo porque se palpa la raza italiana en cada personaje, no hay más que ver la secuencia de la boda.

Marlon Brando resultó ser la elección idónea para dar vida a Don Vito Corleone, ya Mario Puzo reconoció basarse en la estrella para crear al personaje y la interpretación de Brando demostró que solo él podía ser el patriarca. Su presencia es arrebatadora, su mirada penetrante y su voz susurrante con leve ronquera haría callar al mismísimo diablo. Tal es el trabajo de Brando que cuesta reconocerlo tras el personaje. Vito Corleone es un personaje en sí mismo, el mejor personaje de la Historia del Cine. Un personaje mítico. Al Pacino demostró a los que dudaban de él que tenía grandes dosis de talento al dar vida a Michael Corleone, posiblemente el personaje más completo de la película que seguirá evolucionando en las posteriores secuelas. Pacino consigue que sintamos simpatía por su personaje desde el primer momento para acabar resultando un ser despreciable al final. Una interpretación de altura que abriría las puertas de Hollywood a Pacino. James Caan es Sonny Corleone, el hermano más violento. Caan resultó ser perfecto para Santino. Robert Duvall es Tom Hagen, el consigliere de la familia. Duvall protagoniza una entrañable secuencia con brando cuando le comunica la muerte de Sonny. Talia Shire, la hermana de Coppola, es Connie Corleone, la joven que parece tener un destino feliz junto a su marido y acabará desgraciada. Diane Keaton es Kay Adams, la novia de Michael que se convierte en su esposa tras su regreso de Sicilia. La mirada final de Keaton pone punto y final a esta primera parte de la Saga. John Cazale es Fredo Corleone, el hermano mediano del trío. Aunque se habló de contratar a Frank Sinatra para el papel de Johnny Fontane finalmente fue Al Martino quien le dio vida, pues el papel tenía mucho que ver con La Voz. Sterling Hayden participó dando vida al Capitán de policía McCluskey.

Francis Ford Coppola consiguió derrotar a los que querían impedir su visión sobre la obra de Puzo. La película entusiasmó a todo el mundo, tanto a la critica como al público. Como ya hicieran con “Love Story” se reestrenó la cinta a primeros de 1973 para aprovechar el tirón de los Oscars. “El Padrino” recibió once candidaturas, tres de ellas destinadas a Secundario (Pacino, Duvall y Caan). Finalmente, a pesar de que “Cabaret” acabó arrasando en número fue “El Padrino” la triunfadora al llevarse tres estatuillas: Películas, Actor (Brando) y Guión Adaptado. Marlon Brando envío a una mujer vestida de india para rechazar el Premio y denunciar el trato de los indios en las películas de Hollywood.

Entre las escenas eliminadas, que luego se montaron para la emisión de televisión junto con “El Padrino. Parte II”, encontramos un final diferente con Kay encendiendo una vela y rezando por Michael Corleone.
En 2008 salió a la venta en DVD y Blu-Ray una nueva edición remasterizada por Coppola que mejora la calidad de imagen y sonido.

Oscura, enternecedora, épica, inolvidable. “El Padrino” es una enorme historia sobre la importancia de los lazos familiares y los negocios que deja huella en todo aquel que la ve. Perfecta en todos los sentidos.

Lo Mejor: Absolutamente Todo.

Lo Peor: Nada.

Figuras: Vito Corleone

Una de mis figuras más preciadas es esta de Vito Corleone que representa al personaje en la primera escena de “El Padrino”. La realizó McFarlane Toys, sacando además el poster en 3D. Desgracadamente no han salido más y la compañia parece estar ahora parada en la creación de nuevas figuras. Una pena porque ésta es una joya.

Enemigos Públicos, de Michael Mann

De un tiempo a esta parte siempre que se ha realizado una película policíaca ambientada a principios del S. XX se ha hecho siguiendo las pautas del género, con cierto aire nostálgico y resultados en su mayoría excelentes que tenían el sello de su director como “Los Intocables”, “Muerte entre las Flores” o la más reciente “Camino a la Perdición”. Cuado Michael Mann anunció que su siguiente proyecto sería una aproximación a la figura de John Dillinger, a quien el mundo del cine le ha rendido tributo en varios films como “Dillinger” de John Milius, muchos de sus admiradores nos alegramos en exceso. Cada noticia nueva del proyecto hacia que las ansias de ver el film aumentaran. En un principio la idea era que el protagonistas estuviera interpretado por Leonardo DiCaprio pero por problemas de agenda no pudo ser y el director se puso en contacto con Johnny Depp, quien aceptó. Para dar vida a Melvin Purvis se escogió a Christian Bale, anunciando así un duelo interpretativo entre ambos que rememorara una de las obras cumbre del director, “Heat”. La sorpresa que puso el grito en el cielo por parte de mucha gente fue la decisión del director de rodar la cinta en Digital con cámaras de Alta Definición como lleva haciendo desde “Collateral”. El resultado es una cinta visualmente impactante que renueva el cine de criminales ambientado en la Gran Depresión.

1933. Es el cuarto año de la Gran Depresión. Para John Dillinger, Alvin Karpis y Baby Face Nelson es la mejor época para robar bancos.

La Gran Depresión impulsó a muchos hombres a delinquir convirtiéndose en ladrones, y más concretamente en ladrones de bancos. El máximo exponente de este grupo fue John Dillinger, quien creó un estilo inimitable a la hora de asaltar un banco. Dillinger se mostraba siempre como un caballero a la hora de ejercer su papel de atracador, nunca permitió a sus hombres decir tacos para no importunar a las damas, a la vez que nunca robaba dinero a la gente presente en sus atracos, solo se llevaba el dinero que el banco tenía guardado, ganándose así la simpatía del pueblo llano, quien veía a Dillinger más como un héroe que como un villano.
Su figura impulsó la creación del FBI por parte de J. Edgar Hoover, quien se aprovechó de los delitos de Dilllinger para crear una policía interestatal y así impedir que los atracadores huyeran cambiando de Estado. El hombre designado para cazar a Dillinger fue Melvin Purvis.
Dillinger fue también una espina para el crimen organizado de Chicago. Sus continuos robos no hacían sino crispar aún más a los señores del Sindicato del Crimen que veían en él un estorbo y un problema a erradicar.

Al contrario de lo que pudiera parecer la cinta dirigida por Michael Mann no es un biopic sobre la vida de John Dillinger, sino un retrato de los últimos catorce meses de su vida. No importa el origen del protagonista, y eso es todo un acierto pues el personaje siempre se nos muestra como un hombre seguro de sí mismo que no mira nunca al pasado, sino todo lo contrario, solo mira al futuro, pero no a un futuro lejano, sino inmediato, en donde los planes a largo plazo no existen, tan solo existe vivir el momento intensamente y poder conseguir todo lo posible. Así la cinta nos muestra a un personaje fascinante, que no temía a nada ni a nadie y que vivió cada segundo de vida como si fuera el último.

En la película podemos observar, sin profundizar mucho, la formación del FBI y los esfuerzos de Purvis y su equipo para conseguir atrapar al delincuente, pero nada de eso tiene tanta importancia como la historia de amor entre Dillinger y Billie Frechette. Lo que aparentemente es una historia romántica más se convierte en el núcleo de la cinta. La idea del protagonista de vivir al máximo sin mirar atrás cambia una vez conoce a Billie, la cual se convertirá en el gran amor de su vida y le hará plantearse dejar Estados Unidos para marcharse y comenzar una nueva vida. Aún cuando las cosas se pongan feas y la presencia del FBI sea más insistente, los dos amantes intentarán verse y mantener el contacto.

Aunque sea la figura de John Dillinger la que protagoniza el film no se olvidan de mostrarnos a otros delincuentes famosos de la época. Red Hamilton, Homer Van Meter, Pete Pierpont, Alvin Karpis o Baby Face Nelson poseen, en mayor o menor medida, cierta importancia en la trama, aunque la participación de alguno de ellos sea meramente anecdótica. Uno de los errores de la cinta lo encontramos en el criminal Pretty Boy Floyd, con el cual se nos introduce a Melvin Purvis, mostrándonos como el agente lo mata. Eso es un error cronológico, pues Floyd murió después que Dillinger.

Mi admiración por el cine de Michael Mann ha quedado patente en cada película suya que he comentado. La llegada de su nueva propuesta la esperaba ansiosamente para descubrir qué había hecho el director después de su leve traspiés con “Miami Vice”, y la verdad es que no salí para nada decepcionado después de ver su acercamiento a la figura de John Dillinger.
El veterano director sigue demostrando un estilo propio con encuadres memorables y secuencias de acción impactantes que vuelven a dejar claro lo gran artesano que es. La cinta comienza sin aspavientos, directa al grano, en quince minutos contemplamos una fuga, una cacería y un atraco, todo perfectamente hilado y desarrollado. En especial me dejó pasmado el principio de la cinta, con la huida de la prisión de Indiana. En él vemos una secuencia de acción perfectamente planificada que se toma su tiempo, y que posee uno de los grandes planos del film, como es aquel en que Dillinger sostiene a Walter Dietrich siendo arrastrado por el vehículo de huida. Posteriormente escuchamos el tema musical “Ten million slaves” acompañando la escena en que Purvis mata a Floyd y de ahí pasamos al atraco al banco en que Dillinger demuestra su manejo de la situación y su estilo. Puede que a continuación la cinta baje un poco el ritmo, pero no se pone para nada aburrida. Las escenas entre Billie y Johnny son magnificas y están planificadas al estilo clásico. Los dos personajes protagonizarán una de las mejores secuencias de la cinta, como es la captura de Billie frente a los ojos de John, quien impotente ve como se llevan apresada a su amor. Un gran momento.

Siempre he defendido la forma que tiene Mann de dibujar psicológicamente a los personajes. Sin utilizar líneas de dialogo, simplemente mostrándolos en alguna situación o mediante alguna mirada. En esta ocasión el perfil psicológico de Dillinger queda establecido cuando se nos muestra contemplando el horizonte al principio, como una persona que no mira atrás sino solo hacia delante. De la misma manera Melvin Purvis se nos presenta como un cazador que no se detiene hasta haber capturado a su presa.

Como no podía ser de otra forma las secuencias de acción son uno de los puntos álgidos de la cinta. Además de las secuencias en que se nos muestran los atracos encontramos el gran momento de acción en el asedio a la cabaña de Little Bohemia y la posterior persecución. Es de noche, los hombres de un Dillinger herido disfrutan de su éxito sin saber que fuera el agente Purvis espera con sus hombres. Un vehículo se marcha de la posada. Purvis ordena detenerlo con disparos. Comienza el tiroteo. A pesar de desatarse una verdadera refriega de tiros, que vuelven a sonar de forma tan contundente como en “Heat”, el espectador contempla como van desarrollándose los acontecimientos sin perder detalle alguno. La persecución en los coches no desciende el nivel, sino que le pone la guinda, con Purvis disparando sin parar hasta que consigue volcar el vehículo de los atracadores. Para finalizar la secuencia nada mejor que ver como uno de los perseguidos muere de manera antológica, sin dejar de disparar hasta dejar vacío el cargador y caer muerto. Es una secuencia memorable, de esas que se te graban en la retina y te dejan clavado.
El final de la cinta merece también mención. Es un final fatalista y premonitorio en que nuestro protagonista acepta su destino contemplando la película “Manhattan Melodrama” protagonizada por Clark Gable. Gable es en pantalla lo que Dillinger en la vida real, y el momento en que Gable se despide para ser ajusticiado funciona como interruptor para que Dillinger acepte su final. La mirada que le echa al policía que le apunta a la salida del cine muestra el alma de un hombre que sabe lo que va a pasar. La escena final deja claro lo importante que es la historia de amor, con Billie como protagonista.

El guión está escrito por el propio Mann junto con Ann Biderman y Ronan Bennet. El punto de partida es el libro de Bryan Burrough, del cual cogen algunos detalles para crear la historia. El guión posee buenos diálogos, algunos de ellos memorables, aunque por otra parte parece faltarle algo que logre alzar la película como una Obra Maestra. Posiblemente sea la poca importancia que tienen personajes como Frank Nitti o Phil D´Andrea así como lo desdibujada que queda la creación del FBI. Aún así el libreto de la cinta es superior a la media de lo que nos ofrece el cine americano permitiéndose el lujo de introducir detalles cómicos, en su mayoría acertados. Sin duda alguna lo peor de la cinta fue ese gag propio de comedia barata en que Dillinger se encuentra en un cine rodeado de gente y su foto aparece en pantalla invitando a los espectadores a mirar a izquierda y derecha. Reconozco que me reí, pero no casa con la seriedad de la propuesta.

El aspecto visual de la cinta es impecable. El rodar en digital otorga a la película un aire documental que ayuda a que la cinta posea más veracidad en sus imágenes y a introducirnos aún más en la acción. El Chicago de los 30 luce con todo lujo de detalles y la excelente fotografía de Dante Spinotti es otro punto a favor.
La banda sonora de Elliot Goldenthal es una hermosa composición que se ayuda de temas musicales propios de la época que casan perfectamente con las imágenes. Es también propio del cine de Mann que la música ayuda a narrar la historia y a describir situaciones.

Johnny Depp es John Dillinger por medio de una interpretación sumamente contenida, alejada de lo que el actor nos tiene acostumbrados. Incluso cuando parece que va a soltar alguna risa forzada se contiene y se queda en una leve sonrisa. Depp demuestra tesón y carisma para salir mas que airoso y llevar sobre sus hombros la película. Marion Cotillard realiza una gran interpretación como Billie Frechette, el amor de Dillinger. La actriz francesa posee momentos impresionantes en que su mirada hablar por sí sola, además protagoniza dos secuencias altamente dramáticas difíciles de olvidar. Christian Bale da vida a Melvin Purvis mediante su rostro hierático y su presencia firme. No entiendo por qué las criticas tan negativas hacia Bale y su interpretación en esta cinta, hace lo que el personaje requiere y demuestra que Purvis no siempre está de acuerdo con los métodos que se emplean para llevar a cabo las investigaciones. Entre la extensa lista de secundarios, que van desde tener una importancia mediana al simple cameo, encontramos a Billy Crudup, John Ortiz, David Wenham, Stephen Dorff, Jasón Clarke, Giovanni Ribisi, Emilie de Ravin, Leelee Sobieski o Branka Katic.

Con esta cinta Mann eleva el listón del cine actual ofreciéndonos una apuesta arriesgada que rompe con los cánones formales que siempre han gobernado en este tipo de producciones. Junto con “Up” es lo mejor que llevamos en el año procedente de USA. Por cierto, entre los productores ejecutivos, aunque no acreditado, encontramos a Robert de Niro.

“Enemigos Públicos” es una notable película que posee todos los ingredientes propios de Michael Mann. Acción, drama, romanticismo y un final, en mi opinión, idóneo. Le falta poco para llegar a ser una Obra Maestra.

Lo Mejor: La, arriesgada y atrevida, puesta en escena de Mann. Los actores. El sonido de los disparos.

Lo Peor: El gag cómico en el cine.

Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

Poco podía imaginar Nicholas Pileggi que su libro “Wiseguy” acabaría siendo una de las películas de gangsters más memorables de todos los tiempos. El libro llegó a manos de Martin Scorsese, quien una vez terminó de leerlo se puso en contacto con Pileggi informándole de su intención de realizar la cinta, a lo que el escritor contestó eufóricamente que estaría encantado. Los dos se reunieron y decidieron escribir un guión basado en el libro, con Scorsese planificando la película a mediad que escribían. El director contaría con su equipo habitual, incluyendo a los actores Robert De Niro y Joe Pesci, quienes estuvieron involucrados desde un principio en el reparto. Para dar vida al protagonista y narrador de la cinta Henry Hill se contrató al joven Ray Liotta, quien se volcó para estar a la altura. Las primeras proyecciones de la cinta recibieron bastante golpes, sobre todo en lo que respecta a la violencia de sus imágenes. Aún así “Uno de los nuestros” acabó convirtiéndose por derecho propio en la película de gangsters de la década y en una de las Obras Maestras del Cine.

La historia gira en torno a Henry Hil, un joven hijo de padre irlandés y madre siciliana que aspira a convertirse en uno de esos hombres que gobiernan las calles de Brooklyn. Henry acabará entrando a formar parte del grupo mafioso empezando como recadero hasta alcanzar una posición importante y adentrarse en negocios turbios que precederán su caída.

La cinta nos narra el auge y caída de uno de los muchos integrantes de la mafia. Henry Hill tiene en su cabeza la idea de convertirse en un gangster por destacar con respecto a sus vecinos y familia, está harto de ser un don nadie, quieres ser un pez gordo como los tíos que ve desde su ventana, llevar trajes caros y anillos. Gracias a su trabajo como aparcacoches Henry entrará en contacto con un de las familias que gobierna Brooklyn, los Pauline, bajo el mando del patriarca Paul Cicero, también conocido como Paulie. Henry pasará de aparcacoches a chico de los recados, adentrándose en los negocios de juego ilegal que tiene el hermano de Paulie en su restaurante. Será en ese lugar donde conozca a Jimmy Conway, un irlandés respetado por todos los miembros de la familia. Conway hará con el chico una alianza que se forjará al demostrar su entereza no delatando a nadie cuando lo pillen. A partir de ese momento Henry obtendrá muchos más favores de sus protegidos y ascenderá para llevar a cabo operaciones delictivas que incluyan el robo y la extorsión junto a su amigo Tommy, un chico mucho más violento y temido que él. Cuando está en lo más alto de su carrera Henry conocerá a Karen, la mujer que se convertirá en su esposa. Todo parece idílico, la vida que tanto soñó de niño parece haberse hecho realidad. Pero siempre hay un momento en que hay que despertar, y serán los excesos de Henry los que lo lleven a caer y a dejar esa vida que tanto ama pero que a la vez tanto miedo acaba dándole. Es posible que el día menos pensado una bala vaya dirigida para él, por eso es preferible convertirse en soplón y miembro del programa de protección de testigos que en cadáver.

Al contrario que en otras muchas películas de gangsters, el protagonista de la película de Scorsese no es un capo ni un jefe, sino un subordinado, alguien que vivió de cerca la forma en que trabaja la mafia. Asesinato, corrupción, mentiras, actividades delictivas de todo tipo que esconden muchas sumas de dinero pero que también pueden llevarte a la tumba. A cualquiera le cegaría la cantidad de dinero que se gana trabajando para esos tipos duros, y por ello cuesta dejar ese mundo. Pero luego está la otra cara de la moneda en que descubres que no existen los amigos, solo los socios. La lealtad, la amistad, el honor se van por el retrete cuando hay dinero de por medio. Es un mundo terrorífico del que muy pocos logran salir con vida.

Martin Scorsese consiguió ofrecer al mundo la película definitiva sobre la mafia. Son muchos los que han querido imitar el trabajo del cineasta en esta película sin llegar a su talento. Y es que “Uno de los nuestros” es toda una experiencia, es introducirse en la vida de Henry Hill a lo largo de tres décadas en apenas dos horas y cuarto intensas.
“Que yo recuerde, desde que tuve uso de razón, siempre he querido ser un gángster”. Con esas palabras da comienzo la película en el año 1955, en el barrio de Brooklyn con el joven Hill admirando a los tipos que aspira llegar a ser. Desde ahí, toda una montaña rusa impactante. La cinta abarca tres décadas, y lo hace de manera vertiginosa mostrándonos cómo van cambiando los negocios y la forma de ganar dinero. Del negocio de las apuestas se pasa al robo, de ahí al tráfico y de ahí a la droga. Todo un relato gigantesco sobre el crimen narrada por un genio que sabe dejar pegado al espectador en la butaca.
La violencia se muestra sin un atisbo de poética ni lirismo, sino crudamente, de forma realista. La sangre baña la vida de los protagonistas. Uno de los toques maestros de la película es introducir humor negro en escenas con altas dosis de violencia. Por ejemplo cuando están desenterrando un cadáver Tommy y Jimmy no dejan de hacer bromas sobre todo lo que están encontrando bajo tierra, o el momento en que llevan un cadáver en el maletero y necesitan una pala, no hacen otra cosa mejor que pararse en casa de la madre de Tommy para adquirirla y de paso comer algo antes de seguir con el trabajo. La violencia para estos hombres no es sino su trabajo, viven para ello igual que un camarero sirve copas, solo que nuestros protagonistas ganan cinco veces más.

No hace falta recalcar lo gran director que es Scorsese, pero es que en este film se superó a si mismo dejando claro quién era el maestro del moderno cine criminal. Solo un genio sabría narrar los hechos que se nos cuentan de la forma que él hace, colocando la cámara en el sitio idóneo y otorgando el ritmo adecuado. Secuencias para enmarcar, de esas que dan gusto ver de vez en cuando. Pues por ejemplo el memorable plano secuencia que describe la entrada de Henry y Karen en el Copacabana. No solo funciona como una grandiosa secuencia visual sino para describirnos lo que ha sido la vida de Henry hasta ese momento, empezó desde abajo (por la puerta de atrás) para acabar en lo más alto (en primera fila del local). Otra secuencia impactante es el momento en que Tommy se burla de Spider para pedirle que baile, acabándo por volarle un pie de un disparo. Momentos después vemos la misma situación, con Spider cojeando debido a su pie malherido. El camarero se burla de Tommy y todos le ríen la gracia, pero el pequeño matón no pestañea a la hora de sacar la pistola y matar a Spider de manera imprevista. Para terminar con los ejemplos citaré el tramo final de la vida de Henry como mafioso. Es un día en su vida resumido en apenas diez minutos. Henry tiene que ir a ver a Jimmy para venderle unas pistolas, visitar a su amante para cortar la cocaína del envío diario, recoger a su hermano del hospital y preparar la comida para cenar. Todo ello está narrado a un ritmo esquizofrénico e imparable, como si al espectador nos hubieran dado una pastilla de éxtasis. Es una secuencia narrada al mismo ritmo que está Henry, de coca hasta las cejas sin poder controlarse. Todo un triunfo de narración cinematográfica.

El montaje realizado por Thelma Schoonmaker es impecable y ha creado escuela. Bien es cierto que si se estudia detenidamente la cinta podrán descubrirse serios fallos de continuidad, pero no importa. Lo que se nos cuenta tiene tanto interés y fuerza que no hace falta que el brazo que está subido en un momento en este plano de repente aparezca bajado en el siguiente. Algo que me parece altamente interesante es la estructura de la cinta. Aparentemente se narra en orden cronológico, pero no. La cinta comienza con Jimmy, Henry y Tommy en el coche, en donde escuchan algo moverse en el maletero. Salen, lo abren y descubrimos que llevan un cadáver, al que Tommy remata con un cuchillo de carnicero y Jimmy le pega varios tiros. Es un inicio que sirve para mostrar que la película no se va a cortar en mostrar la violencia, así como también representa el momento en que la vida de los personajes cambiará. Pues a partir de ese momento, una vez veamos la película en conjunto, descubriremos que Jimmy se vuelve más paranoico, Tommy más violento y Henry más inseguro.

La elección musical funciona como elemento narrativo, para remarcar las distintas épocas que se reflejan y ayudar a las distintas secuencias. La fotografía de Michael Ballhaus resalta los colores, en especial me gusta como utiliza el color rojo en señal de violencia, avisando de que algo violento va a ocurrir.
El guión escrito por Scorsese y Pileggi muestra unos personajes pintorescos y tridimensionales. Se usa a Henry como narrador mediante su voz en off, la cual ayuda a la imagen y no se subordina a ella. Es muy interesante que introduzcan en dos ocasiones la voz en off de Karen, pero más interesante, y todo un atrevimiento, es que muestren a Henry hablándonos a los espectadores. Si los protagonistas de la historia viven saltándose las reglas ¿por qué Scorsese no iba también a saltárselas?

“Uno de los Nuestros” posee un repartazo. Ray Liotta demostró su talento dando vida a Henry Hill, el protagonista que nos lleva de la mano por ese mundo delictivo. Liotta sabe ofrecer tanto una imagen desenfrenada cuando está en la plenitud del personaje como una angustia absoluta en los momentos de tensión. Joe Pesci es Tommy, el violento compañero de Henry en trabajos. Pesci demuestra su temple y el control que posee sobre si mismo para pasar de una situación relajada a la mas absoluta inquietud. Liotta y él protagonizan un gran momento cuando Pesci cuenta un chiste y Liotta le ríe la gracia, para a continuación entrar en un juego de tensión que va en aumento debido a que al personaje de Pesci no le gusta que se rían de él. Un momento maravilloso entre los dos actores que surgió de la improvisación. Lorraine Bracco es Karen, la esposa de Henry. Bracco sale guapísima y demuestra las diferentes etapas por las que pasa su personaje, de ser una princesa de cuento de hadas a mujer que sufre infidelidad y se vuelve más inestable. Paul Sorvino es Paulie, el gran jefe de la familia mafiosa. Sorvino está imponente gracias a su mirada inquisidora. A pesar de encabezar el cartel, el gran Robert De Niro no es protagonista, sino secundario dando vida a Jimmy Conway. Claro, la presencia de De Niro es tan grande que cada vez que sale eclipsa a cualquiera, y demuestra tener una complicidad especial con Pesci en todo momento. Entre las presencias secundarias tenemos a la madre de Scorsese dando vida a la madre de Tommy, a Debi Mazar o Samuel L. Jackson.

La película ha servido para inspirar una de las series más conocidas de la televisión, “Los Soprano”. No pocas veces sus protagonistas han citado en la seria a la película de Scorsese y entre su reparto encontramos actores que ya participaron en ella, como Bracco o Michael Imperioli.

Con “Uno de los Nuestros” Martín Scorsese vivió algo parecido a lo que le sucedió diez años antes con “Toro Salvaje”. Ambas comenzaron una década de manera grandiosa y recibieron múltiples nominaciones a los Oscars. “Uno de los nuestros” consiguió seis nominaciones y su mayor rival dentro del género era “El Padrino III”. Pero no fue contra quien perdió. Si en 1980 Robert Redford ganó sobre Scorsese en esta ocasión sería Kevin Costner con su “Bailando con Lobos” quien impediría llevarse la estatuilla al maestro. Solo Joe Pesci se llevó el Oscar como Secundario. El tiempo ha dictado sentencia y hoy día “Uno de los Nuestros” es reconocida como una de las mejores películas de la Historia, y una de las mejores de las realizadas en los 90.

Impactante, vertiginosa, vibrante. Todo un triunfo del cine negro. Una Obra Maestra de Scorsese.

Lo Mejor: Todo

Lo Peor: Nada.

Bonnie and Clyde, de Arthur Penn

Los guionistas Robert Benton y David Newman estaban leyendo el libro “The Dillinger Days” cuando descubrieron entre sus paginas la fotografía de un hombre y una mujer con un pie de foto que rezaba: “Estaban enamorados y robaban bancos”. Los dos guionistas unieron sus fuerzas para escribir un guión acerca de esa pareja de atracadores que vivió la fama a principios de los años 30, pero no un guión al uso sino siguiendo las pautas del cine europeo, en especial del que se hacía en Francia bajo el nombre de “Nouvelle Vague”. Una vez terminado el libreto Newman y Benton concertaron un encuentro con el hombre que veían ideal para dirigir la cinta, François Truffaut. El director les dijo que le gustaba mucho el guión pero rehusó dirigirlo debido a que ya estaba inmerso en el proyecto de “Farenheit 451”. A pesar de negarse a hacerlo Truffaut ayudó a que la película se hiciera realidad comentándole a Warren Beatty acerca de la existencia del guión y el actor se puso en contacto con Robert Benton para leerlo. Beatty quedó asombrado de tal modo que decidió producir el film y dar vida a Clyde Barrow. Se llegó a un acuerdo con Warner Brothers para producir la cinta y distribuirla. Beatty tuvo problemas para encontrar un director, aunque finalmente sería una de sus primeras opciones, Arthur Penn, quien se haría cargo, también se buscó a los actores adecuados para dar vida a los personajes poniendo especial atención en la actriz que daría vida a Bonnie Parker. La actriz la encontrarían gracias a unas fotos que hizo Curtis Hanson, en donde una guapísima chica rubia posaba devorando la cámara. Su nombre era Faye Dunaway. La película acabó filmándose y se estrenó en 1967, a pesar de que Jack Warner les dijera a Beatty y Penn que era una basura y que en el pase de estudio se había tenido que levantar tres veces para ir al servicio. La acogida por parte de la prensa no fue nada calurosa, la critica la masacró y el público pasó de ella. Parecía que Beatty había fracasado en su debut de productor, sin embargo un critico europeo que la había visto la puso muy bien. A él había que añadir las criticas de algunos miembros de la prensa norteamericanos que también reconocieron muchas virtudes en ella y eso animó a que se estudiara la posibilidad de relanzarla. Se anunció su reestreno por medio de carteles elaborados con todas las criticas positivas que animaran a la gente a acercarse al cine a verla. La respuesta fue altamente positiva, y, lo que es mejor, la crítica se fijó en ella desde otra perspectiva descubriendo un nuevo estilo dentro del cine americano. Y si en Estados Unidos funcionó bien, en Europa arrasó. El estilo que lucía Dunaway en el film fue imitado por jovencitas y los críticos europeos acogieron la película con los brazos abiertos, como un soplo de aire fresco. Era el principio de un nuevo cine americano.

La película nos narra las vivencias de Clyde Barrow y Bonnie Parker por el sudoeste de Estados Unidos a principios de los años 30, cuando la Gran Depresión golpeaba sin compasión a las familias que veían perder todas sus tierras embargadas por los bancos. En este ámbito social nacieron muchos delincuentes y gangsters, como los protagonistas. Personajes que se forjaron como héroes populares al convertirse en enemigos de las autoridades y robar a quien estaba robando a la gente humilde. Ya se sabe que quien roba a un ladrón tiene cien años de perdón. La característica que hizo de Bonnie y Clyde una pareja famosa era que estaban enamorados. No eran unos grandes atracadores de bancos, de hecho se les daba fatal, y eso lo muestra la cinta con breves escenas. Malvivieron por las carreteras de varios estados, huyendo siempre de la policía que quiso echarles el guante. Lo pasaron mal, pero siempre estuvieron juntos, hasta el momento de su muerte. Bonnie Parker escribió una hermosa poesía que resumía sus días junto a Clyde antes días antes de morir. No era una historia de criminales, sino la historia de dos amantes que fueron contracorriente.

La cinta dirigida por Arthur Penn no puede ser tomada por un documento histórico. Robert Benton ha afirmado en más de una ocasión que se tomó a la pareja de delincuentes para mitificarlos, no para hacer un documental de lo que sucedió en realidad. En efecto, “Bonnie and Clyde” no es una cinta de rigurosidad histórica, sino un acercamiento romántico a la vida de estos bandoleros en donde se muestra la relación que tuvieron entre sí. La cinta nos narra por medio de varias secuencias el largo camino que recorren juntas dos personas que se parecen demasiado. Bonnie es una chica infeliz que anhela vivir la vida a lo grande, paladeando cada soplo de aire fresco. Clyde es un exconvicto que no puede redimir su condición de delincuente y que se enamora de la chica en cuanto la ve. Una vez juntos, nadie podrá separarlos.
La relación entre ambos protagonistas se enriquece al introducir a los personajes de Buck y Blanche, el hermano de Clyde y su esposa. Para Bonnie son un incordio, en especial ella, y les impiden vivir la vida que ella tiene en su cabeza. Como otro problema nos encontramos con el tema de la impotencia de Clyde, quien es incapaz de estar con una mujer. A pesar de ello Bonnie no deja de amarlo, aunque sí muestra síntomas de infelicidad.
El tema de la muerte rodea en todo momento a los personajes, en especial sobre Bonnie. La chica teme morir, y por ello echa de su vehículo a un hombre que declara ser funerario. Su miedo a la muerte se incrementa con la visita a su madre en esa bella secuencia, casi onírica, en que la señora mayor les dice que se pasarán toda la vida huyendo y que nada terminará bien. Es la premonición de algo malo que va a suceder, pues poco después morirán y ya no huirán más.

Gracias a “Bonnie and Clyde” Hollywood abrió los ojos y despertó de ese letargo en que fabricaba productos mediocres donde resaltaba un 5% de los títulos realizados. Arthur Penn creó la primera película puramente Hollywoodiense bajo los cánones europeos. El montaje por medio de elipsis en que la historia transcurra a base de breves secuencias que nos muestren la vida diaria e intima de los protagonistas, la utilización de la cámara y el no suprimir las secuencias violentas hicieron de ella un título de referencia. Penn consiguió crear una película en donde no se supiera qué iba a suceder en los próximos cinco minutos. Si algo me gusta de “Bonie and Clyde” es cómo mezcla situaciones cómicas con otras dramáticas. Así pues tenemos ese momento en que ambos roban un banco y al salir descubren que su recién incorporado miembro C.W. acaba de aparcar el vehículo de huida, para a continuación intentar escapar a toda prisa enfrentándose a la policía y matando a un hombre inocente. Penn tampoco escatima en escenas de acción. En ellas los tiroteos son ensordecedores y la violencia realista. Para la historia ha quedado ese final con los dos amantes mirándose el uno al otro y aceptando su destino, con miedo. Una secuencia final memorable con cierto grado de lirismo.
Posiblemente el tiempo haya jugado un poco en contra de la cinta a día de hoy pero no podemos negar su riqueza visual. La excelente fotografía Burnett Guffey se creó por medio de luz natural consiguiendo resultados de gran belleza. La dirección artística corrió a cargo de Dean Tavoularis y el diseño de vestuario de Theadora Van Runkle. El montaje de Dede Allen es una seña de identidad de la cinta y utiliza a menudo fundidos a negro para describir el paso del tiempo, ya sea un día o semanas. Robert Towne colaboró en la cinta como consultor creativo.

Otra de las grandezas de la cinta la encontramos en su reparto. Warren Beatty es Clyde Barrow, el atracador impulsivo con una inteligencia que roza lo infantil. Personalmente si encuentro un fallo en la cinta es precisamente Beatty, y es que no acabo de creérmelo como el violento Clyde Barrow. Claro que la película es solo un acercamiento, pero hay algo en Beatty que me impide simpatizar con el personaje. Aún así reconozco que se esfuerza y lo salva. Lo contrario me sucede con Faye Dunaway. Desde el primer plano en que aparecen sus ojos nos roba la atención y nos enamora. Dunaway está formidable como la chica guerrera que ama a su atracador y maestro pero que muestra síntomas de fragilidad al descubrir que no van a ninguna parte en la vida. Toda una creación interpretativa. Gene Hackman está formidable como Buck Barrow. A el actor le vino muy bien el papel debido a las dificultades laborales que estaba teniendo y lo aprovechó al máximo sacando todo el partido que podía. Memorable su final. Michael J. Pollard es C.W., el mecánico que se convierte en conductor de los atracadores. Pollard crea al personaje más inocente de la cinta. Estelle Parsons es Blanche, la esposa gritona de Buck que no solo pone nerviosa a Bonnie, sino a los espectadores. Divertidísimo el momento en que sale de casa gritando mientras se está desarrollando un tiroteo. Parsons se documentó acerca de los personajes que iban a representar y fue la única del grupo que sabía que se habían tomado muchas libertades artísticas. Entre las presencias secundarias destaca Gene Wilder en uno de sus primeros papeles cinematográficos como Eugene, el hombre que se descubre como funerario.

La película acabo consolidándose como todo un éxito que recibió diez nominaciones a los Oscars: Película, Director, Actor, Actriz, Secundarios (Hackman y Pollard), Secundaria, Guión Original, Vestuario y Fotografía. Finalmente se llevó Secundaria y Fotografía.

“Bonnie and Clyde” fue todo un puñetazo al sistema de estudios que imperaba en Hollywood, una bomba que explosionaría despertando a los jóvenes autores que volverían hacer brillar a la Meca del Cine.

Lo Mejor: Su ejecución formal y estructural. La fotografía. Los actores.

Lo Peor: Ver en ella un documento histórico, cuando no lo es. Beatty está muy ajustado como Clyde.

French Connection, de William Friedkin

Los agentes de narcóticos Jimmy “Popeye” Doyle y Buddy “Cloudi” Russo investigan la posible llegada de un gran cargamento de droga en Nueva York.

Si existe un film que creó escuela dentro del cine policiaco ese es “French Connection”. Realizado en 1971, cuando el cine de Hollywood se estaba transformando en la cuna de grandes autores influenciados por el cine europeo que daban muestra de su talento. William Friedkin era uno de esos directores. El resultado, una película con aroma de documental que nos mostraba los entresijos de una investigación policial por capturar a los narcos y cómo funcionaba el sistema para introducir la mercancía en suelo extranjero.

“French Connection” sigue los pasos de los agente de la policía protagonistas. “Popeye” Doyle es perro viejo y conoce los entresijos del narcotráfico, su currículo está lleno de importantes detenciones, aunque por culpa de una de sus corazonadas murió un compañero. Amante de la noche y de las mujeres, con un peculiar sentido del humor, Doyle acaba siendo un policía hasta la medula, que no descansa ni aún cuando va a tomar una copa. A su lado se encuentra “Cloudi”, su compañero y amigo, quien se muestra tan duro cómo él en las investigaciones, pero que es mucho más obediente con respecto al reglamento.
La pista que siguen tiene como protagonista a Sal Boca, antiguo conocido en las fichas policiales. Boca esconde un negocio entre manos, algo grande. Se trata de introducir un gran alijo de droga procedente de Marsella de manos de un hombre conocido como Charnier, un hombre inteligente y escurridizo que muestra siempre una calma gélida dejando claro que tiene todo bajo control.

Ante todo nos encontramos con un film de acción, un film que nos describe con detalle las formas que tiene narcóticos de llevar a cabo una investigación, escuchando conversaciones telefónicas, visitando a los soplones, aguardando largas horas en los coches o sufriendo el frío de las calles a la espera de que sus objetivos salgan de donde se hospedan. Friedkin realiza un film en donde la imagen hable por sí misma y las conversaciones entre los personajes no ocupen más que lo necesario, es así como los momentos más memorables de la película son aquellos en que no existe dialogo alguno. A destacar tenemos dos grandes momentos. En primer lugar cuando Doyle sigue a Charnier tras comprobar que sus compañeros policías no lo han visto salir del hotel. La secuencia muestra cómo se las apaña Doyle para no ser descubierto por el escurridizo francés, que muestra una gran inteligencia escapando a la mínima que tiene ocasión. El momento en que ambos se encuentran en el metro es antológico, con ese saludo final de Charnier a “Popeye”. En segundo lugar tenemos la persecución en coche por las calles de Nueva York en que Doyle persigue al asesino de Charnier subido en tren. Si pocos años antes “Bullit” marcó un hito con su gran persecución de coches, en esta ocasión Friedkin lo supera al realizar una secuencia impresionante que nos introduce de lleno en la acción. La set piece tiene estructura propia al poseer un comienzo y un final marcados por el sonido de un disparo. Con ritmo frenético, excelente uso del montaje y del sonido la secuencia ha pasado a los anales del cine y su final fue utilizado como imagen promocional.

Friedkin otorga a la cinta una atmósfera de cine documental en que se nos muestren las calles sucias y a los policías como hombres normales y corrientes que viven en cuchitriles. Esto jugó muy a favor de la cinta y la ayudó a que sus escenas violentas fueran más impactantes. El final me parece muy interesante, pues Doyle vuelve a revivir sus errores del pasado y se ciega desapareciendo tras una puerta para dar caza a Charnier para a continuación escucharse un disparo. Podría tener múltiples significados, cómo que ha matado a Charnier o que el propio Doyle ha caído. Desgraciadamente después aparecen los personajes y lo que fue de sus vidas desmotando esa posibilidad.

El guión escrito por Ernest Tidyman está basado en la novela de Robin Moore y posee un excelente perfil psicológico de los personajes, en especial de “Popeye” y de Charnier.
Gene Hackman dio vida a Jimmy “Popeye” Doyle. Hackman está intachable y demuestra lo grande que es al ponerse en la piel de un policía al que le gusta gastar bromas y que se muestra duro en el cumplimiento de su deber. Su imagen ataviado con sombrero y gabardina es inolvidable. Fernando Rey es Charnier, el traficante francés que traerá locos a los policías. El actor español está intachable y protagoniza una de las mejores secuencias de la cinta. Roy Scheider es “Cloudi”, el compañera de Doyle. Tony Lo Bianco es Sal Boca, el hombre que pone a los policías tras la pista del cargamento de droga.

“French Connection” supuso un gran éxito de taquilla. Su bajo presupuesto no impidió que el resultado final fuera impactante y se coronó como triunfadora en la gala de los Oscars de 1971 al conseguir cinco estatuillas: Película, Director, Actor Protagonista, Guión adaptado y Montaje. Ese mismo año también estuvieron nominados títulos de culto como “La Naranja Mecánica” o “La Ultima Película”.
Gracias a la película William Friedkin alcanzó la gloria, que seguiría saboreando años después con “El Exorcista” para luego poseer una carrera bastante irregular, aunque con títulos muy remarcables como la también policíaca “Vivir y Morir en L.A.”. Se realizó una secuela de la cinta en 1975 de manos de John Frankenheimer con Doyle poniendo rumbo a Marsella para detener a Charnier. También se realizó una serie de televisión.

“French Connection” es un remarcable policiaco, todo un título de referencia dentro del género gracias a sus secuencias de acción y a su atmósfera realista.

Lo Mejor: Su atmósfera realista. La dirección. El montaje. Gene Hackman y Fernando Rey.

Lo Peor: Parece estar olvidada.

L.A. Confidential, de Curtis Hanson

En 1997 apareció una película que se ganó los aplausos de critica y público. Dirigida por Curtis Hanson y basada en una novela de James Ellroy “L.A. Confidential” se convirtió en un clásico moderno del cine negro.

Los Ángeles. Años 50. El crimen organizado dirigido por Micky Cohen ha sido erradicado con la captura del capo y la eliminación de sus lugartenientes. Las calles de la ciudad parecen limpias. Sin embargo un terrible suceso en el bar conocido como “El búho” desatará una investigación que sacará a relucir los trapos sucios que se esconden en el tan prestigioso Departamento de Policía demostrando que no todo es lo que parece.

La película sigue de cerca la investigación por medio de tres personajes que describen muy bien las distintas personalidades que existen dentro de la policía.
Jack Vincennes: Sargento veterano del cuerpo que vive un momento de fama gracias a dos cosas: su participación como asesor en la conocida serie de televisión “Placa de honor” y sus continuos negocios con Sid Hudgens reportándole suculentos reportajes para la revista “Secretitos”. Sin embargo Vincennes se ha convertido en un policía apático que ha olvidado por qué se introdujo en el cuerpo.
Bud White: Oficial que demuestra tener muy malas pulgas y que representa a los agentes de la ley que no dudan en utilizar la fuerza en cuanto la ocasión lo requiera. White es el tipo de policía dispuesto a falsificar pruebas con tal de que la Justicia se cumpla. Tras su semblante de perro rabioso se esconde un hombre atormentado por la muerte de su madre, lo cual lo lleva a defender a toda mujer en apuros y a enamorarse de una de ellas.
Ed Exley: Hijo de un antiguo policía, su sueño es llegar a ser Teniente Detective, rango que consigue al delatar a varios policías que participaron en un altercado sucedido en Navidad. Cree ciegamente en la Justicia, lo que lo lleva a cumplir las normas a rajatabla, pero pronto descubrirá que hay que correr riesgos y saltar el manual.

“L.A. Confidential” desmitifica por completo la imagen que se tiene tanto de la Policía como de la ciudad de Los Ángeles. El inicio del film nos muestra un Los Ángeles idílico en que todos los sueños pueden hacerse realidad, con sus estrellas de cine paseando, sus hermosas playas, sus campos de naranjos, su eficaz cuerpo de policía. Todo falso. Tras esa apariencia se esconde una realidad mucho más terrorífica en donde las prostitutas son transformadas en estrellas de cine, las drogas están a la orden del día, la corrupción baña a los altos cargos y donde el tan perfecto cuerpo de policía que se ve reflejado en la serie “Placa de honor” se aleja considerablemente de la realidad. Y es que no es oro todo lo que reluce.

La estructura del film está muy bien construida y puede dividirse en tres partes. La primera parte, que también puede funcionar como prologo, se vuelca en presentar a los protagonistas y en describirnos los sucesos de la Nochebuena en que la policía da una paliza a un grupo de afroamericanos en sus celdas. La segunda parte comienza cuando las consecuencias de ese hecho marcan las vidas de los tres policías protagonistas y sucede el crimen del Buho hasta que se resuelve. La mitad del film la marca esa pieza con música en que se nos muestran a los tres protagonistas viviendo en paz: Exley condecorado/Vincennes regresando al programa de televisión/ White con la prostituta de la que se ha enamorado. La tercera y última parte describe la investigación a fondo que hacen los agentes al margen del alto mando policial hasta desenterrar todo lo que un caso tan aparentemente normal esconde tras de sí.

La película es todo un homenaje al cine policíaco realizado eficazmente por Curtis Hanson, quien, apoyado en el guión escrito por él y por Brian Helgeland, crea un film con fuerza y ritmo trepidante en donde el suspense se mantiene hasta el final. El director describe perfectamente a todos y cada uno de los personajes en la primera escena en que aparecen, así pues Bud White se nos presenta dándole su merecido a un hombre que pega una paliza a su mujer, Jack Vincennes disfrutando de un baile de la serie de TV con una hermosa mujer y Ed Exley vestido impecablemente como oficial de guardia dando muestras de su integridad a unos periodistas. Las escenas dramáticas en que los personajes conversan para llegar a resolver el crimen se mezclan con vibrantes secuencias de acción en donde los disparos no cesan hasta que los “malos” caen. Como escena memorable citar la que sucede al final en el Motel Victory, todo un ejemplo de buena secuencia de acción anticipada por un climax idóneo que alcanza su culmen en ella.
El aspecto visual del film deja claramente que estamos ante un film de serie negra al trasportarnos a los años 50 en todo su esplendor. La excelente fotografía de Dante Spinotti destaca por jugar con sombras y resaltar el color.
Partiendo de la novela de Ellroy los guionistas elaboran un libreto con excelentes frases, un diseño psicológico de los personajes intachable, y en donde además se permiten el lujo de introducir situaciones cómicas afines a la trama, como ese momento en que Exley cree estar ante un clon de Lana Turner.
La Banda Sonora corre a cargo de Jerry Goldsmith, quien en esta ocasión utiliza temas con percusión que otorgan al film un aire algo moderno, pero que no desentona para nada.

El reparto está formado por Kevin Spacey como Jack Vincennes, el agente que vive la fama gracias a su trabajo como asesor en “Placa de honor” pero que ha olvidado por completo lo que significa ser policía. Spacey está brillante, como de costumbre, y su final ha quedado para el recuerdo gracias a sus últimas palabras, Rollo Tomasi. Russell Crowe es el salvaje Bud White, el policía que no consiente que se maltrate a una mujer. Con este papel Crowe consiguió convencer a la crítica tras sus intervenciones en “Rápida y Mortal” o “Virtuosity”. Guy Pierce es Ed Exley, el más correcto de los policías. Pierce está muy convincente tras sus gafas y su uniforme. Kim Basinger se transforma en una doble de Verónica Lake que esconde a la frágil Lynn Bracken, quien solo se muestra tal y como es junto a White. James Cromwell es el Jefe de Policía Dudley Smith, un veterano que busca agentes capaces de infringir la ley cuando sea necesario. Danny DeVito es Sid Hudgens, el periodista editor de la revista “Secretitos” que se encarga de publicar todo tipo de trapos sucios ajenos. David Strathairn es Pierce Patchett, el propietario de la empresa Flor de Lis, mediante la cual se ofrece todo lo que se desea en forma de prostitutas convertidas en estrellas de cine.

La película se convirtió en un éxito consiguiendo grandes galardones entre la crítica especializada y nueve nominaciones a los Oscars, de los que consiguió dos, Actriz de Reparto para Kim Basinger y Guión Adaptado. El coincidir el año del aluvión “Titanic” no la ayudó mucho a conseguir más.

Heredera de los grandes clásicos, con un sentido del ritmo y la estructura envidiable, “L.A. Confidential” se ha ganado la credencial de película de referencia dentro del cine negro y policiaco. Curtis Hanson no volvería a estar a la altura. Una muy buena película.

Lo Mejor: Su sentido homenaje al género que representa.

Lo Peor: No se me ocurre gran cosa.

Chinatown, de Roman Polanski

Robert Evans había alcanzado ya un prestigio en Paramount gracias a los éxitos de “Love Story” y “El Padrino” cuando se enteró de un proyecto que tenían entre mano el guionista Robert Towne con el actor Jack Nicholson. Ambos se conocían de la época en que trabajaron para la factoría de Roger Corman y planearon trabajar en un proyecto común que Towne escribiría pensando en el actor para el papel principal. Evans leyó el guión, comprobando el potencial que tenía, y se puso a buscar al director apropiado para llevarlo a cabo. El fatídico episodio de Sharon Tate seguía torturando a Roman Polanski, quien recibió la oferta de Evans para dirigir la película. Polanski aceptó en lo que fue su regreso al cine de Hollywood desde “La Semilla del Diablo”. En un principio la actriz escogida para dar vida a la femme fatale de la historia fue Ali McGraw, por aquel entonces pareja de Evans, pero su romance, y posterior huida, con Steve McQueen hizo que su nombre desapareciera de casting sustituyéndola por Faye Dunaway, que animó el rodaje con continuas broncas con el director, quien a su vez se encontraba en continuo enfrentamiento con Towne por cambiar el final de la historia. La peleas no cesaban, incluso Jack Nicholson explotó un día porque Polanski le rompió el televisor donde estaba viendo un partido de Los Ángeles Lakers. Finalmente, a pesar de los problemas, “Chinatown” consiguió realizarse convirtiéndose en uno de los títulos de referencia del Cine Negro.

1937. Los Ángeles. El detective privado Jake Gittes recibe una oferta por parte de una mujer mediante la cual debe vigilar a su marido y descubrir si le está siendo infiel. Gittes coge al hombre con las manos en la masa y publica la foto en el periódico. Sus problemas acaban de empezar. En su oficina se presenta una mujer que dice ser la esposa del hombre que ha seguido y publicado su foto. Posteriormente, cuando va a pedir disculpas al hombre, y a indagar sobre por qué le pidieron que tomara esas fotos, descubre que ha sido asesinado. Gittes se propone esclarecer este misterio por todos los medios.

Heredera de las grandes obras de serie negra escritas por Dashiel Hammet y con claras reminiscencias a films como “El Sueño Eterno” el film dirigido por Polanski se erige como una pieza clave dentro del cine detectivesco que nos narra el origen de la ciudad de Los Ángeles antes de convertirse en la gran urbe que llegaría a ser. La extorsión, la corrupción y la red de mentiras que hicieron de ella una de las grandes ciudades del mundo se muestran en el film de manera sutil, con leves gotas que son suficientes para hacernos una idea de cuánto ser sin escrúpulos se benefició de las posibilidades que el valle ofrecía. El film nos describe el robo de las reservas de agua de la ciudad para ser utilizadas en los campos del valle y así éste ser integrado dentro del distrito de Los Ángeles. Además de eso se muestra lo barato que resultaba comprar tierras, de manera bastante ilícita, para luego venderlas a precio desorbitado gracias a los grandes metros de terreno y a las grandes reservas de agua que tendrían.
Además de mostrarnos cómo se erigió la ciudad la película esconde un misterio turbio digno del genero que se resolverá por medio de la investigación detectivesca que hace avanzar la cinta. El protagonista, el detective Jake Gittes, está especializado en matrimonios. Aunque muestra una moral dudosa y posee un alto grado de cinismo se desenvuelve en su trabajo mejor que ningún policía. Cuando descubra que ha sido contratado para dañar a una persona se introducirá en una tela de araña de la cual no puede salir nada bueno, recordándole así sus días como policía en el barrio chino que da título al film.

La verdad es que hasta Robert Evans se sorprendió cuando descubrió que el título de la cinta que hacía alusión al barrio chino no aparecía por ningún lado del guión salvo cuando Gittes recuerda sus días de policía. Towne se defendió diciendo que “Chinatown” hacía alusión al estado emocional en que se encontraba Gittes, algo que tampoco le quedaba muy claro a Evans por otra parte. Polanski decidió introducir el barrio chino en la historia utilizándolo como escenario para el desenlace, algo que ayudaba a acrecentar el final pesimista buscado por el director.
“Si divisas el barrio chino, será mejor que des la vuelta y corras a otro lado”. Para Gittes “Chinatown” es sinónimo de mala suerte, un lugar del que nada bueno puede salir. Años atrás un suceso en esa zona marcó su vida e impulsó su marcha del cuerpo de policía, ahora los fantasmas del pasado vuelven en forma de mujer, advirtiéndole que se aleje de ella haciendo caso omiso. En lugar de dejar pasar el suceso del hombre que vigiló Gittes sigue investigando y metiendo sus narices donde no debe hasta dar con un secreto terrorífico que desencadenará fatídicas consecuencias.

Roman Polanski tiene grandes joyas en su irregular filmografía. Sin duda alguna “Chinatown” es la más perfecta de todas ellas, un homenaje con alma propia al cine negro realizado a la perfección. Se siguen todas las reglas del juego: la mujer fatal, el detective fanfarrón pero con código de honor, los policías charlatanes que no ven más allá de su zapato y el descubrir que no todo es lo que parece. Con todo ello Polanski realiza un film que posee su sello inconfundible, un retrato crudo con dosis de enfermedad en el misterio que se investiga y que nos pone los pelos de punta. El director juega perfectamente con la planificación atreviéndose a introducir grandes travellings y movimientos de cámara que nos introducen mucho más en la acción y nos hacen ser participes de la historia. Esto último se consigue además por lo bien trazado que está el guión de Towne, mostrándonos todo siempre desde el punto de vista de Gittes , con lo cual vamos descubriendo todo a la vez que él.
Entre las secuencias más memorables destacaré tres. En primer lugar la célebre escena en que el personaje interpretado por el propio director le raja la nariz a Gittes. El mostrar cómo el cuchillo atraviesa la nariz del protagonista y lo deja manando sangre de forma realista se ha convertido en una seña de identidad del film. En segundo lugar tenemos la impactante secuencia en que Gittes interroga a Evelyn hasta llegar a las bofetadas a medida que ella descubre quién es la chica con quien fue fotografiado su marido. Una escena brutal en que se desvela el turbio secreto que esconde el personaje femenino. Por último tenemos el final en el barrio chino, cuando convergen todos los protagonistas y se desencadena el fatídico destino. La escena está rodada con travelling, siguiendo todos los acontecimientos de cerca y otorgándoles mayor realismo.

Considerado como el mejor guión de la historia el libreto de Robert Towne para “Chinatown” posee una estructura perfecta en donde poco a poco se nos van otorgando datos acerca de la investigación que se trata y donde los personajes están perfilados a la perfección. La historia posee frases memorables y utiliza a todo personaje de la trama por insignificante que parezca, observemos si no al primer cliente de Gittes, a quien creemos que no vamos a ver más para reaparecer al final y ayudar al detective. El mayor cambio que introdujo Polanski en el guión de Town fue al final, pues el guionista quería un final feliz y el director no estaba para nada de acuerdo inclinándose por un fatídico desenlace más propio de su estilo. Además se decidió prescindir de una voz en off característica del género para crear una película distinta a cuantas se hubieran realizado.

La fotografía corrió a cargo de John A. Alonzo tras el despido del primer director de fotografía que se contrató, Stanley Cortez, debido a las diferencias con Polanski. El director y Alonzo llegaron a la conclusión de que se debía homenajear al género mediante una iluminación de color lo bastante realista que recordara a las viejas películas de blanco y negro. El resultado se consiguió considerablemente.
La Banda Sonora corrió a cargo de Jerry Goldsmith, quién tuvo poco tiempo para componerla. El compositor creó un bello tema principal que sirve como leit motiv a lo largo de la cinta.
La dirección artística está altamente cuidada para mostrarnos la ciudad de Los Ángeles a finales de los 30. Se decidió rodar en zonas donde el paso del tiempo no había hecho mella y se palpara el aroma de los viejos tiempos.

El reparto está formado por un elenco que demuestra sus excelentes dotes interpretativas. A pesar de contar con una serie de buenos papeles a sus espaldas fue con J. J. Gittes con quien Jack Nicholson alcanzó en Hollywood el lugar que merecía. El actor ofreció una impecable interpretación como detective cínico que se desenvuelve en asuntos de cuernos. Su imagen con la nariz vendada es Historia del Cine. Faye Dunaway recuperó su estatus de dama del cine negro tras “Bonnie and Clyde” dando vida a la femme fatala de la historia, Evelyn Cross, una mujer que esconde mucho más de lo que aparenta y que introduce a Gittes en la trama de corrupción y engaños. Burt Young es Curly, uno de los clientes de Gittes que le hará un favor cuando llegue el momento. Diane Ladd es Ida Sessions, la misteriosa mujer que contrata a Gittes al principio de la historia. Roman Polanski se reservó el papel de matón con cuchillo que aparece siempre ataviado con traje blanco. Para poner la guinda se consiguió que uno de los padres del cine negro accediera a participar dando vida al ambicioso Noah Cross. El gran John Huston brindó una impecable interpretación como magnate compartiendo escena con su futuro yerno Nicholson.

La película alcanzó un notable éxito y otorgo a Evans la fama de productor con vista de lince. Entre Polanski y Nicholson se creó una gran amistad a base de juergas salvajes, entre las cuelas se encuentran aquella en la que el director mantuvo relaciones sexuales con una menor y tuvo que abandonar el País.
La cinta recibió once candidaturas a los Oscar partiendo como favorita, sobre todo tras el triunfo en los Globos de Oro. Sin embargo tan solo se llevó el guión original para Towne pues coincidió ese mismo año con “El Padrino. Parte II” también de Paramount. Ciertamente 1974 fue un gran año para las cintas de serie negra, a las dos mencionadas hay que citar también la magistral “La Conversación” de Coppola, quien vivió uno de sus años más dulces.

“Chinatown” es un titulo indispensable dentro del genero de detectives, que juega con todas las reglas que lo establecen. Turbia e impactante es el mayor logro cinematográfico de Roman Polanski. Una excelente película.

Lo Mejor: Prácticamente todo.

Lo Peor: Coincidir el mismo año con la Mejor Película de la Historia.