El Ascenso de Skywalker (The Rise of Skywalker), de J.J. Abrams

Ha llegado el final. Esta vez si, nos despedimos de los Skywalker con una entrega final cargada de acción y nostalgia que deja cierto regusto amargo si se analiza con una mínima profundidad (ya no digamos si se sacan las uñas cual tuitero enfadado hasta la médula). Mi sensación tras finalizar fue extraña. Por un lado sentí tristeza cómo en toda despedida, pero por otra la emoción de haber asistido durante más de dos horas a un gran espectáculo que no da respiro. Quiero escribir muchas cosas, y por otro lado creo que está todo dicho y no merece la pena. El Lado Oscuro y la Fuerza se adueñan de mí, como le sucede a la propia película. Esto es un adiós, y trataré de hacerlo lo mejor posible, con música de John Williams de fondo.

Tras recibir un mensaje que desvela que el viejo Emperador Palpatine sigue vivo, Kylo Ren busca sin respiro su situación. A su vez, también Rey y sus amigos parten en busca del viejo enemigo para impedir que su flota parta y elimine lo que queda de la Resistencia y sus aliados.

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El Irlandés (The Irishman), de Martin Scorsese

Ya que muchos de los eventos cinematográficos (presumiblemente) prometedores del año giran en torno a revivals o secuelas que tienen en la nostalgia su mayor reclamo, era toda una celebración para cualquier amante del cine el anuncio de “El Irlandés”. Ya el hecho de tratarse de una película con la firma de Martin Scorsese era más que suficiente para convertirla en una cita ineludible, pero si a ello se le sumaba el reencuentro del director con su actor fetiche, Robert De Niro, la cosa adquiría un cariz más prometedor aún.
El proyecto comenzó a dar que hablar hace más de diez años, concretamente en 2008. Aquel año el protagonista de “Toro Salvaje” cumplía 65 años, y, cómo retrospectiva a toda su carrera previa a entrar en la Tercera Edad, un diario de tirada nacional dedicaba un artículo a página completa sobre su trayectoria, a la vez que anunciaba la reunión del actor con el director que más lo definiría. Once años después, y tras una infinidad de baches que casi impidieron que el film se convirtiera en realidad, la tan ansiada reunión ha tenido lugar. Y hay que celebrarlo. Además de la innegable calidad cinematográfica tan propia de Scorsese, la película regala el volver a ver compartir pantalla a De Niro con Pacino, Joe Pesci o Harvey Keitel. Casi nada. ¿La única pega? Que la gran mayoría de los espectadores que se acerquen a verla tendrán que hacerlo en sus hogares, pues si se ha podido realizar ha sido gracias a Netflix, quien adquirió el proyecto tras desembarcarse Paramount del mismo por verlo demasiado arriesgado (en especial tras “Silencio”, otra cima del director que recibió la absoluta espalda del público). El servicio streaming dio carta blanca a Scorsese, quien ha conseguido rodar su película más cara (debido al rejuvenecimiento digital que sufren los protagonistas) a la par que larga (3 horas y media).

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Joker, de Todd Phillips

El personaje del Joker se se dio a conocer en 1941, en el primer número de la serie Batman, cuando el Hombre Murciélago había adquirido tanta fama cómo para protagonizar su propia serie al margen de la cabecera “Detective Comics”. Su padres fueron Bill Finger, Bob Kane y Jerry Robinson (aunque siempre se ha cuestionado la autoría de éste último). Su génesis hay que encontrarla en el cine, cuando, al ver una carta de la baraja con el Joker, Finger declaró recordarle a Conrad Veidt en “El Hombre que Ríe”. Así nació el archienemigo de Batman, y, casi sin duda alguna, el villano más famoso del Noveno Arte. Al menos, para mi, siempre ha sido uno de los mejores villanos de ficción que existen.
A la hora de interpretarlo, el cine casi siempre ha acertado y se ha amoldado a las diferentes etapas del personaje. Si se hiciese un ranking está claro que el primer puesto lo ocuparía el desaparecido Heath Ledger con su brillante interpretación del personaje en “El Caballero Oscuro”, al que le seguiría muy de cerca Jack Nicholson con su fiel representación del personaje (si obviamos el origen que le crearon) en “Batman” de Tim Burton. Cesar Romero dio vida al Joker más cartoon y para toda la familia (con mostacho pintado de blanco) en la serie de los 60, y sobre el gangsta de Jared Leto mejor no detenerse mucho. A ellos hay que sumarle ahora al gran Joaquin Phoenix, quien desde ya rivaliza con Ledger como el actor que mejor ha interpretado al personaje en pantalla en una película que rinde tributo y explora la psique del príncipe payaso relatando su origen.

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El Resplandor (The Shining), de Stanley Kubrick

Casi se podría afirmar con total rotundidad que Stephen King es el autor más adaptado en el cine junto con Shakespeare, Sir Arthur Conan Doyle y Agatha Christie. El escritor de Maine es uno de los genios del terror, y desde que emergió con “Carrie” su nombre se convirtió en una fuente de la que absorber ideas para películas. Con la adaptación de su primera novela dirigida por Bran De Palma se inauguraba un sin fin de traslaciones de su obra (casi mas de dos tercios de su obra ha sido adaptada al cine y la televisión). La mayoría de ellas decepcionantes o fallidas, aunque también se pueden encontrar grandes aciertos como la citada de De Palma, o las dirigidas por Rob Reiner (“Cuenta Conmigo”; “Misery”) y Frank Darabont (“Cadena Perpetúa”; “La Milla Verde”; “La Niebla”). La segunda adaptación a la gran pantalla de una de sus obras la llevaría a cabo el legendario Stanley Kubrick, a quien le había facilitado el presidente de Warner “El Resplandor” como posible nuevo proyecto. Kubrick buscaba algo de género fantástico y de terror que contuviera sucesos paranormales, algo que encontró de sobra en la obra de King.

Jack Torrance se traslada al Hotel Overlook junto a su familia para ejercer de guardés mientras el recinto está clausurado en invierno. Al poco de llegar, Jack comenzará a desatar un genio irascible empujado por la locura, mientras su hijo, Danny, ve imágenes de terribles sucesos que acontecieron en el Hotel años atrás.

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El Show de Truman (The Truman Show), de Peter Weir

El 23 de Abril del 2000 se estrenó en televisión “Gran Hermano”, un programa de telerrealidad en que un grupo de personas habitaba una casa y eran grabados las 24 horas al día. El formato (que se estrenó en Holanda el año anterior bajo la promoción de significar un estudio psicológico sobre el comportamiento del ser humano) tuvo tal éxito que no sólo acabaría consolidándose como un programa imprescindible dentro de la parrilla de la actual Mediaset, sino que daría pie a otros pequeños hermanos con igual objetivo: perseguir con cámaras a individuos encerrados en espacios, ya sean cerrados (casa, hoteles) o abiertos (islas), no sólo para ver si conseguirían finalizar el programa superando las (ridículas) pruebas, sino también para dar que hablar introduciéndose, sin ninguna pizca de sutileza o respeto, en su vida privada. Nació así lo que hoy día ocupa el 90% de la programación televisiva, el reality show.
El nombre del programa tuvo su origen en la novela de George Orwell “1984”. Como en muchas ocasiones, la literatura se ha adelantado a logros a priori imposibles en la historia de la humanidad (ahí están las obras de Julio Verne), pero mediante la ciencia-ficción distópica se buscaba además advertir sobre el destino de la raza humana si se cruzaban algunos límites. El cine, hermano audiovisual de las letras, también ha lanzado advertencias y señales sobre lo que podría venir mediante obras imprescindibles que han adquirido con el tiempo la categoría de clásico instantáneo. “El Show de Truman” es una de ellas.

Truman vive plácidamente en la ciudad de Seahaven. Tiene un buen trabajo en una aseguradora y está felizmente casado, hasta que un día comienzan a suceder cosas extrañas a su alrededor que lo llevarán a plantearse su realidad, que no es otra que la de ser el protagonista del programa más visto de la historia de la televisión.
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Ladrón (Thief), de Michael Mann

Frank es un ladrón de diamantes que busca alcanzar una vida normal junto a la mujer que ama. Para lograrlo aceptará trabajar para la mafia.

“Ladrón” fue el debut en el largometraje para muchos de los que participaron en ella. De entre los miembros del reparto, ésta fue la primera película en que aparecieron James Belushi, William Petersen, Dennis Farina y, aunque resulte sorprendente, Robert Prosky. También, y por encima de todo, significó el debut en la gran pantalla de quien se convertiría en uno de los autores fundamentales de la década de los 90 y primeros de los 2000, Michael Mann.
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Jerry Maguire, de Cameron Crowe

El año 1996 significó todo un manjar de triunfos para Tom Cruise. No sólo arrasó en taquillas con su primera “Mission: Impossible”, también logró cautivar a crítica y público con un proyecto más pequeño a las órdenes de Cameron Crowe que giraba en torno a un representante de jugadores deportivos.

Jerry Maguire es un exitoso agente deportivo que, una noche, sufre una epifanía que le empuja a escribir una declaración de objetivos dónde se critique el funcionamiento de su trabajo y se abogue por dar un trato más personal a los clientes. Tras ello es despedido y deberá comenzar de nuevo con la ayuda de Dorothy Doyle, administrativa de la empresa que acaba de abandonar, y un problemático jugador de fútbol como único cliente.
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The Majestic, de Frank Darabont

Después de triunfar adaptando a Stephen King con “Cadena Perpetua” y “La Milla Verde”, Frank Darabont se embarcó en una película ambientada en los años 50, con la sombra del senador McCarthy y su caza de brujas en Holywood como telón de fondo. De nuevo, como en sus anteriores films, contaría con una estrella popular como era Jim Carrey y con una narración de marcado corte clásico. Sin embargo, la recepción distó de sus anteriores trabajos.

Pete Appleton trabaja como guionista en Hollywood hasta que es acusado de ser miembro del partido comunista. Una noche sufre un accidente de coche y acaba en un pueblo donde es confundido por el hijo desaparecido de uno de sus habitantes.
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Érase una Vez en…Hollywood (Once Upon a Time in…Hollywood), de Quentin Tarantino

Atrapados como estamos ante una montaña de series y películas, la opinión instantánea parece haberse adueñado de todo espectador. El concepto “comida rápida” con el que se catalogaban a los blockbusters parece ser hoy adjudicable a cualquier obra visual, al menos si se toma en cuenta la velocidad con que el público las digiere y crítica. Empiezo diciendo esto porque la novena (y si seguimos su palabra, penúltima) película de Tarantino no se merece un juicio instantáneo. Cuando termina lo más fácil que se puede decir de ella es “es demasiado larga para lo que cuenta” o “no sucede nada”. Me pongo las manos en la cabeza al escuchar/leer dichas opiniones. Las respeto, pero también me duele comprobar cómo apenas se toma un tiempo para digerir y pensar en lo que se ha visto. Yo lo tengo claro, el nuevo cuento del de Knoxville me ha gustado. Mucho.
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Troya (Troy), de Wolfgang Petersen

Gracias al éxito de “Gladiator” y de la Trilogía de “El Señor de los Anillos” el cine épico volvió a vivir una época dorada que recordaba la de los grandes estudios en la primera década de los 2000 (se podría decir que hasta el estreno de “300”, el último gran éxito épico de la década). Así, durante los primeros años del recién inaugurado siglo se volvió a poner el foco de atención en historias épicas ambientadas en la antigüedad. Entre ésta cosecha se encuentra la aproximación al célebre poema épico de Homero que la Warner realizó en 2004.

Año 3200 A.C. Agamenón comanda todos los ejércitos de Grecia. Aprovechándose del secuestro por parte del príncipe Paris, Principe de Troya, de Helena, esposa de se hermano Menéalo, Rey de Esparta, decide entrar en guerra con Troya y así gobernar todo el territorio del Egeo. Aquiles, gran héroe de los griegos, se dirige a la guerra para alcanzar la gloria eterna como héroe victorioso.
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