Batman/Batman Returns, de Tim Burton

Batman (1989)

Los años ochenta supusieron un cambio drástico para el personaje de Batman que vio como volvía a sus oscuros orígenes que le habían dado a conocer de la mano de Bob Kane en la revista Detective Comics y dejaba su imagen de icono pop colorista cuya máxima manifestación fue la interpretación de Adam West en la serie de televisión y film sesentero. Este cambio fue gracias a dos formas de expresión artística. En primer lugar al comic, del cual nació el personaje y que gracias a la publicación de “The Dark Knight” de Frank Miller, Batman renacía como personaje trágico y oscuro. En segundo lugar a la película realizada por Tim Burton a finales de los ochenta en que el personaje se enfundaba un traje negro, eliminando todo elemento cómico y colorista que apareciera en la celebre serie de los sesenta.
La Warner, propietaria de DC Comics, llevaba tiempo dando vueltas a la realización de una película sobre el hombre murciélago. Nombres como Joe Dante o Ivan Reitman fueron barajados para dirigirla. Sin embargo, fue el éxito de “BeetleJuice” la que puso a Burton en primera línea y como definitiva elección. El director doto a la historia de una atmósfera sombría ideal y realizó uno de los films más exitosos de cuantos se recuerdan.

La sinopsis de la película es la siguiente. En la ciudad de Gotham City el crimen está siendo cada vez más frecuente y aumentando. De entre las sombras aparece un misterioso ser murciélago que atemoriza a los delincuentes e imparte justicia. El jefe del crimen es Grisom, quien tiene a su servicio a un despiadada psicópata, Jack Napier, al que traicionara. Tras un encuentro con el murciélago, Napier caerá a un recipiente de productos tóxicos del cual renacerá bajo una nueva apariencia bufonesca con permanente sonrisa diabólica.

Así el film se convertía en una superproducción de superhéroes que enfrentaba al hombre murciélago con su villano más celebre en un ejercicio cercano al realizado años antes en “Superman”. Claro que con Burton de por medio no todo iba a ser igual. Lo que tendría que ser un simple enfrentamiento entre el bien y el mal representados por Batman y Joker le sirve a Burton para realizar un paralelismo entre ambos personajes.
Batman es un ser extraño, un siniestro personaje que combate el mal disfrazado de murciélago. Escondido bajo la capa tenemos a Bruce Wayne, un millonario reservado. El motivo por el que Wayne decide combatir el crimen es por haber asistido al asesinato de sus padres, hecho que le atormenta. Así tenemos que Batman nace de la tragedia, no de un mero capricho, es la forma que tiene Wayne de expresar su disgusto contra la sociedad del crimen. En el film el personaje nos es distante, misterioso, tal y como reclama que sea, tan solo apareciendo en momentos necesarios, sin ocupar todo el metraje, aunque planeando sobre el conjunto.
Joker por su parte ya era un criminal antes de transformarse en el bufón que es. Como Jack Napier era la mano ejecutora del criminal más importante de la ciudad, Carl Grisom. Una vez haya sobrevivido de los productos tóxicos y contemple su nuevo rostro Napier dejara de existir dando paso a un ser desquiciado y despiadado que ve en el crimen su única forma de existir. A pesar de su apariencia de payaso, Joker es un psicópata, capaz de los actos más aterradores que alguien pueda imaginar, aunque dichos actos sean realizados por el asesino como una broma pesada. Al contrario que Batman, el personaje de Joker aparece mucho más en pantalla, está mucho mejor perfilado y posee momentos mucho más brillantes. Esto no es solo a que lo interpretará Nicholson, sino a que por medio del Joker y sus actos Burton daba rienda suelta a su humor negro y otorgaba a la película una excesiva nota de color a través de los rojos y los verdes, los cuales se oponían al mundo que representa Batman, oscuro y lugubre.

Una de las licencias que se tomó Burton, en relación con dicha dualidad, y que fue muy criticada, es que Batman fuera creado indirectamente por el Joker veinte años antes, cuando este asesinó a sus padres. A mi siempre me ha gustado dicho punto de vista (será porque no soy un purista del comic), ya que enriquece al film y relaciona a los dos personajes creando entre ellos una cadena que empieza con el nacimiento del murciélago y da paso al Joker.
La trama de amor con Vicky Bale y las historias de periodistas quedan en un segundo termino, y es que esas partes siempre me han parecido fuera de lugar consiguiendo que la trama se relentizara.

Burton realizó aquí su primera gran superproducción con éxito. Momentos brillantes como son el principio en que Batman nos es presentado cayendo tras los delincuentes, el nacimiento del Joker con esa imagen pura de cine de terror como es la mano apareciendo de entre las aguas, la visita de Wayne al lugar donde mataron a sus padres, el flashback que relata el asesinato (magistral), el contrapicado en que Batman acaba de vestirse y mira hacía arriba para salir a su último enfrentamiento contra el Joker, y el enfrentamiento final en lo alto de la catedral de Gotham dotan a la historia de una gran riqueza visual. El plano final de Batman en las alturas contemplando su señal es un cierre de oro. La presentación de Jack Napier es muy inteligente, pues lo primero que nos muestra de él es su mano sosteniendo una carta. De la misma forma que existe simbología en cada ambiente de los protagonistas. Así el despacho de Napier posee cuadros de mujeres de piel blanca y labios rojos, mientras el mundo de Wayne posee cierta arquitectura y gótico.
La dirección artística es de lo mejor, pues consigue crear de Gotham una ciudad imposible de localizar en el tiempo, en que los hombres de negocios y los criminales visten, en homenaje a las viejas películas de gangsters de los años 30, elegantes trajes ataviados con sombreros mientras se ven rodeados de una arquitectura industrial gótica.
Como mención especial cabe citar los magistrales títulos de presentación que comenzaban ensombreciendo el logotipo de Warner Bros, nos introducían en lo que parecía un laberinto a medida que nos eran presentados los créditos de apertura, y terminaba siendo el logotipo del murciélago.

Desgraciadamente no todo es bueno, en parte debido al paso de los años que han hecho mucho daño a la película. Las secuencias de acción resultan torpes y bruscas, existe cierto desnivel en cuanto a las tramas quedando como principal la del Joker, planos que visualmente están muy conseguidos como son el del batplane deteniéndose en la luna no aportan nada a la trama.
De esta forma hoy debemos ver el Batman de Burton poniéndonos en situación, dirigiendo la mirada a el año 89, en que Prince batía records de ventas y vivía del éxito de “Purple Rain”, el cual le abrió las puertas para componer las canciones del film, que fueron más propagadas e hicieron sombra a la magnifica partitura de Elfman.

El reparto está formado por Pat Hingle como comisario Gordon, Michael Gough como el mayordomo Alfred, en la mejor interpretación que se ha realizado del personaje, Billy Dee Williams como Harvey Dent, tomándose otra libertad creativa. Jack Palance daba vida a Grisom de manera breve. En un principio debía ser Sean Young quien diera vida a Vicky Bale, pero afortunadamente fue sustituida por Kim Basinger como dama de la función. Los personajes fuertes están interpretados por Jack Nicholson y Michael Keaton. Bob Kane declaró que Nicholson había nacido para ser el Joker y su interpretación lo confirmó. Hoy día parece ser que es fácil discutir su interpretación pero es fidedigna a los comics en que el villano daba muestras de su locura a la vez que hacia el mal. Una vez entro en el proyecto Nicholson, la gente se tomo más en serio el film y rescribieron el guión para que tuviera más protagonismo, rematado con poner su nombre el primero en el cartel y en los creditos de apertura. Michael Keaton fue la nota discordante. Nadie lo veía como Batman ni como Bruce Wayne, y sin embargo para mi siempre ha sido la representación perfecta del personaje, sobre todo del enmascarado. Su rostro inmutable, lejos de las muecas que lo caracterizaban, es un acierto para dar vida a Batman. Mientras tanto su Bruce Wayne es una persona algo tímida que no le da importancia al dinero, el cual por otro lado le sobra.

Recuerdo el día que la vi en cine. Era un día frío el de su estreno y mis padres me llevaron de sorpresa. La sala estaba a reventar. Se apagaron las luces y la oscuridad nos envolvió. Puede que el paso de los años no se haya portado bien con ella pero en su momento fue un hito que vendió camisetas, gorras, pins, todo tipo de merchandising. Era una película de superhéroes diferente, lejana del tono alegre y vivo de “Superman”, oscura. Una de las primeras, y mejores, películas que contemplaron mis ojos en pantalla grande.
Hoy día esta de actualidad este film concretamente, ya que en su día fue el más taquillero del año por delante de “Indiana Jones y la Última Cruzada”. Pues bien, este año vuelve el personaje enfrentándose de nuevo al Joker en “The Dark Knight”, y a Indiana Jones en las taquillas.

Lo Mejor: Su ambientación. Posee escenas visuales impecables.

Lo Peor: Las canciones de Prince. Ha envejecido mal.

Batman Returns (1992)

Visto el éxito de la primera película La Warner reclamaba una secuela. En lugar ponerse de inmediato con ella, Tim Burton se puso a realizar un film más pequeño que acabaría convirtiéndose en una de sus mejores películas, “Eduardo Manostijeras”. Una vez finalizada y estrenada la cinta del hombre con tijeras en las manos se puso a trabajar en un secuela que no le apetecía. Para convencerlo de que la dirigiera le dijeron que en lugar tomársela como una secuela al uso de Batman, hiciera una película de Tim Burton, lo cual se tomó al pie de la letra.

La ciudad de Gotham se ve conmocionada ante la aparición de un hombre pingüino que busca a sus padres. Aclamado como un hombre de buen corazón, el ser sé presentará como alcalde apoyado por uno de los hombres mas influyentes de la ciudad, Max Shreck. A su vez una misteriosa mujer gato ronda por los callejones. A ellos tendrá que hacerles frente el hombre murciélago.

Para la segunda aventura del murciélago decidieron contar con dos villanos celebres del heroe. La publicidad de la película rezaba “The Bat, The Cat and The Penguin”, por lo que Burton había decidido contar con los tres personajes con característica animal de los comics para narrar la historia, la cual se centraría en cada uno de ellos, en especial en los dos nuevos.
Batman volvía a ocupar pocos minutos en comparación con sus enemigos a pesar de tener más tiempo en pantalla en comparación con la película previa. En esta ocasión el justiciero enmascarado sentirá cierta atracción fatal por la felina enfundada en cuero a quien persigue y encontrará sentimientos contradictorios a la hora de llevar a cabo su deber. Por si esto fuera poco el murciélago será convertido en enemigo del pueblo por parte de los dos nuevos miembros de la fauna de Gotham.
Catwoman es una femina que lucha por tener su sitio en un mundo dominado por los hombres. Desea imponer su ley a base de zarpazos y sensualidad. Tras su máscara se esconde una mujer que ha tenido poca suerte en la vida, en especial con los hombres, y a la que un fortuito accidente la convierte en atrayente felina.
El Pingüino es el mejor personaje y el que mejor representa el universo Burton. En los comics el personaje no era más que un tipo gordo que vestía traje de pingüino y poseía una larga nariz, además de portar paraguas y sombrero de copa. Burton decidió dotarlo de un aire de melancolía y tristeza, llevando al personaje a poseer una historia trágica que nos hace sentir compasión hacia él. Abandonado por sus padres es criado por pingüinos en las alcantarillas, con el paso de los años decide darse a conocer para descubrir su procedencia y perdonar a sus padres. Sin embargo su vida delictiva con sus compañeros del circo del triangulo rojo le marcan y es rechazado por la ciudad. Hay dos referencias literarias en la historia del pingüino. La primera la de Moisés, pues como él, el personaje es arrojado a un río en un cesto por sus padres. La segunda a “El flautista de Hamelin” al vengarse de todos los que le han rechazado y dado la espalda robándoles a sus hijos. Además de esto, se nota que Burton le tiene especial simpatía por el aspecto que tiene. Sus ojos ensombrecidos, su paraguas con espirales blancas y negras, rematado con el prototipo de persona inadaptada entran dentro del mundo del director.

Ya no solo Batman posee un elemento trágico sino también sus enemigos. Hay que citar a un personaje más, el villano por excelencia de la película. Max Schreck. El prohombre que ansía abrir una planta que proporcione energía a la ciudad, aunque sea escondiendo trapos sucios. Él convierte a su ayudante, Selina Kyle, en Catwoman al lanzarla desde lo alto de su edificio, y convence al Pingüino para que se presente a las elecciones de alcalde, por lo que ambos no es que sean malos por naturaleza sino porque la sociedad les ha maltratado y se sienten en contra de ella. De nuevo vemos en el personaje referencias burtonianas en los pelos y en las vestimentas, en especial en un traje de rayas similar al de Bitelchús.

Como vemos, solo por ciertos detalles que he comentado en las vestimentas, está película posee el estilo característico de Tim Burton. Apenas existe el color como en la previa, aquí predominan los colores oscuros con cierto toque blanco debido a la época del año en que está situada ,la Navidad. Esa época del año parece que le sienta bien al director para narrar historias oscuras, pues el ambiente navideño ayuda a que la trama posea más dramatismo. Para no repetir situaciones ni lugares conocidos se cambió completamente de decorados convirtiendo Gotham en esta ocasión en una ciudad moderna adornada con grandes estatuas. De nuevo cada ambiente es acorde al personaje que pertenece, así, por ejemplo, Selina Kyle pinta su rosado apartamento de negro cuando se transforma en Catwoman, o el edificio de Schreck posee como emblema un gato, imagen acorde con el personaje que nacerá de su interior.
La dirección es superior que en la primera. Ya de entrada Burton nos regala un prologo mudo magistral que nos relata el nacimiento del Pingüino y su posterior abandono, narrado a ritmo de la brillante partitura de Elfman, que esta vez no vio ensombrecido su magnifico trabajo por ningún cantante de fama. La forma en que aparece por primera vez Bruce Wayne, levantándose de su sillón y apareciendo sobre él el emblema del murciélago. El nacimiento de Catwoman es antológico, vemos como se van acercando los gatos, van lamiendo el cuerpo de Selina y la hacen volver a la vida. Una de las escenas más impactantes por su dramatismo es el funeral del Pingüino por parte de sus familiares, que lo conducen al agua a descansar en paz. Las secuencias de acción funcionan mejor que en la anterior, a pesar de seguir teniendo detalles bruscos.
La película posee además algo de lo que carecía la anterior, erotismo y detalles grotescos. Lo primero está personificado en la figura de Catwoman, vestida cual sadomaso protagoniza secuencias de lo más subidas de tono sin quitarse una prenda como son el “besito” bajo el muerdago que le da a Batman y su particular baño delante de el Pingüino. Los detalles grotescos se ven más personificados en el Pingüino con momentos como su apetito hacia el pescado y narices ajenas, o su fatídica muerte, en que su rostro emana sangre oscura.

Michael Keaton volvió a encarnar al héroe enmascarado de manera convincente. Christopher Walken dio vida a Max Schreck, el verdadero villano de pelo canoso que no duda en arriesgarlo todo por salvar su vida, incluso a su hijo. De nuevo Sean Young apareció en la lista de candidatas para Catwoman y la actriz, ansiosa por el papel, se presentó en la oficina del productor vestida del personaje y realizando una peculiar interpretación. En principio estaba concertada Anette Benning para realizar el papel, pero su embarazo se lo impidió, poniendo al equipo en busca de una sustituta urgente. Por suerte apareció Michelle Pfeiffer, que realizo la personificación viva del personaje. Nadie podrá hacer otra Catwoman mejor. Lo mismo que no existirá un Pingüino tan memorable como el que dio vida Danny DeVito, que se metió en la piel del personaje a conciencia. De nuevo Michael Gough volvió a encarnar a Alfred y Pat Hingle al comisario Gordon, aunque de forma anecdótica este último.

La película fue otro éxito de taquilla que sin embargo obtuvo mala acogida entre la critica y entre el público que esperaba ver otra igual que la anterior y se encontraron con una película no apta para niños. Dicha respuesta hizo que Burton fuera apartado de la saga, la cual seguiría por unos derroteros bastante olvidables en manos de Joel Schumacher.
Burton implanto su estilo en cada secuencia consiguiendo una película superior a la original.

Lo Mejor: El estilo Tim Burton se palpa mucho más y funciona muy bien dentro de la historia. DeVito y Pfeiffer. La música.

Lo Peor: Siguen fallando algunas secuencias de acción y ciertos detalles de guión.

Los 4 Fantásticos y Silver Surfer, de Tim Story

Reed Richards y Sue Storm están a punto de casarse, pero una nueva amenaza llega a la Tierra, y los 4 Fantásticos tendrán que detenerla.

Antes de nada decir que no soy un acérrimo lector del grupo Marvel en que se basa esta película, pero si he leído alguna que otra historieta y debo reconocer que como adaptación es correcta en cuanto a realizar chistes malos de los que hacían gracia por los años 60, pero que hoy día han dejado de tenerla. Tengo que confesar que yo a la primera parte la defiendo levemente como producto de consumo rápido que es y porque iba sin pretensiones, además de que me entretuvo. Pues bien, la secuela que tenemos aquí repite el esquema de la anterior con la única diferencia de introducir un personaje nuevo que parece ser el villano, y no es más que un pobre que obedece ordenes de una nube gigantesca que se elimina planetas (forma absurda de ahorrarse la creación de ese gran personaje que es Galactus).

Si en la anterior se nos narraba las dificultades que tenían los héroes para adaptarse a sus poderes, cómo Reed se debía declarar a Sue, Johnny haciéndose el chulo, y Ben Grim con problemas debido a su nuevo estado, aquí se nos presenta el mismo esquema. En lugar de dar el paso de pedir de salir a Sue, ahora Mr. Fantastico debe dar el paso al matrimonio, Ben sigue siendo el coleguita del elastico y teniendo sus piques con Johnny, el cual es el que tiene ahora los problemas de adaptación al ser tocado por Estela Plateada, lo cual le impide tocar a nadie puesto que cambiaria las habilidades.

Me parece muy bien que repitan el esquema si les funciono, ahora bien podrían haberlo hecho de otra manera, como por ejemplo con más dramatismo y no metiendo chistes fáciles en momentos supuestamente dramáticos, como cuando Johnny está cayendo a la tierra y, en lugar de mostrarlo hundido, lo muestran frente a un camello. Y es que en lugar de hacer una secuela superior (cosa que había hecho “Spider-Man”), hacen una secuela que no avanza nada en lo anterior contado, y que, para demostrarlo, dura menos de hora y media. Es más, recuperan al Dr. Doom (era de esperar) para aparecer el hombre como aparecía en la anterior, o sea en plan humano sin rasguños, cosa que se sacan de la manga en su encuentro con el heraldo. Es una pena que un personaje tan carismático dentro del Universo Marvel sea tan maltratado en el cine, porque si hubieran sido inteligentes, en esta ocasión se lo hubieran ahorrado, se habrían centrado más en Estela Plateada y Galactus seguramente habría aparecido aunque solo fueran 5 minutos. Lo mejor de la película es, sin duda, Estela Plateada, aunque sus apariciones son breves, son lo que hace que la película no aburra en extremo, y encima suelta las mejores frases del film con más naturalidad que el cuarteto protagonista.

Elegir a un director con tan poco personalidad cinematográfica como Tim Story no sé a quien se le ocurriría, pues el hombre repite incluso secuencias que ya estaban en la anterior (allí un rescate en el puente de Brooklyn para aquí ser un rescate igualito en Londres). No aporta nada de tensión a la historia, salvo los momentos del Heraldo sobre su tabla, o el prologo, pero eso a más para los de Fx, porque vamos creo yo que el presupuesto (150 millones de $) se lo han fundido solo en hacer al personaje plateado.

Del reparto poco que decir. Reconozco que Chris Evans me gusta como Johnny Storm, le aporta esa prepotencia y chulería que la Antorcha. Ioan Gruffud no me pega como Mr. Fantastico, pero como la esencia del personaje se la han cargado, el hombre hace lo que puede. Michael Chiklis vuelve a ponerse su traje de goma naranja y a pasar claustrofobia. Jessica Alba no es Sue Storm por mucho que quieran vendernos, a pesar de tener unos bonitos ojos gracias a las lentillas. Julian McHamon seguro que no quería pasar el suplicio del maquillaje y pidió que su personaje tuviera la misma apariencia que en la anterior y unas frases estupidas. Doug Jones con su cuerpo y Laurence Fishburne con su voz prestaron su talento para crear a Estela Plateada, que exige ya una película en solitario.

Lo mejor: Estela Plateada. La Partitura de John Ottman. Es corta.

Lo Peor: Es igual que la anterior. El Dr. Doom.

El Motorista Fantasma, de Mark Steven Johnson

Johnny Blaze es un joven que hace un pacto con el diablo para salvar la vida de su padre. Años más tarde el diabólico Ser volverá para exigirle a Johnny el pago de dicho pacto: convertirse en su secuaz montado en moto para acabar con Blackheart y sus secuaces.Nueva adaptación de un personaje Marvel, y van….. En esta ocasión se adapta un personaje más secundario dentro del mundo de los comics, aunque no por ello desconocido. La figura del motorista con el craneo llameante es una de las figuras más conocidas por los amantes de Marvel, pero que no llega al nivel de Hulk o Spider-Man.
Para llevar a la pantalla dicho personaje los ejecutivos de Marvel y Columbia contrataron a Mark Steven Johnson, quien ya se encargo de llevar a la pantalla a otro miembro de la familia con resultados más que desastrosos: “Daredevil”. Esto ya hacía esperar una película deficiente y un hurto al personaje. La incorporación de Nicolas Cage, gran fan de los comics, dio un poco de esperanza.

La historia del film no puede ser más simple, pues es el mito de Fausto readaptado para la ocasión, con mucha acción, mucho fuego artificial y poca profundidad. Sin embargo lo que queda bien para un serial de comics queda espantosamente mal en película, consiguiendo Steven Jonson superarse a sí mismo y desbancar a “Daredevil” de la peor película basada en un Héroe Marvel.
Ya no solo hablo del argumento, que bien desarrollado habría dado para una peli maja de Serie B, sino de los absurdos diálogos y situaciones que ocurren en el film. Porque vamos, esa conversación Cage-Mendes tras muchos años sin verse y la posterior conversación montados en sendos vehículos es digna para entrar en el podio de peores diálogos de la historia del cine.
Johnson no solo vuelve a dirigir, mal, una película basada en un comic sino que se plagia a sí mismo, ya que la historia entre Johnny Blaze y su padre es idéntica a la de Matt Murdock con el suyo, padre, no especialmente modelo, con problemas personales pero que es un héroe para su hijo y que es el motivo por el que luche contra el mal. Al menos podría haberse esmerado un poco en la planificación o la relación padre-hijo.
Ahora hablemos un poco de los villanos. Los malos del film son diablillos que vienen a la tierra que vienen en busca de no se qué objeto que nos interesa más bien poco. El lider, Blackheart, es el hijo de Mephistopheles, quien planea gobernar el mundo y el inframundo. Menos mal que aquí hay otra historia padre-hijo, el diablo padre no quiere que su hijito se haga con el poder porque es muy travieso. Total que está hecho un diablillo (si de tal palo…). Para detenerlo nadie mejor que el joven Blaze, con quien Meohistopheles hizo un pacto y a quien le ordenará detenerlos. Para eso le pone una nueva armadura, o mejor dicho, le priva de piel carnal para dejarlo en los huesos y que así dé más miedo, y le regala una super-moto endemoniada que mola mucho. Por tatno nos encontramos con un diablo miedica que no es capaz de cantarle las cuarenta a su hijo sino que tiene que mandar a la niñera. Si es que las relaciones paterno-filiales dan mucho juego en Hollywood.
Por supuesto no nos olvidemos de la maravillosa historia de amor entre Johnny Blaze y Roxanne. Lo de ellos no es química sino física, porque ella…. Vamos, no tiene más que aparecer para calentar a Blaze y que le arda la cabeza.
Las escenas de acción y los Efectos Especiales podrían considerarse lo mejor de la cinta, a pesar de ser de serie B.De los actores poco se puede decir salvo que por ahí salen Wes Bentley, Sam Elliot y Meter Fonda que seguro estaban de vacaciones y no tenían nada mejor que hacer. Eva Mendes pasea felizmente su palmito, lo cual hace más llevadero el visionado de la cinta. Nicolas Cage puede estar satisfecho, ya que ha conseguido participar en una adaptación de comic y ridiculizarse a sí mismo, con ese dedo apuntando a lo “Corazon Salvaje” y esa frase que seguro le costó recordar “No se puede vivir con miedo” prestada de su amigo “Daredevil” que para algo es el hombre sin miedo.
Lo peor es que ha amortizado lo que ha costado y ha obtenido beneficios, lo cual nos lleva a la conclusión de que habrá secuela.

300, de Zack Snyder

S. V antes de Cristo. Una guerra inminente se prepara entre Grecia y Persia. Esparta, con Leonidas reinando, niega agua y tierra a Persia. Tras poco tiempo de meditación el rey decide partir a las Termópilas para enfrentarse al ejército de Xerxes y ganar tiempo para que Grecia tome la decisión de mandar a sus ejércitos contra los persas.Esperada adaptación de la novela gráfica de Frank Miller que desarrolla la batalla de las Termópilas de manera épica y brutal.
Miller comenzó a interesarse por el tema cuando vio la película “El León de Esparta” de Rudolph Maté, convirtiendo la batalla en una obra de culto dentro del mundo de las novelas gráficas. No debemos olvidar que Miller es uno de los autores más representativo del comic en la última etapa del S. XX , gracias a él Batman y Daredevil alcanzaron una nueva etapa y nos llegaban las historias de “Sin City”. El éxito de la adaptación cinematográfica de esta última animó a Hollywood a llevar a la gran pantalla el comic de Miller sobre la batalla de las Termópilas.
El director elegido para la empresa fue Zack Snyder, realizador que consiguió meterse en el bolsillo a crítica y público con su remake de “Amanecer de los muertos”. Snyder creó una gran expectación sobre el proyecto en Internet y diferentes medios (Comic-Con), en los cuales mostraba imágenes de lo que llevaba rodado con el objetivo de conocer las opiniones de los fans incondicionales de la obra de Miller y no decepcionar.

La película es un festín visual para todo amante de las aventuras épicas. Ya desde el principio en que se nos muestran las costumbres espartanas con los niños (si nacen deformes los eliminan pues no sirven para el Estado) vemos el poderío visual del film. Como ya hiciese Robert Rodríguez en “Sin City”, Snyder coge el comic de Miller y lo sigue al pie de la letra convirtiendo sus páginas en un storyboard al conseguir trasladárlo a la gran pantalla. Esto puede resultar bueno o malo, según como se mire. Pues, igual que en “Sin City”, los primeros minutos resultan impresionantes, impactantes, pero a medida que avanza la cinta el efecto va disminuyendo. Y es que trasladar un comic de manera literal al cine es un arma de doble filo, por un lado contentara a todo fan de la obra gráfica, pero por otro puede irritar a más de uno que no siga el juego. Aún así nadie negará que el acabado es realmente rico.
Con respecto a la historia, siempre se ha dicho que “300” no es histórica como pueden ser “Troy” o “Gladiator” (películas cuya rigurosidad no es que sea excesiva), sino una lectura de los hechos de manera heroica y brutal. Así pues los espartanos se nos muestran de forma heroica, valientes y fuertes (todos con unos musculos muy marcados para que nos dejen bien lo mucho que se entrenaban desde niños), invencibles en la batalla, no en vano han sido adiestrados desde los 7 años para luchar. Entre ellos existe un vínculo de sangre que los hace convertirse en uno solo en el campo de batalla. Leonidas es el gran héroe, el Rey, un hombre que desafía a sus consejeros marchando a las Termópilas con 300 hombres para combatir a Xerxes. En Esparta deja a su mujer y a su hijo, a quien puede que nunca vuelva a ver. Lo soldados que le siguen saben que van a una batalla sin retorno, pero el hecho de morir junto a su Rey ya es suficiente como para ir.
Si los Espartanos se nos muestran machos y guerreros, no se puede decir lo mismo del villano de la función, el Rey Xerxes, pues es representado de manera caricaturesca en plan Reina de Carnavales de Rio de Janeiro (no me extraña que se hayan ofendido los países árabes), y con una voz entre masculina y femenina. Claro que no hemos de olvidar de nuevo que estamos ante un comic, una ficción que trata un hecho histórico y no es extraño encontrarnos con personajes imaginarios, como ese jorobado con cruce de Gollum o el monstruoso esbirro de los Inmortales.

El plato fuerte del film, o al menos eso parece, son las grandes batallas que se cuecen en las Termópilas. Digo en apariencia porque si cogemos la primera y la segunda batalla y las comparamos vemos que es la misma solo que con más soldados en el bando persa. Estamos asistiendo a un videojuego en donde la cámara va a ritmo normal, pasa a lenta y de repente a ritmo vertiginoso con acordes de guitarra eléctrica de fondo. Una bonita publicidad para ir abriendo boca para el videojuego oficial. Claro que hay peleas verdaderamente brutales y sangrientas dignas del espectador más exigente, por supuesto si dicho espectador está ansisoso de hacerse con la Playstatio3.
Por suerte el film contiene algunos momentos épicos que merecen la pena ser recordados, como son la contemplación de Leonidas de la flota persa con la lluvia torrencial siendo detenida por su escudo, la muerte de uno de los miembros de los soldados a ojos de un ser querido, o el tramo final en que la batalla toca a su fin. Sin embargo, los que para mi son los mejores momentos del film son aquellos que poseen una cierta poesía visual como la despedida de Leonidas de su mujer e hijo (momento copiado integramente de “Gladiador” en la puesta en escena y la música); la premonición del oráculo; o el arrodillamiento del Rey de Esparta ante Persia.
Parece ser que Snyder quiere homenajear (¿o copiar?) a ciertos films de corte épico en diferentes tramos, y no solo a “El León de Esparta”. La historia de la Reina ante el Senado y todos sus momentos con Leonidas nos recuerdan a “Gladiator” (con música similar incluida), un plano es casi idéntico a “Hero”, y las batallas de grandes masas podrían pasar por cualquiera de “El Señor de los Anillos” pero más bestias. No he leído el comic de Miller pero me han entrado ganas, no vaya a ser que lo hayan copiado a él los films citados.

La película es narrada en voz en off por uno de los soldados de Leonidas. El uso de dicho recurso recuerda de nuevo a “Sin City”, claro que en aquella ocasión eran los pensamientos de los protagonistas, mientras que aquí se nos relata lo que vemos en pantalla, lo cual me parece innecesario. Por no hablar de la “originalidad” de los diálogos, todo un festín para todo aquel que quiera dedicarse a guionista, pues los hay con doble sentido y todo.
La música de Tyler Bates encaja perfectamente con las imágenes, sin embargo no compone todo original, pues la marcha principal es una copia de la que creara Elliot Goldenthal para “Titus”. Sí consigue acompañar a las imágenes en todo momento, como los anteriormente citados entre Leonidas y su mujer, o el usar guitarra eléctrica en las batallas de forma que se consigue un efecto más brutal, y chocante.
De entre el reparto destaca Gerard Butler como Leonidas, actor que aporta carisma al Rey Espartano y cuya carrera parece que ascenderá tras este film. Rostros de producciones épicas como David Wenham (Faramir en “El Señor de los Anillos”) o Dominic West ponen su rostro a miembros de Esparta con diferentes objetivos.

Aceptable adaptación de la novela gráfica de Frank Millar, ideal para una tarde de domingo acompañado por palomitas y refrescos. Aún así, yo me sigo quedando de lejos con “Sin City”.

La Saga del Mes: X-Men

Inicio una nueva sección en mi blog, que espero pueda realizarla mensualmente. Intentaré comentar una Saga al mes. Debido a mi reciente adquisición en DVD (larga vida al formato) de “X-Men: La Decisión Final” he decidido comenzar este nuevo apartado por la Saga de los mutantes.X-Men (2000)

En un futuro no muy lejano el genoma humano ha sufrido una considerable evolución descubriendo en diferentes seres rasgos especiales. Entre las personas que poseen dicha característica se encuentra Pícara, una joven que no puede tocar a nadie, pues le provoca la muerte. En una huida hacia la soledad se cruzará con Logan, un ser tan peligroso como ella, en quien verá un amigo. Ambos llegarán a unirse a los miembros de los “X-Men”, un grupo de mutantes que buscan la igualdad con los humanos y combaten a otro mutante que desea la supremacía de la especie, Magneto.

Cuando se anunció la realización del film sobre los mutantes más famosos de la Marvel a finales de los 90, muchos nos alegramos en extremo (en mi caso porque me enganché a la sensacional serie de animación de principios de los 90). Iba a ser la primera gran producción sobre un famoso comic de Marvel, aunque dos años antes, en 1998, se había llevado a la gran pantalla con éxito “Blade”, pero el comic en que se basaba no era tan conocido como el de “La Patrulla X”, y mucho menos en España. Recordar que previamente (en los 80 y principios de los 90) ya se habían realizado productos de serie B sobre personajes Marvel como Spider-Man, El Castigador (con Dolph Lundgren) o La Masa (con Lou Ferrigno).
El proyecto no carecía de dificultad, pues no solo era trasladar uno de los comics más conocidos de la casa de Stan Lee, sino que se trataba de llevar a la pantalla un extenso grupo de personajes que forman el universo X. Esto no era como “Spider-Man” ( proyecto que estaba en espera por aquel entonces), en que el protagonista es un solo superhéroe, aquí hablamos de varios miembros con diferentes poderes y personalidades. Además hay que añadir que el público dio la espalada al género de superhéroes, sobre todo cuando Schumacker realizó “Batman & Robin”, pues veían todas las historias trilladas, aburridas, sin ninguna novedad, mas que poner más colores a los films del hombre-murcielago. Gracias al éxito de “Blade”, la película costó poco y recaudo una suma considerable que dio pie a dos secuelas más, la Marvel se lanzó a dar luz verde al proyecto de “X-Men”, con la FOX como productora y distribuidora.

El anuncio de la realización fue todo un acontecimiento dentro de la comunidad de fans de los mutantes, que ya imaginaban a sus personajes favoritos en la gran pantalla dando truños a tutiplé. Sin embargo, las ansias se calmaron, o mejor dicho clamaron en cólera al conocer detalles del proyecto. No iban a aparecer todos los miembros deseados (Bestia, Ángel, Gambito quedaban fuera); El film iba a costar 75 millones de $, relativamente poco viendo que la media de una superproducción espectacular cuesta 100; el directo elegido fue Bryan Singer, aclamado por su sensacional película “Sospechosos Habituales”, pero que enfadó a los fans admitiendo no haber leído ningún comic (cualquiera lo dice ahora); el reparto estaba lleno de nombres jóvenes como Anna Paquin como pícara, Halle Berry como Tormenta, o Famke Janssen como Jean Grey, sin quitar merito a sus respectivas carreras (aunque de ellas tan solo tenía un Oscar Paquin en ese momento) la elección parecía equivocada e insatisfactoria para los fans (recordemos que Pícara en el papel era una chica de muy buen ver y no una niña). Cíclope sería interpretado por James Marsden, otro joven actor salido en series de televisión.
La elección de Lobezno, personaje mítico dentro del Universo Marvel, no estuvo tampoco exenta de discusión. Desde el principio se tuvo claro que debía ser un rostro desconocido. En primer lugar se eligió a Dugray Scott para interpretarlo, pero problemas de fechas que obligaban al actor a comprometerse con el rodaje de “M-I:2” llevaron a los productores a buscar un sustituto urgente. El elegido fue un actor australiano desconocido llamado Hugh Jackman, que tampoco sabía nada de en qué mundo se metía.
Los rostros más conocidos eran los de Ian McKellen como Magneto, otro choque más, pues el villano, aún siendo mayor posee en los tebeos una presencia prominente, con musculatura. Patrick Steward como el Profesor X fue la única elección no discutida, pues desde que pilotaba el Enterprise con su calva se le veía con dotes de mando.

El estreno se estableció para Verano de 2000, época en que las superproducciones llegan sin parangón. Sin mucha publicidad sobre el rodaje, cómo si hicieron otras producciones que competían con ella como fueron “La Tormenta Perfecta”, “M-I:2”, o “Gladiator”, la productora lanzó el teaser trailer Abril, relativamente tarde. El breve anuncio no dejaba un respiro a los espectadores, y anunciaba el comienzo de la evolución terminando con las garras de Lobezno apareciendo en pantalla. Un breve pero intenso anticipo que llenaba de ansías a los fans y les quitaba el miedo que tenían sobre la forma en que se había hecho la película. El segundo trailer, ya más extenso, no hacía más que afirmarlo, se nos planteaba un discurso moral sobre los mutantes dentro del mundo de los humanos, rodeado de imágenes espectaculares en donde se nos mostraban a los protagonistas en acción y nos demostraba que la elección de elenco no era del todo equívoca por el momento.
El día 4 de Julio, día de la Independendia Americana, llegaba a las salas yanquis la película de “X-Men”, cuya premiere se realizó en un lugar que tiene vital importancia en el film como es la Isla de Ellis. Los espectadores, en su mayoría fans fueron con las garras afiladas para lapidar a Singer en caso de haber destrozado tan glorioso Universo, incluso Kevin Smith estaba entre ellos como buen friki. Por suerte para todos, Singer había realizado una excelente película basada en un comic Marvel, y una notable película de Ciencia-Ficción que se podía disfrutar igualmente si no se conocía a los personajes.

El film no era el típico de acción basado en un comic como muchos afirmaban que era. La película posee un discurso sobre la tolerancia. Los mutantes no son sino seres discriminados por una sociedad que teme lo que no conoce, llegando el problema a las altas esferas del Gobierno. Desde el principio siempre ha habido discriminación en el mundo, odia entre personas diferentes. No hay mejor prueba de ello que cómo empieza la historia cuando, en 1944, un joven Eric Lensherr (Magneto) ve como sus padres son llevados junto con él a un campo de concentración alemán por ser judíos. Empezar con una secuencia del holocausto nazi en lo que, se supone, es un film palomitero para todos los públicos da que pensar. Nos están hablando en ese momento del enfrentamiento entre una raza y otra (la aria y superior contra la judía e inferior), en una época oscura de nuestra historia. Años después, en lo que se supone es un futuro cercano, la relación entre personas no ha cambiado, viendo a seres diferentes (mutantes) como una raza peligrosa a la que hay que detener antes de que se expanda.
Dentro del grupo mutante nos encontramos, a su vez, con dos puntos de vista. Por un lado el de Charles Xavier que ve la posibilidad de convivir humanos y mutantes en un mismo mundo, tan solo hay que darles tiempo para comprender. Por otro lado está Magneto, el joven que sufrió las represalias de los nazis en su juventud, y que siempre ha sido tratado como un ser inferior. Ahora ha llegado su momento de demostrar su supremacía y la de su especie, comenzando junto con su Hermandad de Mutantes una guerra contra los que quieren dominarles (entre los que se encuentran y tienen más voz el Senador Kelly). Ambos, amigos en el pasado, se enfrentan en un combate por demostrar quién lleva razón, pero los actos de Magneto alcanzan el terrorismo, y Xavier no ve más solución que interponerse en su camino.

Como adaptación no podría ser más fiel, inteligente y original. Consiguiendo capturar la esencia de la mayoría de los personajes, Singer realiza un film fresco, elegante, con secuencias de acción bien realizadas (Magneto frente a la policía hablando con Xavier; la pelea entre Mística y Lobezno) y condensando la historia en unos breves, pero suficientes, 95 minutos.
La puesta en escena está muy cuidada con interesante escenarios, en donde se ven varias X insertadas en la arquitectura, y con secuencias inteligentemente planificadas. Los decorados están muy conseguidos, en especial la sala Cerebro y las instalaciones X, abundando el estilo futurista azulado. Las escenas de acción no abundan, pero las que hay son de agradecer pues no son de pega como otras producciones en las que es una obligación, sino que aquí son justificables gracias a la trama.

La presentación de los personajes principales es otro acierto, pues tanto a Xavier, como a Magneto se les presente entre sombras asistiendo a la conferencia sobre los mutantes para después mantener una charla en un pasillo frío y cristalino. En dicha secuencia es de aplaudir como sencillez y elegancia van cogidas de la mano, y cómo en un sencillo juego de plano-contraplano Singer construye una escena en que se nos descubre la psicología de cada personaje y su relación, así como también lo hace en una magistral escena final que nos deja con la miel en los labios y nos avanza lo que vendrá, con ambos personajes jugando al ajedrez en la cárcel de plástico.
El personaje de Lobezno se nos presenta entre sombras, de espaldas, en una jaula como el animal que es. Una gran presentación. Es el personaje más cuidado de todos, y junto con Xavier el más fidedignamente representado. Con amnesia que le impide recordar gran parte de su pasado, entre lo que se encuentra cómo le implantaron en su esqueleto el irrompible metal “adamantium”. Posee el mismo mal carácter que en los comics y su mismo buen gusto por los puros.
Pícara es otro personaje cuidado, pues sobre ella cae mucho peso de la historia al enfrentarse al dilema de vagar por el mundo sin encontrar nadie que la entienda. Su única esperanza es Lobezno, en quien verá un amigo y protector, comenzando una amistad que la chica cree interpretar como otra cosa.
Sobre el resto mencionar que Cíclope, Tormenta y Jean Grey son secundarios con intervención en las secuencias de acción al final, esto daba pie a pensar ya en una secuela. De los villanos tan solo Mística posee una personalidad propia como Magneto, Dientes de sable es un luchador de Presing Catch con rasgos felinos y Sapo es Darth Maul (Ray Park) con lengua extralarga (incluso repite los mismos movimientos en combate que en “La Amenaza Fantasma”). Mencionar la aparición de personajes como el Hombre de Hielo, que comienza una relación de amistad con Pícara, Pyro, o Gata Sombra, personajes que tendrían más protagonismo en las secuelas.

Los Efectos Especiales no son los protagonistas de la función, sino que están al servicio de la historia, como debe ser. Además no se abusa de ellos más que cundo es necesario (el final en la Estatua de la Libertad).
La Banda Sonora fue compuesta por el difunto Michael Kamen, quien desgraciadamente no consiguió llegar al espíritu de los protagonistas. Su composición es como la película, un preludio para algo mucho mayor que estaba por venir. Desgraciadamente no pudo continuar el tema principal que aquí presentaba tímidamente, pues en la secuela sería sustituido por John Ottman.
El reparto estuvo a la altura de las circunstancias, callando las voces que se alzaron en un principio, y consiguiendo que lo que veíamos en pantalla diera sensación de realidad, de estar viendo una película de ciencia-ficción y no una de fantasía inspirada en un comic.

Bryan Singer alcanzó un gran éxito con este film, consiguiendo que “X-Men” fuera considerada por los amantes de los tebeos como la mejor adaptación de un comic jamás realizada. Gracias a este éxito no solo seguiría la franquicia mutante, sino que las productoras de Hollywood comenzarían a realizar adaptaciones de comic anualmente, y abundantemente, pues posteriormente vendrían “Spider-Man”, “Hulk”, “Daredevil”, “Los 4 fantasticos”, etc…. Pero “X-Men” tiene el privilegio de haber sido la primera superproducción Marvel consiguiendo un resultado inmejorable como primera película.

7/10

X-Men:United (2003)

El debate sobre los mutantes prosigue. El Presidente de los Estados Unidos es atacado por uno de ellos, lo cual beneficia al militar y científico William Stryker a conseguir una autorización para poder entrar en la Mansión de Xavier y capturar a varios de sus alumnos. Sin embargo, sus verdaderos fines son más macabros. Los X-Men tendrán que luchar contra él uniendo sus fuerzas a las de Magneto y Mística.

Tras la buena taquilla cosechada por la primera entrega estaba claro que iba a realizarse una segunda parte, es una norma de Hollywood. Para esta primera secuela, la productora FOX no escatimó tanto en medios como para realizar la primera, de unos 75 millones que costó “X-Men” pasaron a unos 120 de presupuesto para esta, una cifra muy considerable. El equipo volvería a ser en su gran mayoría el mismo tras los buenos resultados cosechados, la gente no admitía tras la cámara a nadie que no fuera Singer tras su buena labor mutante.
Como toda buena secuela, y dado el generoso presupuesto, se decidió realizar un espectáculo visual más rico que el anterior y añadir varios personajes nuevos. Desde el principio se anunció la incorporación de Rondador Nocturno y la importancia que iban a tener otros personajes que ya vimos en la primera.
El estreno se fechó para el 5 de Mayo de 2003, compitiendo casi directamente (con una semana de diferencia) con la que, se suponía, iba a ser el boom del verano “Matrix Reloaded”, sin embargo Singer siempre mostró calma y confianza en el trabajo que estaba realizando.

La película se estrenó en la fecha prevista y volvió a ofrecer un espectáculo acercándonos de nuevo al Universo Mutante Marvel. Con una diferencia, y es que esta vez, y como secuela que era, no se debía detener en presentar a la mayoría de los personajes, sino más bien en desarrollarlos un poco más. Así pues Tormenta o Jean Grey pasaban a tener más protagonismo (en el caso de Berry se debió a sus exigencias al estudio y a su reciente Oscar) haciendo más gala de sus poderes que en la primera parte, el Hombre de Hielo se convertía en pareja de Pícara, quienes iban acompañados de Pyro, capaz de manipular el fuego y al que le gusta fanfarronear, pues cree tener una capacidad superior que el resto de sus compañeros. Desgraciadamente, y esto nunca ha contentado a los fans, Cíclope quedaba en segundo plano, como protector del Profesor.
Sobre los nuevos, decir que enriquecieron la trama. Rondador Nocturno se nos presenta al principio (en una espectacular primera secuencia de ataque contra el Presidente en la Casa Blanca a ritmo del “Réquiem” de Mozart) como un personaje hostil para después descubrir que es un personaje atormentado y espiritual, abrazado a la Fe, donde busca el perdón de Dios. Ciertamente es una contradicción el ver a criatura tan diabólica en aspecto (piel azul, cola y cuernos) ir con un rosario y rezar para exculpar sus pecados.
La trama seguía insistiendo sobre el dilema acerca de la sociedad mutante en el mundo de los humanos. En esta ocasión se nos muestra la discriminación por un punto de vista más cercano, como puede ser el de la propia familia. El personaje de Bobby Drake (Hombre de Hielo) oculta a sus padres su verdadera condición de mutante diciéndoles que está en un colegio privado, sin embargo se vera en la obligación de decírselo cuando se oculte en su casa, junto con otros miembros X, y ellos no lo acepten del todo. Se puede decir que desde que lo saben le dan la espalda y lo entierran (su hermano llama a la policía alegando que los tienen secuestrados).
El personaje de Bobby Drake nos sirve para hablar sobre Pícara, que aquí ha pasado de ser casi protagonista en la primera parte a meramente secundaria. Su problema requeriría más profundidad que el que se nos ha mostrado, aunque es cierto que solo es una niña y no la mujer de los comics deberían haberla aprovechado más.
El trío de jóvenes lo completa Pyro, quien no duda a la hora de utilizar sus poderes ya sea contra humano o mutante. Sus pensamientos están más cercanos a los de Magneto que a los de Xavier, y de eso se darán cuenta ambos lideres.

La hostilidad por parte de la Sociedad humana está mucho más presente aquí que en la antecesora, en que solo teníamos a un Senador parlanchín. En esta ocasión nos encontramos con William Stryker, viejo soldado al que el tema mutante le obsesiona y martiriza desde hace tiempo. Su hijo fue discípulo de Xavier, quien no pudo hacer nada por al muchacho cuando llegó a su límite y perdió la razón llegando a matar a su madre. Gracias a una poción, Stryker puede dominar a todo mutante vivo, excepto a Xavier. Para él tiene algo especial, a su hijo, antiguo alumno del Profesor X, ahora pegado a una silla de ruedas como el líder de los X-Men. Jason conseguirá entrar en la mente de Xavier y le obligará a realizar lo que Stryker desea: aniquilar a todo mutante viviente mediante la duplicación de la maquina Cerebro.
Con Stryker se crea un trío psicológico enfrentado. Por un lado Xavier que sigue deseando la convivencia entre humanos y mutantes, al cual Magneto le responde hablando tan solo de supremacía y de dominación contra los humanos, y por último tenemos a William Stryker a quien el odio por el daño que le hizo Xavier en el pasado con su hijo le ha llevado a odiar a los mutantes de tal manera que ansía su total destrucción del mundo. Más cercano a Magneto que a Xavier, pues ambos son personajes radicales que no aceptan el dialogo, Stryker se convierte en la Némesis directa del Profesor X y en enemigo natural de Magneto.
Gracias a Stryker se pude profundizar algo más en el pasado de Lobezno, pues él fue quien le implantó el metal de “adamantium” en el esqueleto del mutante y afirma ser su compañero de hace años. Lobezno recordará parte del experimento, y visitará el laboratorio en donde se realizó la operación quirúrgica.
Como bien se subtitula la película en su versión original (United), en esta nueva aventura vamos a presenciar la unión momentánea entre Magneto y los X-Men con el fin de acabar con la locura de Stryker que concierne a todo mutante. Menuda gracia el ver como Lobezno, Tormenta y Jean tiene que trabajar junto a Mística (a la que Lobezno le dejo un magullado recuerdo) y Magneto. Por supuesto, el viejo soldado se cubrirá las espaldas con una presencia femenina con rasgos orientales y huesos tan duros como los de Lobezno, Dama Mortal.
En los comics dicho personaje era una antigua pareja de Lobezno que desaparecía de la vida del héroe para luego aparecer en presencia fantasmagórica. En la película no se llega a ese termino, sino simplemente a establecer una relación entre ambos personajes mediante el implante del indestructible material, la capacidad regenerativa de ambos, la posibilidad de sacar garras (Lobezno de los nudillos, Dama Mortal de las uñas). Los dos personajes se enzarzaran en una pelea brutal en que no se mostrará más sentimiento hasta que acabe la lucha (Dama Mortal deja de estar a merced de Stryker y Lobezno cree reconocerla al volverse sus ojos normales).

De nuevo Singer confeccionó una película digna de su predecesora, con estilo clásico, elegante puesta en escena y poderosas secuencias de acción, que era de lo que se quejaban ciertas personas al ver la escasez que poseía la primera. Dichas secuencias están bien construidas y dan emoción desde el primer minuto, en que, a ritmo de Mozart, contemplaremos el ágil ataque de Rondador Nocturno al Presidente. La única pega de dicha secuencia, y que rompe con el estilo del film, es la ralentización en que Rondador aparece y desaparece repartiendo puñetazos a los guardaespaldas. Aunque puede servir para demostrarnos su habilidad mutante (teletransportación) parece que copia el efecto “Matrix”. El resto de las secuencias de acción son perfectas, y de nuevo encajan perfectamente en la trama. De todas ellas destaco el ataque a la mansión X en que Lobezno da muestras de su buen humor y se nos muestran a los jóvenes que viven en la mansión, aprovechando para mostrarnos a Coloso, otro mutante muy querido; la huida de Magneto de su prisión de plástico a base de bolitas de hierro, y la pelea entre Lobezno y Dama Mortal, mejor coordinada que la de Lobezno contra Mística de la primera. Además supo dar oscuridad e inquietud en los juegos entre Jasón y Xavier.
FOX le dio más libertad creativa a Singer, el cual se rodeo de colaboradores habituales con los que había trabajado anteriormente. El comienzo del film es idéntico al anterior, la voz de Xavier, los créditos y la puerta de Cerebro que se nos cierra para dar comienzo a la historia. Con eso Singer siempre ha declarado la unión entre los films como si se tratara de un serial, como las películas de Bond.
La fotografía corrió a cargo de Thomas Siegel, quien se lució sobre todo en las secuencias dentro de la prisión de plástico de Magneto con esos colores pálidos. La música fue un cambio, ya que recayó en el habitual de Singer, John Ottman, quien compuso una partitura vibrante, más completa que la de Kamen, y con un tema principal mucho más pegadizo.
El reparto repitió al completo. Hubo incorporaciones como la de Alan Cumming como Rondador, Bryan Cox como Striker y Kelly Hu como Dama Mortal.

La película cosechó un éxito superior al de su predecesora, consiguiendo recaudar en su primer fin de semana en Estados Unidos la friolera cifra de 80 millones de $, consiguiendo una recaudación total de 215 millones en un verano en que tuvo que verselas con Neo, Jack Sparrow en su primera aventura, y Terminator. Estaba claro que íbamos a seguir disfrutando de los X-men, sobre todo después de ver el final del film. Lo que no sabíamos es que iba a haber cambios.

7,5/10

X-Men: The Last Stand (2006)

Los X-Men siguen combatiendo contra las fuerzas de Magneto y su Hermandad de los Mutantes. Entre los miembros sigue existiendo un alo de tristeza tras la perdida de Jean Grey en el Lago Álcali. Una noticia irrumpe en la sociedad, los científicos han encontrado un antídoto que puede erradicar el gen mutante X y convertir a los mutantes en seres humanos normales.

En una entrevista posterior a “X2” Bryan Singer declaraba su participación en una tercera película de los X-Men si se hiciera, de hecho se especuló que tenía el borrador de la historia escrito. Sin embargo algo se interpuso entre los mutantes y el director, algo que volaba procedente del planeta Krypton. Singer fue elegido para dirigir la nueva película sobre Superman, dejando a sus mutantes huérfanos. Muchas voces decían que el proyecto debía posponerse hasta que Singer estuviese disponible y pudiera dirigirla, sin embargo la FOX se puso en busca inmediata de un director que suplantará al padre cinematográfico de lo mutantes. Ciertamente esperar más hubiera sido romper un sistema que funciona bastante bien, como es el estrenar una secuela cada 3 años (sistema que ha utilizado George Lucas para estrenar sus capítulos galácticos). De modo que la 3ª entrega mutante debía estrenarse en 2006 sin problema.
El elegido para sustituir a Singer en la silla de dirección fue Brett Ratner, especialista en realizar terceras partes de Sagas (aunque sea en forma de secuela) como ya demostró en “El Dragon Rojo”. Ratner además era el causante de la Saga “Hora Punta”, lo cual daba bastante miedo a los admiradores de los mutantes.
Por suerte ahí estaban los de FOX (Avi Arad y Lauren Shuler Donner) para secundarle y guiarle por el buen camino, además de todo el elenco interpretativo que, en su mayoría, repetía, encabezado por Hugh Jackman que ahora pasaba a ser también productor del film.
El rodaje fue relativamente corto y no tardó en promocionarse la película con un teaser poster y posterior trailer a finales de 2005 en donde se mostraba acción a raudales con la voz en off de Xavier de fondo. El título elegido, esta vez para todo el mundo n lugar de solo para USA como hicieron con la 2ª, fue “The Last Stand” (La Decisión Final) que ya avecinaba la película como la última de la Saga, y así la fueron vendiendo.

Al enterarme del argumento del film, la cura, no pude esquivar mi pensamiento a la hora de ver la serie de animación y recordar que en dicho argumento estaba involucrado uno de mis villanos favoritos, Apocalipsis. ¿Tendría la FOX el As en la manga guardado de mostrar a dicho ser en la película? Sin embargo mis esperanzas se desvanecieron al comprobar que tambien adaptaba la famosa serie “Fénix Oscura” en que Jean Grey vuelve convertida en un ser superior y malvado. Ambas series e ideas (La Cura y Fénix Oscura) daban para películas independientes, sin embargo el unirlas en una sola, y con una duración similar a la de la primera película (95 minutos) no presagiaban algo bueno.

Efectivamente, el 25 de Mayo llegaba a las pantallas de todo el mundo “X-Men: The Last Stand” y muchos comprobamos que lo que había hecho Brett Rattner no era sino intentar mantenerse fiel al estilo narrativo y visual de Singer pero acelerando los acontecimientos y centrándose en las secuencias de acción.
La historia es interesante, no vamos a negarlo. Una posible cura que convierta a los mutantes en humanos y en la cual vea Magneto la razón para un levantamiento mutante es sensacional. Ahora bien, cuando entra en escena Jean Grey nos olvidamos de la cura, pues sol queremos ver a Fénix actuar. El mayor fallo que le veo al film es este mismo, unir dos historias paralelas en una sola, ya al principio, a modo de flashback, vemos a la joven Jean siendo visitada por Xavier y Magneto, y posteriormente vemos a Ángel intentar cortarse las alas y siendo descubierto por su padre, que se convertirá en el creador de la cura.
En lo que concierne a la cura entran en escena mutantes como Pícara que ve la posibilidad de poder tocar a sus seres queridos, Tormenta que afirma que no hay nada que curar y dos nuevos personajes, Bestia, quien sustituye a Rondador Nocturno aunque permanezca dando color, y Ángel. Sobre Bestia he de decir que me sentí bastante desilusionado, pues en la segunda película se hacía un pequeño cameo de Hank Macoy hablando en televisión y ya, en esta tercera, aparece trabajando hombro con hombro con el Presidente y asistiendo a conferencias. Si se supone que este 3º film comienza justo donde acaba el 2º , o pocos meses después ¿como han cambiado tanto de opinión los humanos? Ángel aparece 5 minutos en toda la película, y no es más que para hacerle ver a su padre que porque tenga alas es peor que un ser humano, simplemente es diferente, pero claro eso se supone que hay que adivinarlo porque entre los dos no se hablan más que tres frases. Este es un ejemplo de lo acelerado de los acontecimientos. Desgraciadamente el tema de La Cura solo sirve para introducir peleas entre los seguidores de Magneto y los X-Men, pues dicho argumento queda muy pobre en el film, y más si lo comparamos con el de la serie de animación, en donde Apocalipsis inyectaba dicha “cura” para tener a los mutantes a su merced. Lo mejor que tiene La Cura es el posible debate que se establece entre los mutantes de si hay que tomarla o no, porque entonces estás negando lo que eres y te convertirás en lo que otros quieren.Sobre Fénix Oscura, que posiblemente este mejor desarrollada en la película que la trama de la cura, entran en acción Lobezno, Xavier y Magneto. El regreso de Jean tras su caida era lo que realmente esperábamos de este film, y no una trama secundaria o complementaria. Ratner (inteligente como el solo) la utiliza además para eliminar personajes que cree que son un lustre o que ya no tienen nada que hacer salvo morirse.

Aunque el guión sea bastante pobre, Rattner se preocupa más en meter acción y entretener al personal, que para algo va a ir la gente al cine.
Esta es la entrega más emocional de la serie, eso en palabras de Ratner, Yo supongo que el hombre lo dice porque desde los 15 mitos de película ya está cargándose personajes y deben darnos pena. Algunos si que es cierto que nos dan pena, sobre todo por lo bien planificado que está. Como he mencionado Ratner está más preocupado por la acción que por el guión, y crea secuencias de acción a mansalva, algunas de ellas memorables y protagonizadas por Fénix, como la secuencia en casa de Jean cuando se establece la batalla telequinésica, la secuencia entre Jean y Lobezno en la habitación del recinto de los X-Men o la batalla final entre ambos personajes.
Sobre la forma en que está rodada la película, salvo las secuencias antes comentadas, está bien, por debajo del nivel de Singer (lo cual se esperaba). Ratner parece haberse estudiado al dedillo las dos previas para embarcarse en el trabajo a la hora de poner en pantalla a los personajes(cosa que ya hiz con “El Dragón Rojo” en donde copiaba planos de “EL Silencio de los Corderos”), por ejemplo a Xavier lo presenta tal cual Singer en las dos anteriores (empezando por una rueda de su silla y subiendo hasta él). Sin embargo prescinde de la forma de comenzar la película por un flashback que da pie a los créditos, con lo cual se rompe la continuidad y la autoría que mantenían las dos previas.
“X-Men: The Last Stand” es la película de acción de la Saga, en donde aparecen casi todos los personajes posibles, aunque sean con una línea de dialogo (véase Morpho por ahí) y eso es otro fallo, pues para alimentar las ansias de los fans en ver personajes, Ratner decide hacer aparecer por ahí a Juggernaut, que no hace más que decir idioteces siendo el contraputo a otro personaje previo que tenía la misma función, Dientes de Sable. Mientras el hombre-Animal apenas abría la boca, el gigantón con casco dice cosas por decir, porque deben hacer gracia, o eso se supone. También vemos por ahí a Calisto, que se tira de los pelos con Tormenta. Bestia está bien representado, salvo por el pequeño detalle de que es muy precipitado que ya desde el principio se siente con el Presidente a hablar tranquilamente.
En cuanto a los personajes conocidos, se elimina Rondador como ya he citado, Pícara sale nada más que por mantener continuidad y en su lugar gana protagonismo Kitty Pride, quien mantendrá una relación de cariño con Bobby Drake, quien se las verá en esa esperada pelea contra Pyro. Mística, posiblemente el mejor villano de todos los aparecidos junto a Magneto también se la cargan.
Tampoco desaprovechan la ocasión de mostrarnos la ansiada sala del peligro, y ya de paso mostrarnos la cabeza de un centinela (maquina que ansiábamos ver desde la primera película).

Tras la salida de Singer tuvieron que contratar a otros especialistas para diversos campos. Así pues se ocupó de la fotografía Dante Spinotti consiguiendo un color más cálido y oscuro que en las anteriores entregas. La música volvió a tener un nuevo compositor en John Powell quien creó la mejor Banda Sonora de la trilogía.
EL reparto volvió a ser el mismo aunque con cambios respecto a la importancia de los personajes. James Marsden rodó rapidito su parte que le esperaba Superman; Anna Paquin sabia perfectamente cual era su papel en esta ocasión, comparsa; Halle Berry se proclamo protagonista femenina tras atosigar a los productores y ver que su experimento de “Catwoman” no salió bien; Hugh Jackman se aseguró del protagonismo de Lobezno interviniendo además como Productor. Entre los nuevos miembros del reparto tenemos a Ellen Page como Kitty Pride, personaje que ha tenido un rostro distinto en cada nueva película; Ben Foster como Ángel; Vinnie Jones como Juggernaut; y Kelsey Kramer como Bestia.

Al final de la película descubrimos que la supuesta finalidad de la Saga no es más que una idea de marketing, ya que el final es más abierto que el de la 2, lo cual ya es decir. Supongo que los productores querían referirse a que es el final de una etapa, y que ahora contrataran a otros actores para nuevos personajes continuando una Saga tipo “Ultimate X-Men” o algo por el estilo.
Estrenada en Mayo de 2006, la película fue todo un éxito, mayor al de sus antecesoras, convirtiéndose en la más taquillera de la Saga, y venciendo a “Superman Returns” dirigida por Bryan Singer, quien seguramente quedó satisfecho al haber perdido la batalla frente a viejos conocidos.
A pesar de no estar al nivel de las dos anteriores, en mi opinión, esta tercera entrega es un digno cierre a una etapa, pero no un adiós definitivo.

6/10
En resumen la Saga de X-Men me parece muy acertada como adaptación y notoria como films de entretenimiento, que en resumen es lo que son.

Batman Begins, de Christopher Nolan

Bruce Wayne llega al Himalaya en donde será entrenado para combatir la villanía de su ciudad, Gotham, gobernada por el capo Carmine Falcone. Tras su en entrenamiento y posterior enfrentamiento con Ras Al´gul y su miembros de La Liga de las Sombras volverá a Gotham para enfrentarse al mal que aflora en la ciudad oculto tras un símbolo que imponga temor a sus enemigos, el que a él un día la traumatizo de pequeño, un murciélago.Tras las decepcionantes películas dirigidas por Joel Shumacker el personaje de Batman quedo un tanto abandonado por el mundo del cine. No es para menos, el director dejo al hombre murciélago por los suelos con esas peliculillas cirquenses. Tras varios años, y con el resurgir del cine de superhéroes gracias a “Spider-Man” y “X-Men”, la Warner y su filial, y publicación, DC Comics decidieron realizar un nuevo film de Batman, al igual que de Superman. Entre la multitud de proyectos que se barajaron, uno de ellos incluía a los dos superhéroes en una misma película que dirigiría Wolfgand Petersen (y cuya idea no se ha desechado con el fin de realizarla en varios años). Para el regreso del hombre murciélago se eligió al director Christopher Nolan, el magnifico director de “Memento” e “Insomnio”.

Nolan decidió narrar los orígenes del personaje y obviar todo lo anterior realizado (cosa que se ha puesto muy de moda últimamente en las Sagas). Con la vista puesta en el célebre comic “Batman: Año Uno” de Frank Miller, el director se decantó por un Batman de tono realista, alejado del tono gótico que utilizó Tim Burton en las dos primeras, y sensacionales, películas importantes del murciélago. Además se centró en profundizar mucho más en el personaje de Bruce Wayne, sus miedos, su decisión a la hora de convertirse en Batman y las consecuencias que ello conlleva.
Respecto al estudio psicológico del personaje de decir que es lo más conseguido de la cinta. El miedo es uno de los temas principales en “Batman Begins”. Es lo que hace que Bruce Wayne decida utilizar su propio miedo en contra de sus enemigos. Es lo que Gotham está viviendo en sus calles. Lo que el Doctor Crane usa con sus pacientes en el Asilo Arkham. Al igual que el miedo, tienen vital importancia la culpa, el odio, el sentimiento que le produce a Wayne la muerte de sus padres a sus ojos cuando no era más que un niño y que le hace abandonar Gotham tras comprobar en lo que se ha convertido la ciudad.
El implantar un tono realista al personaje está bien, pero en ocasiones es excesivo. Si no díganme a mi de qué no sirve saber cómo Batman se confecciona las orejas del casco o cómo las consigue. El film incorpora un personaje similar al Q de James Bond que le proporciona a Batman todos sus artilugios, Lucius Foxx. Ya digo que aunque está bien que nos muestren los artilugios de Batman y cómo los consigue, me parece que es muy explicito y le quita misterio al personaje. Aunque en contrapunto hay que resaltar el tono realista con el que trata a los mafiosos o los policías, que no son caricaturas; el personaje de Bruce Wayne como excéntrico millonario rodeado por bellas mujeres; y, desde luego, el entrenamiento en la primera parte del film en que vemos cómo Batman sabe hacer las piruetas que hace.

La dirección de Nolan es correcta, aunque las secuencias de acción no me convencen mucho, si reconozco que consigue buenos momentos de intriga y suspense cómo es el primer ataque de Batman a los hombres de Falcone. Eso si, Nolan debía de tener prisa en acabarla porque el montaje resulta demasiado brusco en más de una ocasión.
El guión del film lo firma el propio directo junto con Davi S. Goyer, autor tambien de los guiones de “Blade” y director de la olvidable “Blade Trinity”. El guión de Batman Begins” trata bien el origen del personaje, pero cae en clichés antes vistos en las películas predecesoras, para no ir más lejos cuando Batman se muestra al espectador dice la misma primera frase que decía Batman en el film original de Burton.
La dirección artística es correcta, destacando la cueva en donde se esconden los murciélago, o los bajos fondos de Gotham. La fotografía está muy conseguida, dotando al film de una atmósfera propia.
La música es lo mejor del film, no en vano está compuesta por dos grandes, Hans Zimmer y James Newton Howard, quienes imprimen una atmósfera inquietante y épica a la par, consiguiendo que tramos algo cojos se ensalcen (por ejemplo en el combate Wayne-Duckard en el hielo).

El elenco interpretativo es de los más impresionante visto en una película de Superhéroes (y en cualquier película). Christian Bale está formidable como Bruce Wayne/Batman, consiguiendo la personificación más trágica y real del personaje; Michael Caine está correcto como Alfred, el fiel mayordomo de Wayne; igual de correcto está Morgan Freeman como Lucius Foxx, el actor vuelve a hacer de simpático; Liam Neeson vuelve a hacer de mentor como ya hiciera en “Star Wars”, aunque aquí tiene su punto oscuro que lo eleva entre lo mejor del reparto; Ken Watanabe tiene su breve participación como Ras Al´gul, líder de la Liga de las Sombras; Cillian Murphy está bien, aunque un tanto desaprovechado su personaje de Espantapájaros; Gary Oldman está muy bien como James Gordon, futuro teniente, y aliado de Batman, ya iba siendo hora que le dieran papeles de bueno a Drácula; el notable Tom Wilkinson como Carmine Falcone; Katie Holmes es lo más olvidable del reparto, no solo porque su personaje es un tanto absurdo sino porque ella no hace nada por hacerse ver más que poner sonrisitas.

Buena película que revitaliza a Batman en el cine. En el 2008 veremos la continuaciones, esta vez sin David S. Goyer en el guión (menos mal) sustituyéndolo el hermano de Christopher, Jonathan Nolan (y que fue el verdadero creador de la historia de Memento). Además veremos a dos míticos personajes de Batman en el film, Harvey Dent (alias Dos Caras) y el Joker, cuya marca aparece al final del film, interpretado por Heath Ledger. El titulo provisional del film no puede ser más acertado: The Dark Knight.
6,5/10

Camino a la Perdición, de Sam Mendes

Illinois, 1931. Mike Sullivan es un buen esposo y padre de familia, pero también es un asesino, el ángel de la muerte, que trabaja para el jefe de las mafias irlandesas, John Rooney, quien lo acogió entre sus brazos cuando no era mas que un niño. Una noche el viejo Rooney ordena a su hijo, Connor, que se reúna con Fint Mcgovern, antiguo socio, y que para ello lo acompañe Sullivan. Lo que se produce es una matanza hacia Mcgovern y su gente en un local abandonado, y del que nadie es testigo. ¿Nadie?. No. Sí hay un testigo, se trata de Michael Sullivan Jr., que se ha escondido en el maletero del coche de su padre sin que este se diera cuenta y ha contemplado la brutal matanza . Tras esto Connor ve la oportunidad de librarse del que siempre a sido un estorbo en la relación con su padre. Así pues matará a la mujer e hijo menor de Sullivan, que huirá comenzando un viaje con su hijo mayor por América, cruzandose con personajes tan importantes como Frank Nitti (lugarteniente de Capone), o peligrosos asesinos, como “el reportero”.

Una historia de padres e hijos

El comentario que público a continuación lo realicé hace dos años debido al gran amor que siento hacia este gran film. Ahora que tengo la oportunidad de publicarlo en este, mi blog, quiero compartirlo con todos vosotros. Advierto que comento prácticamente todo el film con spoilers.

El año 2002 fue algo movidito cinematográficamente hablando, tras haber comenzado con la oscarizada “A Beautifuld Mind”, continuado con la Fincheriana “Panic Room”, seguido con el exitazo de “Spider-Man” y mi amada segunda parte de la nueva trilogía galáctica, llegó Septiembre, y gracias al Cielo, con él llegó el buen cine americano, cuya mayor muestra fue este film de género negro, basado en la novela gráfica publicada en 1998, escrita por Max Allan Collins y dibujada por Richard Piers Rayner, y cuyo mayor demanda era su excepcional reparto.
El encargado de llevar a la gran pantalla la adaptación de Camino a la Perdición fue Sam Mendes, cuyo debut en cine fue la galardonada “American Beauty” (que ya comenté), y que, haciendo caso de Spielberg acepto el proyecto con Tom Hanks como protagonista. Con esta película Mendes, tras la magnifica “American Beauty”, demostró que sabía hacer buen cine además de prestigiosos montajes teatrales. Para llevarla a cabo Mendes confió una vez mas en personas con las que realizo su opera prima, tal es el caso de Conrad L. Hall en fotografía, y Thomas Newman en la Banda Sonora. El guión esta firmado por David Self, responsable de “13 días” y “La guarida” (¿Quién hubiera dicho que sería capaz de realizar un buen guión?).

Estamos ante una película que tiene un guión , digamos, poco original: un sicario al que matan a su familia, huye con su único hijo vivo, y decide vengarse. Típica historia que podría haberse convertido en un berenjenal de tiros y muertos a mansalva , y mas si uno ha leído la novela grafica en la que se basa (de hecho se especuló que sería John Woo quién podría haberla realizado). La historia dejó de ser típica en el momento en que David Self convirtió esa historia de venganza en una historia donde las relaciones paterno filiales cobran importancia, y el proyecto cayó en manos de Sam Mendes, (y donde su estilo se ve nada más empezar con el uso de la voz en off o en la escena que toda la familia esta cenando al principio de la película del mismo modo que en su opera prima) quién ya hizo una disección de la América actual. Aquí nos hace un retrato de la América de los años 30 sumida en la Depresión.
En esta ocasión se atreve con una película de gangsters a la antigua usanza, que cuenta la historia de un asesino que huye junto a su hijo, comenzando así un viaje que los acercará hará que se conozcan mucho más. Y es que si hay un tema en esta película es la relación padre-hijo que se establece entre cuatro personajes principales: Michael Sullivan-Michael Sullivan Jr., John Rooney-Connor Rooney , John Rooney-Michael Sullivan.Los Sullivan: Como toda buena película que se precie, comienza con flashback, un niño mirando hacía el mar y su voz en off hablando de un tal Michael Sullivan, del que se cuentan varias historias entre la gente. Tras esto, un fundido y nos encontramos en un invernal Illinois donde el mismo joven aparece en bicicleta. Seguiremos al muchacho y conoceremos a su familia, en apariencia normal, hasta que aparezca su padre portando un arma y veamos su frialdad con los miembros de la familia. Todo padre es un héroe para su hijo, y eso es lo que piensa Michael Sullivan Jr. de su padre, de quien solo sabe que para trabajar lleva un arma y del que piensa que es un héroe, todo ello alimentado por las historias que lee en los libros, hasta que descubre su verdadero trabajo: sicario. Tras el funeral de un antiguo amigo de su jefe, Sullivan es mandado junto con Connor Rooney a reunirse con el hermano del difunto, a quien Connor matará sin creer que lo haya visto nadie. Sin embargo el joven Sullivan se ha escondido en el maletero del coche y ha visto el asesinato. Por culpa de ser testigo de ese descubrimiento, su hermano y su madre serán asesinados y tendrá que huir con el hombre a quien siempre a admirado, pero con quien ha mantenido una estrecha relación: su padre. Juntos pasan seis semanas viajando y en ellas se conocerán ambos, el uno al otro. El hijo le preguntará al padre “¿por qué a mi menos atención que a mi hermano, me querías menos?” a lo que le responderá “No, solo era que Peter era mas bueno y tu eras mas….. como yo”, y es ahí donde descubrimos el significado de su relación, el por qué Mike Sullivan este tan distanciado de su hijo, lo último que quiere en este mundo es que su hijo se convierta en él. Como bien le dice John Rooney a Sullivan, “los hijos solo saben dar problemas a los padres”, y es que Sullivan está viendo cómo su hijo va por el mismo camino que él y debe ponerle remedio. Al final, en la ultima secuencia en casa de la tía Sara vemos al joven Sullivan empuñando un arma y teniendo su destino empuñado entre sus manos, poco a poco Mendes se dirige hacia el rostro del niño acercándose lentamente hasta llegar a un primerísimo primer plano y se oye un disparo. ¿Habrá disparado? Todos sabemos que un buen padre quiere lo mejor para su hijo, y en el ultimo momento vemos como Mike Sullivan se ha convertido en un héroe para su hijo, un héroe que lo único que le puede decir a su hijo en su último aliento es “lo siento”: siento haberte traído hasta tan lejos para que te quedes solo, siento que tu madre y tu hermano murieran por mi culpa, siento no haber podido ser mejor padre de lo que he sido. Cuando a Michael Sullivan le pregunten sobre si Mike Sullivan era un hombre bueno, o si en él no había un pizca de bondad, él solo podrá decir: Era mi padre.

Los Rooney: Al contrario que pasa con Michael Sullivan, John Rooney ha educado a su hijo, Connor, para llevar los negocios familiares, o sea que quiere que se “convierta” en lo que ha sido él. Pero Connor no tiene sentido del honor, ni sabe de negocios tanto como su padre quisiera, Connor ha vivido siempre teniéndolo todo, nunca ha tenido que luchar por nada, incluso a sentido envidia de Michael Sullivan, a quien su padre recogió, y al que considera su brazo derecho. Hasta que Sullivan no muera Connor no sentirá que la relación con su padre es absoluta.

John Rooney-Michael Sullivan: Aunque entre ellos no hay parentesco sanguíneo si que lo hay personal, pues Rooney lo acogió siendo un niño y lo educó, hasta que Sullivan se convirtió en su sicario, su “ángel de la muerte”. Rooney ve en Sullivan lo que hubiera querido que fuera su hijo, un hombre de honor, con una familia estable, y obediente. Mientras Sullivan ve en Rooney a un padre, no ve a un jefe, siente profundo respeto por él y hará todo lo que le pida, hasta que Connor mata a su familia, en ese momento Rooney deberá elegir a cual de sus dos hijos quiere proteger, y ya sabemos que la sangre que nos corre por las venas es muy fuerte. Para remarcar esto, Mendes crea la escena del piano, donde se ve la unión entre Rooney y Sullivan tocando el piano, mientras podemos contemplar el rostro de satisfacción y admiración del joven Sullivan viendo a su padre, su héroe, junto con el gran jefe, y por otro lado observamos a Connor Rooney, riendo, pero de envidia, contemplando la unión de su padre con Sullivan.

La película se puede enmarcar en el género de Road-Movie. El título “Camino a la Perdición” podría significar que la huida de los Sullivan acabará en Perdición, lugar donde han pasado muy buenos momentos en su vida. Curiosamente un nombre como Perdición podría llegar a significar un mal lugar para vivir, sin embargo en la película, ese lugar físico con una casa en la playa es la absoluta tranquilidad y felicidad. Sin embargo desde otro punto de vista, este titulo significa el camino que emprenderá un padre con su hijo, y que podría llevar a este último a elegir el camino de su padre, llevándole ante una perdición absoluta en la vida como asesino, y ser uno de esos hombres sin salvación.

El Destino y la Muerte van cogidos de la mano durante toda la trama. Como dice John Rooney a Sullivan en la iglesia “es la vida que han elegido y nunca verán el cielo”. Son asesinos, pecadores, a los que la muerte les ronda en todo momento, excepto al pequeño Sullivan, de quien su padre espera que no se convierta en lo que ha sido él. Para mostrar a esos pecadores nada mejor que una iluminación lateral que deje el rostro de los protagonistas medio en sombra, en la mejor tradición del cine clásico de gangsters. La muerte envuelve a los protagonistas. Todos y cada uno de los personajes principales saben que van a morir tarde o temprano. John Rooney sabe que va a morir cuando habla con Sullivan por última vez, tras la que se separan y el viejo jefe irlandés comprende que ha sellado su sentencia de muerte; y será de noche, bajo la lluvia, contemplando como cae cada uno de sus hombre, cuando John Rooney (magnifico Paul Newman) vea a la muerte vestida de oscuro y sombrero de ala ancha caminar hacia él y aceptarla con rectitud, sabiendo que será el final de los suyos, pues el “Ángel de la muerte” ira a por su hijo tras él. Mike Sullivan también sabe que va a morir hasta el momento en que mate a Connor Rooney, hasta ese momento temerá morir, pero una vez terminada su venganza se dirigirá con su hijo a Perdición donde vivirán felices, o eso cree, porque mientras contempla felizmente a su hijo jugando en la playa dos disparos atraviesan su cuerpo y al caer vemos una figura levantarse tras el, oscura como la muerte y con el rostro marcado de quien viene a cobrarse una deuda (que gran juego con la ventana construye Mendes, con el plano fijo y el sonido del mar).
Por último tenemos el tema de la redención, y para mostrarlo nada mejor que observar cómo Sullivan siempre lleva un rosario para rezar a Dios y pedir perdón por sus pecados. Cada vez que mata a alguien se dirige a una iglesia para rezar por su alma. Sin embargo su mayor redención será ver que su hijo no se ha convertido en un asesino como él, su mayor temor se convierte en su mayor alegría en la hora de su muerte, su hijo no ha podido matar, lo que le redime ante Dios, por haber educado y haberle enseñado el camino correcto. Aun así, esperemos que llegara al cielo una hora antes que el diablo se enterara.El estilo de la película está caracterizado con tonos oscuros y apagados, hasta que lleguen a Perdición, momento en que predominara el color blanco de la habitación donde muere Sullivan, y los colores vivos del paisaje. Una de las características que hacen interesante esta película es el poco dialogo que hay, solo hay el justo para poder expresarse los personajes, el resto son secuencias donde no se dice una palabra y todo se expresa con la mirada y con imágenes como por ejemplo: en el momento en que se nos muestra a Tom Hanks, se nos muestra un plano detalle de sus manos soltando sobre la cama una pistola y un rosario; la secuencia presentación del personaje de Jude Law con la música de Thomas Newman mientras lo vemos caminar hacia la cámara llevando entre su manos una cámara fotográfica y terminando en la habitación donde ha ocurrido un asesinato para que él le puede tirar una foto, y de paso rematarlo, lo que ya nos da una idea de que clase de hombre es, reforzado con la imagen que tenemos de su casa: un hogar con cuadros de muertos colgados; la secuencia donde Tom Hanks concluye su venganza acabando con los Rooney, la muerte de Paul Newman, y de Daniel Craig con ese fuera de campo al principio para al final mostrarlo muerto en la bañera, donde es la música la que acompaña a las imágenes.
Mendes sabe construir además muy buenos momentos de suspense en la historia como por ejemplo el montaje que hace estando Tom Hanks en la habitación del contable mientras Jude Law se dirige a ella para matarle, en ese momento oímos el sonido que hace la maquina del banquero en el interior de la habitación que impide a Hanks oír nada mas, y en el exterior al joven Sullivan intentando avisar a su padre con el claxon del coche de que tiene problemas. La secuencia concluye con la maquina de banca parándose, Hanks oye el claxon, y entra Jude Law en la habitación, donde se producirá un duelo entre ambos.

Se puede hacer referencia a muchas influencias, pero si esta película esta influenciada por algo es por su aire clásico, al estilo de las películas de los años 30 y 40, y también por películas como la Saga “El Padrino” (¿Cómo no?). Si en la obra magna de Coppola cada película comenzaba con una celebración (Boda, Comunión, Nombramiento), este “Camino a la Perdición” comienza con un funeral, donde se nos presentarán a los personajes de la tragedia a la que vamos a asistir. Si, tragedia, como las griegas, una tragedia clásica. Nuestro héroe, o antihéroe (Michael Sullivan), es un soldado que cumple ordenes de su jefe (John Rooney), que no es otro que el Cesar, el Emperador de la ciudad, y que tiene un hijo que le sustituirá y asumirá el trono (Connor Rooney), el Príncipe, quien muerto de celos por ver como un simple empleado de su padre le quita protagonismo en su relación con él, decide matarlo junto con toda su familia. Si para llegar hasta el príncipe y vengar a su familia, hay que matar al rey, el soldado lo eliminara , en una escena bajo la lluvia con magnifica fotografía del maestro Conrad L. Hall, y que tiene ecos de Shakespeare. El Cesar custodiado por sus soldados los ve caer uno por uno alrededor de él (magnifica la dirección de Mendes girando alrededor de Paul Newman y eliminando todo efecto sonoro dejando nada más que la magnifica música de Thomas Newman) y por ultimo ve a quien fue su mejor hombre, su número 1, quien hubiera querido que fuera su hijo, acercándose a él, firme, con un arma en sus manos. El Cesar no tiene mas que decir: “Me alegro que seas tu”, me alegro de morir en manos del hombre a quien mas he querido en este mundo, el mejor asesino de la ciudad. Ambos se miran, diciéndose tanto con esa última mirada, Sullivan apunta y aprieta el gatillo vaciando todo el cargador. Su rostro está lleno de tristeza y dolor, marchándose envuelto por la lluvia y las sombras de la noche, como un fantasma. Mendes es tan inteligente que no nos muestra el cuerpo sin vida del viejo Rooney (al igual que la mujer e hijo de Sullivan es una victima colateral). Una magistral secuencia para la eternidad.

Tras matar el Rey nada le impide dirigirse al lugar donde se esconde el príncipe, y con total libertad matarlo mientras esta tomando un relajante baño, de tal forma que parece que se nos va a quedar fuera de campo el asesinato. Pero Mendes se las ingenia y nos regala un travelling por el pasillo del hotel por el que anda Sullivan hasta la habitación de Rooney y le dispara acabando con su reflejo en el espejo de la puerta, que Sullivan a rozado suavemente para terminar mostrando como Connor Rooney ha acabado con los sesos esparcidos por la pared (una puesta en escena subliminal y de las que pocas veces se tiene el placer de contemplar).

Momentos a remarcar: Muchos. El inicio del joven Michael Sullivan frente al mar; la presentación en vista subjetiva de Tom Hanks dejando la pistola y el rosario juntos en la cama; cuando ambos Sullivan, padre e hijo, están rezando frente al ataúd; la escena eliminada (suerte que tenemos el DVD) entre Hanks y Jason Leigh en que se ve el afecto, un tanto frío, que se tienen Sullivan y su esposa; todos los momentos Hanks-Newman, en especial cuando tocan el piano; cuando el joven Sullivan ve al asesinato de Fint McGovern, en vista subjetiva vemos los pies de Michael Sullivan y como los casquillos de la ametralladora caen al suelo mientras se dispara el arma (pedazo de sonido); la secuencia completa en el club nocturno, en especial dentro de la oficina con el sonido a más y la pistola apareciendo bajo la revista; el asesinato de la mujer e hijo de Hanks y su posterior descubrimiento por parte de ambos Sullivan, completamente en fuera de campo; la llegada a Chicago, con los edificios reflejándose en el cristal del coche donde está sentado el niño; la escena en la estación en que el niño, rodeado de gente, llora; la presentación del personaje de Jude Law; el enfrentamiento Law-Hanks en el restaurante primero, y posteriormente en el hotel; los atracos por parte de los Sullivan a ritmo de la música de Newman con ese montaje a base de encadenados; Hanks frente a su metralleta, armándola delante de su hijo; la magistral secuencia bajo la lluvia; la muerte de Connor; la secuencia final al completo. Creo que he mencionado toda la película, jeje.

La dirección de Mendes es magistral, poniendo la cámara en el sitio correcto durante todo momento, con encuadres elegantes y usando el lenguaje cinematográfico de manera insuperable (no es de extrañar que lo considere uno de los mejores directores actuales), ayudado por un diseño de producción de primerísima fila, la música de Thomas Newman y la brillante fotografía de Conrad L. Hall.
El reparto esta encabezado por Tom Hanks quien da vida al frío y sanguinario Michael Sullivan, “Ángel de la muerte”. Todo un cambio de registro por parte del actor más querido en América. Su mirada fría pero inundada de tristeza, es un hombre que quiere lo mejor para su familia aunque se sienta distante de ellos, y contiene momentos tan brillantes como el primer encuentro con Jude Law (sudor por la frente incluido) o la escena con su hijo cuando está recuperándose en el campo hacen que esta sea una de las interpretaciones más brillantes del actor; Paul Newman, creo que hay poco que decir de este genio, leyenda viva del cine. Su John Rooney es un hombre de honor, un líder ante su gente, alguien a quien se respeta y teme de igual manera, su amor por su hijo Connor le hará enfrentarse al hombre que más ha estimado, un gran legado interpretativo; Jude Law está impresionante como El Reportero, verdadera mascara del mal, frío, calculador, absolutamente repulsivo. En la película encontramos también actores de la talla de Stanley Tucci, como Frank Nitti, que coincidió de nuevo con Hanks en “La Terminal” de Spielberg; Jennifer Jasón Leigh, conocida por papeles como “La señora Parker y el circulo vicioso”, ”Eclipse total”, o “Existenz”; Daniel Craig, al que podemos ver en “Lara Croft: Tomb Raider”, “Sylvia”, “Munich”y que será el sustituto de Pierce Brosnan como agente 007 en el nuevo film de la Saga, “Casino Royale”, como Connor Rooney; y el debutante Tyler Hoechlin en el rol del joven Michael Sullivan. Mencionar que Anthony LaPaglia realizo una magnífica interpretación como Al Capone que tuvo que ser elimianda del montaje final, de nuevo por suerte la tenemos en el DVD y podemos disfrutar de ella.

La película recibió grandes elogios, y 6 nominaciones a los Oscars, recibiendo el premio a Mejor Fotografía para Conrad L. Hall a título póstumo, y una nueva nominación para Paul Newman como Secundario.
En conclusión se puede decir que “Camino A La Perdición” es una película donde predomina más la forma que el fondo, importa más cómo se cuentan las cosas que lo que cuentan. Una de esas películas que poseen el aroma de cine clásico por los cuatro costados, y que hace que te reconcilies con el mejor cine americano. Una Obra Maestra, un clásico instantáneo.
Gracias Sam Mendes por tu clase de dirección absolutamente magistral y tu desbordante puesta en escena, gracias Thomas Newman por tu inolvidable música, gracias Conrad L. Hall por tu legado magistral de fotografía, gracias a todos y cada uno de los actores que aparecen en el film por haber conseguido realizar soberbias interpretaciones. Gracias a todas y cada una de las personas que estuvieron involucradas e hicieron realidad la que es mi película favorita en lo que va de década.
10/10

V de Vendetta, de James McTeige

En un futuro posterior a la III Guerra Mundial Inglaterra se ha convertido en un pais dictatorial, gobernado por el Lider Sutler. Un extraño personaje enmascarado conocido por V comenzará a realizar actos terroristas promoviendo la paz y la libertad, cruzandose con la joven Evey, en quien encontrará una aliada.

Basada en la celebre novela gráfica de los 80 creada porAlan Moore y David Lloyd y de enorme exito internacional, los hermanos Wachowski decidieron llevarla a la pantalla adaptando la novela y cediendo la direccion a su director de segunda unidad en las dos secuelas de “Matrix”, James McTeige.

La película tiene un trasfondo político importante, y (aunque no me guste la politica) trata temas de actualidad. El protagonista es el villano, un terrorista, o eso es lo que parece. Gobernada por un puño de hierro, Inglaterra está completamente ciega en lo que acontece en su país y será el enmascarado personaje el encargado de abrirles los ojos, aunque eso conlleve muertes y destrucciones, proclamando la anarquía, el alzamiento del pueblo contra su gobernante, y defendiendo unos ideales. Su máscara (de Guy Fawkes, el hombre que intentó desrtuir el parlamento británico) es un simbolo, una idea, algo que, al contrario que los hombres, no puede morir. La trama estará rodeada de teorias de la conspiración (los virus) y engaños varios por parte del gobierno (los programas de Tv).

Eso por un lado. Ahora bien, lo que de verdad quiere V es venganza, su vendetta hacia las personas que le obligaron a llevar máscara de por vida. Él no es más que un personjae tragíco-romántico, como El Fantasma de la Opera, obligado a vivir bajo tierra lleno de odio. Al igual que en la novela de Leroux, aqui tambien hay historia de amor, y se puede decir que es el tema central. Tras conocer a Evey (cuya única consonante es V) el terrorista sentiráhaber encontrado a su igua, alguien que piensa como él aunque no lo demuestre. Entre ambos se compondrá una historia similar a “La Bella y la Bestia”, al principio ella e tiene miedo (como todos tenemos miedo a lo desconocido) pero al conocerlo mejor y comprobar las razones por las que realiza sus actos se unirá a él y comenzará a enamorarse. Sin embargo V no interpondrá sus sentimientos a su causa y, aunque le duela, deberá hacer lo que esta destinado a llevar a cabo.

Los personajes están bien construidos. V es un personaje muy teatral (no solo porla máscara), por su forma de moverse y hablar, con unos ideales muy claros que quiere dar al mundo; Evey es una chica al principio fragil pero que tras conocer a V se realizará un cambio en ella (el aislamiento que sufre) que la volvera fuerte. Los personajes secundarios están formados por el inspector jefe Finch, hombre serio y firme en su trabajo que investiga hasta el fondo el asunto relacionado con V; el presentador de television Dietrich, amigo de Evey y a favor de la causa de V en la sombra; y el dictador líder Sutler.

El reparto esta compuesto por Natalie Porman como Evey, mágnifica como siempre y con varias escenas verdaderamente magistrales (sobre todo despues de haber sufrido en la celda de aislamiento); Hugo Weaving (a quien nuca se le ve la cara) como V, a quien le dota de movimientos y voz subliminales (obligatoria VO); Stephen Fry como Dietrcih; Stephen Rea soberbio como Finch; y John Hurt como Sutler.

La dirección de McTeige es sorprendente para su debut. Basandose en el comic realiza planos fabulosos (V sobre la iglesia; el hombre entre las llamas; Finch junto a la rosa; Evey bajo la lluvia), y dota a las escenas de fuerza y empaque visual abrumador. Quizás beba mucho de Matrix (ese plano detalle de los pies saliendo del ascensor; la pelea final con los cuchillos), incluso se especuló que fueron los Wachowski los directores, pero el resultado final está muy conseguido realizando una buena adaptación. El ritmo está muy bien llevado incluso cuando parece que va a decaer (esa historia insertada cuando Evey está en la celda), y la música de Dario Marianelli ayuda muchisimo. Producen los Wachowski junto con Joel Silver (el productor de Jungla de Cristal, Arma Leta, Matrix, y lindeces de Steven Seagal y Jet Li).

Buen thriller politico de accion con trama romantica que mueve el film.

7/10

Una Historia de Violencia, De David Cronenberg

Tom Stall es un buen marido y padre de familia, que vive en un pequeño pueblo regentando un restaurante. Un día llegan al pueblo dos extraños con la intención de robar pero Tom se lo impide matandolos de forma impresionante. El pueblo lo tratará desde entonces como un heroe, pero aparecerá en la ciudad un hombre en su busca que dice conocerlo de hace tiempo, pero con otro nombre. A partir de ahora la vida de Tom y su familia no será la misma.

Película dirigida por David Cronenberg, director de otras “inquietantes” obras como son “La Mosca”, “VideoDrome”, “ExistenZ” o “Spider”. En esta ocasión se basa en una novela grafica del mismo nombre que le sirve para hablar de algo no menos inquietante como es la naturaleza humana.

Tenemos que tener una cosa clara, y es que el ser humano es violento, incluso el que no lo parece, pero está en nuestra naturaleza el defendernos y realizar actos de los cuales no estaremos orgullosos en los que utilizamos la violencia. En la película de Cronenberg, la violencia está presente durante toda la trama, desde el momento en que Tom mata a los dos hombres que entran en su restaurante. Desde ese instante nada será igual para Tom ni para su mujer, ni siquiera para su hijo.

Hay varios momentos en el film que nos muestran este hecho: 1º-El hijo de Tom pegando una brutal paliza a un compañero que no hace más que insultarle y meterse con él, por lo cual el chico explotará y soltará toda su ira; 2º-La secuencia en en el porche en que Tom liquida de forma fría a los hombres que han ido en su busca y la participación de su hijo en tal acto. Estos dos puntos podrían considerarse violentos en defensa propia, puesto que en ambos los protagonistas son puestos contra las cuerdas de forma que la única escapatoría es luchar. El fuego contra el fuego.

Hay dos secuencias más en donde la violencia está presente, aunque no en la misma forma que las otras mencionadas. La secuencia de sexo en la escalera tras la matanza en el porche, es violenta y dura, todo lo contrarío que la del principio de la película en que los protagonistas parecen colegiales. En las escaleras Tom y su mujer, Edie, hacen el amor salvajemente, como animales, por puro instinto y deseo, sin sentimiento alguno.

La última secuencia violenta se produce al final, en la mansión. Se produce como venganza del protagonista y para poner fin a todo lo que le persigue.

Otro de los temas que habla la película y que me resultan muy interesantes es si de verdad conocemos a las personas que nos rodean, incluso a aquellas con las que compartimos nuestra vida. Edie se empieza a pregunta si conoce de verdad a su marido, el cual tendrá que luchar contra si mismo para no herir a las personas que quiere, y enfrentarse a su pasado contra sus deseos.

La dirección de Cronenberg es muy acertada, las secuencias violentas no son nada gratuitas y tienen tal impacto como se requieren.

El reparto de la película es de primera. Con Viggo Mortensen como Tom, un buen hombre que tras el acto que lo convertira en un heroe a los ojos del mundo, pero que para él supondrá un enfrentamiento consigo mismo y con su pasado; Maria Bello es Edie, la mujer de Tom, quien defenderá siempre a su marido y le apoyará, aunque la duda se cierna sibre ella; Ed Harris es el misterioso hombre con la cara marcada que va en busca de Tom para llevarselo, puesto que dice que tiene una cuenta pendiente; el debutante Ashton Holmes como el hijo de Mortensen y Bello, esta más que convincente en su debut; William Hurt es el poderoso gangster jefe de Harris, y pieza fundamental para la conclusión de la historia.

En conclusión una muy buena película que da para hablar largo y tendido sobre nuestra naturaleza, y sobre lo que seríamos capaces de hacer en determinadas circunstancias.

8/10

Superman Returns, de Bryan Singer

!!! Vuelve Superman ¡¡¡

Dentro de las películas que más han dado de hablar en estos últimos años estaba la nueva versión de Superman. Se hablaba mucho de proyectos y rumores y ya había nombres confirmados para el proyecto, entre los que estaban Tim Burton, Nicolas Cage y Kevin Smith. Pero había algo siempre que impedía la realización del regreso del hombre de acero.
Han tenido que pasar 19 años desde la última película del heroe para verlo volar (Superman IV es de 1987), y ha sido de manos de Bryan Singer, director de Sospechosos habituales, Verano de Corrupción y las dos primeras partes de X-Men.
Para abordar el regreso de Superman al cine, en lugar de comenzar desde el principio como hizo Nolan en “Batman Begins”, Singer decidió continuar la historía donde acababa la segunda película (Superman II, 1980), y desarrollar la historia junto con los guionistas de “X-Men 2″.
La película es una carta de amor y respeto al film de 1978 que realizara Richard Donner. Comenzando con los titulos de creditos del mismo modo, acompañados por el tema principal que compusiera el gran John Williams, la película nos envuelve desde el principio.
Singer dota a la historia de fuerza visual como pocas se han visto en una película de super-heroes (Salvo Spider-Man 2 o X-Men, además de la mencionada de Donner). Imagenes tan poderosas como la destruccion de Krypton al principio, el flashback en la granja Kent, todas y cada una de las secuencias de vuelo, el rescate del avión, el momento en que el heroe observa a toda la tierra desde el espacio, y esa gran escena en donde Superman vuela deteniendose frente al sol y cerrando el puño.
La historía puede considerarse simple, Superman vuelve a la tierrra cinco años después de haberla abandonado y comprueba que hay cosas que han cambiado (Lois Lane tiene un hijo y vive felizmente con su pareja), pero otras siguen igual (Lex Luthor sigue planeando maldades contra todo el mu