Compositores: John Williams

Sería imposible pensar en el cine de Spielberg sin tener en cuenta al montador Michael Kahn, a los directores de fotografía Douglas Slocombe o Janusz Kaminsky, a la productora Kathleen Kennedy o a los genios de ILM para los efectos especiales. Pero sobre todo sería impensable rememorar sus películas sin pensar en la música de su inseparable John Williams, autor de todas las bandas sonoras de sus películas a excepción de “Duel” (más bien telefilm) y “El Color Púrpura”.
Williams comenzó componiendo para la televisión a principios de los 50 para pasar a componer para el cine en los 60, cuyas composiciones más reivindicables son “Valley of the Dolls” (1967), “Goodbye Mr. Chips” y “The Reivers” (1969), todas nominadas a los Oscas. Los 70 marcaron sus grandes éxitos triunfando en los Oscars en 1971 al llevarse el premio a Mejor Adaptación Musical por “El violinista en el tejado”, y componiendo para películas de éxito como “La aventura del Poseidón” o “El Coloso en llamas”, ambas partituras de nuevo con nominación en los premios. En 1974 conocería al que sería su director fetiche, Steven Spielberg, componiendo para él la banda sonora de “Sugarland Express”. En 1975 compondría su primera composición célebre para el director, “Tiburón”, de nuevo con premio de la Academia. A finales de los 70 compondría música para una de las películas más celebres de la historia, “La guerra de las galaxias”, consiguiendo un nuevo Oscar, así como éxito de ventas con el disco. Ese mismo año, 1977, compondría para Spielberg la banda sonora de “Encuentros en la 3ª Fase” demostrando sus grandes dotes a la hora de componer. Cerraría esta década una nueva composición magistral representativa de un héroe, “Superman”. Los 80 se centra sobre todo en seguir poniendo música a la serie galáctica y al nuevo personaje de Lucas-Spielbeg, Indiana Jones, así como a proyectos televisivos del Rey Midas como “Amazing Stories” y cinematográficos como “El Imperio del Sol”. En esta década además cabe destacar su maravillosa composición para “Las brujas de Eastwick” y “Nacido el cuatro de Julio”, que significa su primera colaboración con Oliver Stone, con el que volvería a trabajar creando las partituras de “JFK” o “Nixon”. En los 90, aparte de realizar soberbios trabajos para Spielberg, compondría la música de “Stanley & Iris”, “Solo en Casa”, “Un horizonte muy lejano”, “Sabrina y sus amores”, “Sleepers”, “Siete años en el Tibet” o “Las cenizas de Ángela”, concluyendo esta década con su regreso a la Saga Galáctica con “The Phantom Menace”. El 2000 representa casi en su totalidad una exclusividad con Spielberg, salvo las excepciones de “El Patriota”, su compromiso con “Star Wars” y su nueva creación magistral en la nueva franquicia de “Harry Potter”.
Williams es para un servidor el mejor compositor de cine existente, con permiso de Morricone. Sus composiciones no solo están al servicio de la historia, sino que gracias a ellas eleva lo que nos quieren contar y, lo más importante, definen a los personajes. Así pues sería imposible pensar en Indiana Jones, Darth Vader, E.T., Superman o el niño mago sin rememorar los acordes que ideó el maestro para ellos.
El maestro ha tocado todos los géneros consiguiendo Obras Maestras indiscutibles.
Entre sus mejores composiciones destacaría cada uno de los temas representativos para cada personaje anteriormente citado así como todos y cada unos de los temas principales para todas las películas que ha compuesto. A nivel de discos editados diría que sus mejores trabajos son “Jaws”, “Close encounters of the third Kind”, “Superman”, “E.T.”, “Witches of Eastwick”, “Born in July Fourth”, “Hook”, “Jurassic Park”, “Schindler´s List”, “Seven Years in Tibet”, “A.I.”, “Catch me if you can”, “The Terminal”, “Munich” y “Memoris of a Geisha”.
Sobre sus Sagas, que si unimos todas las difrentes composiciones en cada caso componen un conjunto equilibrado y perfecto, mi orden sería el siguiente:
Star Wars: “Empire Strikes Back”, “Star Wars”, “Revenge of the Sith”, “Attack of the Clones”, “Return of the Jedi” y “The Phantom Menace”
Indiana Jones: “The temple of doom”, Raiders of Lost Ark”, “The Last Crusade”, “Kingdom of Crystall Skull”
Harry Potter: “The Prisioner of Azhkaban”, “The Sorecerer´s Stone”, “The Chambers of Secrets” (esta última compuesta en colaboración con William Ross)
Ha estado nominado a los Oscars 43 veces, Ganando cinco de ellas (“Fiddler on the Roof”, “Jaws”, “Star Wars”, “E.T. The extra-terrestrial” y “Schindler´s List”) y recibiendo en más de una ocasión doble nominación, además de triunfos en los Emmy y Grammys.
Si las películas poseen alma es gracias en parte al trabajo de personas como él, verdaderos genios que saben dotar a las imágenes de las dotas adecuadas para que nos hagan reir, llorar, soñar o creer que un hombre puede volar.
Para muestra de sus composiciones os dejo con unos videos que recoge breves fragmentos de sus trabajos.

Como conclusión a este mes especial a Spielberg , además os dejo con un video de Indiana Jones acompañado por la música de este genio.

Gracias Johnny.

Actrices: Natalie Portman

Cuando en 1994 llegó a las pantallas “León: El profesional” de Luc Besson se dio a conocer una jovencísima actriz que hacia sombra en la película a los mismísimos Jean Reno y Gary Oldman. El personaje de Mathilda en dicha película nos descubrió a Natalie Portman, una actriz que con los años se ha convertido en una de las mejores del panorama actual.
Nacida en Jerusalem en 1981 habla varios idiomas (entre ellos hebreo e inglés, además de un poco de francés y español). Su primer papel como Mathilda lo rodó con tan solo 12 años en sus vacaciones escolares, costumbre que fue siguiendo en posteriores rodajes sin impedirle estudiar psicología. Se ha definido como una chica normal que no toma drogas ni alcohol.

Tras el film dirigido por Besson participaría en sólidas películas de diversos géneros. En “Heat” de Michael Mann daba vida a la hija de Diane Venora, e hijastra de Al Pacino. Su secuencia en una bañera de sangre es inolvidable (como toda la película). “Beautiful Girls” del desaparecido Ted Demme en donde dio vida a una picara lolita que seducía a Timothy Hutton. Woody Allen la recluto para su musical coral “Todos dicen I love you” repleto de nombres celebres y con Tim Burton combatió la amenaza marciana en “Mars Attacks!” dando vida a la hija del presidente Jack Nicholson y Glenn Close.
Fue propuesta para participar en “Romey + Julieta” de Baz Luhrman, pero la diferencia de edad con DiCaprio la hizo bajarse del proyecto. Rechazó ser la “Lolita” de Adrian Lyne por el contenido sexual, al igual que se negó a hacer “La Tormenta de Hielo” por considerar al personaje como siniestro.
En 1998 recibiría una oferta que la encadenaría durante cinco años a una famosa Saga galáctica en donde daría vida al amor del temido Darth Vader. Su rostro blanco cual muñeca de porcelana fue su imagen promocional para “Star Wars: Episode I-The Phantom Menace” en donde comenzaba a dar vida a la Reina Amidala del Planeta Naboo, protegida por Liam Neeson y Ewan McGregor como caballeros Jedi a lo largo y ancho de las estrellas. A pesar de no recibir unas buenas críticas, Portman (al igual que McGregor) sabía cual era su papel en dicha franquicia y se lo tomo como un juego en donde se llevaba bien con todo el equipo. Por suerte su papel de florero con aires de geisha desapareció y tomó mucho más protagonismo en “Attack of the Clones”, donde ya se enamoraba de un adolescente Anakin Skywalker y mostraba su valor en la lucha enfrentándose con todo tipo de criaturas.
Entre ambos episodios galácticos la actriz participó en dos films bastante flojos, cercanos al telefilm. La road movie que la emparejaría con Susan Sarandon, y por la que recibiría su primera nominación al Globo de Oro, “A cualquier otro lugar”, y el film donde se queda embarazada huyendo de su hogar “Where the Heart Is”. Por suerte tras el segundo episodio galáctico Portman volvió a dar vida a personajes femeninos con gran personalidad y presencia en pantalla capaces de hacer sombra a un gran elenco como en “Cold Mountain” de Anthony Minghella, donde su breve papel de diez minutos es lo mejor de la película. Su participación en la producción indie de Zach Braff “Garden State” como Sam hizo que se le tomara más en serio. En 2005 llegaría su consolidación definitiva dando vida a la enigmática y fascinante Alice en “Closer” de Mike Nichols, donde devoraba a sus compañeros Jude Law y Julia Roberts, y protagonizaba una memorable secuencia en un club de striptease junto a Clive Owen, por no mencionar su maravillosa apertura del film caminando entre la multitud a ritmo de “Blower´s Daughter”. Este papel le valió su primer Globo de Oro y su primera nominación al Oscar como Secundaria, el cual perdería frente a la perfecta imitación que hizo Cate Blanchett de Katherine Hepburn en “The Aviator”.

Tras este triunfo llegaría a las pantallas el último episodio de “Star Wars: Revenge of the Sith”, coronado como el mejor de la nueva trilogía, y a la altura de la antigua, Portman tenía en él menos presencia física pero su personaje fue crucial para el desenlace, además de protagonizar una de las mejores secuencias de la Saga que la comunican con Anakin a través de los grandes ventanales.
Terminada su aventura galáctica Natalie se rapó al cero y se puso a rodar la impactante “V de Vendetta”, que tuvo tanto admiradores como detractores, pero que confirmaba el compromiso de la actriz a la hora de embarcarse en un proyecto. Intervendría en la película “Paris, je t`aime” protagonizando uno de los mejores cortos que pueblan la cinta. En “Goya´s Ghosts” se puso al servicio de Milos Forman y compartió cartel con Javier Bardem. Con Dustin Hoffman rodaría la cinta fantástica “Mr Magorium y su tienda mágica”. Wes Anderson le ofreció un papel para su “Viaje a Darjeeling” protagonizando el corto previo a la película, memorable por tener el primer desnudo integral de la actriz.
Acaba de estrenar “Las hermanas Bolena” junto a otra actriz de armas tomar como es Scarlett Johansson y está a punto de estreno “My Blueberry Nights”, donde vuelve a coincidir en cartel con Jude Law bajo las ordenes de Wong Kar Wai.
Involucrada para “Brothers” de Jim Sherdan donde coincidirá con Jake Gyllenhaall y Tobey McGuire, acaba de confirmar su participación en lo nuevo de Mira Nair y pronto podremos ver su nombre en el directed by.
En teatro ha participado en los montajes de “El diario de Anna Frank” y “La Gaviota”.

Su dulce rostro ha conseguido que se la compare con Audrey Hepburn y posiblemente sea su legitima sucesora, aunque sus admiradores la conocemos simplemente como Natalie.

Productores: Jerry Bruckheimer

Conocido como el productor más afamado del cine de acción y espectáculo del momento (junto con Joel Silver) el amigo Bruckheimer se ha labrado una explosiva carrera como productor de grandes hits y flots en el cine USA.
Con unos inicios en que destacan títulos como “Ladrón” de Michael Mann o “American Gigoló” de Paul Shrader, Jerry Bruckheimer, junto con su socio Don Simpson comenzaron a producir proyectos de mayor envergadura taquillera tales como “Flashdance” de Adryan Lane o “Superdetective en Hollywood”, cuya secuela encargaron a uno de sus chicos favoritos, Tony Scott, con el que había trabajado en “Top Gun” y volvería a trabajar en contadas ocasiones. A mediados de los 90 se asoció con la Disney para producir películas orientas a un público juvenil y adulto bajo las compañias Touchstone y Hollywood Pictures. Títulos como “Mentes Peligrosas”, “Verónica Guerin”, “Bad Company” o “El Bar Coyote” llenan su currículo cinematográfico.
En su carrera ha contado con directores de cierto prestigio a los que contrataba tras haber obtenido algún éxito, aunque realmente los seleccionaba tras ver sus trabajos en el mundo del videoclip. Tal es el caso del citado Tony Scott, al que contrató después de su film de culto “El Ansia”, y con el que ha trabajado además en “Dias de Trueno”, la notable “Marea Roja”, la frenética “Enemigo Público”, o recientemente en “Deja Vú”. A Dominic Sena le produjo la adrenalinica “60 Segundos” tras su correcto debut con “Kalifornia”, a Antoine Fuqua hizo lo propio encargándole un peplum a lo “Gladiator” con la leyenda artúrica en “El Rey Arturo” después de que este obtuviera cierto respeto por “Día de entrenamiento”. Con el hermano de Tony, Ridley, también ha trabajado en la bélica “Black Hawk Derribado”.
A Jerry también le tenemos que agradecer el descubrimiento de nuevos “Talentos” dentro del cine palomitero, tales como Simon West con el que trabajó en la gamberra “Con Air”. Sin embargo, si por algo tenemos que dar gracias (o no) al bueno de Bruckheimer es por haber descubierto al señor “Esto No Se Ha Visto Antes”, Michael Bay, con el que comenzó una relación en 1995 con “Bad Boys” para darle una nueva oportunidad al año siguiente con “The Rock”, con la cual Bay consiguió su primer superéxito y Jerry vio en él a la horma de su zapato, el director videoclipero por excelencia que lo llenaría de éxitos. “Armageddon” volvería a forrar a ambos en 1998, pero después obtuvieron un resbalón queriendo emular a “Titanic” con “Pearl Harbor”. Convenciéndose de que nunca serían Sam Spiegel ni David Lean, los dos volvieron a lo que mejor saben hacer con la secuela “Bad Boys II” de 2003, pero aquel año la película tampoco fue bien en taquilla, lo cual dolió más a Bay que a Bruckheimer, pues este último había producido el título más taquillero del año inesperadamente devolviendo al cine las películas de piratas.
En 2003 Bruckheimer se atrevió a producir un film bajo el sello Disney basado en una atracción del parque de atracciones Disneylandia. Concebida como una película para verano sin más pretensiones el éxito pilló a todos tan desprevenidos que el bueno de Jerry hizo Saga y todo, me refiero claro a “Piratas del Caribe”, cuyo buen funcionamiento hizo que el productor comenzará otros proyectos bajo el manto de la Disney como “La Búsqueda”, otro éxito inesperado que ha dado para secuela y que conseguía lo que “El Codigo DaVinci” no fue capaz: entretener.
Tras la muerte de Don Simpson, al cual está dedicada “The Rock”, Bruckheimer cambió el logotipo de los dos rayos en el cielo, por uno solo que aparece en plena carretera chocando contra un árbol. Su inauguración fue en la película de “Con Air” en 1997. Cuando vemos aparecer eso en pantalla podemos estar preparados para ver explosiones, tías buenas, música potente y personajes pintorescos.
En TV también ha obtenido éxitos gracias en gran parte a “CSI”, “Caso Abierto” y a “Sin Rastro”, consiguiendo premios Emmy y todo.
Entre sus aficiones en los rodajes le gusta tirar fotos y rodearse de estrellas de primer orden como Johnny Deep, Will Smith, Nicolas Cage, Sean Connery, Ed Harris, Cate Blanchett, Anthony Hopkins, o Michelle Pfeiffer.
Entre sus próximas producciones tenemos “Prince of Persia” y “Confessions of a Shopaholic”. Lo que yo quiero es que vuelve a trabajar con Bay, el cual lo dejó por irse con otro barbas más prestigioso y con más talento, Spielberg, pero es que la pareja que forman Bruckheimer y Bay es impagable, si parecen familia.

A continuación unas fotos junto con su director estrella (seguro que a Javi le encantan).

¡Que chulo eres, Jerry!

Actores: Kurt Russell

De Disney a Tarantino

La carrera de Kurt Russell comenzó muy joven en la televisión con pequeñas participaciones en series de la época. Al poco tiempo fu uno de los jóvenes contratados para la Disney protagonizando films como “Mi cerebro es electrónico” o “Un ejecutivo muy mono”, además de sendos especiales televisivos para la casa Disney y prestar su voz para doblar a un personaje de “Tod y Toby”. En 1979 protagonizaría un biopic televisivo sobre Elvis Prestley que lo uniria con el que se convertiría en su director fetiche: John Carpenter.
Con el genio del suspense Russell dio una vuelta de 180º grados con respecto a su imagen en productos infantiles dando vida a los héroes de películas como “La Cosa”, “Golpe en la pequeña China” y sobre todo “1997: Rescate en Nueva York” y “2013: Rescate en L.A.” donde daría vida al famoso antihéroe Snake Plissken.
A partir de los 80 y sobre todo en los 90, y gracias a los personajes interpretados en los films de Carpenter, Russell se convirtió en uno de los chicos duros del panorama hollywoodiense. Protagonizó la angustiosa “Llamada a un reportero”, junto a su amigo Mel Gibson y Michelle Pfeiffer protagonizaría “Conexión Tequila”. “Tango y Cash” le unió junto a Rambo, Stallone, para protagonizar una absurda historia de dos superpolicías rivales que deben trabajar juntos. El film “Llamaradas” de Ron Howard le encabezaba a al frente de un reparto donde aparecían Robert DeNiro, Donald Sutherland o Scott Glenn. Dio vida al famoso Wyat Earp en el sólido western “Tombstone” rivalizando aquel año con el film protagonizado por Costner y ganándole en todos los aspectos. También participo junto a James Spader en el mejor film de Emmerich, “Stargate”.
Tambíen ha flirteado con la comedia coincidiendo con su esposa, Goldie Hawn, en “Un mar delíos”, o en “Frenos Rotos, Coches Locos” bajo la batuta de Zemeckis, para quién haría el favor de prestar su voz al Elvis de “Forrest Gump”.
Ya a mediados de los 90 y finales sus papeles de tipo duro empezaron a menguar apareciendo en productos de segunda categoría. “Decisión Crítica” es más recordada porque el coletas de Seagal moría pronto. “Breakdown” resultaba ser un acertado divertimento para mayor gloria de su director, Jonathan Mostow, quien sería elegido para dirigir “T3”. “Soldier” sería una replica a “Soldado Universal” más cercana a la Serie B si cabe. “3000 miles to Graceland” lo emparejaría junto con el otro Wyat de los 90, Costner, para protagonizar una película donde jugaban a atracar vestidos de Elvis (es el personaje que más veces ha interpretado este hombre), que bien podrían habérsela ahorrado. A esto hay que sumarle su participación en el remake “Vanilla Sky” y ese papel de bombero y alcalde retirado en “Poseidón” de Petersen. “Dark Blue” es una estimable película policíaca que fue muy maltratada y donde Russell daba vida a un poli corrupto.
La casa Disney nunca la ha abandonado pues ha participado en contadas ocasiones en el hogar que le dio sus primeras oportunidades. “Capitán Ron”, “Miracle” y “Sky High” son pruebas de ello.
Por suerte para Russel apareció en su vida Quentin Tarantino, quien le dio la oportunidad de brillar de nuevo dando vida a un pintoresco personaje en su película Grindhouse “Death Proof”. Stuntman Mike es un hombre misterioso, solitario, un viejo especialista de cine que se dedica a matar a jóvenes muchachas utilizando su espectacular vehículo. Dicho personaje elevaría a Russell a icónico entre los fans de Quentin y le harían revivir su época dorada a las ordenes de Carpenter.

Actrices: Michelle Pfeiffer

A pesar de que su primer papel protagonista fuera en esa horrenda secuela que es “Grease 2”, nuestra dama con ojos de gata se crearía una de las carreras más sólidas en el panorama Hollywoodiense. Tras la secuela del famoso musical cambiaría totalmente de registro dando un vuelco de 180º protagonizando una película mítica dentro del genero negro junto con Al Pacino y a las ordenes de Brian DePalma, “Scarface”. Con Pacino volvería a coincidir años después para el drama (considerado en muchos sitios comedia) “Frankie y Johnny”.
En los 80 participó además en la cinta de corte fantástico a las ordenes de Richard Donner, “Lady Halcón”, y participaría en la sátira sobre el mundo del cine que es “Dulce Libertad” de Alan Alda, en donde compartía cartel, además de con el director, con Michael Caine y Bob Hoskins. Formó parte junto con Susan Sarandon y Cher del trio de brujas encandiladas con un Diablillo Jack Nicholson en la divertida “Las Brujas de Eastwick”. Sus proyectos siguientes se pueden considerar menores como son “Casada con todos”, “Amazonas en la luna” o “Conexión Tequila”.
Pero en el año 1988 obtuvo el merecido reconocimiento con su papel de Madame de Tourvel en la adaptación cinematográfica que realizó magistralmente Stephen Frears de “Las Amistades Peligrosas”, junto con Glenn Close y John Malkovich. Gracias a su brillante interpretación fue nominada al Oscar como Mejor Actriz Secundaria, y ganría el Bafta. Al año siguiente volvería a estar nominada (Ganando el Globo de Oro), esta vez como Mejor Actriz, por “Los Fabulosos Baker Boys”, en donde demostraba lo bien que se le da cantar sobre el piano.
En 1992 formaría parte de “Batman Returns” de Tim Burton, dando vida a Catwoman de manera felina y sensual, y consiguiendo que a algunos se nos quedaran grabadas las imágenes en que lame al hombre murciélago ataviada con su uniforme de cuero negro y su látigo (puro sado). Volvería a optar a la estatuilla por última vez por “Por encima de todo”, y el maestro Scorsese la fichó para “La Edad de la Inocencia” en donde formaba pareja junto con el gran Daniel Day-Lewis.
Lo que viene después lo podemos considerar como películas de consumo rápido en donde su sola presencia basta para darse por satisfecho. “Lobo” de Nichols, lo volvió a unir con Nicholson, “Mentes Peligrosas” estaba producida por Bruckheimer, “Intimo y Personal” la emparejaba con el galán Redford, y de galán en galán se topo con el nuevo Batman por aquellas fechas, George Clooney, para rodar “Un Día Inolvidable”, que de no ser por la pareja sería una película muy olvidable. Se hizo hermana de Jessica Lange en “Heredarás la tierra”, fue la esposa fallecida de Peter Gallager en “Feliz Cumpleaños amor mío”, perdía a su hijo “ En lo más profundo del océano”, y terminaría el mileno formando matrimonio con Bruce Willis en “Historia de lo nuestro” y convirtiéndose en la Reina de las hadas, Titania, en “El sueño de una noche de verano”, donde compartía cartel con un plantel de primer orden, entre los que se encontraba Ally McBeal, que por aquel entonces se decía que flirteaba con el marido de la Pfeiffer (David E. Kelley fue el productor de la serie de Flockhart), aunque luego todo quedó en rumores.
Eso sí, parece que tanto a Pfeiffer como a Flockhart le gustan el mismo tipo de hombres porque Michelle comenzó el milenio protagonizando una película de suspense made in Hitchcock dirigida por Robert Zemeckis junto con Indiana Jones, Harrison Ford. “Lo que la verdad esconde” se convirtió en un tremendo éxito de taquilla, y a pesar de que las críticas hacia el film no fueron buenas, su papel como esposa fue muy bien acogido. Se suponía que tras este exitazo nuestra querida rubia volvería a inundar las pantallas con su presencia, pero no. Al año siguiente participó en una película destinada a mayor gloria de su protagonista masculino, Sean Penn, y de la jovencísima Dakota Fanning en “Yo soy Sam”, para al año siguiente participar en ese telefilm plagado de buenas actrices que es “La flor del mal” y terminar prestando voz al maligno personaje de Eris en el film animado “Simbad”.
Han tenido que pasar cuatro años para verla de nuevo y ha vuelto por todo lo alto. Si, su primer film estrenado fue “El novio de mi madre”, pero después llegaría “Hairspray” y “Stardust” dos películas en donde demuestra lo maligna que puede ser y que los años no pasan por ella.

No nos vuelvas a abandonar tanto tiempo Michelle.

P.D. Alejandro gracias por decirme la pagina web, es fantástica. Para los que quieran visitarla: http://www.pfeiffertheface.com/

Actrices: Anna Paquin

En la Ceremonia de los Oscars de 1993 hubo una persona que se me quedo grabada. No, no fue Tom Hanks. Fue una chica de 11 años por aquel entonces que se llevó el premio a la mejor actriz de reparto por su interpretación en “El Piano”. Memorable fue su discurso, no por lo que dijo, sino por lo que tardó en asimilarlo la pequeña. Su nombre: Anna Paquin.
Al contrario de lo que le pasa a muchos niños prodigio que tienen su minuto de gloria para luego desaparecer (Haley Joel Osment lo tuvo con “El Sexto Sentido”), Paquin siguió, aunque no inmediatamente, en el mundo del cine alternando películas comerciales con films más personales y minoritarios. Junto con Christina Ricci quizás sea la actriz que en poco mas de una década se haya fabricado una carrera tan interesante y variada.
Ha intervenido en “Hurlyburly” con, nada menos que, Kevin Spacey, Sean Penn y Robin Wright;, formó reparto entre un montón de rostros conocido en “Destinos Cruzados”; fue la chica de Balagueró para “Darkness”; fue una de las groupies que seguían a los “Casi Famosos”; tuvo una aventura con quien fuera su padre en “Volando Libre” (Jeff Daniels) en “The Squid and the Whale”; en “Buffalo Soldiers” tenía a Joaquin Phoenix, Scott Glenn y Ed Harris como compañeros; y estuvo en “La Ultima Noche” de Spike Lee en donde tenía un affair con Phillip Seymour Hoffman, director suyo en la obra teatral “The Glory of Living”.
Y es que Anna es una actriz de teatro. Además de la obra dirigida por Hoffman ha participado en “This is our Youth” junto con Jake Gyllenhall y Hayden Christensen; “Roulette”, “Distance from here”, y “After Ashley” en donde actuaba junto con el hermano de otro niño prodigio olvidado, Kieran Culkin.
Mucha gente acabaría reconociéndola gracias a el mayor éxito de su filmografía, “X-Men”, que la haría repetir en dos ocasiones más, en las cuales su personajes pasaba a ser cada vez más secundario.
Por supuesto ha participado también películas bastante fallidas o directamente malas. Empezando por esa comedia romántica juvenil que es “Alguien como tú” en donde ejercía de hermana de Freddie Prince Jr., pasando por una de las películas más flojas de Spielberg, “Amistad”, en donde tenía el papel de Isabel II que no llegaba más que al cameo, o la secuela oculta de “El indomable Will Hunting” que es “Descubriendo a Forrester”.
Actualmente tiene preparada una película titulada “Margaret” en donde forma tandem con Matt Damon, Mark Ruffalo y Jean Reno, además de participar en esa película de Halloween y que no saben cuando van a estrenar titulada “Trick´r Treat”. También ha colaborado en una película para la HBO con muy buena aceptación titulada “Bury my heart at wounded knee”, y se está especulando que podría ser la hermana de Gregor Sansa en la adaptación de “La Metamorfosis”. Sin embargo su proyecto más inmediato es la serie televisiva “True Blood” creada por ese genio que es Alan Ball y donde se mezclará el genero fantástico con la comedia ácida y el drama, pero que por la huelga de guionistas, en cuya manifestación estuvo presente, parecer ser que se ha paralizado.
Para finalizar os dejo con unas fotos de la actriz desde su premio hasta día de hoy. Juzgad si merece mejor puesto en Hollywood del que posee hoy día. Desde aquí la reivindicamos como una de las mejores de su generación.

Te queremos Anna.