[•REC]³ Génesis, de Paco Plaza (por Miguel Delgado)

Este viernes 30 se estrena la tercera parte de la saga de terror que comenzó haya por otoño de 2007. Tras dos entregas más, y una cuarta en camino, es ahora mismo la saga de terror más importante del cine español, y si me pones, la única. Se han intentado hacer muchas películas de horror por estas tierras, pero todas de tan bajo nivel e interés general, que solo la saga creada por Jaume Balaguero y Paco Plaza (antes habían dirigido la aún más terrorífica “OT, la película”), ha aguantado como estandarte de ese otro cine que tanto se pide entre el público nacional. Tanto “[REC]”, como “[REC]2” tenían el potencial de enganchar al público y crear una legión de seguidores, amén de que además en este caso las críticas ayudaron, por lo menos en el caso de la primera parte. No tanto en el caso de la segunda, que tuvo que ver divididas las opiniones de profesionales y del público en general, cuando mantenía las virtudes de su predecesora, y aún así sabía innovar y no estancarse en un “más de lo mismo”. Incluso, como ya se ha apuntado en varios medios, tiene un aire al “Aliens” de James Cameron, como secuela del primer film.

Al final, las voces negativas no consiguieron que la gente se desenganchara, por lo que el anuncio simultaneo de una tercera y cuarta parte fue recibido con bastante ilusión. Aunque había varios cambios importantes. Para empezar, Plaza y Balagueró ya no dirigirían juntos, si no que el primero se encargaría de narrar una precuela que contaría el origen de la famosa infección (que en el fondo no ha sido tal), y el segundo el episodio que pondría punto y final a la saga, que llevará el subtitulo de “Apocalipsis” y que debería estrenarse el año que viene, si ningún retraso lo impide. Y así, entre anuncios de caras algo más conocidas en el reparto, varios trailers que ponían los dientes bien largos, y alguna que otra novedad que ahora comentare, me plante con bastante ilusión en la premiere que tuvo lugar en el cine Capitol, en Madrid, este lunes pasado. El ambiente era inmejorable, se notaba que la gente tenía ganas de pasárselo bien. Al equipo técnico y artístico, que estaba prácticamente al completo (Estaban Paco Plaza, Leticia Dolera, guapísima como siempre, Diego Martín y bastantes miembros más del reparto), se les notaba nerviosos, pero también muy ilusionados por el trabajo a presentar.

Nada más empezar el film, uno nota uno de los cambios más importantes de este film respecto a anteriores entregas de la saga, y es la gran presencia del humor en esta entrega, tanto negro, como incluso algo absurdo. En las anteriores películas ya había pinceladas de humor, pero todo era demasiado angustioso. Aquí se encuentra mucho más patente, pero que nadie piense que es algo negativo, ya que esta tan bien pensado y llevado, que uno disfruta con cada broma por muy inesperada que pueda parecer. Ya les gustaría a muchas comedías puras tener escenas tan divertidas como las que aquí encontraran. Pero que nadie piense que esto va solo de bromas, pues también nos encontramos con escenas que pondrán los pelos de punta y alegraran a aquellos que deseen dejarse llevar por el horror y por el gore. Aunque el cambio más importante es el abandono progresivo del falso documental, del found footage, género al que incluso se permiten satirizar en algún que otro momento. La película empieza como las anteriores, con una cámara grabando los acontecimientos, aunque pasamos poco a poco a lo que sería una película convencional, como ocurría en esa obra maestra llamada “District 9″. Seguro que habrá algunos fans que se lleven las manos a la cabeza por estos cambios, pero la película adquiere un nuevo aire y una identidad propia, si que sea ajeno su lugar en la saga entera.

Así, con esto, nos encontramos por primera vez banda sonora, de Mikel Salas, aunque es bastante discreta. Lo mismo ocurre con la fotografía de Pablo Rosso, un trabajo muy currado, pero nunca buscando belleza o extremismo en la luz o los movimientos de cámara.

Donde nos encontramos más cambios es en el reparto artístico. Los principales protagonistas, Leticia Dolera y Diego Martin, no son los típicos personajes, que se dedican a correr y a gritar, si no que poseen un matiz mucho más cinematográfico que los personajes de las anteriores entregas (aunque Dolera grita bastante bien, como en ese pequeño homenaje a “El resplandor” que tiene). Ambos están realmente bien, en seguida te crees su relación y te dejas llevar por ellos. Es cierto que destaca más Dolera en el papel de Clara, esa novia con motosierra en una escena maravillosa que homenaje en el tono a “Evil Dead II” de Sam Raimi (De hecho esta entrega podría venir a ser lo que fue aquella para el primer “Evil Dead”, más humorística y desquiciada.). Pero la labor de Martin no tiene que ser dejada atrás, pues demuestra lo buen actor que es. Gracias a ellos dos la película llega a unas cotas altísimas, con un final apoteósico que te deja con ganas de verlo una y otra vez, siendo, si me pones, los mejores 15 minutos de toda la saga. Por medio de ellos dos nos encontramos un montón de personajes, algunos sin mucho fuelle, pero otros realmente inspirados que se encuentran algo desaprovechados.

Porque esta no es una película perfecta. Para empezar, como acabo de decir, da la impresión de que muchos personajes están desaprovechados, la película no deja, salvo hacia el final, de incluir o volver a traer a escena, personajes que en la mayoría de los casos acaban abandonando la pantalla de manera rápida. Muchos parecen incluidos solo para poder matarlos rápidamente. También el guión pose algunas lagunas (poco importantes todo hay que decirlo), y Plaza, en los primeros minutos de la cinta en los que abandona la cámara en mano, abusa del susto facilón. Pero aún así, todo estos factores terminan siendo nimiedades ante la avalancha de diversión propuesta, imposible no reír, saltar o emocionarse con lo que uno ve, para colmo expuesto con gracia y originalidad, y eso es lo más importante. Como curiosidad añadiré que esto no es una precuela. Tal vez haya algún despistado que se acerque a la sala de cine sin haber podido ver las anteriores, pensando que no pasará nada, ya que esto es el “Génesis”. La película empieza antes que lo narrado en el primer [REC], pero termina después de los visto en el segundo, y muchas cosas no se entenderán sin haber visto esta segunda entrega precisamente. Que nadie tampoco espere grandes explicaciones. Más que en tecnicismos de secuelas, sería mejor definirla como una historia paralela, un entretenimiento que alguien podría por esto tachar de innecesario, pero ni mucho menos. Estas películas son muy necesarias, y más en nuestro cine.

Al final de la película, cualquier duda que podrían tener Plaza y cia. Debió ser solventada por el estruendoso aplauso que se oyó al empezar los créditos. Parece que está gustando mucho en los preestrenos y en los pases de prensa mostrados hasta ahora, y ya solo falta que sea un éxito de público. Y que el “Apocalipsis” que se encargara de dirigir Balaguero (en esta solo figura como “productor creativo”) sea tan divertido y rompedor. Y que llegue pronto.

IX Muestra SyFy:Día 4, por Miguel Delgado

XI MUESTRA SYFY: DOMINGO 11

Con la sesión del domingo terminaba la muestra SyFy de este año. El sábado fue un día largo y cansado, con muchas películas, pero este último día tenía un ambiente más ligero y distendido. En parte porque había menos películas, y solo dos de ellas películas de programación normal del evento. Para empezar, pudimos ver, en sesión doble, “Ultimatum a la tierra” (1951), y “El planeta de los simios” (1968), gracias a Phenomena Experience, un proyecto emprendido por el director Nacho Cerdá por el cual podemos volver a ver clásicos del género en el cine. No entrare a hablar de las películas, ya que nada más nuevo se puede decir de ellas, son dos obras maestras de la ciencia ficción y dos clásicos del cine, pero si recomiendo que si tenéis la oportunidad de acercaros a algunas de estas dobles sesiones de Phenomena, aprovecharlo, es un lujo poder ver películas así de nuevo en pantalla grande, con spots clásicos de la época y trailers de películas míticas (en este pase pudimos ver los de “La fuga de Loga”, “La guerra de los mundos” de Byron Haskin, “Almas de metal” y uno buenísimo de la japonesa “Los monstruos del mar”, que termino por enloquecer al público). Y ya pasamos de lleno a la recta final del evento con dos películas más.

THE INNKEEPERS

Parece ser que últimamente, el director Ti West se ha hecho un nombre en el cine de terror gracias a “The House Of The Devil”, película que ha dividido a crítica y público, pero que le ha granjeado un amplio número de seguidores. De hecho, casi me atrevería a decir que fue la sesión que más llena estuvo (me fue imposible sentarme en las primeras filas, no como en el resto de los días). Puedo asegurar, de primeras, que la película me gustó, pero me resulta difícil saber hasta qué punto me llego a convencer. Una historia de un hotel a punto de cerrar, y dos empleados convencidos de que un espíritu habita por allí. Lo primero que me sorprendió es lo bien dibujados que están los personajes de la cinta. West se toma su tiempo para que acabes empatizando con ellos. Sara Paxton es la protagonista del evento, y solo le hacen falta a West unos cinco minutos para que te enamore. y su compañero Pat Healy no se queda atrás, aunque es más friki y menos adorable. En un segundo plano se queda el resto del reparto, que sin embargo también cumple sin problemas. El ritmo es el adecuado y es francamente divertida. No me esperaba una película con tanto humor, y sobre todo tan bueno. Posee una inocencia y una gracia que es muy difícil encontrar el cine de hoy en día (no como en los 80). El problema de la cinta es que, sin resultar aburrida, progresa muy lentamente, tanto que apenas llegar a dar miedo, salvo por una escena muy rápida, y la parte final, que si que tiene algún momento para helarte la sangre. West se muestra acertado en los sustos y en la atmosfera, pero apenas juega con elementos que puedan causar terror. Es mucho más cómica que terrorífica. Pero aún así uno no puede evitar salir con una sonrisa en los labios, después de haber disfrutado como un enano, aunque nos hayan faltado dosis de terror.

LOBOS DE ARGA

Esta película pude verla ya hace un cerca de un mes en un preestreno organizado en el cine Palafox. Decidí quedarme a verla de nuevo, básicamente porque podía, y además estaba el director Juan Martínez Moreno y los actores Gorka Otxoa, Secun de la Rosa (que sin embargo, tuvo que irse antes de las preguntas al final de la proyección), y Coté Soler. Curiosamente, Carlos Areces, que asistió el resto de días como espectador, no vino esta vez. Cuando la vi en el Palafox, pase un buen rato, aunque no terminó de convencerme. Esta vez, a lo mejor por el ambiente que se respiró, disfrute más de la película. La verdad es que el humor funciona, es francamente divertido, y la historia está realmente inspirada. Lo mejor sin duda es el trió protagonista, Otxoa, Areces y De la Rosa son tres grandes del humor en nuestro país, lo dominan de sobra y es muy fácil que te saquen la carcajada sin demasiado esfuerzo. Sin embargo, hay varias cosas que no me terminan de convencer. Echo en falta un aire más gótico en el ambiente, una historia como la que se cuenta, con leyendas, maldiciones y hombres lobo, lo agradecería. Pero el principal error es que, en la última parte del film se pierde un poco el rumbo, el guión para avanzar tiene que añadir dos nuevos personajes que no aportan nada a la trama (y eso que Mabel Rivera y Luis Zahera está muy bien, y este último tiene una escena muy buena con Soler). En ese punto las bromas empiezan a estar de más y algunas no convencen, aunque en las dos últimas escenas la cosa vuelve arriba, son realmente divertidas (aunque el final no tenga demasiado sentido). La labor de Martínez Moreno es correcta, al igual que el diseño de los hombres lobo, aunque a veces quedan algo cutre (SPOILER El que mejor queda me parece el que sale al final del todo, me pregunto por qué no harían todos así). El público se lo paso de miedo viéndola, y es que te ríes de lo lindo, que es la intención. Me dejo un mejor sabor de lo que recordaba. En la sesión de preguntas al final, tanto al director como a los actores se les vio disfrutando de la recepción y contestando animados a todas las preguntas, aunque tampoco es que dijeran nada de gran relevancia, casi todo fueron anécdotas divertidas. Tampoco tiene fecha de estreno (Se ha ido retrasando hasta quedarse en el limbo), sería una pena que no terminara llegando a los cines.

Y con esto terminamos la XI Muestra SyFy. Yo disfrute como un enano todos los días, y el año que viene repetiré seguro. Lo mejor que vi para mí estaría entre “Apolo XVIII” y “The Innkeepers” aunque también son muy recomendables “Stake Land”, “Hobo With A Shotgun”, “The Woman”… lo peor sin duda, “Atrocious” y “4:44 Last Day On Earth”, dos tonterías mayúsculas que no recomiendo a nadie. Destacar la labor de Leticia Dolera como presentadora, estupenda y encantadora. Y haber si para el año que viene vuelve al Palafox.

IX Muestra SyFy:Día 3, por Miguel Delgado

XI MUESTRA SYFY: SABADO 10

El tercer día de la muestra era el más largo de todos. Para empezar, a las 11 de la mañana estaba el preestreno de “Lorax, en busca de la trúfula perdida”, cinta de animación que ha sido un enorme éxito en USA. Pero la acreditación de prensa no incluía, inexplicablemente, la entrada para esta sesión no estaba incluida, y teniendo en cuenta la hora a la que había terminado el viernes y que la de hoy era un día intensivo, decidí no ir. Mentiría también si digo que tengo muchas ganas de ver el film. Si el segundo día me lo había pasado bien, en mayor o menor medida, en todas las sesiones, no puedo decir lo mismo de la que nos ocupa. Vi dos películas muy estimables, sí, pero también tuve que tragarme dos tonterías mayúsculas.

THE PRODIGIES 3D

En principio no conocía nada de este film, pero la verdad es que me llamaba mucho la atención al ser una cinta francesa (aunque en ingles), de animación, sobre superhéroes. Lo primero que llama la atención es el estilo de animación empleado, algo extraño la verdad, a medio camino entre el dibujo tradicional y la animación 3D. No me terminó de convencer, ya que en ocasiones este estilo parece restar espectacularidad al conjunto en general, y eso que tiene unas cuantas escenas impresionantes, con una muy buena utilización de los recursos de la animación. El 3D apenas es perceptible, una excusa supongo para atraer a más público. En cuanto a la historia, después del prólogo, tarda demasiado en empezar con lo que sería el centro del asunto, tarda demasiado en mostrar los poderes de los chicos, lo que se hace algo irritante. Cuando ya por fin se muestra la verdadera naturaleza del film, la película mejora, pero tampoco se eleva a grandes niveles. Es una curiosidad sin más, que te tiene interesado, pero no deja huella.

ATROCIOUS

Lo segundo que se pudo ver es esta coproducción de México y España, una película de terror rodada en primera persona, sobre una familia que se va a una casa en Sitges (¿Peloteo al festival?), ya allí se desatara el horror… o la idiotez. Porque la película no es mala, es malísima. Lo primero que uno puede comprobar es la poca calidad de los intérpretes empleados, seguramente colegas del director sin experiencia previa. Que tengan unos diálogos forzadísimos y muy tontos no ayuda en lo más mínimo claro. El uso de la cámara en primera persona es de lo más desesperante, hay escenas enteras sin dialogo que lo único que pasa es recorrer un chusco laberinto, mientras vemos las ramitas. Pero lo peor de todo es que el final tiene ínfulas de grandilocuencia, intenta hacer algo muy grotesco a lo REC (después de unos 25 minutos de correr con visión nocturna por un laberinto sin que pase nada), pero lo único que hace es llenar la cinta de un mayor número de incongruencias, como si no tuviéramos bastante con lo visto ya. Vamos, si me dicen que es la versión Asylum de “El proyecto de la bruja de Blair” me lo creo. Aunque reconozco, eso sí, que no me lo pase mal viéndola, debido a las risas que provocaba todo lo que podíamos ver en pantalla. Es lo que tienen estos eventos, al final somos todos como una gran familia que nos reímos de las bobadas. SI la hubiera visto solo en casa no la habría acabado con toda seguridad.

THE WOMAN

Había que quitarse la espinita de “Atrocious”, así que tenía bastantes esperanzas puestas en la nueva película de Lucky Mckee, director de “May”, una cinta de culto ya. Venía precedida de buenas críticas, y aunque el comienzo del film resulta extraño y no muy atrayente, el film si que cumple con las expectativas. Aunque no es, en ningún momento, lo que podía imaginar. Lo primero es que no se me ocurriría colocarla en el género del terror. Sí que es cierto que la cinta expone algunos horrores, pero no en el sentido de género que podría confundir a más de un espectador. Hay mucho humor más negro que la noche, hay drama también, y si, algo de gore, pero bastante dosificado. De hecho, se encuentra mucho más cercano al estilo de cine independiente americano tipo Todd Solonz, con una banda sonora formada por canciones muy indies, que si bien no parecía haber convencido a algunas personas, a mí me parece que encajan a la perfección. Y es que la familia de la que habla el film es en apariencia feliz, pero en este caso las apariencias engañan, y mucho. El personaje del padre esta llevado por el actor Sean Bridgers de una manera estupenda, encantador y asqueroso al mismo tiempo. Cuando este hombre de familia captura a una mujer salvaje y se decide a domesticarla, se desatará todos los horrores de la familia. Te ríes y te impresionas con todo lo que ocurre, tiene un ritmo estupendo y uno se lo pasa realmente bien. La pena es que llegado al final se deje llevar por la exageración y el bizarrismo extremo, crea un clima demasiado excesivo que me descuadró mucho y no me convenció SPOILER Que el padre pase de ser un monstruo humano a un psicópata asesino hace que se pierda fuerza en la venganza de la mujer FIN DE SPOILER. Y, como se había comentado, si que es de un feminismo claro. Regusto final raro, pero recomendable.

APOLO XVIII

Esta era una de las pocas películas de la muestra que conocía de antemano. Producida por los Weinstein y por Timur Bekmambetov (director de “Guardianes de la noche” y “Wanted”), la dirección corre a cargo del español Gonzalo López-Gallego (“Nómadas”, “El rey de la montaña”), que además, fue a la muestra a presentar este film. Cuenta, en clave de falso documental (otro más, y van…), la misión secreta del Apolo XVIII, un viaje a la Luna, que en principio parece normal, pero en seguida descubrirán que las cosas no son lo que parecen… Había oído muchas cosas del film, y ninguna demasiado buena, pero me ha sorprendido de verdad. Lo más destacable para empezar es lo directa que va al grano. Aquí no os encontrareis preámbulos en los que los protagonistas se cuentan su vida durante minutos y minutos. Apenas hay una escena, pero es la única y ayuda a describir la relación entre los dos protagonistas. El resto es un aumento de la tensión y el temor en muy buena medida, ayudado por el trabajo de los actores y por el buen hacer de López-Gallego, que usa las cámaras de las que dispone con habilidad, sin forzar, y respetando formatos (algo que pocas películas de este estilo hacen), que ayudan a darle una credibilidad que ayuda al convencimiento general. El film pasa volando además, y con un final muy intenso y con sentido, algo tampoco muy típico de estas películas, que se empeñan en terminar rápido y con algo que no está bien explicado (como “Atrocious” sin ir más lejos”). No todo es perfecto SPOILER da la sensación de que podría haber aprovechado algo más a los bichos piedra, aunque supongo que serán temas del presupuesto FIN SPOILER. Después de la proyección, el director se quedó contestando a algunas preguntas, y la verdad es que estuvo muy correcto, simpático, y sobre todo se le vio muy humilde, contestando a todo con habilidad y cortesía, aunque algunas preguntas fueran auténticos dardos envenenados. Contó que el rodaje se llevó a toda leche, que tuvo muy buen trato con los Weinstein o que había varios finales, que me encantaría ver alguna vez por cierto. Me parece inexplicable que no tenga fecha de estreno en nuestro país, y se da por hecho que ya no se va a estrenar, cuando se estrenan películas mucho peores con menos probabilidad de éxito. La mejor de la muestra de momento.

4:44 LAST DAY ON EARTH

Ya era muy tarde, pero a pesar de lo abultado de la jornada, bastante gente se quedo para ver lo nuevo de Abel Ferrara. Movido por la curiosidad del argumento, me quede a pesar de la hora tardía. Vaya hora en la que lo decidí, porque la película de Ferrara es una estupidez de las malas, de las que se creen que son muy buenas y que están mostrando algo muy digno. Para nada. Desde la primera escena (una grimosa escena de sexo), se suceden una serie de tonterías a cada cual más grande y esperpéntica. No se que se le pasaría al famoso director para creer que ver a Willem Dafoe y a su novia hippie meditando, hablando por Skype, o haciendo el memo, es, no solo interesante, sino trascendente. Él resulta cargante, con sus monólogos fatalistas que nadie parece compartir, y ella es una artista new age que en el fondo se comporta como una niña malcriada y lo único que hace destacable es cambiarse de vestidito. Y así, hasta que termina la película. No hay más, y para rematar la faena, hay diálogos como “No llores, me harás llorar y estoy muy bien maquillada”, o pedir comida china el día antes del apocalipsis (?), y que te la traigan (!!). El fin del mundo nunca fue tan aburrido, absurdo y pedante. Al final hubo gente, supongo que cegada por el nombre del director, que aplaudió el film, pero las caras en general eran de estupefacción. No se a quien se le ocurrirá meterla en la programación de este año, no es una película para este festival.

Y así terminó la jornada, cabreado y cansado. Hoy toca revisión de dos clásicos, y un par de películas más, una que ya pude ver hace un mes y de la que tengo pendiente hablar

IX Muestra SyFy:Día 2, por Miguel Delgado

XI MUESTRA SYFY: VIERNES 9

Después de asistir al preestreno de “John Carter”, el segundo día de la muestra ya estaba formado por lo que viene a ser la esencia del evento. Películas de terror, fantasía, ciencia-ficción… que aún no han llegado a las carteleras españolas, y que probablemente la gran mayoría no lleguen, teniéndonos que darnos con un canto en los dientes si aparecen en DVD. En la jornada de hoy, tres películas y una sesión especial que la verdad, no estuvo nada mal. Como curiosidad, decir que me estoy planteando pedir un sueldo a SyFy debido a la cantidad de veces que tengo que informar de que es la muestra a la enorme cantidad de personas que preguntan para que es esa cola tan grande (en el Palafox apenas pasaba gente, por lo que no tenías que estar constantemente explicándoles que era la muestra SyFy). Hoy me tocará explicarlo unas cuantas veces más seguro.

HELL

La primera película que pudimos ver el viernes fue la alemana de Hell (2011), cine de corte apocalíptico que cuenta en sus créditos, como productor ejecutivo, con Roland Emmerich. No resulta raro verle en una película de este estilo, ya que todos sabemos la afición de este hombre a cargarse la tierra (más o menos, sus apocalipsis tienen finales felices). Aunque no hay que esperar grandes destrucciones ni catástrofes naturales, esto va por otro lado. La típica película en la que una situación horrible sirve para presentar las miserias del ser humano. Esa es la intención, pero no esta plenamente conseguido, debido a que todo lo que se cuenta ya lo hemos visto, y de manera más convincente y aterradora. El punto de partida (La temperatura del planeta a aumentado, provocando un sol cegador y abrasador) es muy interesante, pero solo esta aprovechado al principio y al final, y sin un sentido claro. El director Tim Fehlbaum lo usa a veces demasiado convenientemente (en una escena hace una noche iluminada y cuando sale el sol ya es abrasador). Y a partir de cierto momento, la cosa se transforma en “La matanza de Texas” del fin del mundo, pero mucho menos impactante y terrible como lo visto en la película de Hooper y en su remake. Se llevo el premio a la mejor fotografía en Sitges, y es que es lo único un poco destacable, el resto no vale demasiado la pena. SPOILER y ya ese “Happy Ending” resulta poco creíble y un poco irritante.

STAKE LAND

Después de salir y de tener que volver a hacer cola otra vez (algo que hay que hacer siempre, y que según va cayendo la noche se hace más pesado por el frio), la segunda película del viernes fue “Stake Land”, también de corte apocalíptico, pero esta vez provocado por vampiros, del tipo monstruo sin cerebro. Cine USA independiente de bajísimo presupuesto (en la presentación, Leticia Dolera creo que dijo que era de 500.000 dólares solamente). La verdad, se nota en algunos aspectos que no contaban con grandes cantidades de dinero, como en la fotografía, bastante básica, o en el maquillaje de algunos vampiros, aunque en general suelen estar a buen nivel. Por lo demás el buen hacer de Jim Mickle en el guión y la dirección es digna de elogio. Se nota que sabe del género, y que es lo que quiere ver el público. Viene a ser todo lo que “Zombieland” debería haber sido, pero no fue. Mezcla comedia y drama con gran solvencia, introduciendo personajes que te enganchan al momento. Destaca sobre todo Nick Daminci, esa especie de Mickey Rourcke cazavampiros. La banda sonora tira por el camino sinfónico, y añade drama y melancolía a la historia, una música sorprendente para este tipo de producciones, pero no por ello poco acertada. Reconozco, eso sí, que Michael Cerveris como villano no esta del todo convincente, a pesar de tener algún buen momento SPOILER y su condición de vampiro mutante inteligente no esta explotada en la trama, se acaba con él y no se vuelve a hablar de este importante hecho FIN DEL SPOILER. Pero por lo demás, una divertidísima película. Mickle puede tener un gran futuro contando con mayores presupuestos.

HOBO WITH A SHOTGUN

Cuando Robert Rodríguez y Quentin Tarantino crearon el proyecto “Grindhouse”, una de las mayores gracias fueron los falsos trailers que se veían en el intermedio de las dos películas. Como por estas tierras se estrenaron por separado para sacar el dinero que no habían conseguido en USA, solo pudimos disfrutar del de “Machete” junto a “Planet Terror, mientras que los demás hubo que recurrir a internet para poder verlos (son totalmente recomendables, por cierto). Tal fue el impacto, que se organizó un concurso de falsos trailers, que acabo ganando “Hobo With A Shotgun” del canadiense Jason Eisener, que ahora, ha terminado siendo un largometraje de verdad, al igual que ocurrio con “Machete” (y también hay planes para convertir en largo “Thanksgiving” de Eli Roth”). Un indigente llega a una ciudad de mala muerte dominada por el mafioso Drake y sus hijos, que no dudan en cometer asesinatos a diestro y siniestro pata controlar a los aterrorizados pueblerinos. El pobre mendigo solo quiere llevar una vida tranquilo y comprarse un cortacésped, pero le tocan demasiado los huevos, así que decide tomarse la justicia por su cuenta. Este es el punto de partida, y la película no tiene mucho más. Solo hay una palabra que se me venga a la mente para describir la película: Salvajada. Todo tipo de violentas burradas que se te puedan venir a la mente sobre hombres, mujeres y niños están presentes en el film, que no escatima en sangre, en vísceras y en partes mutiladas para mostrar la lucha de este “vagabundo” del título, interpretado por el mítico Rutger Hauer. Sin bien la película es mala aposta, con ese aire retro y desfasado, la actuación de Hauer es de primerísimo nivel, del resto del reparto sorprende ver a Gregory Smith en un papel despreciable (Creo que no le veía desde “Pequeños Guerreros”). Es el motor de la película, y la lleva con tal profesionalidad, carisma y buen hacer, que es imposible caer rendido. Por lo demás, tiros y sangre sin ningún pudor y desvergüenza SPOILER cierta divertida escena en un autobús escolar en la que no puedes evitar reírte a pesar de la burrada que es por como esta llevada FIN SPOILER. Como homenaje del cinecutre que podía verse en sesión doble en los cines en los 70 u 80, “Hobo With A Shotgun” resulta más satisfactoria que “Death Proof” y que “Machete”.

TRASH ENTRE AMIGOS (STONEHEDGE APOCALYPSE)

Despues de estas tres sesiones había organizada una sesión de “Trash entre amigos”, nunca había asistido, así que no sabía muy bien de que iba el tema. La cosa va de cuatro amiguetes (Nacho Vigalondo, Sr. Ausente, Ruben Lardín y Raul Minchinela, todos profesionales del medio), se dedican a destripar y desproticar de una película de esas que van directas a video, de una calidad lamentable, llenas de errores y carne de videoclub. Lo que vimos en esta ocasión fue “Stonehedge Apocalypse”, una demencial cinta en la que las piedras del famoso monumento se mueven ocasionando desastres en todas partes del mundo (menos en España). Aunque no puede decirse que viéramos el film, ya que estábamos todos más pendientes de las bromas sobre militares con uniformes cutre, científicos en pantalón corto y paredes pintadas por egipcios desganados. Al final el desvarío es total, ya que es la película entera (aunque, gracias a Dios era corta), lo que hace que llegue un punto en el que los comentarios de estos cuatro personajes llegue a ser un poco cargante, pero hubo algún momento en el que llegue a llorar de la risa.

Con una sonrisa terminamos la sesión del viernes, que en líneas generales fue muy disfrutable. A ver que nos deparan las demás.

Sufre, de Chema Caballero

En un mundo plagado de Sufrimiento, todos Sufrimos. El sufrimiento es una espiral donde reina el caos. Transforma la luz en oscuridad. En un mundo donde no hay Dios solo puedes destruirte o ser destruido.

“Sufre” fue llevado a cabo por Chema Caballero, un joven que desde niño mostró cualidades para la interpretación y que se ha ido formando con el paso de los años, primero en grupos de teatro granadinos y luego en la ESAD de Málaga, en donde actualmente finaliza Interpretación y estudia Dirección.

El germen de “Sufre” lo encontramos en un poema escrito por José Luis Guerrero, amigo de Chema, quien, tras leerlo, decidió llevarlo al formato visual. En ese momento Chema estudiaba el Teatro de la Muerte de Kantor, lo cual fue crucial para inspirarse y elaborar la estética en que debía llevar a cabo el poema de Guerrero en imágenes.
Antes de rodar el director decidió experimentar en sus carnes el sufrimiento por medio de una performance, titulada “Ayúdame a sufrir”, en la que involucró a varios conocidos, a los cuales invitaba y pedía colaboración sin que supieran de la intervención de los demás. Dicha performance se basaba en que Chema se colocaba de rodillas frente a todos mientras el texto de Sufre sonaba por boca de Francisco de Paula, actor granadino. Durante ese montaje de imágenes obsesivas proyectadas, la gente aguardaba para participar obedeciendo unas órdenes bastante duras mediante las que insultaban, escupían e incluso golpeaban al performancer. Para Chema eso no sólo era una forma de entender mejor el sufrimiento, sino una manera de pagar por todo el mal que él había causado anteriormente en su vida, así pues podríamos entender dicho experimento como una forma de buscar el perdón mediante el dolor. Una vez pasada la performance el director estaba preparado para rodar las rocambolescas imágenes que darían forma al proyecto y mediante las cuales expulsaría de nuevo el odio que había absorbido en su performance.
En palabras del director el sufrimiento es algo que padecemos diariamente a lo que no podemos dar respuesta. Para él “El hombre nace, sufre y muere”, por lo que toda nuestra vida es un camino de dolor en que nos planteamos el por qué de dicho sufrimiento sin recibir una respuesta clara, asemejándolo así a la figura de Dios.
Todo éste trayecto vital de dolor fue lo que llevó a Chema a dar a luz “Sufre”.

Creo que no hay mejor palabra que pueda definir la sensación que se tiene mientras se ve el cortometraje que la que da título al mismo, y eso ya me parece un logro. “Sufre” son nueve minutos de imágenes rocambolescas, terroríficas, hipnóticas y repugnantes, una experiencia visual que no deja indiferente, de hecho en el último Festival de Málaga recibió tanto aplausos como abucheos, siendo el único trabajo de videocreación en recibir éstos últimos.
Tengo que admitir mi fascinación por muchas de las imágenes que pueblan el trabajo, un verdadero logro por parte del director conseguirlas con escasos recursos y saber montarlas y casarlas con el texto que no cesa de sonar mediante la voz de Francisco de Paula. A pesar de que el proyecto surgió del poema que acompaña a las imágenes creo que tendría la misma fuerza sin el mismo, es decir que texto e imagen no se necesitan forzosamente, sencillamente se complementan, pues cada uno por separado sigue poseyendo fuerza. Uno de los defectos que veo al trabajo es que sobran planos en que se muestra al actor recitando el texto, al igual que me gustaría ver una versión sin texto, sólo con una música demencial como compañera de las imágenes. Tampoco me gusta el final, demasiado convencional por medio de un grito poco creíble e impactante.
“Sufre” no es fácil de ver, si tuviera que resumirlo o decir de qué trata diría que es una inmersión al fondo de una mente enferma y trastornada, una cárcel de locura y desequilibrio que hace daño por medio de imágenes muy desagradables que pueden herir la sensibilidad del espectador, es más, recomiendo no ver la videocreación si se acaba de comer (o se está a punto de ello) o si se tiene un día de bajón. La tormenta de imágenes llega a ser tal que llegados a un punto queremos que termine (como todo sufrimiento), y es que nos encontramos ante un film abstracto de terror. Puede que Chema se haya pasado con algunas imágenes del todo gratuitas y de mal gusto que provocan verdadera repulsión, pero, nos guste o no, ayudan a la finalidad del proyecto, que no es otra que transmitir dolor al espectador y removerlo en su asiento.
Repito: Contiene imágenes que pueden herir la sensibilidad del espectador.

El trabajo fue proyectado en el Festival de Cine de Málaga 2010 en la sección de videocreación y lo hará en el Festival Cortomenar de Madrid 2010.

Truco o Trato, de Michael Dougherty

En 2007 debía llegar a las carteleras una cinta de terror enmarcada en la noche de Halloween. Finalmente el estreno de dicho film se pospuso por una sencilla razón, la productora de la cinta, Warner, temía perder la batalla en la taquilla frente al título que ha estado monopolizando el fin de semana que concuerda con la celebración de los difuntos, “Saw”. Al no estrenar la cinta en dicha fecha se plantearon otro problema, ¿cuándo estrenamos una cinta diseñada para Halloween que no sea en Halloween? Peliagudo lo tuvieron. Han pasado dos años y finalmente la cinta ha visto la luz, tras verse en diferentes festivales, en formato domestico. Alegrémonos, peor hubiera sido no verla nunca.

El equipo de la cinta son los artífices de “X-Men” o “Superman Returns”, es decir Bryan Singer apadrina a su guionista Michael Dougherty en su debut como director de esta cinta terrorífica que nos relata cuatro historias en la noche de Halloween. Entre el reparto encontramos también a miembro conocidos de las películas mutantes como Brian Cox y Anna Paquin, y a otro actor participe de otra Saga superheroica como Dylan Baker (el Doctor Connors de “Spider-Man”).

No me voy a extender mucho, solo enumeraré las razones que me empujan a recomendar esta cinta, superior a todas las películas yanquis que nos han ido llegando los últimos años en tan fijada fecha.

- Posee un aroma a Serie B con homenajes a célebres cintas de terror, en especial a “Halloween” de Carpenter.
- El montaje es excelente, entrecruzando las cuatro historias y deteniéndose en cada una de ellas de manera similar, aunque guardando las distancias, con “Pulp Fiction”.
- Los relatos rememoran los clásicos cuentos infantiles y juegan con todos los tópicos del cine de terror, como Hombres Lobo, Vampiros, Espíritus, Asesinos en Serie, insertándolos en la trama de forma inteligente y poseyendo un final sorpresa.
- El humor negro que rodea a la película y sin el cual no sería tan redonda, y divertida.
- El debut de Dougherty, con un uso de la planificación impresionante que otorga al film entidad propia.

Concluyendo, “Truco o Trato” merece verse, y más de una vez incluso. Es una cinta divertida, gamberra. Un nuevo clásico de terror en Halloween.

Lo Mejor: La perfecta conjunción entre terror y humor. Las historias.

Lo Peor: No haberse estrenado en cine.

Alien Quadrilogy

Hace treinta años llegaba a las pantallas la historia de la Nostromo y del bicho alienígena más cruel y memorable que nos ha dado el cine. La Saga Alien se caracteriza por poseer cada película el sello del director que se ha puesto detrás de la cámara en cada una de ellas, consiguiendo una serie interesante con dos grandes películas y otras dos más irregulares.

Alien, de Ridley Scott

Tras escribir para John Carpenter el film de fin de carrera “Dark Star” el guionista Dan O´Bannon ideó junto a su amigo Ronald Shusett una historia de terror en el espacio inspirada en una leyenda sobre la Segunda Guerra Mundial en que unos monstruos averiaban un bombardero y comenzaban a matar a la tripulación. Cuando buscaban vender el proyecto llegó a las salas de cine “La Guerra de las Galaxias” con su consabido éxito comercial que hizo a toda productora seguir explotando el filón de películas espaciales. La FOX vio en el proyecto presentado por O´Bannon y Shusett una oportunidad de realizar una película ambientada en el espacio con bajo presupuesto. El productor Walter Hill retoco un poco el guión, cosa que no gustó a O´Bannon. El propio Hill se iba a sentar en la silla del director pero sus duras jornadas de trabajo como productor se lo impedían y tuvieron que buscar a otro. En principio sonaron nombres como Jack Clayton o Peter Yates, pero finalmente se escogió a un joven director británico cuyo primer film, “Los Duelistas”, había causado sensación en Cannes. Su nombre era Ridley Scott. Cuando leyó el guión Scott se puso manos a la obra, entusiasmado, esbozando un montón de storyboards en que plasmaba su visión de la historia. El problema en ese momento radicaba en encontrar a alguien que pudiera conseguir llevar a la realidad dichos bocetos, y esa persona la encontraron en el pintor suizo H.R. Giger, autor del “Necronomicón”. Gracias al autor, Scott no solo encontraría a la persona perfecta para llevar a cabo sus escenarios e imaginería sino que encontraría en uno de sus dibujos la forma de la malvada criatura que daría nombre al film.
El 25 de Mayo de 1979 llegaba a las pantallas norteamericanas “Alien”, con una frase promocional inquietante: “En el espacio nadie puede oír tus gritos”.

La nave comercial Nostromo se dirige de regreso a la Tierra tras recoger minerales. La computadora de la Nave, conocida como Madre, despierta del sueño artificial a los siete tripulantes informándoles de una posible señal SOS en una pequeña luna situada en los limites del espacio conocido. A pesar de la oposición de gran parte de la tripulación la nave pone rumbo a la luna para llevar a cabo la misión. En el aterrizaje la nave sufre daños que deben ser reparados mientras un grupo de tres personas sigue la señal SOS. El pequeño grupo llega hasta lo que parece una nave extraterrestre en donde uno de los tripulantes descubre un nido de huevos y sufre el ataque de un parásito nacido de uno de ellos que se le pega al casco. De nuevo en la nave se intentará separar al parásito del rostro del hombre, pero por riesgo a que éste muera se decide esperar. Horas después el extraño ser con forma de araña ha desaparecido y el hombre se encuentra bien. Mientras están comiendo el recién despierto tripulante sufre un dolor de estomago. De su barriga emerge una criatura que acaba con su vida y escapa. A partir de este momento comenzarán a morir los distintos miembros de la tripulación.

Como bien idearon sus guionistas “Alien” posee una historia propia de Serie B. Una nave espacial. Una pequeña tripulación. Un monstruo alienígena que comienza a matar sin piedad a cada uno de ellos. Con esos tres elementos crearon el guión, sencillamente. Y con ese guión el director Ridley Scott supo crear una Obra Maestra del cine de terror enmarcado en el terreno de la ciencia-ficción.

“Alien” recuerda en la estructura de su segundo acto a la novela de Agatha Christie “Diez Negritos”. Tenemos siete tripulantes, todo parece normal hasta que el parásito con forma de araña ataca al oficial Kane. A partir de ese momento comienza a subir la tensión, no se sabe qué es esa cosa. Cuando parece que Kane está fuera de peligro comienza el juego de asesinatos con su muerte en forma de parto. La criatura ha nacido, huye y se esconde por la nave. Lo que en principio parece ser una cacería contra ese pequeño monstruo por parte de la tripulación acaba siendo una matanza en que los cazadores se convierten en presas. No hay lugar en la nave donde puedan estar seguros.
Una de las grandezas de “Alien”es no resaltar a un personaje por encima de otro. Todos los miembros de la tripulación nos son presentados y descritos psicológicamente con igual interés. Eso hace que no sepamos quién va a ser el siguiente en morir, llevándonos la sorpresa final al comprobar quién será el último pasajero que le plante cara al bicharraco. Esta característica nos lleva a estar siempre en tensión e inquietos mientras visionamos la película, la cual posee un alto grado de terror psicológico gracias a su atmósfera claustrofobia en la que nos envuelve de la misma forma que a los personajes.
La historia se enriquece aún más al poner como verdaderos villanos a los propios seres humanos, representados en la compañía propietaria de la nave, quienes quieren aprovecharse de esa recién descubierta forma de vida trayéndola a la Tierra. Para llevar a cabo la misión de trasportarla a la Tierra han infiltrado en la tripulación a un robot que se convertirá en otro contrincante para los tripulantes del Nostromo.

Podemos diferenciar dos parte. La primera parte nos describe la forma de la vida de la tripulación dentro del Nostromo y sus personalidades. Es un tramo de ritmo lento, digno heredero de “2001: Una Odisea del Espacio”. Los largos planos en que nos muestran con detalle el interior de la nave. La forma en que se despiertan los tripulantes. Las relaciones entre sí. Hasta la llegada de los pasajeros a la nave alienígena y su regreso al Nostromo dura este primer tramo, cuya lentitud precede a la angustia que estamos a punto de experimentar.
La segunda parte comienza una vez nace el Alien del pecho de Kane. El suspense hace aparición progresando hasta el terror en estado puro y poniéndonos alerta en todo momento. El in crescendo que posee esta parte es increíble, sin apenas dar respiro al espectador. Ni siquiera cuando parece que la criatura está destruida estamos tranquilos. La calma se encontrará solamente cuando los créditos finales aparezcan.

Ridley Scott supo ganarse a la gente con esta película, desde luego. Y es que el director británico consiguió tocar el cielo mediante una dirección sublime, en que cada escena está tan bien rodada que es imposible ponerle pega alguna. El director se toma su tiempo para presentarnos el ambiente donde se va a desarrollar la historia, poniendo especial atención a todo escenario que aparece, consiguiendo dejarnos helados cuando nos descubre al tripulante Alien fosilizado dentro de la nave extraterrestre. Ahora bien, si por algo hay que seguir alabando hoy día al señor Scott es por saber jugar tan bien con el suspense y el terror en la segunda parte de la cinta. El sangriento nacimiento del bicho del pecho de John Hurt a pasado a las enciclopedias de la Historia del Cine con toda justicia. La primera aparición del Alien en su estado gigante tras el personajes interpretado por Harry Dean Stanton es impactante, al igual que esa escena en los conductos de aire, en que por medio de la luz de una linterna vamos a tropezarnos inesperadamente con el monstruo. Los veinte últimos minutos se desarrollan prácticamente sin dialogo, con el enfrentamiento final entre Ripley y el Alien, demostrándonos Scott lo que es conseguir inquietar con imagen y sonido de ambiente.

Además de por su inmejorable puesta en escena hay que destacar la forma en que se muestra al monstruo. El director tuvo una máxima en el rodaje, da más miedo lo que creemos que hemos visto que lo que vemos realmente. O sea, es más terrorífico aquello que no vemos pero qué sabemos que está ahí. Así pues el Alien es mostrado de forma rápida y con el detalle más mínimo, suficiente como para darnos escalofríos. Solo al final podemos contemplarlo de forma completa.

La ambientación y dirección artística son fabulosos y crearon escuela. Scott se basó en los dibujos de Moebius y H.R. Giger creó algo imborrable, digo heredero de Lovecraft. El Alien fue creado por Carlo Rambaldi. La criatura posee una fisonomía inolvidable, especialmente gracias a su cráneo largo, sus dientes metálicos y a la segunda boca expansiva que se encarga de atravesar cualquier miembro del cuerpo. Para otorgarle mayor peligro se le añadió facilidad para camuflarse entre los huecos de la nave, ácido en lugar de sangre, con lo cual podía herir a alguien si recibía alguna herida y ayudaba muy bien a la hora de plantear alguna escena de suspense, pues gracias a la aparición de algún rastro de ácido sabemos que hay un Alien cerca.
La Banda Sonora fue obra de Jerry Goldsmith, quien crearía una composición inquietante que otorgara a las imágenes más intranquilidad.
El reparto no era muy conocido por aquel entonces. Tom Skerrit es Dallas, capitán de la nave Nostromo, siempre siguiendo las ordenes que le envían los jefe de la Compañía. Sigourney Weaver es la Teniente Ripley, segunda oficial al mando. Tras sus breves segundo en “Annie Hall” Weaver consiguió tener aquí su primera gran oportunidad que no desaprovechó dando vida a Ripley, personaje que al principio estaba pensado para un hombre. El personaje de Ripley es el que más se opone a la decisión de introducir al parásito alienígena en la nave y quién demostrará al final de la cinta poseer más valor del que aparenta. John Hurt es Kane, el oficial que sufre el ataque de la araña Alien. Hurt quedó grabado en la mente de cinéfilos como el hombre que dio a luz al primer Alien en el cine. Veronica Cartwright es Lambert, la cual muestra ciertos roces con Ripley, especialmente cuando no les permite entrar en la Nave. Harry Dean Stanton es Brett, el técnico con pocas luces que se queja de su salario. Ian Holm es Ash, el tripulante científico que esconde más cosas de las que parece. Yaphet Kotto es Parker, el otro técnico de la Nave que forma dúo con Brett, pero que se muestra mucho más agresivo y presto a la batalla.

Como es habitual en Ridley Scott existe una versión del director que elimina una conversación entre Dallas y Ripley e incluye una escena explicativa en que los miembros de la tripulación escuchan el SOS procedente de la luna.
Cabe decir que en España se subtituló como “El octavo pasajero”, cosa que es un poco incorrecta ya que ¿ese no debería ser el gato?

La película fue todo un éxito de taquilla y de critica, recibiendo el premio Oscar a Mejores Efectos Especiales. Ridley Scott tuvo las puertas abierta a Hollywood y se embarcó en la película que lo elevaría definitivamente a los altares del genero fantástico. Sigourney Weaver experimentó un ascenso en su carrera y se convirtió en una de las mejores actrices de su generación.

Angustiosa, claustrofóbica, escalofriante. “Alien” es una película inolvidable, una pieza maestra del cine de terror.

Lo Mejor: Todo.

Lo Peor: Nada.

Aliens, de James Cameron

Mientras esperaba a que Arnold Schwarzenegger finalizara el rodaje de “Conan el Destructor” para incorporarse a “The Terminator” James Cameron escribió el guión de “Aliens”, secuela del film dirigido por Ridley Scott por el que Cameron sentía mucho respeto y del que pensó que se podía sacar mucho más jugo. Cuando les mostró a los directivos de la FOX el guión y les desveló su intención de dirigirlo dudaron de que pudiera llevarlo a cabo, así que hicieron un pacto, si “The Terminator” conseguía ser un éxito Cameron tendría luz verde para realizar la película. El film del robot asesino procedente del futuro triunfó abriéndole a Cameron las puertas para llevar a cabo su visión del mundo Alien. Se trasladó a Inglaterra para rodar la película de la misma manera que se había hecho la anterior, sin embargo hubo bastantes enfrentamientos entre el equipo inglés y el director americano, así cómo varias discusiones sobre la elección de Bill Paxton para dar vida al soldado Hudson. Para la labor técnica y creación de los Aliens el director llamó a su colaborador Stan Winston, quien evolucionó en el diseño de la criatura. Siete años después del estreno de “Alien” llegaba a las pantallas su secuela, “Aliens”, la cual mantenía la tensión y el suspense de la primera incrementándolo con un emocionante espectáculo de acción.

La nave de salvamento de la Nostromo que transporta a la Teniente Ripley es rescatada después de estar cincuenta y siete años a la deriva por el espacio. El relato de la superviviente es recibido con escepticismo por parte de la empresa Weyland que informa a Ripley de que la luna en donde tuvieron contacto con la forma extraterrestre ha sido colonizada y llamada LV-426. Después de un tiempo se pierde conexión con la colonia de LV-426 y se informa a Ripley, requiriendo sus servicios para acompañar a un grupo de marines en misión de rescate. Al llegar al Planeta encuentran a una pequeña niña llamada Newt y descubren que un grupo de colonos están incubando seres alienígenas en su interior. En la búsqueda por encontrar a éstos colonos se tropezarán con una manada de Aliens, comenzando así una batalla sin tregua.

Frente al tempo pausado de la primera película “Aliens” va directa al grano funcionando como una montaña rusa en donde la acción va en aumento a medida que avanza la historia dando como resultado una película de horror adrenalínica.
No podemos negarlo, a pesar de seguir manteniendo el tono de film de terror, “Aliens” es una película bélica. Los marines enviados en misión de rescate creen que se enfrentan a bichitos inofensivos para descubrir que su enemigo es una raza exterminadora que ataca inesperadamente en un terreno que ha hecho suyo. Esto puede esconder una lectura sobre la guerra de Vietnam, con los marines emulando a los americanos que piensan acabar su labor rápido para encontrarse en un terreno hostil e incontrolable donde los reyes son los nativos. Podemos decir que con “Aliens” James Cameron intenta homenajear al cine bélico en general , así se entiende ese primer tramo del film en que se nos presentan a los personajes en la nave dirigiéndose al Planeta LV-426 como si fuera la versión futurista de “La Chaqueta Metálica”, con el sargento negro gritando y dando órdenes a sus soldados.

Más grande, ese es el lema que se marca en toda secuela. Si en la primera película solo había un alienígena en esta James Cameron tira la casa por la ventana y crea toda una legión de bichos asesinos que se lo harán pasar muy mal a los valerosos marines. En “Aliens” se expande el Universo que gira en torno a las criaturas y se da mucha más información sobre la creación de los huevos aliens y su desarrollo. Existe una Reina Alien encargada de poner huevos, los cuales para conseguir dar a luz vida necesitan de huéspedes que los alojen en su interior. Estos huéspedes son los pobres colonos que trabajan en la central del Planeta. Las criaturas se muestran ésta vez mucho más inteligentes y demuestran una coordinación en el ataque de grupo y a la hora de preparar una trampa a sus oponentes.

Además de a las criaturas también se hace evolucionar a Ellen Ripley, ya condecorada como clara protagonista del film. La Teniente sufre continuas pesadillas que la devuelven una y otra vez a la nave donde se enfrentó a la criatura. Al principio reacia a ir a la misión de rescate acaba accediendo para enfrentarse a su miedo y poner fin a la pesadilla eliminando de una vez por todas a esos monstruos. En la misión Ripley demostrará tener un gran valor y desarrollará su sentido materno gracias al personaje de la niña pequeña Newt, a la cual promete no abandonar pase lo que pase, lo cual lleva a nuestra protagonista a enfrascarse en el terreno dominado por los Aliens para rescatar a la niña en uno de los momentos más álgidos de la cinta.
Con éste rasgo se hace un paralelismo entre Ripley y la Reina Alien, ambas preocupadas por cuidar de sus crías, tema resumido de forma maravillosa en esa memorable escena en que la gigantesca criatura hace aparición frente a Ripley y Newt, obligando a la Teniente a amenazar a los huevos de la Reina si no las deja marchar. El instinto materno tira mucho.

Si en “The Terminator” James Cameron ya demostró dotes de buen director para las escenas de acción en “Aliens” lo reafirma superándose a sí mismo y creando situaciones impactantes que nos harán sudar la gota gorda. Y es que si “Aliens” merece un calificativo ese es emocionante, ya que estamos ante una salvajada visual en el mejor sentido de la palabra. Es una película brutal, que no ofrece respiro al espectador y que posee momentos que nos clavan con las uñas en la butaca. Ya al principio el director nos ofrece algo de tensión mediante ese juego tan bueno con el maullido del gato y la pesadilla de Ripley en que un Alien sale de su pecho. A continuación nos describe a los marines y cómo Ripley es recibida con cierta mofa entre la tripulación. Cuando llegamos al Planeta LV-426 la intriga aumenta y vuelve a hacer aparición la claustrofobia. El esperar a mostrar a los Aliens es todo un acierto en esta parte. A pesar de saber cómo es su aspecto no podemos estar en calma, sintiendo lo mismo que Ripley, angustia y miedo. La película alcanza su primer tramo álgido en la exploración del nido Alien, en donde el grupo de marines va a conocer a sus terribles presas. Una vez más los monstruos demuestran sus cualidades de camuflaje y los eliminan sin compasión. La única diferencia con respecto al anterior film es que aquí no es aparición de Alien y muerte de un humano, sino aparición de cientos de Aliens y comienzo de escena de acción, no olvidemos que nuestros protagonistas humanos son marines y van armados con rifles que no dudan en disparar, con lo cual tenemos grades escenas de disparos sin cese en donde los Aliens también sufrirán bajas.
Éste momento sirve de preámbulo para el plato fuerte de la película, sus últimos cuarenta y cinco minutos, verdaderos tour de force narrativo en que los gritos, el miedo, los disparos, las explosiones y la épica harán aparición mediante un ritmo frenético. El encierro de Ripley y Newt en la habitación junto con la araña alien, el asedio de los Aliens a nuestros protagonistas en su sala de mando, la huida por los túneles, la captura de Newt por un Alien que surge de entre el agua, el rescate de Newt por parte de Ripley con ese gran descenso en ascensor en que la protagonista se prepara para entrar en combate armándose con el rifle y el lanzallamas. La aparición de la Reina Alien comenzando con ese primer plano de Ripley y Newt dándose la vuelta y descubriendo el horror absoluto. El enfrentamiento final entre Ripley y la Reina cuerpo a cuerpo con la mítica frase de “Aléjate de ella, puerca”. Emoción sin freno, simple y llanamente.

James Cameron se encargó de escribir el guión. Además de hacer evolucionar a Ripley y los Alienes siguió mostrando como amenaza humana a la Compañía Weyland, obsesionada en conseguir Aliens para traerlos a la tierra. De nuevo se introduce un personaje robótico en Bishop, el cual no cae bien a Ripley debido a la mala experiencia que tuvo con Ash. La única pega que le encuentro a la película es la forma de finalizar el film. Parece que se ha eliminado a todo Alien, cuando, de repente, aparece la Reina Alien en la nave de huida de nuestros protagonistas y se enfrenta a Ripley, la cual la elimina lanzándola al espacio. Clavadito al del film original solo que más espectacular en su realización.

El diseño artístico sigue siendo de primera y el diseño de las criaturas muestra una mejoría física con respecto a la anterior, otorgándoles mejores movimientos. Stan Winston creó a la Reina Alien, en cuya escena de presentación aparece cual reina de las arañas con sus largas patas y una cresta majestuosa. El resultado es escalofriante.
La Banda Sonora fue obra de James Horner, el cual tuvo muy poco tiempo para llevarla a cabo, lo cual lo llevó a enfadarse con Cameron y a jurar que no volvería a trabajar para él. Once años después le compondría la Banda Sonora para “Titanic”.

Sigourney Weaver volvió a dar vida a Ellen Ripley de forma magistral. La actriz otorga fuerza a su protagonista y consigue emocionarnos durante todo el tramo final consiguiendo crear una de las féminas del cine de acción más memorables de la historia. James Cameron contaría con actores norteamericanos, entre los cuales encontramos varios fetiches en su filmografía que ya había trabajado con él en “The Terminator” o volverían a hacerlo después. Michel Biehn es Hicks, el soldado que mejor relación entabla con Ripley, tanto que se entreve una posible relación futura entre ambos. Lance Henriksen es el androide Bishop, leal colaborador de los humanos. Bill Paxton es Hudson, el soldado más charlatán del grupo. Janette Goldtein debutó en el cine dando vida a Vasquez, la tía más dura de cuerpo de marines cuya imagen armada con el rifle de asalto a quedado grabada en la retina de mucha gente. La niña Carrie Henn da vida de forma magistral a Newt, la pequeña encontrada por la que Ripley siente un sentido materno. Henn no volvió a participar en ningún otro film pero comenzó una amistad con Sigourney Weaver que aún hoy dura.

Existe una Versión del Director que incluye casi veinte minutos más entre los cuales tenemos la noticia que recibe Ripley al principio sobre el destino de su hija o la forma de vida que llevan los colonos en LV-426 antes del ataque de los Aliens, el cual se produce en una escena también eliminada en que los padres de Newt van a explorar la Nave alienígena.

“Aliens” fue otro éxito de taquilla y consiguió siete nominaciones a los Oscars, Mejor Actriz para Sigourney Weaver, Dirección Artística, Banda Sonora, Montaje, Sonido, Efectos de Sonido y Efectos Especiales, consiguiendo llevarse éstos dos últimos.

Emocionante, terrorífica, salvaje, impactante. “Aliens” es toda una experiencia fílmica que demuestra cómo se puede hacer una secuela a la altura de la original.

Lo Mejor: Su intensidad y emoción. Sigourney Weaver, sobre todo en el tramo final.

Lo Peor: Sus similitudes en el tramo final con la original.

Alien 3, de David Fincher

Abandonar la Saga de Alien no estaba en los planes de la FOX que se puso a buscar un nuevo argumento para continuar las aventuras de la Teniente Ripley. Los problemas no se hicieron esperar. Se presentaron varias versiones de guión, a cada cual peor. Los directores escogidos iban cayéndose del proyecto. El presupuesto se esfumaba antes de empezar la producción del film. Walter Hill y David Giler rescribían el guión a medida que se rodaba la película. El director escogido para llevar a cabo la película fue el debutante David Fincher, procedente del mundo de la publicidad y el videoclip que acabaría teniendo una guerra con los productores con respecto al desarrollo y montaje final de la película. Tal fue el disgusto del director que se negó a participar en posteriores montajes y a renegar de ésta tercera entrega.

Ripley, Newt, Bishop y Hicks se encuentran de vuelta a la Tierra. Desafortunadamente la Reina Alien colocó un huevo dentro de la sala donde se encuentran. El huevo se abre y aparece la araña alien que revienta el cristal de Ripley y la invade. El abrazacaras alien daña la nave y eso hace que la computadora active un aterrizaje de emergencia que lleva a Ripley a un Planeta Prisión conocido como Florina 161 en donde toda la población está compuesta por hombres que forman una comunidad religiosa. En el aterrizaje mueren todos menos Ripley, que es recogida con miedo debido a que los presos llevan sin ver una mujer durante muchos años. La Teniente ignora que en su interior porta un Alien y mucho menos que aún sigue escondida en la nave la araña, la cual utiliza a un perro como huésped de otra criatura Alien que nacerá y comenzará a matar a todos.

“Alien 3” posee un punto de partido interesante gracias al ambiente donde se desarrolla, el Planeta Prisión regido por creencias religiosas. Gracias a ello se establecen temas universales como el enfrentamiento entre Bien y el Mal, la Fe y la aparición de la tentación a través de la llegada de Ripley, la cual se convierte en un tentador manjar físico para los necesitados presos.
Me gusta mucho como queda el tema de invasión en la película. Al igual que Ripley acaba invadiendo y perturbando la coordinada sociedad masculina del Planeta ella acaba invadida en su interior por la criatura que más odia en el Universo.
Desgraciadamente todo esto queda levemente esbozado y la película acaba mostrando sus cartas rápidamente, se trata de otro film de asesinatos sin freno por parte del Alien y donde Ripley con ayuda de los presos intentarán detenerlo. Parece que los productores querían algo similar a la primera entrega, un lugar cerrado, primordialmente metalúrgico, donde se desarrollara la acción y se presentaran rápidamente a los personajes con el monstruo matando a diestro y siniestro desde el momento de su nacimiento. En resumidas cuentas, tomaron el camino fácil para hacer taquilla.

Por mucho que le disguste a David Fincher “Alien 3” será siempre la película con la que se estrenó en cine. Y tampoco es tan mala carta de presentación, peor era la de James Cameron con “Piraña 2”. El director muestra en el film un cuidado en la puesta en escena y en el uso del lenguaje cinematográfico que dejan asomar al posterior perfeccionista que sería. De nuevo vuelve a hacer aparición una atmósfera claustrofóbica en donde Fincher utiliza el plano subjetivo del Alien, cosa que antes no se había hecho, y movimientos de cámara alrededor de los personajes en los momentos de inquietud. Sin embargo el resultado final es bastante irregular, a pesar del esfuerzo del director, debido al ajustado presupuesto que le habían dado para trabajar y a un guión que presentaba lugares comunes con respecto a las anteriores entregas a la hora de mostrar los asesinatos del bicho, los cuales no poseen suspense ni tensión alguna.

Caben destacar tres momentos como son el funeral de Newt y Hicks en montaje paralelo al nacimiento del Alien con las palabras bíblicas de fondo, el cara a cara entre Ripley y el monstruo en la enfermería con el plano más celebre de todo el film y el Destino de Ripley lanzándose al reactor. Quizás esta última escena quede algo floja debido a la pobreza de los efectos especiales y a la nula emoción que posee un momento que requería todo lo contrario, pues recordemos que se trata de algo que siempre se ha temido desde la primera entrega como es que la protagonista muera por culpa de la criatura.

El guión ya hemos citado que desaprovecha el punto de partida de desarrollar la historia en un ambiente marcado por las creencias católicas, pero si a eso sumamos la brutal decisión de eliminar a los acompañantes de Ripley en la nave por capricho y la nula creatividad en su segunda mitad obtenemos un libreto cojo.
La dirección artística se decantó de nuevo por un ambiente industrial rememorando a la primera entrega. La fotografía es más amarillenta y apagada. La Banda Sonora de Elliot Goldenthal es de lo mejor de la cinta, incluyendo un track de corte religioso que queda bastante bien con el planteamiento ideológico del film. Los Efectos Especiales son los peores de toda la Saga, y es que se nota mucho el ajuste de presupuesto.
Una vez más el Alien fue modificado. Se le eliminaron los cuernos que le nacían de la espalda y se le dotó de mucha más velocidad a la hora de caminar por las paredes. Quizás por nacer de un perro se le muestra casi siempre andando a cuatro patas.

Sigourney Weaver encabeza de nuevo el reparto dando vida a la Teniente Ripley en su faz más trágica y triste, que sufre en sus carnes el descubrimiento de portar en su vientre a un monstruo. Su imagen con cabeza rapada dio la vuelta al mundo. Charles S. Dutton es Dillon, el guía espiritual del Planeta por así decirlo. Charles Dance es Clements, el médico con el que Ripley hace buena amistad que esconde un triste secreto. Paul McGann es Golic, un interno con graves problemas mentales que tiene vital importancia en la caza del monstruo. Lance Henriksen da vida de nuevo a Bishop brevemente. Pete Postlewaite es otro de los internos que ayudan en la caza del monstruo.

En DVD apareció la llamada Versión del Director con varios minutos de metraje que incluían un inicio más largo y una cambio con respecto al nacimiento del Alien, el cual nacía de una vaca en lugar de un perro. Por supuesto en este montaje Fincher no colaboró ni dio su consentimiento.

La película fue un fracaso, y es que después de dos película tan enormes ésta tercera acabó resultando muy floja. Recibió una nominación a los Oscars correspondientes a Efectos Especiales.

La oveja negra de la Saga por así decirlo, y todo debido a tener precedentes tan buenos. “Alien3” es un film aceptable, bien dirigido y con un punto de partida interesante que hace aguas a mitad de la cinta.

Lo Mejor: El esfuerzo en la dirección.

Lo Peor: No desarrolla la idea base. Cae en situaciones conocidas.

Alien: Resurrection, de Jean-Pierre Jeunet

El final de la tercera entrega, unido a su mala recaudación en taquilla, parecía poner punto y final a la Saga protagonizada por la Teniente Ripley, sin embargo los tiburones de Hollywood sabían del potencial que “Alien” tenía y no pensaban dejar de explotar al monstruo. Se barajaron muchas posibilidades a la hora de retomar a la criatura, incluso se anunció el titulo de “Alien VS Predator”, cosa que se haría realidad unos años después. Sin embargo, y de forma sorprendente, se anunció una cuarta entrega de nuevo protagonizada por Sigourney Weaver. El anuncio era demoledor, pues contradecía las leyes de la continuidad, ya que Ripley fallecía en “Alien3”.Aún así las mentes pensantes de los guionistas trabajaron sin descanso hasta conseguir una explicación coherente al regreso de Ripley, incluso se planeo convertir “Alien3” en un sueño de la protagonista. Finalmente el guionista Joss Whedon (creado de “Buffy Cazavampiros” y “Firefly”) dio con la temática por la cual Ripley volvía a vivir, la clonación. Para sentarse en la silla de dirección tentaron a varios directores europeos, como Alex de la Iglesia o Danny Boyle, siendo escogido finalmente el francés Jean-Pierre Jeunet, el cual implantaría su particular sello a la Saga.

Han pasado doscientos años. Un grupo de científicos a bordo de la nave comercial Auriga experimentan con restos de sangre de Ellen Ripley hasta conseguir clonar tanto a ella como a la criatura que lleva en su interior. Cuando la cría, una Reian, alcance su estado de gestación llegara la nave Betty portando varios cuerpo humanos mantenidos en hipersueño para servir como huéspedes a las criaturas. Los científicos piensan poder controlar a los Aliens, pero se equivocan. Los monstruos se sublevan y comienzan a matar a todos los tripulantes de la nave, quedando solo los pasajeros de la Betty junto con otros dos miembro del Auriga y Ripley, quien ahora posee varias características alien que la hacen más mortífera. Pronto los humanos deberán iniciar una carrera contrarreloj para destruir la Auriga antes de que llegue a la Tierra.

Una buena idea lo de la clonación, muy de actualidad en aquellos días con la oveja Dolly. Gracias a ello se recuperaba a Ripley y al Alien que porta en su interior, pero además conseguían hacer evolucionar a ambos otorgando un nuevo aire a la Saga.
La Teniente Ellen Ripley es ahora mucho más letal al poseer ácido en lugar de sangre y mucha más habilidad corporal. Poco queda de la Ripley asustadiza, aquí tenemos a una fría mujer con un cínico sentido del humor que no duda matar a todo aquel que se ponga en su camino. Para más Inri existe ahora un vinculo entre ella y las criaturas que peor se lo han hecho pasar, pues poseen la misma sangre y gracias a ella la Reina ha vuelto a ver la luz. Ripley se convierte así en la madre de los monstruos, entre los cuales está a punto de florecer la bestia definitiva.
Los Aliens siguen siendo letales, pero aquí muestran como novedad la capacidad de aprender rápidamente y de matarse entre ellos para conseguir sus objetivos. La Reina Alien ya no solo se limita a poner huevos sino que gracias a ADN humano ha sido capaz de crear un sistema reproductor propio, un útero del cual nacerá el Alien Humanoide.

Si en la anterior entrega querían recuperar el aire de la primera película dirigida por Ridley Scott aquí se hace lo propio queriendo emular a James Cameron incrementando el número de Aliens e introduciendo a un grupo de mercenarios de armas tomar. Si bien no consigue llegar a la épica de “Aliens” la cinta de Jeunet propone una aventura espacial amena en donde la diversión y el despliegue de medios técnicos está garantizado.

El director francés implanta su estilo en la cuarta entrega de las criaturas espaciales dotando a la imagen de una atmósfera verdosa donde su original imagineria visual y su narración caracterizada por planos visualmente atractivos hagan que la película pase en un suspiro. Al contrario que en las otras cintas los Aliens no tardan en aparecer y se nos muestran en todo su esplendor baboso. Los primeros veinte minutos vuelven a servir para situarnos y presentarnos a los personajes y para añadir alguna escena de tensión entre los científicos y los aliens, a quien creen amaestrar. Previamente a que los Aliens salgan de sus celdas y comience la carnicería Jeunet introduce ya alguna secuencia de acción como es la pelea en la cancha de baloncesto entre Ripley y los mercenarios. Una vez se dé la alerta y los monstruos consigan escapar la película empezará a adquirir emoción, especialmente cuando Ripley contempla todos los experimentos que se han hecho para llegar a conseguirla y en la escena bajo el agua, que se erige como el mejor momento del film. Como punto negativa hemos de citar su bajón de ritmo tras éste momento.
Una de las cosas que más me gustan de “Alien: Resurrection” es el toque gore que se le da al final de la cinta cuando Ripley es abrazada por su hija, la Reina, y el Alien humanoide nace. La verdad es que es repugnante ese engendro mitad monstruo mitad humano que nace del vientre de la Reina Alien. Para dar más vidilla al asunto se muestra la señal de afecto que siente por su verdadera madre, Ripley, lamiéndole la cara con su larga lengua.
De nuevo hemos de citar como punto negativo la resolución de la película. Parece que no se cansan en hacernos creer que el Alien ha muerto para hacerlo aparecer en la nave de huida inesperadamente y enfrentarse de nuevo a Ripley, la cual para eliminarlo elige el espacio, solo que aquí la muerte del Alien es más desagradable al ser absorbido por el espacio exterior a través de la rotura en un cristal, descomponiéndose poco a poco.

El guión de Joss Whedon es aceptable y va directo al grano con una trama sencilla en que prima la acción y en donde lo más complejo radica en la forma que tienen de conseguir a Ripley. Como guiño a la primera entrega a la nave Auriga se le llama Padre, en lugar de Madre como en el primer film.
Los efectos especiales son mucho mejores que en la tercera entrega. Pitof, colaborador de Jeunet, se encarga de supervisar los efectos especiales que consiguen crear unos aliens visualmente espectaculares por ordenador.

Una vez más Sigourney Weaver da vida a Ellen Ripley, que aquí aparece mucho más malévola que en las anteriores entregas. Winona Ryder es Call, la joven tripulante del Betty que esconde un secreto. Ryder aceptó participar en el film sin leer el guión debido a su admiración por la Saga. Ron Perlman es Johner el tío más divertido de la película. Aunque en principio los productores pusieron pegas a la elección de Perlman lo cierto es que el actor consigue dar vida al personaje más memorable de la cinta con el permiso de Ripley. Dominique Pinon es Vriess, el paralítico al que le gusta husmear más de la cuenta por naves ajenas para mangar algo. Brad Douriff es el Doctor Gediman, orgulloso de conseguir a Ripley y los Aliens, que sufrirá una muerte de lo más desagradable. Dan Hedaya es el General Perez, el cual busca conseguir beneficios con los Aliens. Michael Wincott es Elgyn, capitán de la Betty.

“Alien: Resurrection” acabó resultando obtener peores resultado que la tercera entrega poniendo punto y final, aunque hoy día se habla de una nueva entrega en forma de precuela, a las aventuras de Ripley. Aún así es una película muy entretenida que se presenta como un film primordialmente visual donde prevalece la acción.

Lo Mejor: La escena bajo el agua. Sus toques gore. La reinvención de Ripley.

Lo Peor: Querer emular a la segunda entrega errando en el intento.

Jóvenes Ocultos, de Joel Schumacher (por Patricia Domínguez)

Mi amiga Patricia me envía su comentario sobre el film realizado por Joel Schumacher en los 80 que trata el tema vampírico dese una perspectiva juvenil. Un título de culto que siempre pongo a la cabeza de la irregular filmografía del director y que Patricia nos comenta con acierto.

Jóvenes Ocultos

“The Lost Boys” o “Jóvenes ocultos”, que viene a ser lo mismo en Español y como yo prefiero llamar a esta película por una cuestión de nostalgia, es una divertida comedia de vampiros dirigida por Joel Schumacher que vio la luz en el año 1987 y que fue muy bien recibida en los cines de Estados Unidos. Recaudó más de 32 millones de dólares y ganó el premio Saturn a la mejor película de horror de 1987. La película formaba parte de la tendencia de la década de 1980 por adaptar la figura del vampiro a la audiencia del momento. Cuenta con el protagonismo de los jóvenes actores Jason Patric, Corey Haim y Kiefer Sutherland y el coprotagonismo de Jami Gertz, Corey Feldman, Dianne Wiest, Edward Hermann, Alex Winter, Jamison Newlander y Barnard Hughes.
Para la realización de esta película Schumacher revisó la novela de Anne Rice “Entrevista con el vampiro” aunque otros elementos que influyeron en el director fueron filmes como “Nosferatu” (1979), “Drácula” (1979) y “El Ansia” (1983). Finalmente Janice Fischer, James Jeremias y Jeffrey Boam consiguieron un guión original que mezclaba terror y humor a partes iguales.

Tras el divorcio de sus padres Sam (Corey Haim) y Michael (Jason Patric) se trasladan con su madre Lucy (Dianne Wiest) a la casa de su abuelo (Barnard Hughes), un viejo que vive entre animales disecados en Santa Carla, una pequeña ciudad de California donde las desapariciones son cada vez más frecuentes y donde la superstición sobre la existencia de vampiros es más que un rumor. Cuando Michael empieza a comportarse de manera extraña, tras unirse a una banda de la zona liderada por un tipo llamado David (Kiefer Sutherland), Sam, su hermano pequeño, con la ayuda de dos chicos, que trabajan en una tienda de comics y supuestos expertos en el tema vampírico que le ayudan a descubrir que está ocurriendo en realidad, se ponen en marcha para destruir el origen de todo aquello, al vampiro jefe, pero, para poner fin a todo esto Michael tendrá que luchar con todas sus fuerzas.

No sé qué efecto tendría esta película en mí si la viese hoy día por primera vez, pero desde luego guardo un grato recuerdo de ella y me ha gustado verla de nuevo tras muchos años. Me parece que tiene el espíritu del cine de ese momento, cuando todavía se escribían guiones originales y frescos, de películas como Los goonies, Indiana Jones, Cuenta conmigo…. Tenían esa mezcla entre fantasía y realidad con una gran dosis de aventura, donde por supuesto los buenos siempre ganan. Películas que te hacían pensar que todo eso te podía ocurrir a ti, pero sobre todo y lo más importante, eran películas que nos hacían soñar.

Sentimentalismos a parte, recomiendo esta película por muchas razones:
Es ágil, entretenida, divertida, con una gran banda sonora a cargo de un acertadísimo Thomas Newman que recurre a numerosos temas de los ochenta interpretados por grupos como Inxs, The Doors, Mummy Calls, Echo, Troy Seals…por citar algunos.
Por ser una buena adaptación del genero vampírico a la época en la que fue rodada y que hoy día revivimos, tanto estética como musicalmente hablando, los 80.
Para ver a un jovencísimo Kiefer Sutherland convertido en un rebelde y sanguinario chupasangre, a un guapísimo Jason Patric sufriendo por no caer rendido a la llamada de la sangre y por supuestísimo para recordar al tándem Corey Feldman y Corey Haim, protagonistas de muchos filmes de ese momento y hoy día algo olvidados.

Curiosidades y cotilleos:

Keena Wynn y John Carradine (un veterano de las películas de vampiros) fueron elegidos originalmente para realizar el papel del abuelo. Wynn murió antes de comenzar el rodaje y Carradine se encontraba demasiado enfermo.

El título original (The Lost Boys) es una referencia a los Niños Perdidos de la historia de Peter Pan y el país de Nunca Jamás.

Por aquellos tiempos Kiefer Sutherland, el malo de la peli, estaba apuntito de casarse con Julia Roberts. Esta boda nunca se llevó a cabo ya que Julia se lio con el otro protagonista del film Jason Patric, el bueno de la película.