Que Estados Unidos se forjó sobre la sangre de quienes habitaban sus tierras es algo ya conocido. Los clásicos relatos de indios y vaqueros que ayudaban a engrandecer la leyenda de la conquista del Oeste no eran sino un ensalzamiento a los colonos recién llegados que soñaban con hacerse con la riqueza de la tierra. Como bien dicen en “El Hombre que mató a Liberty Valance”, si debes elegir entre la leyenda y la verdad elige la leyenda. Pues con la Historia ha pasado lo mismo, se han idealizado civilizaciones y personas que no eran tan heroicos cómo los pintaban. Cito la obra del maestro John Ford porque fue uno de los directores de películas que más explotaron esa lucha entre blancos y pieles rojas, algunas de ellas con el tono propagandístico de la época en que se realizaron, aunque con obras en su haber que también criticaron el racismo predominante en dichas producciones (“El Sargento Negro”). En los 70, con la explosión del Nuevo Hollywood existieron voces que trataron de denunciar el expolio del pueblo nativo americano, como por ejemplo “Soldado Azul” de Ralph Nelson o “Pequeño Gran Hombre” de Arthur Penn, además del famoso episodio en los Oscar en que Marlon Brando mandó a una activista de los derechos del pueblo indio para recoger su premio y, de paso, denunciar el daño causado hacia el mismo. Ya con los años se ha ido haciendo un poco de autocrítica aplicando el tan consabido y actual revisionismo histórico, demostrando en este aspecto que los nativos americanos ni eran más sanguinarios ni más crueles que los invasores que buscaban arrebatarles sus tierras. En estas, el periodista David Grann, autor de “Z, la Ciudad Pérdida”, realizó una trabajo de investigación sobre los crímenes acontecidos sobre el pueblo Osage en Oklahoma a principios del S. XX. Tras sufrir dos expulsiones de sus tierras, la tribu se encontró en la árida y desértica Oklahoma sin más esperanza que la de intentar vivir en paz. Un golpe de suerte quiso convertirlos en la tribu más rica del país gracias al petroleo que encontraron y que los convirtió en la diana de aquellos que pensaban que habían sido bendecidos injustamente y no eran dignos de dicha fortuna. Comenzaron entonces una serie de asesinatos que buscaban robarles todo privilegio sobre las tierras y que pasaran a manos de los blancos que habían conseguido adentrarse dentro de las familias por medio del matrimonio. Todo esto es narrado por Grann mediante un estilo objetivo en que narra, además, la creación del FBI y cómo fueron desenmascarándose los artífices del sangriento complot.
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Los Asesinos de la Luna (Killers of the Flower Moon), de Martin Scorsese
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A mediados de los 90, todo el mundo esperaba con ansía el siguiente trabajo de Quentin Tarantino tras “Pulp Fiction”. El éxito logrado con ella catapultó su apellido y lo hizo destacar en todas las producciones donde participaba, ya fuese como productor (“Killing Zoe”; “Tú asesina, que nosotras limpiamos la sangre”) o como interprete (“Abierto hasta el Amanecer”). Su breve episodio en “Four Rooms” (“El Hombre de Hollywood”) era un pequeño regalo que dejaba con ganas de una película completa firmada bajo su nombre. Fue en 1997 cuando dicha cinta, su tercera, llegaría, logrando una recepción más tibia de los esperado.
Leonard es un hombre que busca sin descanso al asesino de su mujer. Además tiene un problema añadido, padece pérdida de memoria a corto plazo, lo cual le impide retener hechos recientes obligándole a recordarlos mediante polaroids y notas tatuadas en su cuerpo.
El apellido Tarantino despuntó en 1992 con “Reservoir Dogs”. Aquella película que relataba un atraco frustrado y encerraba a sus ejecutores en una especie de almacén abandonado llamó la atención de propios y extraños convirtiéndose casi al instante en un film de culto. Sin embargo, sería su segunda película la que lo auparía al olimpo cinematográfico y haría de su apellido un género en sí mismo.
Ya que muchos de los eventos cinematográficos (presumiblemente) prometedores del año giran en torno a revivals o secuelas que tienen en la nostalgia su mayor reclamo, era toda una celebración para cualquier amante del cine el anuncio de “El Irlandés”. Ya el hecho de tratarse de una película con la firma de Martin Scorsese era más que suficiente para convertirla en una cita ineludible, pero si a ello se le sumaba el reencuentro del director con su actor fetiche, Robert De Niro, la cosa adquiría un cariz más prometedor aún.
Frank es un ladrón de diamantes que busca alcanzar una vida normal junto a la mujer que ama. Para lograrlo aceptará trabajar para la mafia.
Ahora que las películas basadas en cómic se han adueñado de las carteleras y son las encargadas de barrer en taquilla es justo recordar el largo y duro camino que han tenido que soportar las adaptaciones cinematográficas del noveno arte. La primera gran película del género es la Obra Maestra “Superman” que Richard Donner realizase en 1979, sin embargo la película que impulsó por primera vez un ola en Hollywood de adaptaciones de cómic fue el “Batman” de Burton. Era 1989 y la creación de Bob Kane de manos del de Burbank llegó a las pantallas amasando millones de dólares. La respuesta de la industria fue la esperada, había que seguir explotando el filón. Pero no lo hicieron mediante los hoy revientataquillas personajes de MARVEL, sino con historietas más afines al estilo americano. Así llegaron la simpática y pulp “Rocketeer” y la policiaca “Dick Tracy”, ambas realizadas bajo el amparo de Disney y su sello Touchstone. Acababa de comenzar la década de los 90 y desde entonces las adaptaciones de cómic han inundado las pantallas al menos una vez al año, aunque aún faltase una década para que el género fuese consolidándose hasta ganarse el respeto que hoy posee.
Entre las muchas películas pendientes que abarcan mi lista se encontraba la que supondría la primera colaboración entre Scorsese y De Niro. Realizada a principios de los 70 (cuando Hollywood vivió una inyección de sabía nueva con la irrupción de directores como Coppola, Friedkin, Cimino, De Palma o Spielberg) sería la primera película verdaderamente característica del director italoamericano, quien ya había debutado en el largometraje con “Who´s Knocking my Door?” y “El Tren de Bertha”, ésta última bajo el amparo (como muchos otros directores de su generación) de Roger Corman.
“Blade Runner” es una de esas serendipias que se suceden de cuando en cuando fruto de un rodaje lleno de conflictos entre los miembros del equipo y un guion que se iba reescribiendo sobre la marcha. La película dirigida por Ridley Scott que adaptaba el relato de Phillip K. Dick “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?” se ganó con los años la etiqueta de película de culto tras un estreno en cines donde pasó sin pena ni gloria. Hoy hablar de ella es hablar de un hito, de una cinta que ha marcado a una generación e influenciado infinidad de obras visuales y temáticas más allá de la corriente cyberpunk.
Joe Coughlin, hijo de un oficial de policía de Boston, regresa de la Guerra y comienza una vida de delincuencia. Su historia de amor con Emma Gould lo llevará a enfrentarse contra el capo irlandés Albert White, de quien jura vengarse aliándose con Maso Pescatore, a quien ayuda con el contrabando de ron en Florida.
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