Mentiras Arriesgadas, de James Cameron

¿Quién iba a pensar que a James Cameron le saldría una de las cintas más divertidas y disfrutables del cine de acción de la década de los 90? El megalómano director, por aquel entonces rompetaquilla (como de costumbre) gracias a “Terminator 2”, decidió hacer un remake de la cinta francesa “La Totale!” contado de nuevo con su amigo Arnold Schwarzenegger, consiguiendo otro éxito para su currículum.

La historia se centra en Harry Tasker, un agente secreto que persigue terroristas islámicos. Tasker ha ocultado toda su vida su verdadera profesión a su esposa, Helen, pero pronto descubrirá que ella también le ha estado ocultando cosas. A partir de ese momento Harry intentará descubrir su si esposa le sigue amando, a la par que debe combatir a los terroristas.

Cine de espías al más puro estilo Bond. Humor sin pelos en la lengua. Terroristas que quieren destruir USA. Una película de acción al uso en apariencia, hasta que aparece el elemento esencial y verdadero motor de la cinta, la crisis de la pareja. Si algo hace especial a “Mentiras Arriesgadas” es el saber contar una historia que se centra en la crisis familiar de los Tasker con empaque emocionante.
Efectivamente, Harry y Helen llevan casados muchos años y su vida es rutinaria y ni siquiera su hija les hace caso. Lo peor del asunto es que ambos se mienten, Harry oculta su verdadera profesión y Helen oculta a un extraño amigo con el que se ve a escondidas. Sin embargo, la señora Tasker es descubierta por su esposo y el buen hombre, en lugar de estallar de cólera frente a ella, decide ofrecerle otra nueva aventura con su máscara de agente secreto por la cual conocerá mucho mejor al hombre con el que lleva acostándose más de diez años. Claro, en ese momento las cosas se ponen feas, y no porque el matrimonio se tire los trastos a la cabeza al descubrir sus mutuos engaños, sino porque han sido secuestrados por los terroristas. ¿Qué hacer? No hay mejor solución para un matrimonio en crisis que plantar cara a las dificultades, y si éstas son un montón de tipos armados con una bomba nuclear, mejor que mejor. Si salen de eso el que se haya roto un plato en casa será algo sin importancia. En definitiva, lo que tenemos aquí es una película a favor del matrimonio, en que los terroristas de turno sirven para unir a los protagonistas haciendo que olviden sus problemas del pasado, y fortaleciendo su relación a partir de ese momento.

La película posee tres partes. Una primera en que se presenta al personaje de Harry Tasker al más puro estilo James Bond, enfundado en smoking y bailando un tango con una mujer espectacular para luego zambullirse en un tiroteo mientras escapa. Luego seguimos con la presentación de Helen, una mujer gris, costumbrista, a la que su esposo parece hacerle poco caso debido a su trabajo. La segunda parte abarca toda la crisis matrimonial de Harry y Helen. Aquí los terroristas no hacen aparición en ningún momento, siendo sustituidos por Simon, el amigo de Helen. La tercera parte abarca desde el momento que vuelven a aparecer los terroristas hasta el final, siendo en éste bloque cuando los lazos de afecto entre los protagonistas se fortalezcan por completo.

Conjugar cine de acción y humor la mayoría de las veces no queda bien o da situaciones de sobra conocidas, pero en el film de James Cameron ambos géneros se unen a la perfección gracias a que la película no se toma en serio a sí misma, de hecho todos los gags memorables bien podrían pertenecer a cualquier entrega de “Agárralo como puedas”. Ahí tenemos por ejemplo esa, desternillante, persecución a lomos de un caballo.

James Cameron realiza el film de forma fresca y amena, sus 140 minutos nunca aburren. El director vuelve a demostrar su gusto por las escenas bien diseñadas, con utilización de efectos especiales de última generación por aquel entonces para ayudar a las set pieces de acción, en especial el tramo final es todo un espectáculo pirotécnico con la destrucción del puente, además de la emoción que se vive en él cuando Harry y Helen se agarran del brazo.
Entre las secuencias más emblemáticas de la cinta tenemos la mencionada de apertura, todo un homenaje al mejor cine de espías. El tiroteo en el lavabo, con ese pobre anciano que ve su momento de relax en el water interrumpido por el sonido de los disparos. La persecución a caballo, capaz de interrumpir, y sorprender, a los músicos de un hotel. Todo el tramo final, desde el momento en que Harry y Helen son capturados, es cine de acción desatado y sin freno, con el mejor Schwarzenegger emulando a John Rambo, con chiste incluido dentro del film.
Ahora bien, la escena que caracteriza a “Mentiras Arriesgadas” la protagoniza Jamie Lee Curtis. Si, me estoy refiriendo al sugerente baile en ropa interior que nos ofrece la hija de Tony Curtis y Janet Leigh. La secuencia quedó grabada en la retina del público, en especial del masculino, pero no solo es sensacional por lo bien que luce la actriz, sino por el giro que da el personaje, quien, anclado en una vida aburrida, se desinhibe por completo y deja salir su lado salvaje dejando a su esposo, y a los espectadores, boquiabiertos. Además, en ella encontramos otro guiño al agente 007 en ese plano en que la figura de Schwarzenegger queda en medio de las piernas de Lee Curtis, emulando al poster de “Sólo para sus Ojos”, título que va muy bien con la secuencia en cuestión.

El guión lo escribió el propio Cameron y sorprende descubrir en los diálogos tal cantidad de tacos y referencias sexuales, en especial cuando después se puso muy correcto, y soso. Una de las características de los personajes del film es que son, en un 90%, mentirosos. Todos los personajes ocultan algo, en especial una identidad.

Los efectos especiales y el empaque visual están muy bien creados, con la salvedad del uso de especialistas, que son muy fáciles de reconocer.
La Banda Sonora corre a cargo del compositor de las dos primeras Terminator, Brad Fiedel, creando una composición que mezcle temas de intriga con otro más desenfadados que sirvan para la trama cómica.

Arnold Schwarzenegger se pone a las ordenes de Cameron por tercera vez para dar vida a Harry Tasker, posiblemente la mejor interpretación de Arnie, con permiso de su cyborg. Sin duda, el director ha sabido sacar del austriaco lo mejor. Sorprende la complicidad que existe entre Schwarzenegger y su partenarie, Jamie Lee Curtis, algo fundamental para el film. Ambos crean una pareja peculiar y divertida con grandes momentos. Lee Curtis brilla como Helen, la esposa del agente secreto que verá su vida dar un vuelco y, por cierto, la escena en que es rescatada por Harry de la limusina la rodó ella misma. Tom Arnold da la replica a Arnie como su amigo y compañero Albert Gibson, un espía con una vida domestica desastrosa. La bella hawaiana Tia Carrere es Juno Skinner, la misteriosa marchante de arte que llama la atención de Harry como sospechosa. El actor fetiche de Cameron, Bill Paxton, da vida al patético Simon, el vendedor de coches que miente para seducir a mujeres. Grant Heslov es Faisil, el joven nuevo miembro del equipo de Harry. Art Malik es el líder de la Yihad Carmesí. Charlon Heston aparece brevemente como jefe del Servicio de Inteligencia Omega, Spencer Trilby.

El éxito taquillero volvió a visitar a James Cameron. Además la cinta recibió nominaciones y premios, entre ellos el Globo de Oro a Mejor Actriz de Comedia para Jamie Lee Curtis.

“Mentiras Arriesgadas” es una comedia de acción desenfadada, con un cierto grado de incorrección política, una película diferente dentro de la filmografía de James Cameron. Una pena que la secuela quedara aparcada y el director se pusiera a hacer películas menos arriesgadas en busca de Oscars.

Lo Mejor: La perfecta mezcla de comedia desenfadada con el mejor cine de acción. Jamie Lee Curtis, y su baile.

Lo Peor: Se notan demasiado los especialistas. Que nunca se realizara la secuela.

Avatar, de James Cameron

Doce años ha tardado James Cameron en estrenar una película tras su triunfal “Titanic” y dedicarse a la realización de documentales. Lo nuevo del director ya daba de qué hablar puesto que anunciaba una nueva revolución en el cine. La campaña de marketing ha estado muy bien planificada y los pases previos en 3D hacían la boca agua. Aún así, un servidor siempre se mostró aséptico. El tan anunciado trailer me dejó tan frío como ha conseguido dejarme el producto final.

La historia es sencilla. Nos encontramos en el año 2154. El marine paralítico Jake Sully viaja al mundo de Pandora para sustituir a su hermano en el control de un Avatar, un ser creado mediante ADN humano y ADN de los nativos del Planeta, los Na´vi. Jake deberá conocerlos de cerca y ganarse su confianza para llegar a un acuerdo diplomático que impida la guerra entre humanos y nativos por la riqueza del Planeta.

James Cameron no se ha quebrado mucho la cabeza para desarrollar la historia, llena de estereotipos, situaciones copiadas de otras películas y con un mensaje final ecologista muy adecuado en los días que vivimos. Que la historia sea conocida hasta la saciedad no siempre es malo, pero lo que me sorprendió fue descubrir que el director oscarizado ha realizado una cinta a la que solo le falta el sello Disney. No hay que hilar muy fino para descubrir las referencias a la historia de Pocahontas y John Smith, pero en el film hay situaciones calcadas a las del film animado que relataban esa historia.
Ciertamente me he visto muy decepcionado, pero más que por el libreto, por la forma de dirigir de Cameron. Un hombre que es todo un referente en el cine fantástico y de acción, que realizó portentos visuales como “Aliens”, “Abyss” o “T-2”, y que siempre se ha desenvuelto muy bien a la hora de narrar parece haber perdido toda su fuerza para centrarse en su empeño por conseguir que los Na´vi resulten reales. Seguramente esto que digo resultará un poco duro para muchos que hayan visto la película y se hayan enamorado de ella pero a ejemplos me remito, en “Avatar” no encontré un solo momentos de tensión ni una escena dramática con fuerza suficiente como para encandilarme, cosa que si tenían por el contrario las películas anteriormente nombradas o “Titanic”. De todas las secuencias que pueblan la cinta destacaría solo dos, el momento del vuelo en el Banshee y la batalla final, en donde encontramos rasgos del mejor Cameron en cuanto a ritmo y montaje.
El libreto posee rasgos muy propios de Cameron en cuanto a creación de personajes se refiere, en especial en el elenco femenino, las mujeres de la cinta poseen más valor y coraje que los hombres, la mayoría de ellos marines. Desgraciadamente nos encontramos con frases irrisorias, otras del plan “Guay”, “mola” o similares destinadas a un público más juvenil que adulto y escenas contemplativas diseñadas para que luzcan de manera impresionante los efectos visuales, verdaderos protagonistas de la cinta.

Ahora, tras desahogarme un poco con la cinta, vamos a alabar sus virtudes. La razón principal que me impulsó a verla fue su tan anunciada revolución cinematográfica en el terreno del 3D. Y si señores, esta película hay que verla como se merece, en un buen cine con tecnología digital y 3D para sumergirnos en ese rico mundo visual llamado Pandora. James Cameron puede sentirse satisfecho en cuanto a imaginación conceptual. Cada palmo que puebla el Planeta resulta mágico, rico en detalles y texturas, con una excelente cohesión entre naturaleza y luces fluorescentes New Age. Puede que algunos planos generales del habitat resulten menos reales que otros, eso es cierto, pero hay que quitarse el sombrero ante el señor Cameron por ofrecernos este viaje.

El punto fuerte de los efectos especiales son los Na´vi, las criaturas azuladas que viven en Pandora. Aquí vemos un paso de gigante en cuanto a creación de personajes por CGI se refiere. Si Gollum o Yoda ya sorprendieron hace unos años los personajes virtuales creados por Cameron nos dejan con la boca abierta. Qué perfección técnica. La piel, los ojos, todo lo que vemos resulta real, y más aún cuando comparten planos con los personajes humanos. Sin duda alguna, esto si que representa otra nueva revolución en el campo de los FX.

Por otro lado, respecto a la proyección en 3D no veo mucha diferencia con otras cintas que ya he visto en este sistema. Si, te sumerge más en la cinta, eso está claro, pero creo que sobre todo ayuda a que los personajes digitales sean más humanos que los humanos ya que los primeros planos de los Na´vi son impactantes y dejan ver los poros de su piel. Respecto a lo demás el sistema 3D ayuda a destacar la profundidad de campo y a ver mucho más resaltadas las pantallas holográficas.

El ritmo de la cinta está medianamente bien llevado. Su duración de dos horas y media largas bien podría haberse quedado en dos horas y diez perfectamente si hubiera prescindido de situaciones repetidas como las continuas entradas y salidas de Jake en su avatar en el tercio final o no dando tantas vueltas para llegar a la gran batalla.
La Banda Sonora corre a cargo de James Horner con lo que ello conlleva, melodías reconocibles a lo largo de todo el film. Lo peor del score es que carece de un tema principal que sirva como leit motiv y represente a los personajes.

El reparto está compuesto por el nuevo chico de moda en Hollywood, Sam Worthington, quien da vida a Jake Sully de manera muy competente. La guapísima Zoe Saldana es Neytiri, princesa guerrera de la tribu Na´vi, y posiblemente el mejor personaje de toda la cinta. Sigourney Weaver es la doctora Grace Augustine, una científica de buen corazón que defiende a los Na´vi y quiere llegar a un acuerdo diplomático. Stephen Lang es el Coronel Quaritch, el jefe de los marines que deja ver sus heridas de guerra con orgullo y cuyo fuerte son más las armas que las palabras. Michelle Rodríguez es Trudy, la piloto con más agallas del ejercito. Giovanni Ribisi es Parker, el mandamás que ha ido a Pandora en busca de un importante mineral. Posiblemente sea el peor personaje de la cinta por lo desdibujado que queda. Wes Studi es el jefe de la tribu Na´vi y padre de Neytiri.

La película ya está recibiendo parabienes de la crítica especializada y los premios ya se han fijado en ella, recibiendo cuatro, excesivas, nominaciones para los Globos de Oro.
Concluyendo, “Avatar” es todo un deslumbrante espectáculo visual que encandila desde el primer minuto. Cine de evasión por todo lo alto.

Lo Mejor: Es un incuestionable espectáculo de primer orden. La batalla final.

Lo Peor: La historia nos la sabemos de memoria. Le falta fuerza narrativa.

Alien Quadrilogy

Hace treinta años llegaba a las pantallas la historia de la Nostromo y del bicho alienígena más cruel y memorable que nos ha dado el cine. La Saga Alien se caracteriza por poseer cada película el sello del director que se ha puesto detrás de la cámara en cada una de ellas, consiguiendo una serie interesante con dos grandes películas y otras dos más irregulares.

Alien, de Ridley Scott

Tras escribir para John Carpenter el film de fin de carrera “Dark Star” el guionista Dan O´Bannon ideó junto a su amigo Ronald Shusett una historia de terror en el espacio inspirada en una leyenda sobre la Segunda Guerra Mundial en que unos monstruos averiaban un bombardero y comenzaban a matar a la tripulación. Cuando buscaban vender el proyecto llegó a las salas de cine “La Guerra de las Galaxias” con su consabido éxito comercial que hizo a toda productora seguir explotando el filón de películas espaciales. La FOX vio en el proyecto presentado por O´Bannon y Shusett una oportunidad de realizar una película ambientada en el espacio con bajo presupuesto. El productor Walter Hill retoco un poco el guión, cosa que no gustó a O´Bannon. El propio Hill se iba a sentar en la silla del director pero sus duras jornadas de trabajo como productor se lo impedían y tuvieron que buscar a otro. En principio sonaron nombres como Jack Clayton o Peter Yates, pero finalmente se escogió a un joven director británico cuyo primer film, “Los Duelistas”, había causado sensación en Cannes. Su nombre era Ridley Scott. Cuando leyó el guión Scott se puso manos a la obra, entusiasmado, esbozando un montón de storyboards en que plasmaba su visión de la historia. El problema en ese momento radicaba en encontrar a alguien que pudiera conseguir llevar a la realidad dichos bocetos, y esa persona la encontraron en el pintor suizo H.R. Giger, autor del “Necronomicón”. Gracias al autor, Scott no solo encontraría a la persona perfecta para llevar a cabo sus escenarios e imaginería sino que encontraría en uno de sus dibujos la forma de la malvada criatura que daría nombre al film.
El 25 de Mayo de 1979 llegaba a las pantallas norteamericanas “Alien”, con una frase promocional inquietante: “En el espacio nadie puede oír tus gritos”.

La nave comercial Nostromo se dirige de regreso a la Tierra tras recoger minerales. La computadora de la Nave, conocida como Madre, despierta del sueño artificial a los siete tripulantes informándoles de una posible señal SOS en una pequeña luna situada en los limites del espacio conocido. A pesar de la oposición de gran parte de la tripulación la nave pone rumbo a la luna para llevar a cabo la misión. En el aterrizaje la nave sufre daños que deben ser reparados mientras un grupo de tres personas sigue la señal SOS. El pequeño grupo llega hasta lo que parece una nave extraterrestre en donde uno de los tripulantes descubre un nido de huevos y sufre el ataque de un parásito nacido de uno de ellos que se le pega al casco. De nuevo en la nave se intentará separar al parásito del rostro del hombre, pero por riesgo a que éste muera se decide esperar. Horas después el extraño ser con forma de araña ha desaparecido y el hombre se encuentra bien. Mientras están comiendo el recién despierto tripulante sufre un dolor de estomago. De su barriga emerge una criatura que acaba con su vida y escapa. A partir de este momento comenzarán a morir los distintos miembros de la tripulación.

Como bien idearon sus guionistas “Alien” posee una historia propia de Serie B. Una nave espacial. Una pequeña tripulación. Un monstruo alienígena que comienza a matar sin piedad a cada uno de ellos. Con esos tres elementos crearon el guión, sencillamente. Y con ese guión el director Ridley Scott supo crear una Obra Maestra del cine de terror enmarcado en el terreno de la ciencia-ficción.

“Alien” recuerda en la estructura de su segundo acto a la novela de Agatha Christie “Diez Negritos”. Tenemos siete tripulantes, todo parece normal hasta que el parásito con forma de araña ataca al oficial Kane. A partir de ese momento comienza a subir la tensión, no se sabe qué es esa cosa. Cuando parece que Kane está fuera de peligro comienza el juego de asesinatos con su muerte en forma de parto. La criatura ha nacido, huye y se esconde por la nave. Lo que en principio parece ser una cacería contra ese pequeño monstruo por parte de la tripulación acaba siendo una matanza en que los cazadores se convierten en presas. No hay lugar en la nave donde puedan estar seguros.
Una de las grandezas de “Alien”es no resaltar a un personaje por encima de otro. Todos los miembros de la tripulación nos son presentados y descritos psicológicamente con igual interés. Eso hace que no sepamos quién va a ser el siguiente en morir, llevándonos la sorpresa final al comprobar quién será el último pasajero que le plante cara al bicharraco. Esta característica nos lleva a estar siempre en tensión e inquietos mientras visionamos la película, la cual posee un alto grado de terror psicológico gracias a su atmósfera claustrofobia en la que nos envuelve de la misma forma que a los personajes.
La historia se enriquece aún más al poner como verdaderos villanos a los propios seres humanos, representados en la compañía propietaria de la nave, quienes quieren aprovecharse de esa recién descubierta forma de vida trayéndola a la Tierra. Para llevar a cabo la misión de trasportarla a la Tierra han infiltrado en la tripulación a un robot que se convertirá en otro contrincante para los tripulantes del Nostromo.

Podemos diferenciar dos parte. La primera parte nos describe la forma de la vida de la tripulación dentro del Nostromo y sus personalidades. Es un tramo de ritmo lento, digno heredero de “2001: Una Odisea del Espacio”. Los largos planos en que nos muestran con detalle el interior de la nave. La forma en que se despiertan los tripulantes. Las relaciones entre sí. Hasta la llegada de los pasajeros a la nave alienígena y su regreso al Nostromo dura este primer tramo, cuya lentitud precede a la angustia que estamos a punto de experimentar.
La segunda parte comienza una vez nace el Alien del pecho de Kane. El suspense hace aparición progresando hasta el terror en estado puro y poniéndonos alerta en todo momento. El in crescendo que posee esta parte es increíble, sin apenas dar respiro al espectador. Ni siquiera cuando parece que la criatura está destruida estamos tranquilos. La calma se encontrará solamente cuando los créditos finales aparezcan.

Ridley Scott supo ganarse a la gente con esta película, desde luego. Y es que el director británico consiguió tocar el cielo mediante una dirección sublime, en que cada escena está tan bien rodada que es imposible ponerle pega alguna. El director se toma su tiempo para presentarnos el ambiente donde se va a desarrollar la historia, poniendo especial atención a todo escenario que aparece, consiguiendo dejarnos helados cuando nos descubre al tripulante Alien fosilizado dentro de la nave extraterrestre. Ahora bien, si por algo hay que seguir alabando hoy día al señor Scott es por saber jugar tan bien con el suspense y el terror en la segunda parte de la cinta. El sangriento nacimiento del bicho del pecho de John Hurt a pasado a las enciclopedias de la Historia del Cine con toda justicia. La primera aparición del Alien en su estado gigante tras el personajes interpretado por Harry Dean Stanton es impactante, al igual que esa escena en los conductos de aire, en que por medio de la luz de una linterna vamos a tropezarnos inesperadamente con el monstruo. Los veinte últimos minutos se desarrollan prácticamente sin dialogo, con el enfrentamiento final entre Ripley y el Alien, demostrándonos Scott lo que es conseguir inquietar con imagen y sonido de ambiente.

Además de por su inmejorable puesta en escena hay que destacar la forma en que se muestra al monstruo. El director tuvo una máxima en el rodaje, da más miedo lo que creemos que hemos visto que lo que vemos realmente. O sea, es más terrorífico aquello que no vemos pero qué sabemos que está ahí. Así pues el Alien es mostrado de forma rápida y con el detalle más mínimo, suficiente como para darnos escalofríos. Solo al final podemos contemplarlo de forma completa.

La ambientación y dirección artística son fabulosos y crearon escuela. Scott se basó en los dibujos de Moebius y H.R. Giger creó algo imborrable, digo heredero de Lovecraft. El Alien fue creado por Carlo Rambaldi. La criatura posee una fisonomía inolvidable, especialmente gracias a su cráneo largo, sus dientes metálicos y a la segunda boca expansiva que se encarga de atravesar cualquier miembro del cuerpo. Para otorgarle mayor peligro se le añadió facilidad para camuflarse entre los huecos de la nave, ácido en lugar de sangre, con lo cual podía herir a alguien si recibía alguna herida y ayudaba muy bien a la hora de plantear alguna escena de suspense, pues gracias a la aparición de algún rastro de ácido sabemos que hay un Alien cerca.
La Banda Sonora fue obra de Jerry Goldsmith, quien crearía una composición inquietante que otorgara a las imágenes más intranquilidad.
El reparto no era muy conocido por aquel entonces. Tom Skerrit es Dallas, capitán de la nave Nostromo, siempre siguiendo las ordenes que le envían los jefe de la Compañía. Sigourney Weaver es la Teniente Ripley, segunda oficial al mando. Tras sus breves segundo en “Annie Hall” Weaver consiguió tener aquí su primera gran oportunidad que no desaprovechó dando vida a Ripley, personaje que al principio estaba pensado para un hombre. El personaje de Ripley es el que más se opone a la decisión de introducir al parásito alienígena en la nave y quién demostrará al final de la cinta poseer más valor del que aparenta. John Hurt es Kane, el oficial que sufre el ataque de la araña Alien. Hurt quedó grabado en la mente de cinéfilos como el hombre que dio a luz al primer Alien en el cine. Veronica Cartwright es Lambert, la cual muestra ciertos roces con Ripley, especialmente cuando no les permite entrar en la Nave. Harry Dean Stanton es Brett, el técnico con pocas luces que se queja de su salario. Ian Holm es Ash, el tripulante científico que esconde más cosas de las que parece. Yaphet Kotto es Parker, el otro técnico de la Nave que forma dúo con Brett, pero que se muestra mucho más agresivo y presto a la batalla.

Como es habitual en Ridley Scott existe una versión del director que elimina una conversación entre Dallas y Ripley e incluye una escena explicativa en que los miembros de la tripulación escuchan el SOS procedente de la luna.
Cabe decir que en España se subtituló como “El octavo pasajero”, cosa que es un poco incorrecta ya que ¿ese no debería ser el gato?

La película fue todo un éxito de taquilla y de critica, recibiendo el premio Oscar a Mejores Efectos Especiales. Ridley Scott tuvo las puertas abierta a Hollywood y se embarcó en la película que lo elevaría definitivamente a los altares del genero fantástico. Sigourney Weaver experimentó un ascenso en su carrera y se convirtió en una de las mejores actrices de su generación.

Angustiosa, claustrofóbica, escalofriante. “Alien” es una película inolvidable, una pieza maestra del cine de terror.

Lo Mejor: Todo.

Lo Peor: Nada.

Aliens, de James Cameron

Mientras esperaba a que Arnold Schwarzenegger finalizara el rodaje de “Conan el Destructor” para incorporarse a “The Terminator” James Cameron escribió el guión de “Aliens”, secuela del film dirigido por Ridley Scott por el que Cameron sentía mucho respeto y del que pensó que se podía sacar mucho más jugo. Cuando les mostró a los directivos de la FOX el guión y les desveló su intención de dirigirlo dudaron de que pudiera llevarlo a cabo, así que hicieron un pacto, si “The Terminator” conseguía ser un éxito Cameron tendría luz verde para realizar la película. El film del robot asesino procedente del futuro triunfó abriéndole a Cameron las puertas para llevar a cabo su visión del mundo Alien. Se trasladó a Inglaterra para rodar la película de la misma manera que se había hecho la anterior, sin embargo hubo bastantes enfrentamientos entre el equipo inglés y el director americano, así cómo varias discusiones sobre la elección de Bill Paxton para dar vida al soldado Hudson. Para la labor técnica y creación de los Aliens el director llamó a su colaborador Stan Winston, quien evolucionó en el diseño de la criatura. Siete años después del estreno de “Alien” llegaba a las pantallas su secuela, “Aliens”, la cual mantenía la tensión y el suspense de la primera incrementándolo con un emocionante espectáculo de acción.

La nave de salvamento de la Nostromo que transporta a la Teniente Ripley es rescatada después de estar cincuenta y siete años a la deriva por el espacio. El relato de la superviviente es recibido con escepticismo por parte de la empresa Weyland que informa a Ripley de que la luna en donde tuvieron contacto con la forma extraterrestre ha sido colonizada y llamada LV-426. Después de un tiempo se pierde conexión con la colonia de LV-426 y se informa a Ripley, requiriendo sus servicios para acompañar a un grupo de marines en misión de rescate. Al llegar al Planeta encuentran a una pequeña niña llamada Newt y descubren que un grupo de colonos están incubando seres alienígenas en su interior. En la búsqueda por encontrar a éstos colonos se tropezarán con una manada de Aliens, comenzando así una batalla sin tregua.

Frente al tempo pausado de la primera película “Aliens” va directa al grano funcionando como una montaña rusa en donde la acción va en aumento a medida que avanza la historia dando como resultado una película de horror adrenalínica.
No podemos negarlo, a pesar de seguir manteniendo el tono de film de terror, “Aliens” es una película bélica. Los marines enviados en misión de rescate creen que se enfrentan a bichitos inofensivos para descubrir que su enemigo es una raza exterminadora que ataca inesperadamente en un terreno que ha hecho suyo. Esto puede esconder una lectura sobre la guerra de Vietnam, con los marines emulando a los americanos que piensan acabar su labor rápido para encontrarse en un terreno hostil e incontrolable donde los reyes son los nativos. Podemos decir que con “Aliens” James Cameron intenta homenajear al cine bélico en general , así se entiende ese primer tramo del film en que se nos presentan a los personajes en la nave dirigiéndose al Planeta LV-426 como si fuera la versión futurista de “La Chaqueta Metálica”, con el sargento negro gritando y dando órdenes a sus soldados.

Más grande, ese es el lema que se marca en toda secuela. Si en la primera película solo había un alienígena en esta James Cameron tira la casa por la ventana y crea toda una legión de bichos asesinos que se lo harán pasar muy mal a los valerosos marines. En “Aliens” se expande el Universo que gira en torno a las criaturas y se da mucha más información sobre la creación de los huevos aliens y su desarrollo. Existe una Reina Alien encargada de poner huevos, los cuales para conseguir dar a luz vida necesitan de huéspedes que los alojen en su interior. Estos huéspedes son los pobres colonos que trabajan en la central del Planeta. Las criaturas se muestran ésta vez mucho más inteligentes y demuestran una coordinación en el ataque de grupo y a la hora de preparar una trampa a sus oponentes.

Además de a las criaturas también se hace evolucionar a Ellen Ripley, ya condecorada como clara protagonista del film. La Teniente sufre continuas pesadillas que la devuelven una y otra vez a la nave donde se enfrentó a la criatura. Al principio reacia a ir a la misión de rescate acaba accediendo para enfrentarse a su miedo y poner fin a la pesadilla eliminando de una vez por todas a esos monstruos. En la misión Ripley demostrará tener un gran valor y desarrollará su sentido materno gracias al personaje de la niña pequeña Newt, a la cual promete no abandonar pase lo que pase, lo cual lleva a nuestra protagonista a enfrascarse en el terreno dominado por los Aliens para rescatar a la niña en uno de los momentos más álgidos de la cinta.
Con éste rasgo se hace un paralelismo entre Ripley y la Reina Alien, ambas preocupadas por cuidar de sus crías, tema resumido de forma maravillosa en esa memorable escena en que la gigantesca criatura hace aparición frente a Ripley y Newt, obligando a la Teniente a amenazar a los huevos de la Reina si no las deja marchar. El instinto materno tira mucho.

Si en “The Terminator” James Cameron ya demostró dotes de buen director para las escenas de acción en “Aliens” lo reafirma superándose a sí mismo y creando situaciones impactantes que nos harán sudar la gota gorda. Y es que si “Aliens” merece un calificativo ese es emocionante, ya que estamos ante una salvajada visual en el mejor sentido de la palabra. Es una película brutal, que no ofrece respiro al espectador y que posee momentos que nos clavan con las uñas en la butaca. Ya al principio el director nos ofrece algo de tensión mediante ese juego tan bueno con el maullido del gato y la pesadilla de Ripley en que un Alien sale de su pecho. A continuación nos describe a los marines y cómo Ripley es recibida con cierta mofa entre la tripulación. Cuando llegamos al Planeta LV-426 la intriga aumenta y vuelve a hacer aparición la claustrofobia. El esperar a mostrar a los Aliens es todo un acierto en esta parte. A pesar de saber cómo es su aspecto no podemos estar en calma, sintiendo lo mismo que Ripley, angustia y miedo. La película alcanza su primer tramo álgido en la exploración del nido Alien, en donde el grupo de marines va a conocer a sus terribles presas. Una vez más los monstruos demuestran sus cualidades de camuflaje y los eliminan sin compasión. La única diferencia con respecto al anterior film es que aquí no es aparición de Alien y muerte de un humano, sino aparición de cientos de Aliens y comienzo de escena de acción, no olvidemos que nuestros protagonistas humanos son marines y van armados con rifles que no dudan en disparar, con lo cual tenemos grades escenas de disparos sin cese en donde los Aliens también sufrirán bajas.
Éste momento sirve de preámbulo para el plato fuerte de la película, sus últimos cuarenta y cinco minutos, verdaderos tour de force narrativo en que los gritos, el miedo, los disparos, las explosiones y la épica harán aparición mediante un ritmo frenético. El encierro de Ripley y Newt en la habitación junto con la araña alien, el asedio de los Aliens a nuestros protagonistas en su sala de mando, la huida por los túneles, la captura de Newt por un Alien que surge de entre el agua, el rescate de Newt por parte de Ripley con ese gran descenso en ascensor en que la protagonista se prepara para entrar en combate armándose con el rifle y el lanzallamas. La aparición de la Reina Alien comenzando con ese primer plano de Ripley y Newt dándose la vuelta y descubriendo el horror absoluto. El enfrentamiento final entre Ripley y la Reina cuerpo a cuerpo con la mítica frase de “Aléjate de ella, puerca”. Emoción sin freno, simple y llanamente.

James Cameron se encargó de escribir el guión. Además de hacer evolucionar a Ripley y los Alienes siguió mostrando como amenaza humana a la Compañía Weyland, obsesionada en conseguir Aliens para traerlos a la tierra. De nuevo se introduce un personaje robótico en Bishop, el cual no cae bien a Ripley debido a la mala experiencia que tuvo con Ash. La única pega que le encuentro a la película es la forma de finalizar el film. Parece que se ha eliminado a todo Alien, cuando, de repente, aparece la Reina Alien en la nave de huida de nuestros protagonistas y se enfrenta a Ripley, la cual la elimina lanzándola al espacio. Clavadito al del film original solo que más espectacular en su realización.

El diseño artístico sigue siendo de primera y el diseño de las criaturas muestra una mejoría física con respecto a la anterior, otorgándoles mejores movimientos. Stan Winston creó a la Reina Alien, en cuya escena de presentación aparece cual reina de las arañas con sus largas patas y una cresta majestuosa. El resultado es escalofriante.
La Banda Sonora fue obra de James Horner, el cual tuvo muy poco tiempo para llevarla a cabo, lo cual lo llevó a enfadarse con Cameron y a jurar que no volvería a trabajar para él. Once años después le compondría la Banda Sonora para “Titanic”.

Sigourney Weaver volvió a dar vida a Ellen Ripley de forma magistral. La actriz otorga fuerza a su protagonista y consigue emocionarnos durante todo el tramo final consiguiendo crear una de las féminas del cine de acción más memorables de la historia. James Cameron contaría con actores norteamericanos, entre los cuales encontramos varios fetiches en su filmografía que ya había trabajado con él en “The Terminator” o volverían a hacerlo después. Michel Biehn es Hicks, el soldado que mejor relación entabla con Ripley, tanto que se entreve una posible relación futura entre ambos. Lance Henriksen es el androide Bishop, leal colaborador de los humanos. Bill Paxton es Hudson, el soldado más charlatán del grupo. Janette Goldtein debutó en el cine dando vida a Vasquez, la tía más dura de cuerpo de marines cuya imagen armada con el rifle de asalto a quedado grabada en la retina de mucha gente. La niña Carrie Henn da vida de forma magistral a Newt, la pequeña encontrada por la que Ripley siente un sentido materno. Henn no volvió a participar en ningún otro film pero comenzó una amistad con Sigourney Weaver que aún hoy dura.

Existe una Versión del Director que incluye casi veinte minutos más entre los cuales tenemos la noticia que recibe Ripley al principio sobre el destino de su hija o la forma de vida que llevan los colonos en LV-426 antes del ataque de los Aliens, el cual se produce en una escena también eliminada en que los padres de Newt van a explorar la Nave alienígena.

“Aliens” fue otro éxito de taquilla y consiguió siete nominaciones a los Oscars, Mejor Actriz para Sigourney Weaver, Dirección Artística, Banda Sonora, Montaje, Sonido, Efectos de Sonido y Efectos Especiales, consiguiendo llevarse éstos dos últimos.

Emocionante, terrorífica, salvaje, impactante. “Aliens” es toda una experiencia fílmica que demuestra cómo se puede hacer una secuela a la altura de la original.

Lo Mejor: Su intensidad y emoción. Sigourney Weaver, sobre todo en el tramo final.

Lo Peor: Sus similitudes en el tramo final con la original.

Alien 3, de David Fincher

Abandonar la Saga de Alien no estaba en los planes de la FOX que se puso a buscar un nuevo argumento para continuar las aventuras de la Teniente Ripley. Los problemas no se hicieron esperar. Se presentaron varias versiones de guión, a cada cual peor. Los directores escogidos iban cayéndose del proyecto. El presupuesto se esfumaba antes de empezar la producción del film. Walter Hill y David Giler rescribían el guión a medida que se rodaba la película. El director escogido para llevar a cabo la película fue el debutante David Fincher, procedente del mundo de la publicidad y el videoclip que acabaría teniendo una guerra con los productores con respecto al desarrollo y montaje final de la película. Tal fue el disgusto del director que se negó a participar en posteriores montajes y a renegar de ésta tercera entrega.

Ripley, Newt, Bishop y Hicks se encuentran de vuelta a la Tierra. Desafortunadamente la Reina Alien colocó un huevo dentro de la sala donde se encuentran. El huevo se abre y aparece la araña alien que revienta el cristal de Ripley y la invade. El abrazacaras alien daña la nave y eso hace que la computadora active un aterrizaje de emergencia que lleva a Ripley a un Planeta Prisión conocido como Florina 161 en donde toda la población está compuesta por hombres que forman una comunidad religiosa. En el aterrizaje mueren todos menos Ripley, que es recogida con miedo debido a que los presos llevan sin ver una mujer durante muchos años. La Teniente ignora que en su interior porta un Alien y mucho menos que aún sigue escondida en la nave la araña, la cual utiliza a un perro como huésped de otra criatura Alien que nacerá y comenzará a matar a todos.

“Alien 3” posee un punto de partido interesante gracias al ambiente donde se desarrolla, el Planeta Prisión regido por creencias religiosas. Gracias a ello se establecen temas universales como el enfrentamiento entre Bien y el Mal, la Fe y la aparición de la tentación a través de la llegada de Ripley, la cual se convierte en un tentador manjar físico para los necesitados presos.
Me gusta mucho como queda el tema de invasión en la película. Al igual que Ripley acaba invadiendo y perturbando la coordinada sociedad masculina del Planeta ella acaba invadida en su interior por la criatura que más odia en el Universo.
Desgraciadamente todo esto queda levemente esbozado y la película acaba mostrando sus cartas rápidamente, se trata de otro film de asesinatos sin freno por parte del Alien y donde Ripley con ayuda de los presos intentarán detenerlo. Parece que los productores querían algo similar a la primera entrega, un lugar cerrado, primordialmente metalúrgico, donde se desarrollara la acción y se presentaran rápidamente a los personajes con el monstruo matando a diestro y siniestro desde el momento de su nacimiento. En resumidas cuentas, tomaron el camino fácil para hacer taquilla.

Por mucho que le disguste a David Fincher “Alien 3” será siempre la película con la que se estrenó en cine. Y tampoco es tan mala carta de presentación, peor era la de James Cameron con “Piraña 2”. El director muestra en el film un cuidado en la puesta en escena y en el uso del lenguaje cinematográfico que dejan asomar al posterior perfeccionista que sería. De nuevo vuelve a hacer aparición una atmósfera claustrofóbica en donde Fincher utiliza el plano subjetivo del Alien, cosa que antes no se había hecho, y movimientos de cámara alrededor de los personajes en los momentos de inquietud. Sin embargo el resultado final es bastante irregular, a pesar del esfuerzo del director, debido al ajustado presupuesto que le habían dado para trabajar y a un guión que presentaba lugares comunes con respecto a las anteriores entregas a la hora de mostrar los asesinatos del bicho, los cuales no poseen suspense ni tensión alguna.

Caben destacar tres momentos como son el funeral de Newt y Hicks en montaje paralelo al nacimiento del Alien con las palabras bíblicas de fondo, el cara a cara entre Ripley y el monstruo en la enfermería con el plano más celebre de todo el film y el Destino de Ripley lanzándose al reactor. Quizás esta última escena quede algo floja debido a la pobreza de los efectos especiales y a la nula emoción que posee un momento que requería todo lo contrario, pues recordemos que se trata de algo que siempre se ha temido desde la primera entrega como es que la protagonista muera por culpa de la criatura.

El guión ya hemos citado que desaprovecha el punto de partida de desarrollar la historia en un ambiente marcado por las creencias católicas, pero si a eso sumamos la brutal decisión de eliminar a los acompañantes de Ripley en la nave por capricho y la nula creatividad en su segunda mitad obtenemos un libreto cojo.
La dirección artística se decantó de nuevo por un ambiente industrial rememorando a la primera entrega. La fotografía es más amarillenta y apagada. La Banda Sonora de Elliot Goldenthal es de lo mejor de la cinta, incluyendo un track de corte religioso que queda bastante bien con el planteamiento ideológico del film. Los Efectos Especiales son los peores de toda la Saga, y es que se nota mucho el ajuste de presupuesto.
Una vez más el Alien fue modificado. Se le eliminaron los cuernos que le nacían de la espalda y se le dotó de mucha más velocidad a la hora de caminar por las paredes. Quizás por nacer de un perro se le muestra casi siempre andando a cuatro patas.

Sigourney Weaver encabeza de nuevo el reparto dando vida a la Teniente Ripley en su faz más trágica y triste, que sufre en sus carnes el descubrimiento de portar en su vientre a un monstruo. Su imagen con cabeza rapada dio la vuelta al mundo. Charles S. Dutton es Dillon, el guía espiritual del Planeta por así decirlo. Charles Dance es Clements, el médico con el que Ripley hace buena amistad que esconde un triste secreto. Paul McGann es Golic, un interno con graves problemas mentales que tiene vital importancia en la caza del monstruo. Lance Henriksen da vida de nuevo a Bishop brevemente. Pete Postlewaite es otro de los internos que ayudan en la caza del monstruo.

En DVD apareció la llamada Versión del Director con varios minutos de metraje que incluían un inicio más largo y una cambio con respecto al nacimiento del Alien, el cual nacía de una vaca en lugar de un perro. Por supuesto en este montaje Fincher no colaboró ni dio su consentimiento.

La película fue un fracaso, y es que después de dos película tan enormes ésta tercera acabó resultando muy floja. Recibió una nominación a los Oscars correspondientes a Efectos Especiales.

La oveja negra de la Saga por así decirlo, y todo debido a tener precedentes tan buenos. “Alien3” es un film aceptable, bien dirigido y con un punto de partida interesante que hace aguas a mitad de la cinta.

Lo Mejor: El esfuerzo en la dirección.

Lo Peor: No desarrolla la idea base. Cae en situaciones conocidas.

Alien: Resurrection, de Jean-Pierre Jeunet

El final de la tercera entrega, unido a su mala recaudación en taquilla, parecía poner punto y final a la Saga protagonizada por la Teniente Ripley, sin embargo los tiburones de Hollywood sabían del potencial que “Alien” tenía y no pensaban dejar de explotar al monstruo. Se barajaron muchas posibilidades a la hora de retomar a la criatura, incluso se anunció el titulo de “Alien VS Predator”, cosa que se haría realidad unos años después. Sin embargo, y de forma sorprendente, se anunció una cuarta entrega de nuevo protagonizada por Sigourney Weaver. El anuncio era demoledor, pues contradecía las leyes de la continuidad, ya que Ripley fallecía en “Alien3”.Aún así las mentes pensantes de los guionistas trabajaron sin descanso hasta conseguir una explicación coherente al regreso de Ripley, incluso se planeo convertir “Alien3” en un sueño de la protagonista. Finalmente el guionista Joss Whedon (creado de “Buffy Cazavampiros” y “Firefly”) dio con la temática por la cual Ripley volvía a vivir, la clonación. Para sentarse en la silla de dirección tentaron a varios directores europeos, como Alex de la Iglesia o Danny Boyle, siendo escogido finalmente el francés Jean-Pierre Jeunet, el cual implantaría su particular sello a la Saga.

Han pasado doscientos años. Un grupo de científicos a bordo de la nave comercial Auriga experimentan con restos de sangre de Ellen Ripley hasta conseguir clonar tanto a ella como a la criatura que lleva en su interior. Cuando la cría, una Reian, alcance su estado de gestación llegara la nave Betty portando varios cuerpo humanos mantenidos en hipersueño para servir como huéspedes a las criaturas. Los científicos piensan poder controlar a los Aliens, pero se equivocan. Los monstruos se sublevan y comienzan a matar a todos los tripulantes de la nave, quedando solo los pasajeros de la Betty junto con otros dos miembro del Auriga y Ripley, quien ahora posee varias características alien que la hacen más mortífera. Pronto los humanos deberán iniciar una carrera contrarreloj para destruir la Auriga antes de que llegue a la Tierra.

Una buena idea lo de la clonación, muy de actualidad en aquellos días con la oveja Dolly. Gracias a ello se recuperaba a Ripley y al Alien que porta en su interior, pero además conseguían hacer evolucionar a ambos otorgando un nuevo aire a la Saga.
La Teniente Ellen Ripley es ahora mucho más letal al poseer ácido en lugar de sangre y mucha más habilidad corporal. Poco queda de la Ripley asustadiza, aquí tenemos a una fría mujer con un cínico sentido del humor que no duda matar a todo aquel que se ponga en su camino. Para más Inri existe ahora un vinculo entre ella y las criaturas que peor se lo han hecho pasar, pues poseen la misma sangre y gracias a ella la Reina ha vuelto a ver la luz. Ripley se convierte así en la madre de los monstruos, entre los cuales está a punto de florecer la bestia definitiva.
Los Aliens siguen siendo letales, pero aquí muestran como novedad la capacidad de aprender rápidamente y de matarse entre ellos para conseguir sus objetivos. La Reina Alien ya no solo se limita a poner huevos sino que gracias a ADN humano ha sido capaz de crear un sistema reproductor propio, un útero del cual nacerá el Alien Humanoide.

Si en la anterior entrega querían recuperar el aire de la primera película dirigida por Ridley Scott aquí se hace lo propio queriendo emular a James Cameron incrementando el número de Aliens e introduciendo a un grupo de mercenarios de armas tomar. Si bien no consigue llegar a la épica de “Aliens” la cinta de Jeunet propone una aventura espacial amena en donde la diversión y el despliegue de medios técnicos está garantizado.

El director francés implanta su estilo en la cuarta entrega de las criaturas espaciales dotando a la imagen de una atmósfera verdosa donde su original imagineria visual y su narración caracterizada por planos visualmente atractivos hagan que la película pase en un suspiro. Al contrario que en las otras cintas los Aliens no tardan en aparecer y se nos muestran en todo su esplendor baboso. Los primeros veinte minutos vuelven a servir para situarnos y presentarnos a los personajes y para añadir alguna escena de tensión entre los científicos y los aliens, a quien creen amaestrar. Previamente a que los Aliens salgan de sus celdas y comience la carnicería Jeunet introduce ya alguna secuencia de acción como es la pelea en la cancha de baloncesto entre Ripley y los mercenarios. Una vez se dé la alerta y los monstruos consigan escapar la película empezará a adquirir emoción, especialmente cuando Ripley contempla todos los experimentos que se han hecho para llegar a conseguirla y en la escena bajo el agua, que se erige como el mejor momento del film. Como punto negativa hemos de citar su bajón de ritmo tras éste momento.
Una de las cosas que más me gustan de “Alien: Resurrection” es el toque gore que se le da al final de la cinta cuando Ripley es abrazada por su hija, la Reina, y el Alien humanoide nace. La verdad es que es repugnante ese engendro mitad monstruo mitad humano que nace del vientre de la Reina Alien. Para dar más vidilla al asunto se muestra la señal de afecto que siente por su verdadera madre, Ripley, lamiéndole la cara con su larga lengua.
De nuevo hemos de citar como punto negativo la resolución de la película. Parece que no se cansan en hacernos creer que el Alien ha muerto para hacerlo aparecer en la nave de huida inesperadamente y enfrentarse de nuevo a Ripley, la cual para eliminarlo elige el espacio, solo que aquí la muerte del Alien es más desagradable al ser absorbido por el espacio exterior a través de la rotura en un cristal, descomponiéndose poco a poco.

El guión de Joss Whedon es aceptable y va directo al grano con una trama sencilla en que prima la acción y en donde lo más complejo radica en la forma que tienen de conseguir a Ripley. Como guiño a la primera entrega a la nave Auriga se le llama Padre, en lugar de Madre como en el primer film.
Los efectos especiales son mucho mejores que en la tercera entrega. Pitof, colaborador de Jeunet, se encarga de supervisar los efectos especiales que consiguen crear unos aliens visualmente espectaculares por ordenador.

Una vez más Sigourney Weaver da vida a Ellen Ripley, que aquí aparece mucho más malévola que en las anteriores entregas. Winona Ryder es Call, la joven tripulante del Betty que esconde un secreto. Ryder aceptó participar en el film sin leer el guión debido a su admiración por la Saga. Ron Perlman es Johner el tío más divertido de la película. Aunque en principio los productores pusieron pegas a la elección de Perlman lo cierto es que el actor consigue dar vida al personaje más memorable de la cinta con el permiso de Ripley. Dominique Pinon es Vriess, el paralítico al que le gusta husmear más de la cuenta por naves ajenas para mangar algo. Brad Douriff es el Doctor Gediman, orgulloso de conseguir a Ripley y los Aliens, que sufrirá una muerte de lo más desagradable. Dan Hedaya es el General Perez, el cual busca conseguir beneficios con los Aliens. Michael Wincott es Elgyn, capitán de la Betty.

“Alien: Resurrection” acabó resultando obtener peores resultado que la tercera entrega poniendo punto y final, aunque hoy día se habla de una nueva entrega en forma de precuela, a las aventuras de Ripley. Aún así es una película muy entretenida que se presenta como un film primordialmente visual donde prevalece la acción.

Lo Mejor: La escena bajo el agua. Sus toques gore. La reinvención de Ripley.

Lo Peor: Querer emular a la segunda entrega errando en el intento.

The Terminator Saga

La Saga Terminator comenzó su andadura en 1984, con la película de bajo presupuesto creada por James Cameron, quien siete años después realizaría la secuela de mayor envergadura que dejaría boquiabierto a todo el mundo. Parecía que no se iban a hacer más secuelas, pero la maquinaria hollywoodiense no podía dejar pasar la oportunidad de seguir explotando un filón que hoy día, casi 25 años después de su nacimiento, llega a tener una cuarta entrega.

The Terminator, de James Cameron

Tras su descontento al debutar con “Piraña 2: los vampiros del mar”, de la cual le despidieron dos veces, James Cameron comenzó a moverse para conseguir llevar a cabo la idea que llevaba rondándole desde 1981, cuando le mostró a Gale Anne Hurd unos bocetos e ideas en que un exoesqueleto metálico aparecía de entre las llamas. Cameron y Hurd consiguieron vender los derechos a una productora convenciéndola de que se trataría de un film de acción de bajo presupuesto. En 1984 llegaba a las pantallas “The Terminator”, una película que se ha convertido en título de culto y que daría el empujón definitivo a Cameron y a su protagonista masculino, Arnold Schwarzenegger.

En el año 2029 los hombres luchan incansablemente contra las máquinas que surgieron del holocausto nuclear. Es una batalla sin fin en un mundo masacrado, lleno de calaveras y ruinas. Sin embargo, la mayor batalla entre el hombre y la máquina no se desarrollará en este futuro desolador, sino en 1984, cuando dos seres sean enviados para localizar a Sarah Connor, madre del líder de la resistencia que aún no ha nacido. Uno será un Terminator, un cyborg que aparenta ser un hombre, programado para acabar con Connor, el otro es un soldado de la resistencia llamado Kyle Reese cuya misión es protegerla.

Tenemos dos temas muy recurrentes dentro del género fantástico en el film. En primer lugar la lucha entre el hombre y la máquina, que aquí muestra las consecuencias de lo que sería un ataque nuclear provocado por las mismas, pero activado por el hombre, pues es él quien las crea. Con esto se consigue mostrar una realidad pesimista acorde con el mundo en que se vive, donde un ataque nuclear es una amenaza patente que deparará el fin de la raza humana.
En segundo lugar tenemos los viajes en el tiempo mediante los cuales se intenta cambiar el trascurso de la historia. En este caso, el objetivo de los dos viajeros del tiempo es el líder de la resistencia, John Connor, pero no viajan a un momento en que Connor haya nacido, sino antes de que sea concebido, impidiendo así que se convierta en el héroe del futuro. Es muy interesante y original el juego que se hace entre presente y futuro, y cómo el personaje de Kyle Reese juega un papel mucho más importante que el de ser un simple protector para Sarah, creando incluso una paradoja temporal.

A pesar de estar afincada en las modas ochenteras que poblaban la mayoría de los films de género que se realizaban con presupuesto limitado “Terminator” consigue superar los obstáculos estéticos gracias a un guión inteligente y a una puesta en escena efectiva en donde James Cameron deja patente su imaginería fílmica y sus dotes de visionario. El director consigue crear secuencias muy atractivas en donde la acción esté desarrollada coherentemente llegando a impactar al espectador por medio de persecuciones y tiroteos. Quizás la escena más memorable de todas es la que acontece en la comisaría de policía, cuando Sarah y Kyle se encuentran dentro de ella y el Terminator llega preguntando por la mujer, la respuesta negativa del guardia hace que el asesino cibernético sentencie que volverá para a continuación cumplir dicha promesa derribando la entrada con su vehículo y comenzando una matanza donde nadie quedará vivo, salvo nuestros protagonistas. Otras secuencias memorables son el primer enfrentamiento entre Reese y Terminator en la discoteca donde se encuentra Sarah, así como la persecución final y posterior enfrentamiento con el esqueleto metálico en la fabrica metalúrgica, en donde la aparición del robot nos sobrecoge e impacta de la misma forma que a los protagonistas. Hay que destacar también el final del film, pues acaba de forma pesimista, con Sarah Connor embarazada, huyendo hacía unas montañas en donde se acerca la tormenta. Solo han impedido que el líder de la resistencia muera, pero el fin del mundo sigue amenazando en el horizonte.
Cameron juega con un montaje a base de flashbacks que nos transporten al apocalíptico futuro del que procede Reese. En uno de esos flashback, que funciona como pesadilla, encontramos la que posiblemente se la mejor secuencia del film que resuma todo el contenido del mismo. Kyle llega al refugio de los humanos tras una jornada de ataques contra las máquinas. El soldado se sienta y comienza a ver una fotografía, es Sarah Connor. De repente un perro ladra, acaba de entrar un terminator infiltrado que empieza a matar sin compasión. Reese intenta detenerlo, pero tropieza perdiendo la foto que va quemándose ante sus ojos, destruyendo el rostro de Sarah. Así se resume la angustia del protagonista por intentar proteger a Sarah y su miedo a perderla.

La estructura del film está muy bien planteada consiguiendo diferenciarse dos tramos. El primer tramo es aquel en que se nos muestran a los dos guerreros del futuro sin dejarnos claro quién es quién, ambos significan una amenaza por el momento. El más grande y corpulento se muestra más agresivo comenzando a matar a toda mujer que responda al nombre de Sarah Connor, otorgando al film un toque de film salsher con serial killer sin compasión. El otro hombre, de complexión más atlética, opera más sigilosamente, haciéndose con un arma en cuanto tiene ocasión y buscando al mismo objetivo que el otro. Mientras tanto se nos presenta a Sarah Connor como una camarera normal y corriente a la que acaban de dejar plantada en una cita. Cuando observa que una persona la persigue, el hombre atlético, se adentra en una discoteca a la espera de que llegue la policía. En el recinto quedarán claros los roles de cada personaje masculino y comenzará el segundo tramo del film, una huida sin más descanso que el momento en comisaría. Así pues la segunda parte del film se convierte en una persecución entre el Terminator y sus victimas, mientras éstos intiman y se conocen mejor, a la vez que planean cómo deshacerse del cyborg.
El guión de James Cameron, con colaboración de Gale Anne Hurd, es muy bueno y consigue diferenciarse del típico producto de serie B. Cabe destacar lo bien definido que está el personaje femenino de Sarah Connor, la cual muestra una evolución, pues es una chica normal que no destaca por ninguna cualidad especial hasta que Reese le revela lo que le depara el futuro, en donde es conocida como la legendaria Sarah Connor, algo que se esbozará al final de la cinta cuando ella sola plante cara a la mortífera máquina asesina. No se puede decir lo mismo del resto de personajes secundarios de la cinta, los cuales son unidimensionales y apenas están definidos.

Para crear los efectos especiales del film Cameron colaboró con Stan Winston por primera vez, el cual crearía el exoesqueleto que el director imaginó consiguiendo un resultado altamente satisfactorio. Además el maquillaje para Schwarzenegger cuando se está reparando es impactante, utilizándose replicas del actor con su ojo robótico.
Brad Fiedel creó una Banda Sonora demasiado ochentera donde las notas techno impregnan toda la cinta. Eso si, su tema principal para el film es todo un clásico que perfeccionaría de manera sobrecogedora en la secuela.
Para el trío protagonista se escogió un cast casi desconocido, a excepción del que daría vida al Terminator. Michael Biehn es Kyle Reese, comenzando así una colaboración con Cameron que duraría tres films más. El actor está correcto dando vida al personaje que más le identifica. Linda Hamilton es Sarah Connor, y al igual que Biehn es su personaje más emblemático. Hamilton se encuentra tan correcta como su compañero, consiguiendo realizar una evolución al final de la cinta que funcionará como pequeño aperitivo a lo que nos ofrecerá en la segunda parte. Arnold Schwarzenegger fue una imposición de la productora. Aunque al principio Cameron se mostró reacio cambió de opinión cuando conoció al austriaco, comenzando así una buena amistad. El actual Gobernador de California solo tenía de relevancia en su currículum “Conan” pero gracias a dar vida al hierático asesino del futuro su carrera pegó un empujón que lo convirtió en una de las estrellas del cine de acción más representativas, y es que Terminator es el papel por excelencia de Suache. Como secundarios hay que mencionar a Lance Henriksen, primera opción de Cameron para ser Terminator al que le da el papel de policía que cuenta chistes malos y no tiene mayor envergadura dentro de la trama, y a Bill Paxton, actor fetiche del director, como un punky que se convertirá en la primera victima del exterminador.

“Terminator” se convirtió en un título de culto dentro del cine de ciencia-ficción y de acción que incluso tuvo malas imitaciones. Afortunadamente Cameron, haciendo honor a la célebre frase que dice su creación, volvería siete años después, ya consagrado, para engrandecer su primera gran película.

Lo Mejor: El guión y puesta en escena de Cameron. Su aroma de Serie B. Schwarzenegger.

Lo Peor: El poco desarrollo de los secundarios.

Terminator 2: El Juicio Final, de James Cameron

Después del leve desliz económico que le supuso “Abyss” James Cameron recuperó a la criatura de su primer film para realizar una secuela. Los derechos del film los compraron Mario Kassar y Andrew G. Vajna para Carolco, y sería ellos los responsables de producir la segunda parte. Aunque pudiera parecer un suicido visto el estratosférico presupuesto que se necesitó para llevarla a cabo, convirtiéndose en la película más cara por aquel entonces, Cameron confiaba en tener éxito seguro gracias a dos factores, la película de 1984 se había convertido en clásico de culto y el protagonista Arnold Schwarzenegger vivía su mejor momento en la meca del cine. El 1 de Julio llegó a las pantallas norteamericanas (a nuestro país llego cinco meses después para variar) “Terminator 2: El Juicio Final”, demostrando que habían utilizado de maravilla cada dólar invertido.

El 29 de Agosto de 1997 se desencadenó una guerra nuclear que apagó la vida de millones de seres humanos. Las máquinas gobernadas por Skynet comenzaron a tener el control del mundo. Solo un grupo de hombres liderados por John Connor son capaces de hacerles frente en un futuro apocalíptico situado en el 2029. Ya en 1984 se envió a un Terminator para impedir el nacimiento del líder de la resistencia matando a su madre. Fracasó. Ahora, una vez más, se han enviado a dos guerreros procedentes del futuro para localizar a un adolescente John Connor. Uno deberá protegerlo, el otro destruirlo, la única duda es saber quién llegará antes hasta él.

Así de repente hay poco cambio respecto a la historia relatada en el primer film. Dos guerreros del futuro son enviados para localizar a John Connor enfrentándose entre sí.
La estructura es idéntica, primero se nos muestran a los personajes, ofreciéndonos un poco de intriga en saber quién es el protector y quién el asesino. Después se localiza a Connor y comienza una carrera por salvar a Sarah Connor, que se encuentra recluida en un loquero. Tras su rescate se abre una ventan de esperanza, es posible cambiar el futuro e impedir el conocido Juicio Final por el cual la raza humana empezará a desaparecer. Este último punto es el que marca la diferencia con la anterior película ofreciendo en el guión otro rasgo interesante dentro del cine de ciencia-ficción como es la posibilidad de cambiar el curso de la historia.
No hay Destino, solo existe el que nosotros creamos, con lo cual aún existe esperanza para la humanidad. A pesar de ello “Terminator 2” nos sigue mostrando una visión pesimista del ser humano en que la violencia y la incomunicación se hacen patentes. Como dice el terminator a John, está en nuestra naturaleza destruirnos mutuamente.

Aunque la estructura es calcada a de la película de 1984 existe una evolución que engrandece la historia, y se encuentra en los personajes. Gracias a ellos podemos comprobar el respeto al anterior film y la excelente continuidad que existe entre ambos. Sarah Connor es ahora una mujer atlética de armas tomar alejada de la chica que gritaba a la mínima que se encontraba en peligro. Ha vivido con muchos hombres de los que ha aprendido todo tipo de cosas y ha inculcado a su hijo John todo lo que sabe respecto a armas a lo que le depara el futuro. Ahora vive interna en un centro para personas desequilibradas del que piensa fugarse para reencontrarse con su hijo.
John Connor es un niño de 10 años que muestra una rebeldía hacía la autoridad, teniendo ya una ficha delictiva extensa. El muchacho es un experto en asaltar redes informáticas y en defenderse por sí mismo. A pesar de renegar de las ideas inculcadas por su madre en las que lo describía como el héroe del futuro el joven tiene presente cada palabra suya.
La máquina antes enviada para acabar con la vida de Sarah Connor es ahora un aliado que se convertirá para John en lo más cercano a una figura paterna que el niño ha tenido. La relación entre ambos estará llena de bromas y confidencias que otorgan a la máquina ciertos rasgos humanos de los que carecía en el primer film convirtiéndolo en un personaje mucho más accesible.
El otro terminator enviado del futuro es un modelo más moderno conocido como T-1000, el cual es capaz de transformarse en cualquier cosa punzante o adquirir la apariencia de cualquier ser humano gracias a su composición de metal liquido.

Si a algo podemos comparar “Terminator 2” es a un concierto de rock en donde cada canción nos hace vibrar aún más. Y es que la película es todo un espectáculo explosivo que no otorga un descanso al espectador una vez los Terminators se encuentran frente a frente y van en busca de John.
James Cameron tenía muy claro lo que quería ofrecer con esta película, un festín para todos los amantes del cine de acción en que el guión fuera tan sencillo como una hoja de papel. Y lo consigue con creces. Ya el principio es de los que te dejan clavados en la butaca sirviendo como preámbulo a los que estamos a punto de contemplar. Tras unas breves imágenes de la sociedad de finales del S. XX aparece ante nuestros ojos, como en la película de 1984, el futuro desolador. La voz de Sarah Connor nos relata la sucedido. De repente la cámara se detiene en una calavera y un pie metálico la destroza. Es el exoesqueleto de un terminator. Es la guerra contra las máquinas. Las imágenes del conflicto nos son mostradas mucho mejor que la primera vez y por fin vemos al héroe de la resistencia John Connor. La imagen se va congelando sobre el rostro de Connor y aparecen un manto de fuego. El nombre de Schwarzenegger aparece y de repente el título de la película a ritmo del tema principal de Brad Fiedel. Cuatro minutos y medio de placer. El público aplaude. Y solo es el comienzo. A continuación nos encontramos con escenas ya conocidas, como la llegada de los viajeros del tiempo y su manera de adquirir vestuario. Pero algo ha cambiado. James Cameron ha madurado como director de cine y crea cada secuencia consiguiendo una sensación distinta. Así pues consigue engrandecer el momento en que Schwarzenegger aparece por primera vez del bar enfundado en su ropa negra a ritmo de rock y en contrapicado, mientras al T-1000 lo muestra más misteriosamente, sin dejarnos claro su papel en el presente. La presentación de Sarah Connor en el film produce un gran impacto. Nos es presentada de espaldas haciendo ejercicios en su habitación. El doctor Silverman, otro conocido de la anterior película, la llama. La mujer se detiene y se gira hacia nosotros en un primer plano que deja claro la evolución del personaje de manera escalofriante. Es la legendaria Sarah Connor de la que Kyle Reese hablaba.

Como he citado antes nos encontramos ante una cinta de acción pura y dura que Cameron prepara perfectamente hasta llegar el momento de desatar toda la adrenalina. Ese momento llega cuando el joven John Connor huye de un policía, el T-1000, y se adentra en un pasillo del centro comercial donde se encuentra. En ese pasillo se verá atrapado entre el hombre del que huye y el gigante enfundado en cuero negro que saca una escopeta escondida en sus flores. El niño no sabe qué hacer hasta que el gigante ordena: “Al suelo”. El escopetazo alcanza al agente de policía pero no lo mata, solo le hace una pequeña abertura que se cierra sin dejar seña. El enfrentamiento ha comenzado, el viejo modelo T-800 contra el moderno T-1000. La película pega un acelerón que pocas veces va a dar descanso. La persecución en moto en que el Terminator salva a John. El rescate de Sarah Connor del centro psiquiátrico. La segunda huida del T-1000 con ese brillante, y angustioso, enfrentamiento en el ascensor. La pesadilla de Sarah en que la humanidad acaba carbonizada. La revelación del Terminator al científico Miles Dyson mostrándole su brazo esquelético. La invasión a Cyberdine Systems, el asedio de la policía y la destrucción del edificio. El enfrentamiento final contra T-1000 en la fabrica. Set pieces de acción realizadas con maestría por el artesano Cameron, mostrando en ellas un ritmo frenético en donde las cámaras lentas tienen un cometido, si no observemos el momento en que Sarah Connor se reencuentra con el ser que intentó destruirla once años después.
Como colofón final Cameron cierra la película con una secuencia emotiva e inesperada en que el Terminator se muestra más humano que nunca al comprender por fin la razón de las lagrimas humanas, despidiéndose para siempre de John y de Sarah. El robotico personaje entra así a formar parte de la larga dinastía de cyborgs que han conseguido emocionarnos. Ya pudo ganar todos los Oscars habidos y por haber con su “Titanic” que para mi la Obra Maestra del excamionero siempre será T-2.

El guión corrió a cargo de James Cameron y William Whiser Jr. La estructura no dista mucho de la creada en la anterior película como he citado, sin embargo Cameron y Wisher se centran en la relación entre los tres personajes protagonistas, en especial entre el Terminator y John, creando entre ellos una sucesión de diálogos divertidos, pues no olvidemos que John es aún un crío de diez años que se siente como si hubiera ganado la lotería al tener a su servicio a un robot indestructible del futuro.
Los efectos especiales corrieron a cargo de ILM mientras las maquetas y los exoesqueletos de los Termiantors, así como el maquillaje, se encargaron a Stan Winston. Si “Abyss” supuso un notable avance en infografía digital, en “Terminator 2” se marca la diferencia de forma absoluta al conseguir crear un ser íntegramente digital como es el T-1000, el cual está realizado de forma perfecta consiguiendo que sus transformaciones y sus reflejos metálicos cuando muta nos dejen asombrados. No podemos poner ninguna pega técnica a esta película que aún hoy nos sigue impactando.
Brad Fiedel volvió a encargarse de la Banda Sonora mejorando el tema principal y realizando un trabajo mejor al de la primera vez.

El reparto está formado por Arnold Schwarzenegger en el papel de su vida. Si en la anterior estaba inexpresivo con cara de pocos amigos en esta sigue el mismo camino pero con una diferencia, consigue caer bien y otorgar algo más de simpatía. Su imagen subido a una Harley es mítica. Linda Hamilton está sublime como Sarah Connor, la tía con más valor del mundo, digna madre del líder de la resistencia. La actriz se encuentra en perfecta forma física e interpretativamente no se le puede poner pega alguna convirtiéndose en lo mejor del reparto. Edward Furlong dio vida notablemente a John Connor, el papel por el que siempre será recordado. Robert Patrick es el T-1000, el otro cyborg enviado del futuro que se contrapone a Schwarzenegger gracias a su fisonomía más pequeña y delgada. Joe Morton es Miles Dyson, el responsable del holocausto nuclear que se desencadenará, un hombre inocente que no sabe lo que tiene entre manos y que ayuda a los protagonistas. Morton interpreta una de las mejores escenas de tensión de la película cuando sustenta moribundo el detonador de la bomba. Earl Boen vuelve a participar como el Doctor Silberman, mientras que Janette Goldstein vuelve a repetir con Cameron tras “Aliens” como la madre adoptiva de John.

Se agregaron casi veinte minutos más para la versión domestica existente en DVD y Blu-Ray entre los cuales se encuentran un reencuentro entre Sarah y Kyle Reese, de nuevo interpretado por Michael Biehn, en donde el soldado le recuerda a Sarah el mensaje que le hizo memorizar John desde el futuro; otra escena en que reprograman a Terminator abriéndole la cabeza y sacándole la CPU, en donde Sarah intenta destruirlo; una escena intima entre Miles y su esposa en donde se nos muestra como un buen hombre de familia obsesionado con su trabajo. Además se incorporan breves escenas de efectos especiales que desarrollen los defectos que sufre el T-1000 al final de la película.

La película fue todo un éxito taquillero consiguiendo doblar el presupuesto solo en Estados Unidos. Además consiguió cuatro Oscars correspondientes a Efectos Especiales, Maquillaje, Sonido y Efectos Sonoros.

“Terminator 2: El Juicio Final” es un gran espectáculo que gusta ver una y otra vez dejando patente el buen pulso de su director James Cameron. Una de las mejores películas de acción de la Historia.

Lo Mejor: Es espectacular y todo un deleite para los fans del cine de acción.

Lo Peor: Sus similitudes con el original.

Terminator 3: La Rebelión de las Máquinas, de Jonathan Mostow

Después de “Terminator 2” James Cameron juró no realizar un tercera parte, no solo porque la historia quedaba bien cerrada, sino por los mal que se había llevado durante el rodaje con los productores Mario Kassar y Andrew G. Vajna. Las posibilidades de hacer un tercera parte con Schwarzenegger se vieron afectadas tras la quiebra de la compañía Carolco por culpa de “La Isla de las Cabezas Cortadas”. A pesar de ello la idea de retomar el Universo creado por Cameron no se abandonó y Hollywood demostró una vez más que cuando se quiere se puede, y se consiguió levar a cabo una tercera entrega protagonizada por un Schwarzenegger en horas bajas más preocupado por su futura vida política que por su decadente carrera cinematográfica, de la cual se quería retirar lo más dignamente posible con otro éxito que seguramente éste nuevo Terminator podría otorgarle. El director elegido para el film fue Jonathan Mostow, conocido por “Breakdown” y “U-571”, quien prometió realizar una película que honrara el espíritu de la franquicia. Así, doce años después de “El Juicio Final”, llegaba a las pantallas “La Rebelión de las Máquinas”.

John Connor vive anónimamente por Estados Unidos sin tener un lugar fijo de residencia. El Juicio Final de 1997 no ha ocurrido y todo está a salvo, aunque a John le invaden terribles pesadillas. Pronto llegan dos terminators del futuro. Uno de ellos es un T-X programado para acabar con las vidas de todos los miembros de la Resistencia, el otro es el T-800 que John conoce y que debe protegerlo tanto a él como a Katherine Brewster del inminente ataque nuclear.

Ante todo hay que decir que esta nueva secuela se preveía totalmente innecesaria debido al cierre tan bueno que poseía la segunda entrega. Por supuesto en el cine todo está permitido y aquí se echa por tierra lo que se dijo en “El Juicio Final”. Miles Dyson no era la persona directamente responsable de la creación de Skynet sino un militar y el ataque nuclear masivo no se detuvo sino que se pospuso, consiguiendo que la celebre frase de “No hay Destino” pierda fuerza, pues lo que debe pasar pasará.
Con todo esto “Terminator 3” no aporta nada nuevo a la Saga. Una vez más tenemos a dos terminators del futuro, a John Connor como objetivo se le añade el personaje de Kate Brewster, futura esposa de Connor y miembro importante dentro de la resistencia. Lo que en principio solo es una misión de proteger a John y Kate se acaba convirtiendo en una oportunidad de detener el ataque definitivo por el que las máquinas obtendrán el control. Nula novedad por parte de los guionistas John D. Brancato y Michael Ferris, los cuales parecen tomarse el trabajo como un homenaje parodia a las anteriores entregas con gags sonrojantes protagonizados por el T-800. El villano, el T-X, es más avanzado que el T-1000, con la posibilidad de poseer armas en su sistema. Para infiltrarse entre los humanos adquiere la forma de una mujer, a saber por qué razón más allá de deleitarnos la vista, y con reservas. Tampoco pueden salvarse del destino que se le da a Sarah Connor, fallecida por una leucemia. La tía más dura de la faz de la tierra, la leyenda del futuro, muerta por un cáncer. Tan solo podemos destacar dentro de la película el final, pesimista y brillante, poniendo por fin punto y final al intento de detener el principio del conflicto entre hombres y máquinas.

Afortunadamente el film no acaba por ser un desastre gracias a la buena labor de Jonathan Mostow tras la cámara. Desde luego no es James Cameron y no alcanza la épica de los otros títulos, pero tampoco se encuentra ahí su objetivo. El director de “Breakdown” sorprende con una dirección clásica cuyo punto fuerte se encuentra en las escenas de acción, bien diseñadas y perfectamente narradas, en las que no hay posibilidad de perderse nada de lo que se nos muestra. La primera gran escena de acción es la persecución en que el T-X controla todos los vehículos de policía desde un camión grúa mientras la persigue el T-800 en la moto. Posteriormente nuestro terminator de toda la vida se sujetará al enganche de la grúa e irá volcando los vehículos que encuentre a su paso para salvar la vida de John y Kate. Una buenas escena a la que le siguen otras dos grandes action pieces como son la del cementerio, con Arnie armado hasta los dientes con una metralleta y un ataúd al hombro, y la del ataque a Skynet, con ese duro enfrentamiento entra T-X y Terminator en donde la villana arranca la cabeza a nuestro robot protagonista.
A parte de las escenas de acción Mostow consigue otorgar elegancia en las escenas más sencillas, consiguiendo así que el ritmo no decaiga. El prólogo vuelve a ser una apertura en donde los efectos especiales nos muestren una vez más el futuro de la raza humana, con un John Connor mayor y marcado por una cicatriz guiando al mundo. El final como ya he citado es de lo mejor de la cinta y Mostow lo dirige otorgándole cierto grado de suspense, pues el la primera película de la Saga que finaliza de manera terriblemente pesimista, con un primer plano de la cabeza esquelética del T-800 mientras John Connor dice que la batalla no ha hecho más que comenzar.

Stan Winston volvió a encargarse del diseño de los robots e ILM de los efectos digitales. De nuevo vuelven a brillar las genialidades infográficas, así como el vibrante sonido de las escenas de acción, aunque no llegan a sorprender y maravillar.
La Banda Sonora corrió a cargo de Marco Beltrami, el cual crea una composición original en donde el tema de Brad Fiedel suena tan solo en los créditos como nota obligada.
Arnold Schwarzenegger repitió su papel mas célebre con un punto de comedia casi indigno. Aunque sigue poseyendo la presencia necesaria para dar vida al robot del futuro el austriaco se muestra mucho más caricaturesco, poniendo punto y final a su vida como Terminator y comenzando su mandato como Gobernator. Para dar vida a John Connor no se pudo escoger a Edward Furlong debido a sus continuos problemas delictivos, y a su transformación física debida al abuso de alcohol y drogas. En su lugar se escogió a Nick Stahl, un actor que sin ser malo es incapaz de otorgar un mínimo de presencia a tan importante personaje. Claire Danes es Kate Brewster, la nueva chica de la película que emula a la Sarah Connor del primer film, pero sin llegar al talento de Linda Hamilton en aquella. Cristiana Loken es el T-X en su forma humana. La chica está de modelo, nada más. David Andrews es Robert Brewster, autentico responsable de la puesta en marcha de Skynet. Earl Boen vuelve a participar en plan cameo como el Doctor Silbermann.

“Terminator 3: La Rebelión de las Máquinas” no alcanzó el éxito esperado. Su altísimo presupuesto de cerca de 200 millones de dólares no se amortizó en Estados Unidos, sino que se tuvo que alcanzar gracias a la recaudación mundial.

Una tercera parte aceptable para pasar el rato, aunque muy por debajo de las dos anteriores. Parecía que con ella la franquicia se acabaría. Nos equivocamos.

Lo Mejor: La buena labor de Jonathan Mostow. El final.

Lo Peor: Sus continuos guiños autoparódicos.

Terminator Salvation, de McG

Aunque la tercera entrega de Terminator no fue el éxito esperado no se abandonó la idea de seguir avanzando en la historia. Para ello había que encontrar una buena historia y un director adecuado. En lo que respecta a la historia se volvió a contar con los guionistas de “Terminator 3”, quienes desarrollan la trama en el año 2018, con la guerra entre humanos y máquinas desarrollándose. Una decisión acertada y coherente visto cómo terminaba la tercera entrega. Para llevar a cabo el guión se contrató al director McG, autor de las dos entregas de “Los Ángeles de Charlie”, lo cual no daba muchas esperanzas de que pudiera hacer algo digno, aunque siempre hay que otorgar el beneplácito de la duda. Como era de esperar el protagonista anunciado de la película sería John Connor, al cual para dar vida se escogió de forma sorprendente a Chrstian Bale en plena época de éxito gracias a las dos entregas de Batman. Con ésta noticia el proyecto adquirió más importancia, y el reclutamiento del australiano Sam Worthington tampoco pasó desapercibido puesto que su vínculo con James Cameron iba mucho más allá de participar en una nueva Terminator, ya que es el protagonista de”Avatar”. Para dar más emoción se anunciaron posibles cameos por parte de Schwarzenegger y Linda Hamilton. La fecha de estreno fijada fue Mayo de 2009.

Año 2018. La batalla entre el hombre y las máquinas prosigue su curso. Los humanos parecen haber encontrado un punto débil que los ayuda a destruir a Skynet. John Connor, para unos héroe y para otros charlatán, liderará la batalla. Mientras tanto un hombre llamado Marcus Wright se despierta en un mundo desolador del que no tiene conocimiento.

“Terminator Salvation” rompe con el esquema de las anteriores películas. No hay viajes en el tiempo, ni se intenta cambiar el curso de la historia. Estamos en el año 2018, la guerra contra las máquinas parece interminable. En la Resistencia John Connor intenta aportar un grano de esperanza a sus soldados anunciando el cercano fin de la contienda. Esa debería ser simplemente la historia, una enorme película de guerra en que John Connor se nos muestre como el gran líder de la Resistencia. Una historia sencilla que nos haga viajar durante dos horas al futuro que James Cameron nos esbozó en sus dos films describiéndonos la forma de vida de los seres humanos por sobrevivir a las máquinas. Desgraciadamente los artífices del proyecto creyeron que eso era demasiado simple y que al público había que darle algo mas complejo.
El futuro que se nos muestra no es el infernal azulado lleno de calaveras en el suelo con las consecuencias del ataque nuclear a plena vista, sino un mundo desértico cercano al apocalíptico de “Mad Max”, en donde los hombres se ocultan en pequeños refugio con la comida y la gasolina como los bienes más queridos. El protagonista de la cinta debería ser John Connor, pero no, Connor es un héroe de guerra que se aleja de la idea de líder que tenemos gracias a los films anteriores. Aunque es cierto que siempre hemos visto el futuro de 2029 y no el de 2018. Tal vez el hombre aún tenía que ganarse el respeto de más gente. Marcus Wright, nuevo personaje de la franquicia, es el protagonista. Con él se abre la película, y no es casual pues a través de él se esconde el supuesto mensaje que tratan de trasmitirnos los creadores del film: el hombre no debe ser gobernado por una máquina aunque la lleve implantada dentro de él, poniendo de manifiesto una vez mas la fortaleza humana. Por supuesto esa idea queda bastante pobre en el desarrollo del cinta y Wright solo sirve como un héroe de acción que desvela su terrible secreto a mitad de metraje, dejando claro que es ya imposible hacer una película de Terminator sin un Terminator aliado. Con lo bien que hubiera estado tener solo a los T-600, y posteriores T-800, de robots.

Ciertamente me he llevado una sorpresa con el trabajo del director McG (que menudo nombre artístico tiene). Ciertamente el director sabe lo que tiene que ofrecer, una cinta primordialmente bélica en donde primen las secuencias de acción, en las cuales el director se luce dejando patente su gusto por la pirotecnia técnica regalándonos unos vertiginosos travellings. Todo el film es un compendio de escenas de acción en donde vemos combates contra máquinas y persecuciones. Como punto negativo hemos de decir que no ofrece mucho más allá de eso. La película carece de épica o de emoción, y el guión no avanza una pizca con respecto a las anteriores. Aún así el director ya ha anunciado que la versión en Blu-Ray poseerá cuarenta minutos más de metraje, esperemos que para perfilar mejor a los personajes y no para alargar las secuencias de acción.

En lo que concierne a la continuidad de la Saga, y sus respectivos guiños, se introducen personajes que tienen importancia, tales como Kyle Reese, aquí un jovenzuelo que se presenta con la misma primera frase que le dice a Sarah Connor en T-1. Desgraciadamente solo Reese parece tener algo de desarrollo, pues Katherine Brewster aparece por ahí como enfermera y pareja embarazada de Connor sin tener mucha mas importancia. El momento en que aparece Linda Hamilton no es tal, sino que se recoge su voz en las grabaciones que comenzó a grabar a su hijo al final del primer film.
Lo mejor de la cinta viene dado por uno de esos guiños. Se especuló sobre la participación de Arnold Schwarzenegger en el film, aunque finalmente se anunció que el actual Gobernador de California no había participado si que se supo que visitó el set de rodaje. ¿Razón? Pues más que una simple visita sería para dar su consentimiento y utilizar su rostro. Y es que el T-800 que nace en la película con forma humana no es otro que el primer Terminator que vimos en 1984 con el cuerpo y el rostro del austriaco. El momento en que aparece el cyborg con forma humana a ritmo de la música creada por Fiedel es el momento más álgido y comienza la secuencia más memorable que homenajea al tramo final del primer Terminator con un enfrentamiento entre John Connor y la máquina.

El guión vuelve a correr por parte de John D. Brancato y Michael Ferris, lo cuales fracasan a la hora de crear unos personajes con entidad, además de presentar otros que parecen estar por mero capricho, como el caso de la niña Star.
Los efectos especiales siguen luciendo muy bien, no en vano se han vuelto a gastar una pasta en llevar a cabo la película. La película está dedicada al genio Stan Winston, cuyo estudio se ha vuelto a encargar de realizar los Terminators.
La Banda Sonora corre a cargo de Danny Elfman, quien crea un score épico adecuado para la historia.

El reparto está para prestar imagen a unos personajes unidimensionales. Christian Bale pone el pilo automático y su faz seria para dar vida a John Connor, soldado de la Resistencia. La verdad es que de Bale siempre se espera mucho más de lo que ofrece aquí. Sam Worthington tampoco es que esté mucho mejor, solo es que su personaje posee algo más de personalidad. Aún así el australiano posee una buena presencia que esperemos ofrezca mucho más interpretativamente en la nueva aventura tridimensional de Cameron. Moon Bloodgood es Blair, la chica dura de la historia que se tropieza con Marcus, comenzando así una buena relación. Antono Yelchin es Kyle Reese, el padre de John Connor aquí demasiado joven cómo para imaginárselo. Helena Bonham Carter participó fugazmente como la Doctora Serena Kogan, al igual que Bryce Dallas Howard, que presta su rostro a Katherine Brewster. La presencia de Michael Ironside ofrece algo de nostalgia y nos recuerda esas buenas películas de acción ochenteras.

“Terminator Salvation” es una película de acción pura y dura, la cinta bélica de la Saga por así decirlo. Ofrece un rato entretenido, pero poco más, y eso, siendo Terminator, es insuficiente.

Lo Mejor: El enfrentamiento entre John Connor y el T-800.

Lo Peor: No avanza con respecto a lo ya conocido.

Abyss, de James Cameron

Consolidado como uno de los mejores directores que debutaron a principios de los 80, gracias a “The Terminator” y “Aliens”, James Cameron se puso manos a la obra para realizar otro de sus film personales en que dejara patente su perfeccionismo y su amor por el mundo submarino con una historia de ciencia-ficción a más de 25000 metros de profundidad.

Un submarino nuclear norteamericano sufre un ataque y se hunde en las profundidades. El alto mano envía en busca de posibles supervivientes una plataforma petrolífera sumergida en la que irán, a demás de los trabajadores, un pequeño grupo de soldados con una misión secreta, localizar las cabezas nucleares que el submarino llevaba. Un enorme huracán impide mantener comunicación con la superficie, quedando aislados los protagonistas, que sufrirán un encuentro con criaturas paranormales.

La película es una gran aventura de ciencia-ficción en que podemos vislumbrar un homenaje al género en los años 50, especialmente al film “Ultimátum a la Tierra”, con cierta critica a la sociedad moderna en que los diferentes países se encuentran en tensión diplomática con la sombra de una posible guerra nuclear acechando. Los visitante que viven sumergidos en las profundidades pueden controlar los mares y tienen el poder de volverlos contra la humanidad si no se pone remedio a las irrefrenables luchas que habitan el Mundo. Además del tema extraterrestre la ciencia-ficción aparece por medio de la plataforma sumergida, como si la acción sucediera en un futuro cercano en donde las excavadoras petrolíferas no estuvieran a la vista.
Además de la temática fantástica, “Abyss” funciona como una excelente película de aventuras bajo el mar, en que el espectador se verá sumergido junto a los protagonistas sintiendo la presión y la angustia de estar rodeados de millones de litros de agua.

James Cameron siguió demostrando aquí su excelente sentido del espectáculo con una película donde la tensión, la intriga y la acción se mezclan de forma soberbia. El director nos hace participes de la historia y nos introduce en el mundo submarino. Cameron rueda grandes secuencias de acción en que la inserción de efectos especiales nos impresiona, véase el caso de la primera aparición de la nave gigante ante el personaje de Lindsey o la toma de contacto entre los protagonistas y el larguísimo brazo de agua. Momentos sublimes bien llevados y preparados por el director, utilizando en todos ellos de forma acertada el lenguaje cinematográfico.
Hay muchos rasgos propios del autor que vislumbramos aquí y que se repetirán posteriormente en sus obras. Primero el introducir la trama de ciencia-ficción, género para el que ha realizado sus mejores obras. Segundo el mundo acuático, ya su primer film tenía como villanos a las temible pirañas, criaturas del mar, pero aquí el director puede desenvolverse mucho mejor quedándose todo el rato bajo el mar e introduciendo combates entre los vehículos y choques con rocas, los cuales hoy día dejan ver lo que posteriormente será “Titanic”, en la cual la película se abre con unos sistemas de investigación submarina casi idénticos a los que protagonizan ésta película de 1988. En tercer lugar tenemos la personalidad de los personajes protagonistas, las chicas son mujeres listas e independientes que demuestran su fortaleza, los hombres son de clase media que visten vaqueros y gorras propias de camioneros, y los soldados que siempre están dispuestos a entrar en acción ofensiva y a cumplir las ordenes. Por último hay que citar la duración del film, que ya en su estreno superaba las dos horas y que en la versión definitiva del director llega a durar más de dos horas y media. Cameron demostrará a partir de “Aliens” ser un director al que le guste realizar películas largas, pero no por capricho, sino para que la historia quede plasmada en pantalla con todo lujo de detalle, convirtiéndose en una experiencia para el espectador. En esta ocasión no podemos poner en duda el talento de Cameron describiéndonos minuciosamente como se trabaja bajo el mar y, especialmente, en la parte final, en que Bud no cesa de descender al abismo, pareciendo ser interminable el fondo del océano.

Existe también cierta similitud entre “Abyss” y “Encuentros en la Tercera Fase”. En ambas los protagonistas principales son personas de clase media que ansían encontrar a los extraterrestres para establecer contacto. Pero sobre todo se parecen en el último tramo, ambas acaban con un espectacular final en que las naves nodrizas hacen aparición ante los respectivos protagonistas sobrecogiéndolos. A eso hay que sumarle las Bandas Sonoras, pues Silvestri se encuentra en “Abyss” muy cerca del maestro Williams en su composición.

El guión del propio Cameron es muy completo y sabe entrelazar las diferentes tramas, como son la de la bomba nuclear y la de los extraterrestres. La historia de amor entre Bud y Lindsey resulta algo predecible y tópica, pero significa muy personal para su autor, pues en ambos personajes se podría reconocer el actual estado en que se encontraban Cameron y su exesposa, la productora del film Gale Anne Hurd, los cuales a pesar de haberse divorciado mantenían una buena relación. A pesar de ello la historia entre Bud y Lindsey posee escenas memorables, como la de la rehabilitación de ella por parte de él cuando han vuelto de su pequeña nave submarina, y establecen su amor como uno de los temas importante del film.
Para la creación del film se creó toda la plataforma y se la rodeo de agua, consiguiendo dar más credibilidad a las interpretaciones, para lo cual los actores sufrieron duros entrenamientos como submarinistas. Los efectos especiales son alucinantes, aunque hoy día hayan envejecido un poco no hay que menospreciar el excelente trabajo que realizaron la ILM, sobre todo creando el brazo de agua que simula el rostro de Lindsey y Bud, el cual fue todo un hito digital que daba un paso más hacia el futuro de los efectos especiales. Para crear las naves espaciales no se pierde de vista el ámbito donde se desarrolla la acción, el mar, y se les otorga un aspecto cercano a la fauna que lo forma, como por ejemplo una raya marina. Para que quedará patente que pertenecen a otra galaxia se les maquilla con halos fluorescentes muy propios de los años 80.

Ed Harris es Bud, el capitán de la plataforma a la que piden ayuda para localizar el submarino. El actor interpreta uno de sus personajes de acción campechano y deslenguado con sentido del humor. Mary Elizabeth Mastrantonio da vida a Lindsey, esposa de Bud, aunque en tramites de divorcio, y diseñadora de la moderna plataforma. Michael Biehn vuelve a ponerse a las órdenes de Cameron para ser de nuevo un soldado, en esta ocasión el Teniente Coffey, que sufrirá las consecuencias de la presión e irá desequilibrándose mentalmente poco a poco hasta perder el control. Kimberly Scott es One Night, la chica dura de la plataforma a la que le gusta el country y llevar sombrero de vaquera, bien podría ser prima lejana de la soldado Vasquez de “Aliens”.

La pelicula fue un fracaso económico que comenzó a ser rentable cuando se lanzó en video. Consiguió el Oscar a Efectos Especiales y tres nominaciones más correspondientes a Decorados, Fotografía y Sonido.

“Abyss” es una gran aventura submarina orquestada con mano firme por James Cameron, convirtiéndola en una de sus películas más sólidas que precedería la que sería su boom absoluto.

Lo Mejor: Su concienciado sentido del espectáculo.

Lo Peor: Algún leve desliz en el desarrollo de las tramas.

Titanic, de James Cameron

La tragedia acontecida durante la noche del 14 de Abril de 1912 en el trasatlántico Titanic fue el tema de la película que James Cameron estaba realizando no sin complicaciones. El director había llevado a cabo una extensa labor de documentación sobre el barco y quería reflejar en la pantalla con todo lujo de detalles cómo sucedió la catástrofe. El film iba incrementándose en costos hasta convertirse en el film más caro de la historia, cosa que a las productoras Paramount y FOX no les hizo gracia. La película tuvo retrasos que pospusieron su estreno, pasando de estrenarla en Verano de 1997 a la Navidad para que el director tuviera a punto su visión sobre los acontecimientos en un film de tres horas de duración. Las productoras estaban preocupadas, y Cameron afirmó que se trataría de uno de los mayores fracasos de la Historia. El 19 de Diciembre llegaba a los cines de medio mundo “Titanic”, que llegaría a convertirse, al contrario de lo que pensaba su artífice, en el film más exitoso de la Historia.

La historia comienza en 1995 con un grupo de buscadores de tesoros que buscan un valioso diamante por las distintas partes del barco sumergido. En la caja fuerte donde esperaban encontrar por fin su ansiada reliquia encuentran papeles y un dibujo en donde aparece una mujer desnuda con el diamante. El dibujo se hace público y llama la atención a una anciana que vive con su nieta. La anciana afirma ser la mujer del dibujo y se dispone a relatar la historia de amor que vivió a bordo del famoso trasatlántico y que cambió su vida para siempre.

Una historia de amor clásica narrada a modo de flashback, eso es por lo que se inclinó James Cameron a la hora de relatar la tragedia del Titanic. Los protagonistas son una niña rica prometida con un importante empresario y un pobre pintor que sobrevive con muy poco en sus bolsillos. La historia de amor más convencional de todas.
Rose DeWitt Bukater es la joven de clase alta empujada por su madre a casarse con el adinerado y prepotente Caledon Hockley. Rose vive regida por unas normas tradicionales que la empujan a rebelarse continuamente, consiguiendo el enfado de su madre y prometido. Aunque en principio para ella el barco es un transporte que la conduce hacia la mayor de las prisiones pronto se convertirá en el principio de una nueva vida, al conocer en él a un joven que le tiende la mano cuando más lo necesita.
Jack Dawson es un superviviente nato. Su vida se rige por aprovechar cada instante, visitando diferentes regiones del mundo, con poco dinero y su bloc de dibujo. Su llegada al Titanic es fortuita, pues lo consigue mediante una partida de cartas. Con un talento para pintar el joven consigue llamar la atención de Rose y poco a poco su amor, ofreciéndole junto a él una vida de libertad lejos de su madre.
El Titanic los une y se presenta como lo único que puede separarlos. Al igual que la destrucción del barco en dos mitades la unión de Rose y Jack terminará fatídicamente al perecer uno de los dos amantes.

El film se puede diferenciar en dos partes. La primera que nos relata la historia de amor entre Jack y Rose, que ocupa justamente la primera hora y media de película, y la segunda en que tiene lugar el choque con el iceberg y el posterior hundimiento del barco, descrito en el transcurso de cerca de hora y veinte minutos. El epilogo concluye con la anciana Rose recordando en su soledad como llegó a América e inició una nueva vida.
Verdaderamente “Titanic” cumple con su objetivo de describirnos cómo sucedió la catástrofe de forma espectacular. Ahora bien, esto ocurre cuando la película lleva trascurrida hora y media de romance pasteloso en donde nos damos cuenta de que los secundarios no sirven más que para acompañar a los protagonistas. Resulta difícil sentir lástima por muchos personajes que perecen debido a su escaso desarrollo. Ejemplo de esto es Fabrizio, el amigo de Jack que embarca con él pero que importa poco dentro de la trama. Tampoco tienen un desarrollo muy interesante la madre y el prometido de Rose, siendo dos arquetipos de villanos que se interponen en el romance. Los personajes reales, tales como el Capitán Smith o Molly Brown, sirven como justificación histórica. Tal vez en este caso el primero esté representado de manera mucho más certera gracias a su final, en que acepta su destino encerrándose en su cabina de mando con los manos en el timón esperando a que los cristales cedan antes la presión del agua. Sin embargo la segunda queda muy desdibujada, tan solo sabemos de ella lo que la voz en off de Rose nos dice, que es una nueva rica y que la historia acabaría por recordarla como “La Insumergible Molly Brown” debido al valor que demostró en la tragedia pero que apenas vemos en el film.

James Cameron siempre sabe ofrecer un buen espectáculo, y aquí vuelve a hacerlo sin objeciones en el momento del hundimiento, pero con detalles flojos en el desarrollo romántico. El director dedica la primera mitad a describirnos la historia de Jack y Rose de forma convencional, con algún que otro momento efectivo o memorable. La escena en que Jack se sube a la proa gritando el famoso “Soy el Rey del Mundo”; cuando se besan por primera vez frente al atardecer del último día en que el Titanic vio la luz del sol; el momento en que Jack retrata a la joven con la música de piano como único fondo. Son escenas buenas, pero dentro de un bloque cojo, en donde el director parece no sentirse cómodo teniendo que narrarnos una historia ñoña. Ejemplo de esto es que cada dos por tres nos introduce un plano general del portentoso barco surcando las aguas a diferentes horas del día, para así de paso demostrar que cada dólar que se han gastado en hacer el film ha merecido la pena.
A la hora y media de historia llega, por fin, el momento que tanto estábamos esperando los que queríamos ver un gran espectáculo. Desde el momento en que los vigías ven el iceberg hasta la definitiva desaparición del barco Cameron hace lo que mejor ha sabido hacer siempre, dar una muestra de emoción y ritmo. Además este tramo cuenta a su favor con estar narrado casi a tiempo real, con lo cual la sensación de realismo se incrementa y nos envuelve. El choque con el iceberg; el momento en que Rose busca algo con lo que romper las cadenas y camina por un pasillo inundado en que las luces se apagan; la destrucción de un pasillo por medio de la interminable agua; la muerte del capitán Smith; la reunión de Jack y Rose cuando la muchacha se niega a irse en un bote; el gran barco inclinándose y demostrándonos cómo caía la gente sin cesar. Desde luego, si algo hace que “Titanic” sea memorable es todo este tramo, cuyo mayor error (además de las licencias creativas) es que empieza muy tarde.

Licencias creativas, ahora que he sacado el tema a relucir hablemos un poco de ello. Sin duda perdonaría unas cuantas licencias a un film hollywoodiense cuya única pretensión es la de entretener, pero cuando James Cameron aparece en todas las entrevistas afirmando que realizaron un trabajo exhaustivo de documentación para que todo apareciera tal cual fue no podemos dejar pasar por alto varios detalles. Primeramente, en el film tan solo aparecen los pasajeros de primera y tercera clase como si no existiera la segunda, que sí existía. Siguiendo con esto los pasajeros de tercera clase no fueron encerrados ni amenazados sino que directamente no se les avisó de que el barco se estaba hundiendo y no les dio tiempo a la mayoría para salvarse. El Capitán Smith no viajaba solo, sino que lo acompañaban su mujer e hijo. En el camarote de Rose aparecen varias obras artística, entre ellas “Las Señoritas d´Avignon” de Picasso, cuadro que directamente no viajó en el “Titanic”. El retrato que Jack le hace a Rose es a carboncillo y la misma noche que el barco se hunde, con lo cual es prácticamente imposible que aparezca ochenta años después en perfecto estado. Gazapos que sirven para ayudar a la narración dramática pero que no se pueden tomar como referencia histórica.

Tanto el diseño de producción como la fotografía cumplen con su objetivo de mostrar el mundo de primeros del XX y la riqueza que existía dentro del Titanic. La música de James Horner se ha convertido en un clásico, aunque se base casi en su totalidad en repetir el tema romántico. Cameron se negó a introducir una canción para el film pero accedió cuando escuchó a Celine Dion cantar el tema principal que se convertiría en un éxito. Los efectos especiales alcanzaron una cumbre en esta película, aunque hoy día hayan quedado algo desfasados siguen impresionando algunas cosas. Para llevarlos a cabo se encargaron a Digital Domain pero Cameron pidió colaboración de la ILM para llegar a la fecha fijada.
Los actores está correctos dentro de los personajes que les han tocado. Leonardo DiCaprio es Jack Dawson, realizando una interpretación correcta sin más, aunque bastante solvente visto como está establecida la psicología del personaje. Kate Winslet es Rose. En primer lugar hay que destacar que da vida a una protagonista yendo en contra de los cánones femeninos implantados, como son chicas guapa y delgada. Winslet se negó a adelgazar, y muy bien que hizo, pues aunque debía soportar las bromas del director consiguió un papel femenino perteneciente a clase alta de lo más creíble y convincente. Billy Zane es Hockley, el prometido de Rose que se muestra como un celoso malvado al que no le gusta que nadie tome lo que es suyo. Frances Fisher es Ruth, la madre de Rose, una mujer de clase alta que ve en la unión de su hija con Hockley la oportunidad de volver a tener una importante posición. Bill Paxton es Brock Lovett, el cazador de tesoros que encuentra el dibujo de Rose en el barco sumergido. Kathy Bates es Molly Brown, desgraciadamente acaba siendo un papel anecdótico del que la actriz no puede sacar mucho. Gloria Stuart es la anciana Rose, quien nos relata la historia.

En contra de todo pronostico “Titanic” acabó convirtiéndose en la película más exitosa de la Historia del Cine. Aguantó como Número 1 de taquilla cuatro meses llegando a recaudar la cantidad de 600 millones de dólares solo en Estados Unidos, cifra que se incrementaría a vistas mundiales llegando a 1800 millones. ¿Motivos de su éxito? A modo personal diré que no competía con ninguna película grande, sino con pequeñas producciones que no tenían tanto tirón, de hecho fue la primera gran producción veraniega, “Lost in Space”, la que consiguió arrebatarle por fin el primer puesto; James Cameron siempre ha sido un valor seguro para el cine-espectáculo; la Banda Sonora acabó arrasando y en las emisoras de radios no paraba de sonar la canción “My heart will go on” de Celine Dion; el boom DiCaprio que comenzó con “Romeo + Julieta” se impondría este año llegando a convertir al actor en portada de innumerables revistas y carpetas de jóvenes quinceañeras, que llegarían a repetir la experiencia “Titanic” hasta más de cinco veces en cine; su éxito en los Oscars llevó a las salas a todos aquellos que no la habían visto.

La noche de los Oscars de 1997 “Titanic” hizo historia al conseguir catorce nominaciones, las mismas que “Eva al Desnudo”, que se convertirían en once estatuillas, siendo así la película más oscarizada junto con “Ben-Hur” y, años después, “El Retorno del Rey”. Se llevó: Mejor Película, Director, Montaje, Fotografía, Sonido, Efectos Sonoros, Efectos Especiales, Banda Sonora, Canción, Vestuario y Dirección Artística.
James Cameron recibió tres estatuillas, aceptando la última al ridículo grito de “Soy el Rey del Mundo”. Ironías de la vida, “Titanic” le costaría a Cameron más caro de lo que pensaba. A nivel personal el divorcio con su esposa, Linda Hamilton, le dejó casi en números rojos, a nivel profesional explotó todo lo que pudo el filón del film con resultados poco favorables y ha tardado más de diez años en volver a dirigir, “Avatar”, que promete ser la revolución del cine. Para DiCaprio también tuvo consecuencias el desmesurado éxito de la película. El actor llevaba una carrera de lo más interesante y pasó a convertirse en un reclamo para las jovencitas que pedían su presencia en films más convencionales. “El hombre de la máscara de hierro” y “La Playa” fueron dos propuestas muy diferentes, una era un fast food de aventuras y la otra estaba guiada por el director de “Trainspotting”, que no encontraron su público y acabaron en fracasos. Por suerte para el actor llegaron Scorsese, Spielberg o Mendes para demostrarnos que su talento va más allá de Jack Dawson.

“Titanic” es una buena pelicula. Ni es horrorosa ni es una maravilla. Es un film que habla de un triste episodio marítimo con una historia de amor como hilo conductor. Daba lo que ofrecía: espectáculo del mejor.

Lo Mejor: Es un digno espectáculo. El hundimiento.

Lo Peor: La convencional historia de amor. Los fallos de guión.