Pobres Criaturas (Poor Things), de Yorgos Lánthimos

El cineasta griego Yorgos Lánthimos parece buscar con sus obras una cierta incomodidad en el espectador, tejiendo relatos donde la moral y la ética se asomen al borde del precipicio en un Universo alternativo y surrealista. Desde la crianza obediente (y manipuladora) de los hijos hasta la obligación social de emparejarse, sus obras abarcan infinidad de temas que lanzan dardos a la sociedad a través de un tapiz surrealista. Quizás “La Favorita” sea su obra más accesible al enmarcarse dentro del cine de época, aunque sin sacrificar parte de su provocación a la hora de describir ese triángulo romántico y malsano que se desenvuelve entre la Reina y sus dos válidas. A raíz de esa cinta, los caminos del griego y la actriz Emma Stone se cruzaron y cohesionaron, sentando las bases de la que sería su siguiente obra, la adaptación de la novela de Alasdair Gray.

Babylon, de Damien Chazelle

Toda gran fiesta lleva consigo el conocimiento de que al acabar producirá una resaca capaz de dejar fuera de combate durante un día a quienes la hayan disfrutado. Supongo que todo el mundo ha vivido esa experiencia de llegar a casa con la luz del amanecer, echar las persianas y caer rendido sobre el colchón (o un sofá) sin ganas de escuchar una mosca mientras la cabeza sigue haciendo peligrosas eses que pueden empujar a visitar al váter (si es que se llega). Y es que después de todo subidón llega el bajonazo. Bajo esa máxima parece haber creado el director Damien Chazelle esta carta de amor envenenado hacia la Ciudad de las Estrellas.

No hay cosa que guste más a Hollywood que hablar sobre sí mismo y celebrarse como gran industria de sueños. Los que amamos el cine tenemos ese rincón de Los Ángeles como el Monte del Olimpo del Séptimo Arte, donde viven y se codean las deidades que veneramos. Como llegan a decir en “El Show de Truman”, aceptamos la realidad tal y como se nos presenta. Así, cuando nos acercamos al cine nos dejamos engullir por lo que aparece en la gran sabana blanca y creemos cuanto vemos. Pero todo es una ilusión. El cine nació como una atracción de feria. Una mentira. La mayor y más bella de todas para los espectadores, mientras que para los que las fabrican puede significar un infierno.
Ambientada a finales de los 20 y primeros de los 30, “Babylon” relata la transición que se vivió del cine mudo al sonoro. Corría el año 1927 cuando Hollywood vivió una de sus primera grandes revoluciones que provocaron un cambio de paradigma a la hora de hacer películas. Llegó el sonoro con “El Cantor del Jazz”. Y con ella se implantaron nuevos modelos de trabajo, que incluían a técnicos de sonido, aislamiento de sistemas de grabación y nueva adaptación interpretativa para los actores, que debían vocalizar y no resultar tan exagerados a como estaban acostumbrados a la hora de transmitir sentimientos en el formato mudo. Además de ello, en 1930, se creó la conocida Asociación de Productores Cinematográficos de Estados Unidos que tenía en William H. Hays a uno de sus mayores artífices, creando mediante ella un código moral que debían seguir todas las producciones de Hollywood si querían tener luz verde.

Licorice Pizza, de Paul Thomas Anderson

Alana Kane y Gary Valentine son dos jóvenes que buscan ganarse la vida mientras comparten aventuras en el Valle de San Fernando en 1973 a medida que se van enamorando.

Uno de los grandes objetivos del cine es el de provocar sensaciones en el espectador, de hecho las películas que más huella dejan en cada uno de nosotros son las que han conseguido removernos en algún que otro sentido (si, incluso para mal). Existen obras que más que narrar una historia, transmiten un constante estado de ánimo, como si de un viaje a través de una emoción se tratara. La última obra de Paul Thomas Anderson se mueve en ese terreno, logrando que su atmósfera lúdica e inocente prime por encima de la historia.

Bad Boys for Life, de Adil El Arbi & Bilall Fallah

Tuvieron que pasar 17 años para que el público volviese a encontrarse con los agentes de policía de Miami Mike Lowrey y Marcus Bernett. Desde el estreno de la segunda entrega siempre se barajó la posibilidad de realizar una tercera. Sin embargo, los compromisos profesionales de los involucrados, especialmente los concernientes a Will Smith y al director Michael Bay, hacían más difícil dar el pistoletazo de salida para comenzar la producción. A lo largo de los años los protagonistas, especialmente Martin Lawrence, declaraban estar trabajando en una nueva entrega, algo a lo que ayudaban las noticias por parte de la productora Sony anunciando la participación en el guion de Joe Carnahan. Incluso se llegó a decir que sería el encargado de dirigir la cinta tras la marcha de Bay en 2014. Múltiples retrasos presagiaban que el film quedaría guardado en un cajón hasta que en 2018 se dio la luz verde definitiva con los directores belgas Adil El Arbi y Bilall Fallah, cuyo trabajo fuera de su país apenas era conocido por el gran público y parecía ponerle a la cinta la etiqueta de segunda clase. El éxito no parecía asegurado, y las estimaciones en su estreno no fueron muy altas. Sin embargo, para sorpresa de todos, logró contentar a propios y extraños para acabar convirtiéndose (por razones inesperadas) en el mayor éxito económico de una producción estadounidense en 2020.

Thor: Love and Thunder, de Taika Waititi

Poco podíamos imaginar que de todos los Vengadores que se iniciaron bajo el amparo del conocido MCU fuese el Dios del Trueno presentado por Kenneth Branagh el que alcanzaría la cifra de cuatro películas individuales. Y es que el Hijo de Odin no consiguió el respaldo del público con la misma intensidad con la que sí lo hicieron el Capi o Iron Man, quedando relegado a superhéroe segundón junto con el otro musculoso del equipo, Hulk. No se equivocaron cuando decidieron juntar a los dos en la que fue la tercera entrega del personaje mitológico que adaptasen para el comic Jack Kirby, Stan Lee y Larry Lieber, “Thor: Ragnarok”. La cinta se acabaría convirtiendo en la más exitosa de las protagonizadas en “solitario” por el personaje, y es que la llegada del neozelandés Taika Waititi aportó un toque de comedia bufonesca y surrealista (en parte heredada del James Gunn de “Guardianes de la Galaxia”) que le sentó muy bien a Thor para humanizarlo aún más. Se pasaba así del típico héroe serio (e ingenuo) con ínfulas épicas a un simpático gigante bonachón con gran corazón que caló en el gran público. Su extensión de compañero cómico en la última entrega de Los Vengadores (con sus pintas al estilo Nota) no hicieron más que subrayar el acierto que tuvo Waititi, quien fue confirmado como director y guionista de la cuarta entrega del personaje, en la cual se traería de vuelta al personaje de Jane Foster interpretado por Natalie Portman.

Tras compartir aventuras con los Guardianes de la Galaxia, Thor regresa a la Tierra para hacer frente a Gorr, quien quiere eliminar a todos los Dioses. Para ello contará con Valkiria y la inesperada ayuda de una nueva Thor, su exnovia Jane Foster.

Atrapado en el Tiempo (Groundhog Day), de Harold Ramis

Hoy es el Día de la Marmota. Otra Vez.

La expresión “vivir en el día de la marmota” se ha hecho muy popular gracias a la película que dirigiese Harold Ramis en 1993. Tomando la historia original escrita por Danny Rubin, el que fuese uno de los Cazafantasmas realizó una cinta cargada de humor y optimismo que ha acabado convirtiéndose en un clásico.

La película sigue a Phil, el hombre del tiempo de una cadena de televisión que debe ir a cubrir de nuevo el Festival de Punxstawnwey, en donde celebran el Día de la Marmota. Según la tradición, si el animal, al salir de su madriguera tras invernar, ve su sombra, presagiará seis semanas más de invierno. Cuando terminan de cubrir la noticia y regresan a casa, Phil y sus compañeros son sorprendidos por una tormenta que los obliga a volver al pueblo a pasar la noche. A la mañana siguiente Phil despertará de nuevo en el Día de la Marmota.

El Escuadrón Suicida (The Suicide Squad), de James Gunn

La adaptación sobre “Escuadrón Suicida” realizada en 2016 alcanzó un notable éxito comercial que auguraba una presumible secuela a pesar de las malas opiniones sobre la misma. En un primer momento, el director David Ayer (quien a tenor del movimiento a favor del montaje Snyder ha intentado otro similar para dar a luz su verdadera visión del film) iba a sentarse de nuevo en la silla de dirección, pero se bajó a finales de 2016, barajándose nuevos nombres para realizar la secuela (entre ellos el de Mel Gibson). La sorpresa llegó en 2018, cuando a raíz de unos tuits que había escrito James Gunn, la Disney anunció la desvinculación con el director para las próximas entregas de “Guardianes de la Galaxia”. Sin perder un minuto, la Warner se puso en contacto con quien había creado dos de las cintas más exitosas de MARVEL basándose en unos comics más “secundarios” sobre un grupo variopinto para que hiciese lo propio con el escuadrón al que pertenece Harley Quinn. En medio del anuncio que celebraba por todo lo alto el que Gunn se iba a hacer cargo del proyecto de la casa rival, la Disney reculó anunciando que el director también se encargaría de seguir las aventuras de Star Lord y compañía. Y así, todos los fans comiqueros quedaron contentos.

Cruella, de Craig Gillespie

La Disney sigue apostando por renovar/reinterpretar sus clásicos animados acercándolos a una nueva generación. Después de la descafeinada versión en live-action de “Mulán” le toca el turno a una de las villanas más célebres de la filmografía Disney, nada más y nada menos que Cruella de Vil. En cualquier ranking de villanos célebres de la casa del ratón Mickey (y ya puestos, de la Historia del Cine) no es difícil encontrarse en primeros puestos con ésta amante enfermiza de las pieles y, por ende, enemigo número uno de toda asociación animalista que se precie. El personaje ya tuvo su versión en carne y hueso bajo el rostro de Glenn Close en la primera adaptación en carne y hueso de un clásico Disney como es “101 Dálmatas”. En dicha cinta se trasladaba de manera literal la versión animada (como años después se acostumbraría a hacer con otros clásicos), logrando un notorio éxito de taquilla que vería continuación en una absurda e irritante secuela. Ahora, se vuelve a abordar el personaje convirtiéndola en completa protagonista y narrando sus años mozos.

Estella es una joven que sobrevive mediante actos delictivos en el Londres de los 60 juntos a sus compinches Horacio y Gaspar. Sin embargo, la verdadera vocación de la joven es crear diseños de moda y ser tan grande como la diseñadora más famosa de Inglaterra, la Baronesa.

Noche y Día (Knight and Day), de James Mangold

June Havens es una joven que, a la hora de embarcar en el vuelo a Boston desde Wichita, tropezará con Roy Miller, un agente secreto acusado y perseguido por su agencia de haber robado una batería inagotable. Una vez sus caminos se crucen, se convertirán en inseparables.

No pocas películas merecen una segunda oportunidad. Aunque peque en repetirme, siempre defenderé que los revisionados son importantes. Ya sea por las expectativas, el estado en que nos encontremos o las condiciones en que las veamos, podemos digerir las películas (su forma y contenido) de manera insuficiente o equivocada, sin valorarlas con un juicio más medido y reposado.
Hace diez años llegaba a las pantallas “Noche y Día” (“Knight and Day” en su original, haciendo un juego de palabras con los elementos de la cinta, sustituyendo al inicialmente previsto “Wichita”), y se presentó como la nueva cinta de acción de Tom Cruise acompañado por Cameron Diaz en su vertiente cómica y desfasada, explotada desde “Algo pasa con Mary”. Cuando la vi, me pareció un disparate (la representación de Sevilla es de denuncia, pero luego me detengo en ello). Y ahí jugaron en contra las expectativas. O, más bien dicho, la idea preconcebida que me había hecho sobre ella. La vi pensando que sería una película de acción con toques de comedia. Estaba equivocado. “Noche y Día” es una parodia con escenas de acción que vuelve a apoyar su engranaje en una pareja carismática que recuerde a las del cine clásico. Y si hay una película que parece homenajear mediante su estilo, su pareja de estrellas y el planteamiento que presenta, esa es “Charada”, al tener como protagonista a una joven que se debate entre confiar en el hombre que acaba de conocer o en aquellos que la advierten del peligro que corre a su lado.

El Show de Truman (The Truman Show), de Peter Weir

El 23 de Abril del 2000 se estrenó en televisión “Gran Hermano”, un programa de telerrealidad en que un grupo de personas habitaba una casa y eran grabados las 24 horas al día. El formato (que se estrenó en Holanda el año anterior bajo la promoción de significar un estudio psicológico sobre el comportamiento del ser humano) tuvo tal éxito que no sólo acabaría consolidándose como un programa imprescindible dentro de la parrilla de la actual Mediaset, sino que daría pie a otros pequeños hermanos con igual objetivo: perseguir con cámaras a individuos encerrados en espacios, ya sean cerrados (casa, hoteles) o abiertos (islas), no sólo para ver si conseguirían finalizar el programa superando las (ridículas) pruebas, sino también para dar que hablar introduciéndose, sin ninguna pizca de sutileza o respeto, en su vida privada. Nació así lo que hoy día ocupa el 90% de la programación televisiva, el reality show.
El nombre del programa tuvo su origen en la novela de George Orwell “1984”. Como en muchas ocasiones, la literatura se ha adelantado a logros a priori imposibles en la historia de la humanidad (ahí están las obras de Julio Verne), pero mediante la ciencia-ficción distópica se buscaba además advertir sobre el destino de la raza humana si se cruzaban algunos límites. El cine, hermano audiovisual de las letras, también ha lanzado advertencias y señales sobre lo que podría venir mediante obras imprescindibles que han adquirido con el tiempo la categoría de clásico instantáneo. “El Show de Truman” es una de ellas.

Truman vive plácidamente en la ciudad de Seahaven. Tiene un buen trabajo en una aseguradora y está felizmente casado, hasta que un día comienzan a suceder cosas extrañas a su alrededor que lo llevarán a plantearse su realidad, que no es otra que la de ser el protagonista del programa más visto de la historia de la televisión.