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Drama

El Padrino: Parte III (The Godfather: Part III), de Francis Ford Coppola

godfather_part_iii_ver1Siguiendo el dicho de que no hay dos sin tres la Paramount le pidió a Coppola un nuevo Padrino. Habían pasado quince años desde “El Padrino: Parte II” y el director no pudo rehusar la oferta debido a la crisis comercial por la que estaba pasando su carrera. De nuevo Coppola se reunió con Puzo para escribir el guión y crear una historia completamente original.
La línea argumental que se eligió sería la búsqueda del perdón por parte de Michael Corleone y la cesión de poder al hijo bastardo de Sonny. Como telón de fondo, además de Nueva York, se eligió Sicilia y hechos históricos que tuvieron como protagonista al Banco del Vaticano.
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El Padrino: Parte II (The Godfather: Part II), de Francis Ford Coppola

godfather_part_iiAntes incluso de que “El Padrino” se estrenara, y viendo la cantidad de tinta que estaba corriendo acerca del film, la Paramount planeo realizar una secuela en el acto. El enorme éxito de “El Padrino” y su triunfo en los Oscars aceleró la marcha de la producción. Francis Ford Coppola prefirió que contrataran a otro director para encargarse de la película recomendando a Martín Scorsese, pero la productora se negó a aceptarlo. A cambio de realizar la película Paramount ofrecía a Coppola todo lo que pidiese. Así pues, el director aprovechó su posición privilegiada y pidió que le dejaran tiempo para poder realizar una pequeña película en San Francisco así como una llamativa suma de dinero y derecho al montaje final sin intromisiones. Aceptados estos términos Coppola volvió a reunirse con Puzo para dejar preparado el guión.

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El Padrino (The Godfather), de Francis Ford Coppola

godfather_ver1Poco podía imaginar Mario Puzo que su novela conocida primeramente como “Mafia” y luego rebautizada como “El Padrino” se convertiría en una de las películas más populares de la Historia y que daría lugar a la Saga cinematográfica más grandiosa y elogiada.

Cuando en 1969 salió a la venta el libro de Puzo ya había varias productoras interesadas en hacerse con los derechos de la novela. Dos de ellas eran pequeñas productoras sin mayor envergadura, pero luego estaba la Paramount con Robert Evans como jefe de producción. En un principio la idea de realizar “El Padrino” no iba más allá de una modesta película de serie B con un puñado de actores y un presupuesto bajo que modificaría la novela cambiando la década de los 40 y 50 por la presente de los 70. Esta idea se debió al anterior fracaso de Paramount en el terreno del cine negro, “Mafia”, y no pensaban jugársela otra vez. Pero todo cambió. “El Padrino” acabó convirtiéndose en un fenómeno de ventas en las librerías y el anunció de que la película estaba en marcha hizo que todo el mundo pusiera sus ojos sobre cómo la iban a hacer y cuál sería el resultado.

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Magnolia, de Paul Thomas Anderson

1800023240pTras el éxito conseguido con su visión sobre el mundo del porno que realizó en “Boogie Nights”, Paul Thomas Anderson se embarcó en un proyecto más ambicioso. Una película de vidas cruzadas, heredera del film de Robert Altman, en donde los personajes son puestos al límite en 24 horas.

Un anciano enfermo terminal postrado a una cama, su joven esposa que ha aprendido a amarlo y teme perderlo, el enfermero que lo cuida e intenta cumplir su último deseo, un gurú del sexo machista y prepotente, un veterano presentador de televisión que tiene los días contados por culpa del Cáncer, su hija cocainómana, un pobre hombre exniño prodigio que se dañó la cabeza por el impacto de un rayo, un niño con una alta capacidad intelectual triunfador del programa “¿Cuánto saben los niños?”, un policía que busca hacer el bien por los demás. “Magnolia” es un mural de personajes que poseen una vida triste y buscan ser salvados, ser escuchados. Una historia gigantesca sobre almas en pena que impacta y enternece.

Las cosas suceden, ya sea por azar o por destino. Aparentemente entre todos los personajes que aparecen en la historia no hay nexo de unión, pero a medida que avanza la película nos damos cuenta de que todos tienen algo que ver, y no me refiero a que se conozcan o tengan algún parentesco sanguíneo, sino a su estado vital. Todos los personajes de “Magnolia” aparentan, muestran una armadura que no tienen nada que ver con lo que esconden debajo. Temen enfrentarse a ellos mismos, a las señales que el pasado les dejó. Son personas desamparadas que ansían aferrarse a una mano amiga a la cual declarar todo lo que sienten.

El film se estructura en tres partes, con un prologo y un epilogo. El prologo nos narra por medio de una voz en off tres historias diferentes que suceden de forma increíble y donde queremos creer que todo ello sucedió por culpa del azar, aunque en realidad no fuera así. A continuación se nos presentan los personajes del film de manera dinámica, enlazando magistralmente unos con otros. Esto es la primera parte de la película, la presentación. La segunda parte da comienzo con la sucesión de historias cruzadas que protagonizan los personajes y donde comprobamos el tipo de vida que llevan y su personalidad, así como la interacción y cómo van apareciendo los nexos de unión entre ellos. La tercera parte tiene lugar cuando los protagonistas van a enfrentarse a lo que más temen, a su destino. Los acontecimientos en este tramo suceden más lentamente para que los personajes puedan confesarse, precediendo la bíblica tormenta que está a punto de desatarse y que pondrá punto y final al inolvidable día que todos ellos han vivido. El epilogo pone punto y final a la historia de forma algo optimista al mostrarnos a varios personajes encontrar el perdón, tanto a través de otras personas como de sí mismos.

Si ya había encandilado a la mayoría del sector crítico y público con su crónica sobre el cine porno de los 70, con “Magnolia” consiguió maravillar y consolidarse como uno de los mejores directores de su generación. Y es que lo que consigue Paul Thomas Anderson con ésta película es algo sorprendente, narrar un drama con un pulso visual que no ofrece más descanso que cuando los personajes, que no la historia, lo requieren. Ya con el prólogo de historias breves consigue captar nuestra atención, la cual se queda mirando constantemente a la pantalla, observando cómo se nos presentan a los personajes del film. Qué virtuosismo, qué montaje, qué nervio, pocas veces se ha visto una presentación de personajes con la fuerza que aquí demuestra el director. A pesar de tratarse de un drama el director no duda en dejar claro que él es la estrella y que ha aprendido de los más grandes, con Altman y Scorsese a la cabeza. Ahí tenemos esos geniales travellings acompañando a los personajes por todo tipo de lugares y dotando a la narración de más fluidez. La manera de iluminar, los encuadres, el tempo, el ritmo que hace que sus 180 minutos no cansen, todo está perfectamente medido para que la experiencia resulte inolvidable.

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Podríamos citar tantas secuencias maravillosas que posee el film, pero me detendré en especial en tres momentos que me marcaron la primera vez que la vi y aún hoy día siguen impactándome. En primer lugar el momento en que el personaje de Julianne Moore, tras una larga sucesión de visitas, se presenta a una farmacia para adquirir los medicamentos para su marido moribundo, y para ella. La mujer está aguardando en la farmacia que le traigan los medicamentos, mirando de reojo a los dos farmacéuticos que la miran mientras comprueban las recetas. Cuando el joven boticario le trae los medicamentos y le advierte sobre su riesgo la mujer no aguanta más y explota recriminándoles todo lo que pueden pensar sobre ella para de paso desahogarse. Una escena altamente dramática que subraya la necesidad que tienen los protagonistas de deshacerse de todo lo que les está pudriendo por dentro. Otra secuencia que tiene mucho que ver con ésta es cuando el personaje de Tom Cruise se niega a responder a una pregunta que le ha hecho la periodista. El hombre está sentado con el ceño fruncido y la mirada impasible fija en la mujer, que le pregunta sobre qué está haciendo y él responde, una de mis frases favoritas, “La estoy juzgando en silencio”. Él es un personaje público sobre el que apenas se sabe más que sus declaraciones sexuales machistas, cuando se intenta escarbar más profundamente el gurú expone su coraza y descubre a lo que teme, a sí mismo, a su vida real. Al contrario que la mujer del marido moribundo, él se guarda para sí su furia hasta momentos después cuando se enfrente al pasado y visite a una persona que ha estado muerta para él. La última escena que citaré es la más célebre y la que siempre se menciona cuando se habla sobre el film, la lluvia de ranas. Además de su simbolismo bíblico, pues La Biblia se cita en varias ocasiones a lo largo del film, y a su importancia como colofón que se entromete en la vida de los protagonistas, la secuencia merece ser recordada por la forma en que está realizada. El momento en que aparece la primera rana en el parabrisas de un personaje es inesperado y sorprendente, pero la posterior lluvia irrefrenable de ranas nos sobrecoge gracias a la espectacular puesta en escena del director, que demuestra un excelente uso del sonido y el montaje. De toda la secuencia el momento que más me impactó, si se puede destacar solo uno, es cuando la ambulancia cae y se nos muestra lo que debe ser esa caída por dentro. Brutal.

Anderson firma además el excelente guión del film, plagado de frases tan memorable como la citada anteriormente. Los personajes están muy bien definidos y forman un gran abanico de personalidades que hace referencia a la cantidad de tipos de flor del título.
La selección musical es muy importante para la película. Ya no solo la partitura de Jon Brion, sino sobre todo las canciones de Aimee Mann, de las cuales es memorable el momento en que todos los personajes cantan “Wise Up”. La música encaja de maravilla con las imágenes, siendo omnipresente a lo largo de todo el film.

293_cruise_magnolia_110707Si ya la puesta en escena de Anderson es razón suficiente para ver el film el enriquecerla con un reparto en estado de gracia compuesto por actores de primera es la guinda. John C. Reilly es el agente Jim Kurring, un policía buenazo que busca hacer el bien por los demás sin tener que dañar a nadie y que ansía encontrar el amor desesperadamente. Melora Walters es Claudia, la joven cocainómana que apenas tiene esperanza en encontrar un buen hombre. William H. Macy es el exniño prodigio Donnie Smith, un pobre hombre que quiere hacerse una corrección dental para gustar al amor de su vida. Julianne Moore es Linda Partridge, la joven esposa del anciano moribundo Earl Partridge al que da vida Jason Robards. El enfermero de Partridge, Phil, está interpretado por el actor fetiche de Anderson, el gran Philip Seymour Hoffman. Tom Cruise se convierte en una fuerza de la naturaleza como el gurú del sexo Frank Mackey. Philip Bakes Hall es Jimmy Gator, el veterano presentador del programa “¿Cuánto saben los niños?” que padece Cáncer. Jeremy Blackman es Stanley, el nuevo niño prodigio del programa que presenta Gator y que protagonizará una de las escenas más tristes del film cuando nadie le haga caso sobre su necesidad de ir al servicio. Michael bowen es Rick, el padre de Stanley, en el cual solo ve la oportunidad de seguir ganando dinero, convirtiéndose en un ser despreciable. Mencionar además las apariciones de Luis Guzman, Felicity Huffman o Alfred Molina.

“Magnolia” obtuvo un gran éxito entre los críticos y en varios festivales, como el de Berlin, donde se alzó con el Oso de Oro.

Frenética, intensa, dramática, vital, genial. Una Obra de Arte.

Lo Mejor: La dirección. Los actores. El guión. El montaje. La música.

Lo Peor: Las comparaciones con otras películas de vidas cruzadas.

Antes que el diablo sepa que has muerto, de Sidney Lumet

before_the_devil_knows_youre_dead_ver2De la cantidad de dramas familiares que nos han llegado en los últimos años “Antes que el diablo sepa que has muerto” es uno de los más sólidos. Narrada con excelente oficio por Sydney Lumet y con un reparto en estado de gracia el film se ha convertido en una de las mejores películas de la década.

La historia gira en torno a Andy y Hank Hanson, dos hermanos que están pasando serias dificultades económicas. Andy posee un buen puesto en la empresa donde trabaja, pero sus errores en negocios y su adicción a la droga, unido a la infelicidad que está viviendo junto a su esposa, lo están arrastrando al fracaso. Hank, por su parte, es una persona más débil, que ha tenido mala suerte en la vida. Divorciado, debe pasarle a su exmujer la pensión alimenticia de su hija pequeña, a la cual promete cosas que no puede cumplir por estar sin blanca. Además mantiene una aventura con la esposa de su hermano, Gina. Andy seducirá a Hank con una propuesta, robar en la joyería familiar que regentan sus padres. Nada peligroso. Sin armas. Todo parece perfecto. Desgraciadamente las cosas no sucederán como se han planeado y desmenuzarán a la familia Hanson.

Nos encontramos ante una tragedia en todos sus sentidos que destroza la llamada unidad familiar. La codicia, la traición, la deshonra o el odio marcan a los protagonistas que actúan cegados por éstas pasiones. Hank y Andy han actuado impulsados por conseguir dinero de una forma fácil y sencilla. Charles, su padre, no perdonará a quién ha planeado el golpe a su joyería y ha destruido su vida. Ningún miembro de la familia parece tener salvación. Dicen que los seres humanos tenemos media hora para llegar al cielo antes que el diablo sepa que hemos muerto, sin embargo para los protagonistas del film parece que les va a ser imposible escapar de un infierno al que ellos mismo se han condenado.

Cuando parecía que Sydney Lumet no volvería a ofrecernos una buena película llegó a sus manos el guión idóneo para demostrar una vez más su buena mano para narrar historias. La primera secuencia ya nos pone sobre aviso del tipo de película que vamos a ver. Es una escena de sexo sin tapujos entra Hank y su mujer Gina que desemboca en una intima conversación entre ambos. Directa, sin contemplaciones ni florituras. Así es la película al completo, mostrando los hechos tal cual y de forma realista, consiguiendo un resultado impactante. El director coloca la cámara en el lugar idóneo para que sus actores carguen con todo el peso de la historia y la salven sobradamente.
Una de las señas de identidad del film es su montaje a base de continuos flashbacks que describan la situación de los personajes. Personalmente creo que éste recurso está muy bien para describir a los protagonistas antes de que se cometa el atraco y así ponernos en la respectiva situación de cada uno. Ahora bien, una vez ha sucedido el robo veo innecesario el seguir desarrollando la historia a través de flashbacks que se sigan centrando en cada personaje en lugar de utilizar un montaje en paralelo que entrelace a cada uno de ellos. Si hubieran hecho esto seguramente podría ser más sencillo diferenciar en la película dos partes, con el atraco marcando la mitad. Aún así el montaje que rige la película la ayuda a tener personalidad propia.

El guión escrito por Kelly Masterson es excelente y describe muy bien tanto los hechos como a los personajes. Ayuda a que la película adquiera más intensidad la utilización en momentos puntuales de la música compuesta por Carter Burwell.
El reparto se encuentra en estado de gracia, brillando todos los componentes. Philip Seymour Hoffman es Andy, el hermano mayor que se siente desplazado dentro del núcleo familiar debido a su condición de primogénito. Su codicia y necesidad de dar un cambio a su vida activa el plan de robar la joyería familiar. Seymour Hoffman vuelve a otorgarnos una impecable interpretación como miserable hermano e hijo. Ethan Hawke es Hank, el hermano menor. Más querido que Andy entre sus padre, Hank es una persona débil, fácil de manejar. Hawke está fantástico cómo el hermano asustado e inseguro. Albert Finney es Charles, el patriarca de los Hanson, un hombre que vive una vida normal junto a su esposa, regentando la joyería. El robo y sus consecuencias lo transformarán en un hombre que exigirá justicia. Finney pasa de ser una presencia invitada al principio para convertirse en un personaje con gran importancia y peso. Marisa Tomei vuelve a hacer gala de su explosiva belleza y de su talento interpretativo como Gina. Desgraciadamente su personaje realiza un camino a contrario al de Finney, comenzando con interés y terminando como florero. Rosemary Harris es Nanette, la madre de Nady y Hank y esposa de Charles. Será la primera víctima del atraco a su joyería y la desencadenante del desquebrajo familiar.

Fría, sin contemplaciones de ningún tipo y con un final demoledor, “Antes que el diablo sepa que has muerto” se convierte en una de las piezas mayores de Lumet, a la altura de “Doce hombres sin piedad” o “Tarde de Perros”. Un film impresionante.

Lo Mejor: La excelente labor de Lumet. Los Actores.

Lo Peor: La sobrecarga de narrar por medio de flashbacks.

Ali, de Michael Mann

aliEn 1964 Cassius Clay se proclama campeón del mundo de los pesos pesados al derrotar a Sonny Liston. Una década después, ya conocido como Muhammad Ali, vuelve a combatir por el título contra George Foreman en Zaire.

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La Última Noche, de Spike Lee

twenty_fifth_hourFiel a sí mismo y en homenaje a su amada, y dañada, Nueva York Spike Lee realizó en 2002 una de las películas más honestas y tristes de cuantas abundan en su currículum, donde relataba las últimas horas de libertad de un joven camello.

La historia gira en torno a Monty Brogan, antiguo camello del barrio en que vive que fue trincado por la policía y condenado a pasar siete años en prisión. La noche antes de presentarse en el presidio decide dejar todos los cabos atados cenando con su padre y pasando la noche junto a sus amigos de verdad y su novia.

La película trata sobre querer enmendar los errores a última hora, cuando ya es demasiado tarde y no puedes dar marcha atrás. Monty se siente roto por dentro y arrepentido de no haber frenado cuando tuvo ocasión alejándose del mundo del tráfico de drogas. En este último día de libertad le envolverán los recuerdos y las dudas con respecto a sus amigos, a la vez que el miedo por no saber qué será de su vida a partir del momento en que cruce la puerta de la cárcel.
Como dice Frank, amigo de la infancia, Monty tiene solo tres escapatorias. La vía fácil, coger un arma y volarse la cabeza. Huir y no volver nunca más, viviendo de por vida con cargo de conciencia. Aceptar el castigo e ir a la cárcel, mediante lo cual pagará todos sus errores. Ésta ultima opción se presenta cómo la más acertada y valiente si Monty la acepta, pero conlleva consigo ser un punto y a parte en su vida, pues cuando salga no todo seguirá igual y tendrá que empezar de cero, o un punto y final, si en ella muere a manos de otros presos.

Estamos en el Nueva York post 11S y el envoltorio del film es melancólico. Ya la historia que se nos relata es triste, pero esto se engrandece mediante la atmósfera grisácea que rodea el ambiente. Nueva York es un personaje más, los personajes son una representación de la ciudad, están dañados pero siguen adelante. Monty va a la cárcel con intención de aguantar siete largos años; Frank presume de ser un triunfador de Wall Street cuando se encuentra solo un su espectacular piso; Jake da clases de literatura en el instituto y siente un deseo por una joven alumna; Naturel, la novia de Monty, siente que su vida se va una vez él interne en prisión.
Además de los personajes protagonistas tenemos un elenco de secundarios que remarcan la pluralidad y el tema racial del film. Y es que no hay ningún protagonista puramente americano en toda la cinta. Tenemos irlandeses, puertorriqueños, rusos o musulmanes que demuestran que la ciudad está formada por inmigrantes que la hacen funcionar día a día.
Definitivamente el director realiza con este film su homenaje particular a la Nueva York herida del 11S. Ya en los título de crédito lo deja ver, con los focos que señalan el lugar donde antes se alzaban las torres gemelas, pero a medida que avanza la cinta podemos comprobar más. El padre de Monty regenta en un restaurante en que se honra a los bomberos que murieron. Remarcable es sobre todo la escolafriante conversación que mantienen Frank y Jake sobre el destino de Monty con el solar de lo que antes fue el World Trade Center de fondo.

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Siempre caracterizado por haber narrado sus películas a través de personajes negros, en esta ocasión nos encontramos toda una rareza dentro del cine de Spike Lee al estar protagonizada casi íntegramente (a excepción de Rosario Dawson dentro del elenco principal) por blancos, cuyo precedente directo es “Summer of Sam”. El director rueda con firmeza y fuerza el libreto que David Benioff escribió sobre su libro, con una puesta en escena atractiva volcada en los actores. La presentación de Monty tras los créditos me gusta mucho, tras la barandilla del río, entre rejas, dejándonos claro cuál es su destino. Es de citar la repetición que hace el director a la hora de montar los abrazos que se da Monty con todos los personajes con los que se cruza, queriendo mantener el momento y darle importancia, pues para el protagonista es importante sentirse arropado antes de marchar hacia su destino.
Hay dos secuencias que resumen la personalidad de Monty. La primera es la secuencia de apertura cuando salva a Doyle y lo mete en el coche. Monty nos es mostrado en el plano subjetivo del animal, en contrapicado. Para Monty el perro es un superviviente, alguien que ha recibido una paliza y que está apunto de morir pero que se niega a ello, por eso Monty lo acoge y lo cuida hasta el punto de darle una segunda oportunidad. Al igual que Doyle, Monty deberá demostrar si es merecedor de esa segunda oportunidad cuando salga de prisión. La segunda secuencia es el monologo que hace el protagonista frente al espejo y que el director nos describe mediante un primer plano de Edward Norton intercalado con las imágenes de personas y símbolos sobre los que el personaje está maldiciendo. Es una escena dura en que el odio de Monty sale a la luz, intentando convencerse de que no es culpa suya, que la culpa la tiene la sociedad y la gente que le rodea. Jodete, así empieza todo, un jodete dirigido a Monty, que acaba asimilándolo y que es incapaz de borrar tanto del espejo como de su interior.
El tramo final me parece brillante, pues se no muestra por medio de la voz en off del padre de Monty lo que podría ser su vida si éste huye a una región lejana. Es un tramo final agridulce, cuyo final se nos deja abierto. Sabemos qué va a pasar, adónde se dirige el protagonista, pero nos queda la esperanza de que Montgomery Brogan vuelva a reencontrarse con sus amigos y su novia.

La fotografía corrió a cargo de Rodrigo Prieto quien realiza un trabajo muy notorio jugando con la imagen e insertando un efecto semejante al de un reflejo en algunos tramos del film.
La música de Terence Blanchard posee el dramatismo necesario cómo para que las imágenes adquieran más fuerza y sentimiento.
El reparto está sobresaliente. Edward Norton se muestra enérgico a pesar de la tristeza y el dolor que envuelve a su personaje, a la vez que nos transmite toda la culpa que lleva dentro. Barry Pepper es pura energía desatada regalándonos un prodigio de actuación como Frank, el amigo que trabaja en Wal Street. Philip Seymour Hoffman es Jake, el profesor de instituto tímido que se siente atraído por una alumna y cuyas inseguridades salen a relucir nada más aparecer en pantall. Rosario Dawson es Naturel, la novia de Monty, una chica espectacularmente bella que sufre el destino de su novio. Brian Cox es James Brogan, padre de Monty, antiguo bombero retirado que regenta un restaurante. Anna Paquin se incorporó al rodaje por recomendación de Seymour Hoffman para dar vida a Mary, la lolita que trae de cabeza a Jake.

Triste y dura cómo todo buen relato sobre la redención “La última noche” es una historia que, sobre todo, rinde homenaje a una ciudad de la mejor manera posible, a través de su gente.

Lo Mejor: Su historia. La dirección. Los actores.

Lo Peor: No se me ocurre qué poner aquí.

La Edad de la Inocencia, de Martin Scorsese

age_of_innocenceLa novela de 1920 galardonada con el premio Pulitzer que escribiera Edith Warthon sobre la sociedad neoyorkina de finales del XIX, y que ya fue llevada a la pantalla en 1934, tenía todas las papeletas para haber sido dirigida por uno de esos expertos en la materia, como James Ivory por ejemplo. Y es que en ella encontramos un retrato de la clase alta a finales del XIX en que abundan las celebraciones y una triangulo amoroso en que el protagonista masculino se encuentra atrapado entre dos mujeres, su prometida, la dulce May, y la prima de esta, la Condesa Olenska, que ha vuelto de Italia tras separarse de su marido. Sin embargo el director que se encargó de la dirección y adaptación de la misma no fue otro que Martin Scorsese, el cual seguiría sorprendiendo tras su remake de “El Cabo del Miedo”.

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Las Amistades Peligrosas, de Stephen Frears (por Alejandro Colera)

Si conozco a alguien que le guste con infinita pasión el film que Stephen Frears realizo en 1988 sobre la novela de Choderlos de Laclos con guión de Christopher Hampton es a mi amigo Alejandro Colera, quien nos trae su comentario sobre dicha obra explicándonos su amor incondicional hacia ella. Si os gusta la película os gustará mucho más tras leer el comentario, y si aún no la habéis visto estoy seguro de que no tardaréis en verla.

dangerous_liaisonsLas Amistades Peligrosas

Ambientada en la Francia de finales del siglo XVIII, Las amistades peligrosas nos cuenta la historia de la Marquesa de Mertuil. Esta adinerada viuda, pide a su antiguo amante el Vizconde de Valmont, un conocido libertino, que seduzca a la prometida de su anterior amante antes del día de su boda. Mertuil ansia la venganza, ya que no puede soportar haber sido abandonada por alguien puro y desea que su examante descubra en su noche de bodas que su esposa no es virgen. A cambio, ella volverá a entregarse por última vez al Vizconde. Éste rechaza la oferta, por encontrar la conquista vergonzosamente fácil. Además, él se encuentra inmerso en la seducción de Madame de Tourvel, una mujer casada, cristiana y de intachable moral. Por este motivo deciden hacer una cruel apuesta: si el Vizconde logra una prueba escrita en la que quede patente que Tourvel se ha entregado, ambos tendrán su última noche de sexo. Sin embargo ninguno contaba con que Valmont cometería el mayor error de su vida, enamorarse.

La película es una adaptación del texto teatral que Christopher Hampton escribió basándose en la novela epistolar de Choderlos de Laclos. El maravilloso texto está inteligentemente adaptado al cine, incluso contiene más elementos de la novela que su versión teatral. Las cartas que forman el texto de Laclos se integran en la película de forma natural, siendo un personaje más y el desencadenante del trágico final.
Cuando en 1988 comenzó el proyecto de la película que haría desembarcar en Hollywood al director inglés Stephen Frears, Millos Forman comenzó el mismo proyecto. Un año antes del rodaje Las amistades peligrosas había sido un gran éxito en las tablas de Broadway, protagonizado por el británico Alan Rickman y la Royal Shakespeare Company. Ningún miembro del reparto logró participar en ninguna de las dos películas. Frears y Forman pelearon ferozmente por lograr los servicios del escritor Christopher Hampton, que había adaptado la novela a las tablas. Sorprendentemente, éste decidió quedarse con la producción más barata, ya que Frears quería realizar una versión más íntima de la historia, mientras que Forman estaba más interesado en una recreación histórica. Furioso por la negativa de Hampton, Forman intentó tentar a Michelle Pfeiffer para que abandonara la película de Frears, ofreciéndole el personaje de la Marquesa de Mertuil, que finalmente interpretó Annette Bening.

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Sorprendente resultó el reparto de la película. En la novela el Vizconde de Valmont y la Marquesa de Mertuil son descritos como unos jóvenes de unos veinte años con un gran atractivo físico. Por este motivo la elección de John Malkovich y Glenn Close resultó un tanto chocante. Close, más cercana a los cuarenta que a los veinte y poseedora de una belleza discutible, logró salir airosa realizando una composición del personaje difícilmente superable. Su rostro sufre sutiles transformaciones en cada palabra que pronuncia, para al final de la película, mostrarnos su verdadero rostro, acabado y marchito, mientras que se quita un maquillaje que ya no logra engañar a nadie. Increíble el momento en que declara la guerra a Valmont y sus ojos se encienden por la ira.
La elección de Malkovich para interpretar al corrupto y hedonista estatrega sexual Vizconde de Valmont, fue aún más impactante. Estrábico, alopécico y patizambo, parece no encajar en el perfil de lo que normalmente entendemos como un seductor. El actor fue muy criticado en su momento por la forma contemporánea en la que interpretó a su personaje. Sus modos resultan rudos y extravagantes en la película. Personalmente, me gusta como destacan sus maneras sobre el resto, ya que el Vizconde no oculta su naturaleza como hace la Marquesa. Él es distinto, y no teme mostrarlo. Su interpretación resulta original, y al igual que pasa con Glenn Close, logra que nos olvidemos de su físico para resultar sexy y descarado.
Para el papel de Madame de Tourvel, la productora exigió a Frears a que contratara a una actriz joven y guapa. Sugirieron a Michelle Pfeiffer. Frears se negó de primeras, pero al ver peligrar a Close y Malkovich, aceptó realizarle una prueba. Por lo visto no debió hacerlo tan mal como esperaba el inglés. Michelle Pfeiffer realiza un personaje en el que todas las escenas tienen una altísima carga dramática. Vemos en escena el momento justo en el que se rinde su moral, y, en un momento memorable, vemos en sus ojos como se rompe su corazón. La actriz sufrió dos crisis nerviosas durante los veinte días que duró el rodaje. Además, la Pfeiffer y Malkovich iniciaron un romance que acabó con los matrimonios de ambos y que Malkovich hizo público. No es de extrañar lo maravilloso de la interpretación de Michelle Peiffer ya que vivió al tiempo los mismos sentimientos por partida doble: amor, infidelidad y traición.
El resto del reparto está formado por Uma Thurman en uno de sus primeros papeles, como la corrompida Cecile de Volange, Keanu Reeves, tan pasivo como en el Dracula de Coppola en el papel del pobre caballero Danceny, enamorado de Cecile, y Swoosie Kurtz como Madame de Volanges, papel que volvió a repetir en la versión de instituto que se realizó sobre Las amistades peligrosas, bajo el título Crueles intenciones.

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Frears dirige una de las mejores películas de la historia del cine reciente. Nos dibuja a unos crueles personajes (Valmont y Mertuil), para los que el engaño y la traición es una forma de vida. El gran amor de los protagonistas sirve como telón de fondo para plantear una disección científica sobre los mecanismos de la seducción abocada al fracaso y a la infidelidad. La dirección de escenas es soberbia. Destacaría dos escenas por su belleza y saber hacer del director. La rendición de Madame de Tourvel, en la que envuelta en un torbellino de dudas y culpabilidad, le reconoce a Valmont su amor mientras dan vueltas por una estancia. La cámara sigue el rostro de la actriz, haciéndonos participe de lo que siente con el movimiento de la cámara. Son sus cimientos los que se estremecen al ritmo de la cámara hasta detenerse todo. En ese momento ella le da el sí a Valmont. La cámara se para. Ya no hay dudas.
La segunda secuencia que destacaría es la célebre “lo siento, no puedo evitarlo”, en la que el Vizconde decide abandonar a su amor verdadero por las exigencias de la Marquesa, impulsado por el miedo a hacer el ridículo. En esta escena se utiliza de forma estupenda el espejo que preside la habitación. El personaje de Michelle Pfeiffer ve entrar a su amado reflejado en el espejo. Esta será la última vez en que ella vea a su amor antes de que este le aseste un golpe mortal a su corazón. También a través del espejo, el Vizconde la abandona. No puede mirar el rostro que ama directamente. Sus miradas no volverán a cruzarse. Toda la secuencia está rodada en primeros planos que permiten apreciar las sutiles interpretaciones de ambos actores en estado de gracia.

La película fue nominada a ocho premios de la academia, incluyendo película, actriz principal y actriz secundaria, aunque no director, ya que se decidió nominar a Scorsese por su arriesgada La última tentación de Cristo. Sólo se llevo tres, siendo el más destacado guión adaptado para Christopher Hampton. Su carrera en los premios fue un tanto injusta. En los Bafta, en los que contaba con diez nominaciones, sólo logró ganar los apartados de guión adaptado y actriz secundaria. En los Golden Globes no consiguió ni una sola nominación.

Cruel, íntima y maravillosa, estamos ante una película cuyos contenidos tienen hoy día la misma vigencia que en su momento. Una película atemporal que hizo historia. Esperemos que el reencuentro entre Frears, Hampton y Pfeiffer en Cheri no decepcione. El listón tal vez esté demasiado alto.

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Curiosidades

Las amistades peligrosas de Stephen Frears es la segunda de las cinco versiones que se ha hecho de la novela, o al menos que yo conozca. La primera, titulada “Las amistades peligrosas”, fue dirigida por Roger Vadim en 1959, y tuvo como protagonista a Jeanne Moreou. Un mes después de la película que da título al post, Millos Forman estrenó “Valmont”, con Colin Firth, Annette Bening y Meg Tilly en los papeles principales. En 1999, “Crueles intenciones” llevó la novela a los institutos de finales de siglo. Dirigida por Roger Kumble y con Ryan Phillippe, Sarah Michelle Gellar y Reese Witherspoon como protagonistas, resulta una divertida versión si se logra visionar sin prejuicios. La última versión hasta la fecha tiene el título de “Las relaciones peligrosas”, dirigido por Josée Dayan, con Catherine Deneuve, Rupert Everett y Nastassja Kinski.
“Sin tetas no hay paraíso” está, por lo visto, también inspirada en la película de Frears, como bien se han encargado en decir sus protagonistas y director. No la he visto nunca la verdad, pero si he visto las fotos de sus protagonistas “inspiradas” en el cartel original de la película de Frears.

Lo mejor: Las interpretaciones, la ambientación, y sobre todo, el grandioso guión. Que sea la mejor de las versiones de la novela. Que en cada visionado descubras una nueva mirada, un nuevo quiebro en la voz de los personajes. El último plano de cada uno de los protagonistas: Valmont sangrando sobre la nieve, Tourvel muerta por agotamiento y Morteuil desmaquillándose frente al espejo.

Lo peor: Keanu Reeves. Es realmente soso, y el final le queda muy grande. Que escribir más en “lo mejor” sea excesivo.

Los Abrazos Rotos, de Pedro Almodóvar

los-abrazos-rotosTres años después de “Volver” Pedro Almodovar regresa con una historia que posee todo lo que siempre ha caracterizado su cine, como son la pasión, los celos y los secretos del pasado que torturan a los personajes. Con “Los Abrazos Rotos” el director manchego hace un homenaje al cine negro de los 50 y al drama italiano, a la vez que implanta su particular sello dejando claro que estamos viendo una de sus películas. Es esto último precisamente lo que hace que el film quedé descompensado y lo convierta en una obra imperfecta.

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