Lo más habitual en el cine romántico estadounidense es la de relatar el primer enamoramiento, cuando se es joven y afloran esos sentimientos de atracción enfermiza e inocente hacia otra persona. Sin embargo, cuando se trata de tropezar con el amor a mediada edad, en que parece que la vida está encarrilada y lo que cualquiera elude es que vengan sobresaltos inesperados, me parece uno de los temas más interesantes que puedan tratarse a la hora de contar una historia, pues introduce el que se tambaleen todos los cimientos de la cómoda cotidianidad hasta entonces. Lógicamente, en este aspecto, el tema más tratado, imposible por circunstancias de eludir, es el de la infidelidad. El tener a dos personajes ya entrados en años, parece obligar que al menos uno de ellos esté emparejado, introduciendo una capa de complejidad e incomodidad, pues toca un tema siempre candente, que, en muchas ocasiones, suaviza tratando a los protagonistas como seres idílicos que han nacido para estar juntos. A lo largo de la Historia ha habido grandes películas que abordan el tema, como por ejemplo, y especialmente en mi opinión, “Breve Encuentro” del gran David Lean, “Asignatura Pendiente” de Garci o “Los Puente de Madison” de Clint Eastwood, que esconden un regusto amargo en su desenlace más (supuestamente) afín a la realidad, defendiendo esa presunta Love Story como un paréntesis en la vida de los protagonistas, una última chispa de ilusión que los hace revivir la juventud ya lejana.
En 1984 llegó a los cines una película modesta que anudaba la credibilidad de las obras citadas con esa idealización en su desenlace, el cual, bajo mi punto de vista, es su talón de aquiles, pues traiciona el espíritu liberal que quiere defender.
Enamorarse (Falling in Love), de Ulu Grosbard
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Jerry Fletcher es un taxista obsesionado con cualquier tipo de teoría conspiratoria. Sus sospechas se las comunica regularmente a Alice Sutton, ayudante del fiscal de la que está enamorado en secreto. La vida de ambos correrá peligro cuando una de las sospechas de Jerry resulte ser real.
Hubo un tiempo en que el Cine estuvo regido por el brillo de las grandes productoras. MGM, Warner Bros, RKO…. eran sellos bajo cuyo amparo se dieron vida películas que, en una gran cantidad de casos, han obtenido el certificado de clásico. Nombres como Irving Thalberg, Jack Warner o David O. Selznick pasarán a la historia como los grandes ojeadores que levantaron títulos emblemáticos y donde ellos marcaban el ritmo. El director ponía su profesionalidad encuadrando con la cámara y dando instrucciones a los interpretes, pero era el productor quien orquestaba todo lo que hacía falta para crear una película. Fue una época de gloria para Hollywood, la llamada edad de oro regida por el sistema de estudios. En dicha época nació “Lo que el Viento se Llevó”, una de sus más representativas obras.
Los viajes en el tiempo han llenado multitud de relatos de ciencia-ficción. Casi siempre que aparecen son usados para cambiar hechos del pasado que alteren las líneas temporales en las que viven los protagonistas. Aunque la mayoría de películas con viajes en el tiempo puede entroncarse en el género de la acción y la aventura (“Terminator” y “Regreso al Futuro” son obras capitales) también se han utilizado para realizar comedia (“Atrapado en el Tiempo”, otro clásico) o cintas románticas. En éste último caso se puede citar “The Time Traveller´s Wife”, con la cual comparte protagonista femenina la película presente que dirigiese Richard Curtis en 2013.
Que Paul Thomas Anderson estrene una película supone todo un acontecimiento para los amantes del cine. En poco más de veinte años su nombre reluce entre aquellos cineastas norteamericanos que se presentaron a finales de los 90. Sus propuestas en principio recordaban a genios como Scorsese o Robert Altman, ya fuese por su nerviosismo en la puesta en escena y el montaje o por el talento de cruzar diversas historias que converjan en un único relato. Bajo mi punto de vista la película que sirvió como punto de inflexión en su filmografía fue “There will be Blood”, donde aparcaba parte de la vertiginosa narración en pos de una puesta en escena más sosegada y clásica, a la vez que magnánima, que emulaba grandes títulos del cine dirigidos por John Huston o George Stevens. Desde entonces se ha volcado en seguir desarrollando historias de marcado toque psicológico (“The Master” es la mejor muestra de ello) sin sacrificar ni un ápice de su pulcro estilo tras la cámara.
Existieron varias opiniones que comparaban el trabajo de Michael Bay con el de James Cameron. Ambos son exponentes de un cine de acción ruidoso y espectacular orientado a las grandes masas, que respondían convirtiendo sus películas en números uno de taquilla. Michael Bay quiso ser James Cameron, y cuando vio que el director de “Terminator” y su secuela había logrado ser respetado por la industria ganando un montón de Oscars cuando se puso serio, él optó por realizar un movimiento similar. Sólo así se explica que dirigiese “Pearl Harbor”.
Hay una estampa que es habitual en nuestro día a día. Ya sea en un transporte público, en una cafetería, paseando por la calle, incluso en el trabajo. La imagen de alguien pegado a su smartphone (anteriormente conocido como teléfono móvil). La tecnología pareció llegar para hacer la vida más cómoda a los seres humanos, ayudándole en diferentes tareas, ya fuesen domésticas o laborales. Sin embargo, ese aliado tecnológico se ha convertido en algo ya indispensable en la vida diaria de nuestra raza, siendo el móvil el elemento básico para la mayoría de mortales a día de hoy. Hace mucho tiempo (no tanto, en realidad), tener un móvil te permitía (además de poder llamar) enviar y recibir mensajes de texto (SMS). Con el tiempo, el dispositivo fue adquiriendo más y más potencial a medida que menguaba de tamaño. Pronto, el famoso teléfono mini caracterizado por su teclado y su pantallita fue modificado por una pantalla de 4 pulgadas táctil. Dicho avance no ofrecía más que comodidad (y estatus) al usuario, pero abría la ventana a que todo estuviese al alcance de un toque o de una orden vocal, otorgando al aparato un poder superior. Hoy vivimos en esa realidad, y Spike Jonze partió de ella para crear una intima y romántica historia.
Max Vatan es un oficial al servicio del Imperio Británico durante la II Guerra Mundial al que le es encomendada una misión en Marruecos. Para llevarla a cabo hará equipo con la agente francesa Marian Beauséjour, de quien se enamorará y casará. De regreso al hogar, los superiores de Vatan le informan de la posibilidad de que su ya esposa sea una espía nazi.
No son pocas las ocasiones en que la Academia de Cine de Hollywood ha premiado películas que fuesen cuestionadas a pesar de que en el momento de su estreno obtuvieran buena recepción. Ejemplos hay muchos, siendo uno de ellos el de 1998, cuando teniendo el Desembarco de Normandia de manos de Spielberg, el regreso de Malick por todo lo alto con “La Delgada Línea Roja” o la visionaria “El Show de Truman” (ninguneada ésta última en los apartados de Película y Actor), se decidió premiar a la simpática “Shakespeare in Love”. Si, a veces los Oscars más que alzar al Olimpo del Cine títulos, los estigmatizan. Sin embargo, en el caso citado entiendo, e incluso justifico, el que la premiasen, pues dicha decisión tiene mucho que ver con los temas de la cinta.
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