Adios 2008

Bueno, el 2008 se va, y nos deja un año de cine flojo en general. Pocas han sido las películas que han conseguido sorprendernos o encandilarnos. Bien que el año empezó con títulos de alta calidad como “No es País para Viejos”, “Pozos de Ambición”, “Expiación” o “Sweeney Todd”, pero como siempre sucede son películas con fecha de estreno originaria de 2007 que aquí nos llegan con retraso, como también es el caso de las estupendas “Antes que el diablo sepa que has muerto” o “El tren de las 3:10” que nos llegaron con cerca de un año de retraso. Lo mismo sucede con muchas películas que en USA se han estrenado ya y aquí veremos a primeros de 2009 como “El Curioso caso de Benjamin Button”, “Slumdog Millonaire”, “Revolutionary Road”, “Gran Torino“, “Valkyrie“ o “Milk”. El cine español no es que tuviera una gran repercusión mediática, ni títulos con gran fuerza, salvo “Los Girasoles Ciegos”, para mi sobrevalorada, o “Camino”.
Siento dejar títulos que han dado que hablar en este año como “Appaloosa“, “Gomorra” o “La Ola”, pero aún no he tenido la oportunidad de verlos para juzgar.
Así que haciendo un ligero, y personal, repaso de lo que ha sido 2008 tenemos:

Fracasos

Los Wachowski no convencieron a casi nadie con su visión de “Speed Racer”. Vale que el film era visualmente una pasada en sus carreras y en su dirección artística, pero el exceso de imágenes psicodélicas durante toda la película, así como la irritante presencia del mono, nos hacía sentir al salir del cine como si nos hubiéramos tomado un alucinógeno.

“Star Wars: Clone Wars”. Soy fan declarado de la Saga Galáctica, bien lo sabe George Lucas a quien le sigo dando dinero comprándome figuritas, pero que no me venda este episodio televisivo alargado como una película. Para empezar no está ni siquiera distribuido por Fox lo que le quita continuidad con la serie, y lo peor es que empecé a verla y no aguanté más de quince minutos. Que eso pase con algo que apasiona es horrible.

Aunque no he visto ninguna de las dos podemos hablar ya de los respectivos fracasos obtenidos por “The Spirit” y “Australia”. La primera es el acercamiento de Frank Miller a la obra de Will Eisner. Ya el aportar su estilo visual de “Sin City” parecía un error pero es que todo aquel que la ha visto ha salido horrorizado y en taquilla se ha desplomado de lleno.

La segunda es el drama épico de Baz Luhrmann. Reconozco que tengo muchas ganas de verla, y será de las primeras que comente a primeros de año, pero que de un presupuesto estratosférico lleve recaudado en un mes menos de la cuarta parte no es buena señal, y si ya las críticas no favorecen apaga y vámonos. La FOX se debe estar tirando de los pelos, pues no solo la de Lurmann le ha salido rana, sino las tan promocionadas “Max Payne” y “Ultimátum a la Tierra” se han hundido a nivel crítico y taquillero.

Decepciones

En especial dos. Primero la vuelta del Dr. Jones a las pantallas. “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal” quedó muy por debajo de las expectativas por culpa de un guión poco elaborado. Spielberg hizo lo que pudo ayudado por el carisma de Ford. Sin ser un desastre como muchos dicen si supuso una dolorosa decepción.

En segundo lugar “Asesinato Justo”. A mí sí que me asesinó esta película. Ya lo dije cuando hice el comentario, pero es que salí con muy mal cuerpo. De Niro y Pacino juntos, la sombra de “Heat” es alargada y preveía algo decente. Pero nada, ni el director ni el guionista estuvieron muy por la labor decantándose por hacer un telefilm de la escuela de CSI.

Entre otras decepciones tenemos “Los Crimenes de Oxford”, el acercamiento de Alex de la Iglesia al cine de misterio con un resultado regular. “Hancock”, revisión del superhéroe que le ha reportado otro éxito taquillero a Will Smith aunque el resultado del fim fuera un quiero y no puedo. Y la tan promocionada “VickyCristinaBarcelona” de Woody Allen, que sí, que Penélope Cruz está muy bien pero el resultado general está muy lejos de lo que de verdad puede hacer el genio neoyorquino. “Red de Mentiras” prometía algo más que un pseudoremake de “Spy Game” por parte de Ridley Scott con dos actores de peso como DiCpario y Crowe. “Hellboy II” apenas obtiene beneficios a pesar de ser otra muestra del talento de Del Toro y “La Momia: La Tumba del Emperador Dragón” podrían habersela ahorrado directamente.

Sorpresas

“The Fall” de Tarsem, toda una maravilla visual. Se presentó el pasado año en Sitges triunfando, y se estrenó a finales de este año cuando parecía que no iba a ver la luz por nuestro país y resultó ser toda una sorpresa que emociona gracias a la pequeña protagonista, Catinca Untaru. Un cuento sobre la redención que homenajea al cine mudo con una puesta en escena de ensueño.

“Escondidos en Brujas” fue otra agradable sorpresa que nos mostraba a dos asesinos que vivían en la ciudad Belga que da título al film su particular purgatorio. Ahora nadie puede decir que no le suena Brujas. Aunque el final está un poco pasado de rosca y tenga a Colin Farrell como protagonista no es impedimento para tenerla en cuenta como una de las películas más interesantes que hemos visto este año.

Frank Darabont volvió a adaptar a Stephen King con “La Niebla” en un ejercicio cinematográfico de primera en donde el aroma a serie B de los 50 se palpa para una historia en que el terror no provenía precisamente del exterior del supermercado.

Éxitos

Está claro cuál es el éxito del año. Batman regresó de la mano de Christopher Nolan para enfrentarse a su villano más emblemático, Joker. La película ya empezaba a dar que hablar desde que se dio el primer claquetazo pero la desgraciada desaparición de Ledger a primeros de año no hacía más que aumentar su publicidad. El resultado encandiló a crítica y público que se daban de la mano alabando esta personal visión del comic. Un film serio que bebía de la mejor serie negra con un elenco soberbio y tres interpretaciones magníficas (Ledger, Eckhart, Oldman). “The Dark Knight” arrasó siendo además una película de alta calidad.

Y otra adaptación de comic, “Iron Man”, sorprendió convirtiéndose en un enorme éxito inesperado. La razón no es que fuera fiel a su original de papel, sino a su frescura y a un Robert Downey Jr. que transmitía carisma por los cuatro costados como Tony Stark.

Downey Jr. participó también en otro éxito fílmico dando vida a un actor metodológico que se transforma en afroamericano. “Tropic Thunder” fue la sátira de Ben Stiller sobre el mundo del cine, en donde brillaba, además de Downey Jr., un irreconocible Tom Cruise que desata su vena gamberra.

Los Coen empezaron el año ganando Oscars y lo finalizaron ganándose al público con su alocada comedia que se reía del cine de espías “Quemar después de leer” donde convertían a Clooney y Pitt en idiotas sin remedio.

A pesar de estar por debajo de “Casino Royale” no podemos negar que “Quantum of Solace” ha barrido en las taquillas y medio convencido a los críticos. Daniel Craig se consolida definitivamente como James Bond en un film que prometía más al tener a Forster tras la cámara. Aún así el resultado sigue siendo muy aceptable y es la segunda película más taquillera del agente a día de hoy.

Entre otro éxitos tenemos la apuesta animada de Dreamworks, “Kung-Fu Panda” que se metió al público en el bolsillo y recibió unas críticas decentes (aunque a mí me aburrió casi toda), lo mismo que “Mamma Mia!”, o cómo ver juntos a Meryl Streep, Pierce Brosnan, Colin Firth y Stellan Skarsgard cantando y bailando aunque sin importarles hacer el ridículo.

La Película del Año

No tiene rival. En todas las listas que se hacen aparece. La historia de un pequeño robot que lleva 700 años limpiando el planeta tierra y cuyo sueño es encontrar alguien con quien compartir el amor. PIXAR no solo demostró que no tiene rival en el campo de la animación sino que creó una historia donde el romanticismo más clásico y la comedia con la mirada puesta en Keaton y Chaplin ganaba nuestros corazones, y eso en una historia protagonizada por robots donde durante 30 minutos no se dice una palabra son palabras mayores. “WALL•E” es la Mejor Película del Año.

Hasta la vista 2008.

Cars, de John Lasseter

“Cars” supone el regreso de Lasseter a la dirección después de años supervisando los distintos proyectos de su productora. El film narra cómo un coche de carreras luchará por conseguir alzarse con la Copa Pistón coronándose así campeón del Mundo. Sin embargo el film no trata de carreras de coches, como pudiera parecer.

El origen del proyecto se encuentra en unas vacaciones que pasaron Lasseter con su familia a través de la Ruta 66. El director observó como han sido olvidados esos pequeños pueblos que componen la travesía y que antaño representarón lugares imprescindibles para los viajeros. Así pues, a su regreso a casa, Lasseter se puso a escribir el guión de una historia que estaría protagonizada por coches.
El protagonista es Rayo McQueen, un volido que debuta en las carreras con muy bien pie y que aspira a ser el triunfador. De carácter egocentrico McQueen pondra camino a California para correr la final con un solo pensamiento: ganar y firmar por Dinoco, el mayor patrocinador. En el trayecto el corredor quedará abandonado accidentalmente y se perderá llegando a Radiator Springs, un pueblo de la Ruta 66. En él McQueen se descubrirá a si mismo y valorara cosas tan importantes como la amistad, el compañerismo y el respeto a los mayores.

En “Cars” tenemos dos temas. El primero lo tenemos en el concepto base, las carreras automovilísticas, y en su protagonista. Rayo se nos presenta como el prototipo de ambicioso y joven promesa que no necesita a nadie que le dirija. Sin embargo el coche carece de amistades. Está solo, sus triunfos los comparte tan solo con sus patrocinadores y agente, cosa que no hace más que incrementar su ansia de triunfar y fichar por una escudería más fuerte. Pero ese no es el camino. El coche debe aprender a valorar lo que tiene. Posee talento para correr y coches que le apoyan incondicionalmente, solo necesita saber confiar en otros y aprender a ser más humilde. Con lo cual tenemos el tema del descubirmiento personal que nos fija nuestro lugar en el mundo.
El segundo tema, y más importante, es el recordar de donde venimos. Esto no solo aparece mediante la Ruta 66, antaño transitada diariamente por cientos de vehículos, sino por el personaje de Doc Hudson, el mayor del pueblo. Ya cuando ve a McQueen el viejo coche recomienda que se le permita marchar, y no por capricho, sino porque en él ve su pasado. Antaño Hudson era el mayor corredor de carreras ganando tres Copas Pistón seguidas. Sin embargo un accidente le impidió volver al mundo de las carreras, encontrándose con el rechazo de los patrocinadores que lo enviaron al olvido. Al igual que McQeen aprenderá a respetar al pasado, Hudson plantará cara a su tragedia reapareciendo por la puerta grande.

“Cars” es una película que funciona gracias a su trama nostálgica representada en la Ruta 66 y en Hudson, pero poco más. El resto, la historia de McQueen y su superación personal, es tópica, y su naturaleza de comedia ligera le impiden estar a la altura de los trabajo previos de PIXAR.
John Lasseter parece decantarse de nuevo por una pelicula destinada sobre todo al público infantil, solo así entendemos la personalidad de la mayoría de personajes. No solo el protagonista está diseñado para encandilar a los más peques, aunque en mi caso acabé teniéndole manía con tanta chulería, sino también el entrañable Mate, los gemelos italianos Luigi y Ramone que sueñan con trabajar para un Ferrari o el villano Chick son prototípicos del cine juvenil. Además la pelicula tiene ese tono moderno en que los personajes van tatuados y tuneados para molar más.

Técnicamente PIXAR vuelve a encandilar. El diseño de los coches protagonistas se humanizan únicamente con ojos y boca. La carrocería de cada uno está muy diseñada y estudiada para que cada cual sea diferente consiguiendo una rica comunidad en Radiator Springs en donde aparecen un sheriff malhumorado, un hippie que rivaliza con un ex soldado o un tímido bombero. Las escenas de carreras son geniales y ofrecen emoción, pero ya en ellas se ve esos aspecto juvenil al utilizar la cámara lenta cuando McQeen salta y saca la lengua. Aún así ofrecen lo que prometían, ritmo dentro de una riqueza visual intachable con ese climax final plagado de buenas intenciones con la redención del protagonista como colofón. Como guiño podemos observar que los neumáticos que luce McQueen tienen la marca Lightyear (en lugar de Goodyear).
El sonido está maravillosamente cuidado para cada vehículo, y la Banda Sonora de Randy Newman resulta esta vez más emocionante. Parece que Lasseter no puede crear una historia sin alguna canción. Como pasara en “Toy Story 2” se introduce un bonito tema musical en que se nos describe la desaparición de la Ruta 66 de los mapas. Además de esto, y para remarcar más su naturaleza de comedia veraniega, se utilizan temas musicales conocidos que acompañen a la acción.
Entre el reparto vocal tenemos a Owen Wilson como McQueen, el desaparecido Paul Newman como Hudson, el personaje mejor fabricado , Michael Keaton es Chick Hicks, volido rival de McQueen por conseguir la Copa, Bonnie Hunt es Sally, la abogada de Radiator Springs que enamora a McQueen gracias a su carrocería marcada con tatuaje.

“Cars” representa un cambio de fecha de estreno para PIXAR. Siempre acostumbrados a estrenar en invierno con vistas a las Navidades, la compañía de Lasseter se decanta esta vez por probar suerte en Verano, cosa que no estuvo nada mal en cuanto a taquilla se refiere, aunque tuvo una recaudación menor de sus predecesoras. Obtuvo Nominación como Mejor Película de Animación que no ganó a favor de “Happy Feet”.
Personalmente la veo un paso atrás de lo que PIXAR habia conseguido, decantandose por un film más infantil que de costumbre, aunque su acabado técnico y su mensaje nostalgico hablen a su favor.

Lo Mejor: El toque Nostálgico. Las carreras.

Lo Peor: Está demasiado orientada para el público infantil.

Los Increíbles, de Brad Bird

Cuando el cine de superhéroes está más vigente que nunca la PIXAR decidió unirse a la moda aportando su grano de arena. John Lasseter conocía a Bird de hace tiempo y lo convenció para que se uniera a la compañía. El prestigioso director, autor de la aclamada “El gigante de hierro”, aceptó encantado y llevo a cabo su proyecto personal sobre una familia de superhéroes.

Bob Parr trabaja en una aseguradora de forma rutinaria y aburrida. Echa de menos los viejos tiempos en que era Mr. Increíble y salvaba al mundo de fechorías junto con sus compañeros Supers. Desgraciadamente distintas denuncias por parte de los ciudadanos, que acusaban a los héroes de accidentes contra el orden público, hicieron que se retirara a todo superhéroe obligándolos a llevar una vida normal. Pronto Parr recibirá una llamada que le solicita para recuperar su antiguo oficio. Poco imagina el héroe que esa llamada cambiará su vida, y la de su familia.

Tenemos en la película ese aroma nostálgico que recuerda los viejos tiempos y a sus héroes. Al principio, en esa maravillosa apertura a base de entrevistas, Mr. Increíble afirma que le gustaría un mundo sin criminales en el que vivir tranquilamente sin necesidad de que lo reclamen constantemente para salvar el mundo. Ironías de la vida, 15 años después se verá en paro heroico deseando que llegue algún peligro para hacer hazañas y ser reconocido como antes. Parr busca ansiosamente algún crimen al que poner resolución, obsesionándose en extremo con su vida anterior y olvidando lo más valioso que tiene en su vida, a su familia, lo cual nos lleva al tema principal del film.
Y es que lo que de verdad mueve a “Los Increíbles” es la unión familiar. Dicen que familia unida jamás será vencida, y eso sucede cuando los miembro familiares están en armonía y han limado sus diferencias, cosa que los Parr no han conseguido viviendo actualmente una crisis familiar. Cada miembro de la familia tiene su propio drama personal, el cual deben vencer para encontrar su lugar dentro del grupo, que curiosamente se encuentra en concordancia con el poder que tiene. Bob es Mr. Increible, el hombre más fuerte del mundo capaz de hacer cosas sobrehumanas. Su misión en el núcleo familiar es sostener a la familia, dar estabilidad, cosa de la que se dará cuenta cuando esté a punto de perderla. Helen es Elastigirl, la heroína que rivalizó en la Edad de Oro de los superhéroes con Mr. Increíble, el hombre que la enamoró y consiguió llevarla al altar. Su increíble elasticidad rima con su instinto maternal, que le hace estar disponible para cada uno de sus hijos y pendiente de su marido. Violet es una chica excesivamente tímida a la que le gusta pasar inadvertida, rasgo muy propio de ella puesto que su poder es la invisibilidad. La joven está en esa edad adolescente en que no sabe por donde encauzar su vida, sin encontrar apenas apoyo familiar hasta que el peligro aceche y encuentre su yo interior a base de confianza y campos de fuerza. Dash es el jovencito rubio competitivo que quiere ir demasiado rápido en la vida, tan rápido que cuando se pone a correr es inalcanzable. Impulsivo y juvenil dará quebraderos de cabeza a su madre mientras es apoyado por su padre. El pequeño Jack-Jack es el bebé de la familia, un pequeñín del que no se sabe cual será su función en la vida, aunque al final de alguna pista mediante un poco de mala leche.

Increíble. La película posee en su título el adjetivo que mejor la define. En contra de lo que pudiera parecer visto su divertido teaser trailer, “Los Increíbles” no es una parodia del cine de superhéroes que nos narra la decadencia de un héroe cincuentón, como tampoco llega a tocar el drama sobre el núcleo familiar. “Los Increíbles” es una película de superhéroes 100% en que se dan de la mano comedia, acción y aventura de manera excepcional.

Que Brad Bird siempre tuviera el apoyo incondicional de Lasseter y todo el talento de PIXAR a su servicio para llevar a buen puerto la película dice mucho sobre el talento del cineasta. Bird realizó una película fresca, emocionante, puro cine de aventuras con una mirada nostálgica al cine sesentero de espías, con James Bond y los seriales televisivos en el punto de mira. El film posee ese toque retro en cada uno de sus escenarios y personajes consiguiendo una maravillosa experiencia visual que nos rememora a tiempos pasados, cosa que tiene mucho que ver con la temática del film.

Técnicamente nos encontramos con otro paso adelante para la PIXAR. Es la primera cinta protagonizada completamente por seres humanos y en contra de conseguir hacerlos lo más realistas posibles se decantan por esbozarlos como cartoons humanos, con lo que no se pierde ese espíritu animado clásico. A los cinco miembros de la familia hay que añadir una rica galería de secundarios que enriquecen la propuesta. Frozono es un buen amigo de la familia. Su capacidad es crear hielo, y está ligado a su personalidad, puesto que siempre está de buen rollo y mostrando calma. Síndrome es el villano de la cinta, un malvado rencoroso de los superhéroes, gremio al cual siempre ha querido pertenecer pero su falta de talento, a la par que de superpoderes, se lo impide. Mirage es la secretaria de Síndrome, una chica sensual que seduce a Mr. Increíbles para que vuelva a la acción. Gilbert Huph es el jefe de Bob en la aseguradora, un pequeño ser que se cree por encima de todos tratándolos como fieles corderitos. Bomb Voyage es un villano amante de la dinamita. Rick Dykes trabaja para la Agencia de Seguridad y se encarga de reubicar a todos los exsuperhéroes. Edna Moda es la modista más afamada del mundo. Sus días de gloria fueron cuando vestía a los más grandes personajes del panorama actual, los Supers. Ahora, con los Parr, verá una posibilidad para superarse a si misma y dar rienda suelta a su excéntrico talento. De todos los secundarios, este último es el más celebrado.
Como buena película de acción y aventuras el film debe poseer buenas secuencias que estén a la altura de las circunstancias, y lo consigue con creces. El principio es colosal al mostrarnos los días de gloria de Mr. Increíble, el cual consigue salvar a un gato, arrestar a un maleante, salvar a un suicida y detener un tren antes de la hora de su boda. A continuación observamos la rutinaria vida de los Parr, pero sin que decaiga el ritmo. La familia da mucho juego y nos deja boquiabiertos con esa batalla familiar alrededor de la mesa. A mitad de la cinta observamos un pequeño bajón de ritmo, pero es obligatorio puesto que nos está presentando la amenaza que pondrá en juego a nuestros protagonistas. Si bien este tramo puede resultar algo lento tiene perfecta explicación una vez llegue el tramo final, que componen los últimos 35 minutos, cuando los Parr lleguen a la isla misteriosa darán rienda suelta a sus respectivos poderes deleitándonos con un tour de force virtuoso en que la acción más dinámica y emocionante del mundo hará aparición. Dash corriendo como loco en plena persecución, Violet invisible golpeando a los esbirros de Síndrome y controlando sus campos de fuerza, Elastigirl estirándose como nunca y Mr. Increíble soltando toda su rabia. Pura delicatessen fílmica que nos hace disfrutar como niños.

El guión del film es fabuloso y está orientado en especial para los adultos. Es difícil que un niño capte toda la esencia del film, aunque se lo pase en grande con algunos tramos. Bird compone un guión propio de film de espías mezclado con un poco de comedia familiar y mucho, mucho espíritu superheroico. “Los Increíbles” es el prototipo de lo que una película de superhéroes debería ser, directa al grano, sin describir como se consiguen poderes ni diálogos profundos. Nada de eso, aquí se entra de lleno en un mundo donde los Supers son elogiados y admirados como Dioses, puesto que sus habilidades así lo requieren.
Para dar más ritmo y entidad al film Bird contó con el compositor Michael Giacchino, quien compuso un vibrante tema principal dentro de una partitura con dosis a lo John Barry. Una exquisitez auditiva.
Entre los actores que participaron para prestar voz, y alguno de sus rasgos, tenemos a Craig T. Nelson como Bob Parr/Mr. Increbible, Holly Hunter como Helen/Elastigril, Samuel L. Jackson como Lucius Best/Frozono o Jasón Lee como el villano Síndrome. El director Brad Bird se guardó a Edna Moda, realizada bajo los cánones de Linda Hunt, como personaje a doblar.
El film fue un éxito indiscutible en todos los aspectos. No solo fue innovadora al estar protagonizada íntegramente por personajes humanos, sino que se volvió a elegir el formato panorámico que desde “Bichos” no utilizaban, y aquí la ocasión lo requería para que la experiencia fuera todo lo espectacular que pudiese. El metraje llegaba a rozar las dos horas siendo la película PIXAR más larga. Consiguió alzarse con dos Oscars a Mejor Película de Animación y Mejor Edición de Sonido. Un éxito que alzó a Brad Bird dentro de la compañía, para la cual volvería años después a realizar otro plato animado con el que deleitarnos.

“Los Increíbles” fue toda una sorpresa, una gozada visual para un servidor que disfrutó como un bebé en la sala de cine, tanto es así que siempre la he considerado la mejor PIXAR hasta que llegó el robot basurero.
Una película familiar que ensalza el valor de la unión familiar así como nos emociona a base de aventuras. En definitiva, un excelente film de Superhéroes. Una Obra Maestra.

Lo Mejor: Todo.

Lo Peor: Nada.

¡¡¡ Feliz Navidad !!!

Desde este humilde blog os quiero desear a todos y cada uno unas Felices Fiestas acompañados por vuestros seres queridos. Cuidado con los mantecados, cantad muchas canciones con la zambomba y las panderetas y disfrutad de estas gélidas fiestas lo mejor que podáis, y sin excesos. Si queréis prescindir de la repetitiva programación televisiva navideña os recomiendo que os enchuféis películas tan propias de estas fechas como “Eduardo Manostijeras” y “¡Qué bello es vivir!”. Os deseo lo mejor.
Que el Espíritu Navideño os acompañe.

¡¡¡ Feliz Navidad !!!

Pixar Shorts: One Man Band

Aquí tenemos mi corto favorito de PIXAR. Se trata del “El Hombre Orquesta”, la historia de dos músicos callejeros que tratan de ganarse la moneda que lleva una pequeña niña. En primer lugar tenemos un ritmo dinámico propio de la comedia, a continuación un poco de drama al ver como la niña pierde su preciada bien y por último unas gotas de mala leche en que los dos músicos reciben su merecido. Una gozada en que la música de Michael Giacchino es absoluta protagonista en ese fantástico duelo. El estilo recuerda a esos antiguos cuentos enmarcados en lugares lejanos en que predominan los colores vivos de ensueño protagonizados por artistas ambulantes. Una Joya absoluta.

Buscando a Nemo, de Andrew Stanton

Marlin es un pez payaso que ha perdido a toda su familia menos a su pequeño hijo Nemo. Su sobreprotección hacia su hijo hace que el pequeño le desobedezca y se adentre mar adentro donde será capturado por unos buceadoras, empujando a Marlin a ir en su busca.

A pesar de estar protagonizada por peces “Buscando a Nemo” llegó al corazón de todos aquellos que la vieron al narrarnos una historia paterno filial universal.
Marlin es un padre sumamente protector de su hijo. Apenas le permite dar un paso sin su consentimiento. Esto tiene una fácil explicación ya que el pez payaso perdió a su mujer y crías cerca de su casa, situada junto a mar abierto, por el ataque de un carnívoro. El miedo a los peligros del océano (el mundo exterior) hacen de Marlin un desconfiado que protege de manera exagerada a su pequeño hijo, que responde ante el mandato de su padre mediante la rebeldía empujada por la curiosidad de conocer el mundo que le rodea. Una vez sea su hijo secuestrado el asustadizo pez se enfrentará a si mismo recorriendo todo el océano y haciendo frente a todos los peligros del mar, subsanándolos gracias al amor paterno que le empuja a seguir.
En su camino Marlin no estará solo. Su tropiezo con Dori será muy afortunado pues ella representa su opuesto con respecto a la forma de ver el mundo. Mientras Marlin es pesimista y siempre ve las cosas negativas, Dori nada por la vida con optimismo, viendo el vaso siempre medio lleno. A esto también le ayuda el hecho de que posee una memoria a corto plazo, con lo que el dicho de que el más feliz es aquel que es ignorante se hace patente.

Si bien la película contiene tramos muy cómicos gracias al personaje de Dori y a toda la fauna marina que aparece, la verdadera naturaleza del film es el drama, y no hay más que fijarse en Marlin para ver la verdadera intención de PIXAR con este film, es un pez payaso que no hace gracia. Con lo cual el personajes puede ser como una metáfora del film, parece una película divertida que en realidad esconde una emotiva historia. La primera secuencia es de lo más dramático que ha creado PIXAR, mostrándonos al pobre Marlin solo tras la desaparición de Coral y sus pequeños. Por suerte para el pez una luz de esperanza aparecerá al ver cómo ha quedado vivo uno de sus hijos al cual prometerá cuidar.
Si ya la historia del padre que va en busca de su hijo hace que los padres se identifiquen con la historia, así como los hijos se pueden identificar con Nemo, la película pega un pellizco más al representar al hijo como un minusválido que tiene un aleta más corta que la otra incrementando así la autoridad paterna.
El tema de la superación personal también aparece en el film. Marlin se enfrenta a sus miedos cruzando el mar, pero Nemo no es menos y conseguirá, gracias a sus compañeros de la pecera, vencer su inferioridad física ganando confianza en sí mismo.

PIXAR vuelve a maravillar ganándose a los pequeños y a los adultos con su propuesta marina. Esta gente ama el cine, no hay otra explicación para que sus historias consigan estar tan bien llevadas y calen en las personas que las vean.
En “Buscando a Nemo” crean una fauna marina variopinta en donde se dan cita todo tipo de criaturas acuáticas. Peces, rayas, tiburones, langostas, peces espadas, cangrejos, tortugas marinas, estrellas de mar o medusas. Todos aparecen por pantalla teniendo su pequeño momento de gloria. La compañía vuelve a hacer gala de su inacabable capacidad inventiva mostrándonos cosas tan curiosas como unos tiburones que tienen un club de “carnívoros anónimos” con el cual intentar superar su adicción a comer peces o unas tortugas marinas de lo más surferas. Dentro de la pecera también encontramos personajes de lo más divertidos venidos de todo tipo de puntos de venta, aunque el mejor de ellos es Gill, el cual se representa como un viejo soldado que ansía volver al océano. Este personaje es todo un guiño al actor que le presta voz, Willem Dafoe, pues recuerda, gracias a su cicatriz, al personaje de “Platton” al que da vida Tom Berenger.
La dirección corrió a cargo de Andrew Stanton, con la ayuda de Lee Unkrich, mostrando su talento a la hora de llevar a buen puerto una historia no tan sencilla como parece. Como he citado el principio es muy dramático para una película de animación, es comparable a la muerte de la madre de “Bambi”, y no se entra en sentimentalismo sino que se recurre a la elipsis mediante un fundido a negro para describirnos mediante la tristeza de Marlin lo que ha pasado. Después el film posee más ligereza y dinamismo con secuencias absolutamente espectaculares en que la extensa paleta de colores y texturas abunda consiguiendo un resultado técnico espectacular.
Momentos para el recuerdo: el secuestro de Nemo, el encuentro con los tiburones, la huida por el campo de medusas, la aventura aérea dentro de la boca de Nigel o el tramo final. Todo eso más todas las secuencias en que los sentimientos paternos surgen consiguen una película familiar sobresaliente.
De nuevo tenemos guiños y homenajes. A las cintas clásicas de Walt Disney hemos dicho ya “Bambi”, pero también “Pinocho” con esa gran ballena que transporta a Marlin y Dori. El muñeco de Buzz Lightyear aparece en la consulta del dentista. “Psicosis” hace aparición mediante su inolvidable música introduciendo al personaje de Darla y el tiburón Bruce protagoniza un homenaje a lo Jack Nicholson de “El Resplandor”.
Como punto negativo diré que siempre me ha parecido excesiva la consideración que se tiene de este film. Bien que es una hermosa historia pero en mi opinión se cae en cosas demasiado infantiles, cosa que tampoco es que sea una pega muy grande puesto que se trata de un film para toda la familia, pero viendo la trayectoria de PIXAR y su madurez previa en “Monstruos S.A.” aquí parecen querer ir sobre seguro con un guión destinado a todos los públicos. Por suerte siguen dejando su marca a la hora de mostrar magistralmente el amor entre un padre y un hijo.
La música es un factor importante a la hora de describir la relación entre Marlin y Nemo. En esta ocasión fue al compositor Thomas Newman a quien Stanton acudió (como haría posteriormente para “Wall·E”) creando una composición intimista que rememora su partitura para “Camino a la Perdición”, curiosamente con temática paterno filial también.
Entre los actores que prestaron sus voces tenemos a Albert Brooks como Marlin, Ellen Degeneres como Dori, Willem Dafoe como Gill, Geoffrey Rush como Nigel o Eric Bana como Anchor.

“Buscando a Nemo” fue el éxito de PIXAR. Se convirtió en la película animada más taquillera de la historia, se ganó a grandes y pequeños y le reporto el primer Oscar a Mejor Película de Animación a la compañía, además de conseguir otra nominación a Mejor Guión Original. Andrew Stanton entraba así a formar parte del elenco de directores animados más talentosos que años después volvería a maravillarnos con otra historia enmarcada muchos cientos de años después.

Lo Mejor: El drama paterno filial tan bien llevado. Que estando protagonizada por peces sintamos empatía.

Lo Pero: Está un poco sobrevalorada.

Monstruos S.A., de Pete Docter

La película de PIXAR de 2001 supuso un gran cambio, y es que por primera vez Lasseter se situaba solo como productor y supervisor, cediendo la dirección a Pete Docter para esta historia protagonizada por unos bonachones monstruos y una pequeña niña.

Si en “Bichos” se partía de la fábula de “La cigarra y la hormiga” para darle la vuelta, en “Monstruos S.A.” se parte del miedo que siempre han tenido los niños a los monstruos que salen de los armarios a medianoche para asustarlos. La pregunta que lanza la película, y que da origen al proyecto, es ¿por qué los monstruos asustan a los niños? Una vez más la originalidad de PIXAR en las historias es notoria al describirnos perfectamente el mundo de Monstruopolis, donde los monstruos subsisten gracias a la energía que consiguen por medio de los gritos de niños. Así pues descubrimos que la razón por la que atemorizan a los pequeños por las noches es para conseguir energía, no porque tengan nada en contra de ellos, todo lo contrario, para rizar más el rizo y rematar la jugada descubrimos que los monstruos temen a los niños hasta tal punto que creen que con solo entrar en contacto con ellos pueden morir. Otra vuelta a la tortilla gracias a PIXAR, que un monstruo tema a un niño. Irónico ¿verdad?
En Monstruopolis todos los habitantes viven como personas normales, con la única diferencia de que son monstruos y en lugar de utilizar desodorante fresco lo utilizan de olor repugnante. Por lo demás van a trabajar todos los días y realizan una vida de lo más normal. El conseguir energía de los niños no es fácil, no todo monstruo puede ser un buen asustador. Es ahí donde entra Monstruos S.A., la compañía encargada de recolectar y ofrecer energía para toda la ciudad. En ella trabajan los mejores profesionales en el terreno del susto infantil, encabezados por James P. Sullivan, un enorme monstruo peludo azul con manchas moradas, y su buen amigo y compañero Mike Wazowski, un ojito gigante de color verde. Como en todo buen trabajo habrá rivalidades por conseguir el record de sustos y no hay peor alimaña que Randall para robarle el puesto a Sully.

Bien, ese es el punto de partida de la película, mostrarnos como los monstruos actúan todos los días asustando niños para que su mundo siga funcionando tan bien. Pero el film no trata de eso, sino de la amistad.
La pareja formada por Mike y Sulley se puede asimilar a la de El Gordo y el Flaco, solo que en esta ocasión sería el Alto y el Bajo. Llevan juntos casi toda la vida y forman el equipo más fructífero de Monstruos S.A. Mike es dicharachero y no hay momento en que no exprese sus opiniones en voz alta. Está locamente enamorado de Celia, recepcionista de la empresa, y no se corta para hacerle la pelota a la secretaria Roz. Sullivan por su lado es el monstruo asustador numero 1 que ha aprendido del mejor, su jefe, el encargado de la fábrica Henry J. Waternoose. La vida de Sullivan se resume en trabajar y entrenarse para seguir en la brecha, no hay placer en su vida fuera del trabajo. Pero eso va a cambiar gracias a la aparición de una pequeña criaturita.

Cuando Sulley va a por unos papeles que se le han olvidado a Mike descubre una puerta que no debería estar allí. La abre y no ve a nadie. Cuando la cierra descubre agarrada a su cola a una pequeña niña que se niega a quedarse en su cuarto, obligando al monstruo a esconderla y ocultarla hasta que pueda volver a llevarla de regreso. Entre esta pequeña niña y Sullivan surgirá una emotiva relación de amistad que romperá con los parámetros marcados, puesto que ambos se temen mutuamente por naturaleza establecida, pero no solo eso sino que gracias a su amistad Sullivan descubrirá una fuerza de energía mayor que el grito escondido en la simpatía y alegría de Boo, que es como llama a la pequeña.
No es exagerado afirmar que la relación de amor entre Boo y Sulley es de las más emotivas que nos ha mostrado una película de animación. Podríamos hacer un símil con “La Bella y la Bestia”, pero nos quedaríamos a medias puesto que en esta ocasión ambos son dos personajes que deberían tenerse miedo mutuo y acaban por tenerse una extrema simpatía. Al final lo que trata de decirnos la película es que debemos enfrentarnos a lo que nos da miedo y comprenderlo.

“Monstruos S.A.” es un paso de gigante para PIXAR. Recuerdo que cuando la vi en cine la sensación general al finalizar era extraña. Habíamos visto algo excepcional, pero no lo que se esperaba. Y es que cuando la publicidad se basa en chistes, gags y promoción de voces famosas crees que estar a punto de ver una cinta ligera donde vas a pegar unas cuantas risas. Y este film no es eso. Hay risas, si, pero lo que mueve la trama es la amistad entre Boo y Sullivan, y es una historia tan emotiva, tan bien llevada que consigue dejar al espectador, que esperaba contemplar otro “Shrek”, noqueado.
La cinta esta realizada de forma sobresaliente jugando con elementos como el suspense al principio, la comedia por parte de Mike y sobre todo la emoción a través del personaje de Boo. Significa un punto y a parte porque en ella los artistas ponen todo su talento para crear algo ficticio como es Monstruopolis, siempre han partido de la realidad para sus films y en esta ocasión deben crear un mundo habitado por monstruos equiparable a la realidad, y lo consiguen. El diseño de cada personaje está elaborado con mimo (atención al personaje de Sullivan y la gran cantidad de pelos que lo componen), así como cada secuencia que compone el film. De ellas la más espectacular de todo que marca un tour de force para quitar el hipo es el tramo final de la persecución a través de las miles de puertas de la central. Es como una montaña rusa, un placer audiovisual que nos envuelve en esa carrera frenética por llevar a Boo a su hogar. Un prodigio.
Ahora bien si por algo la cinta marca una autentica revolución es por el personaje de Boo, el mejor personaje de la cinta con diferencia. Casi siempre la compañía ha mostrado a los seres humanos de forma muy secundaria en sus films, salvando a “Toy Story 2” donde Al y Geri protagonizaban escenas importantes. Pero aquí consiguen el no va más con la pequeña niña que se gana nuestra simpatía balbuceando palabras ininteligibles salvo la famosa “gatito”. Esta realizada de forma exquisita. Sabemos que es una creación inforgráfíca pero, madre mía, cómo emociona cada geto y cada mirada que suelta. Es un compendio de diversión y ternura a partes iguales que a la vez nos hace desternillarnos como estar a punto de soltar una lagrima. Y es que protagoniza las mejores escenas del film, es decir todas las que sale. Hay dos planos que son de un talento cinematográfico altísimo. El primero cuando la pequeña abre el armario para reencontrarse con su bonachón amigo y se encuentra con que no está, absolutamente triste. El segundo está protagonizado físicamente por Sullivan para rematado por la voz de la niña. Ese plano final en que el monstruo abre la puerta y solo escuchamos la voz de Boo es para incluir en los veinte mejores momentos que nos ha dado el cine en la presente década, si aún recordándolo se me ponen los pelos de punta. Magistral.

Como punto negativo podemos decir que el personaje de Mike es demasiado chistoso, tanto que roza lo cargante, pero por suerte no llega al burro de Shrek.
Los títulos de crédito al compás de la partitura con toques Jazz de Randy Newman (otra joya que contrapone lo divertido con lo emotivo) es un homenaje a las viejas películas Disney como “101 Dalmatas”, creados con animación tradicional.
¿Homenajes? Siempre, que no falten, es marca de la casa. Se hace alusión al genio Harryhausen mediante el nombre de un Restaurante. La pared del cuarto de Andy aparece, así cómo la caravana de “Bichos” o la camioneta del Pizza Planet. Además hay un guiño genial que es cuando Boo le enseña sus juguetes a Sullivan. La niña le va dando cosas, pues entre esas cosas tenemos lo antiguo y lo nuevo de PIXAR. Lo antiguo es Jessie la vaquera de “Toy Story 2” y lo nuevo es Nemo, protagonista de la siguiente película PIXAR, que ya no dejaría dudas de que la compañía es la número 1 en el terreno de la animación, y una de las mejores en el cine en general.
El cast está perfectamente escogido para la ocasión. John Goodman es Sullivan, el gran monstruo asustador número 1 que hará amistad con Boo. Billy Cristal es Mike, el ojo saltón charlatán que acompaña a su amigo allí donde sea, incluso al mismísimo Himalaya. Steve Buscemi es el monstruo que se camufla Randall, una alimaña en todos los sentidos de la palabra. Jennifer Tilly es Celia, una especie de pulpo medusa con serpientes como cabellera. James Coburn es el mandamás Henry J. Waternoose. Frank Oz es Fungus.
La película supuso otro enorme éxito para la compañía que, sin embargo, se quedó con la miel en los labios al no llevarse el Oscar a película de animación al estar ese año el ogro “Shrek”.

“Monstruos S.A.” es una delicia visual que esconde una historia adulta dentro de una cubierta infantil. Otro paso adelante para la compañía que no haría sino seguir maravillándonos.

Lo Mejor: El guión. La dirección. Boo. La secuencia de la persecución por las puertas. El plano final.

Lo Peor: El personaje de Mike puede resultar cargante.

Toy Story 2, de John Lasseter

Al año de “Bichos” la PIXAR volvería a las pantallas con una apuesta de éxito segura, la secuela de “Toy Story”. No es muy habitual que las secuelas con sello Disney llegaran a las pantallas, y en el caso de “Toy Story 2” se barajó la posibilidad de estrenarla directamente en video pero visto el resultado no se desaprovechó la oportunidad de mostrarla en pantalla grande.

Si la primera hablaba de la sustitución que sufre un juguete al llegar otro al hogar, en este caso nos encontramos con el abandono. Al principio del film Woody sufre una rasgadura en el hombro que le impide irse con Andy al campamento de vaqueros, quedándose en casa hasta que mamá lo arreglé. El temor de Woody, iniciado por terribles pesadillas, crece aún más con la reaparición de Wheezy, un pingüino que solo sirve para mancharse de polvo desde que su sonador dejo de funcionar. Gracias al pingüino la película entrará en el terreno de la aventura al ir en su rescate Woody, pues mamá lo ha puesto en venta en un mercadillo, donde un orondo vendedor de juguetes secuestrará a Woody llevando a Buzz, Sr. Patata, Rex, Hamm y Slinky en busca del vaquero.
El abandono aparece también a través de un nuevo personaje, Jessie. La muñeca era la compañera inseparable de su dueña hasta que esta creció y la dio para vender en otro mercadillo similar al que ha puesto la madre de Andy.

Así pues “Toy Story 2” nos llega a decir que los juguetes temen que crezcamos, ellos son nuestros mejores amigos de pequeños pero una vez llegamos a la edad adulta pasan a un segundo termino, los dejaremos abandonados o nos desharemos de ellos. Claro que no todos los seres humanos son así, La película introduce un personaje humano con gran importancia como es Al, el vendedor de juguetes. Bien, podemos decir que Al es un friki, un coleccionista que busca muñecos fuera de lo común para venderlos al mejor postor y mostrarlos en un museo.
Si en “Toy Story” descubríamos el origen de Buzz y su depresión al conocer su naturaleza de juguete, aquí vemos el origen de Woody y cómo el vaquero fue una estrella cuya imagen estaba en todo tipo de productos. En sus aventuras le acompañaban Apestoso Pete el Capataz, Jessie la vaquera y su fiel corcel Perdigón, los cuales han estado bajo el dominio de Al encerrados en cajas hasta que llegara la figura más cotizada de la colección, Woody. No hemos de negar la carga nostálgica que tiene el momento en que Woody descubre su origen, pues muchos juguetes representan un boom extraordinario en el momento de su creación y luego pasan a segundo termino o directamente se olvidan. El dilema de Woody será si vuelve con Andy para acabar abandonado cuando sea mayor o irse con su panda de rodeo para ser famoso expuesto en un museo.

La película no olvida a Buzz, protagonizando este lo que podría llamarse “La Odisea de los Muñecos”. Él será el cabecilla del grupo de rescate formado por Rex, Patata, Hamm y Stinky, que tendrán que surcar un largo trecho desde la casa de Andy al almacén de juguetes de Al, donde aparecerá la Némesis de Buzz perjudicando así las cosas, él mismo.
Lasseter siempre ha admitido que Buzz Lightyear esta inspirado en films de ciencia ficción, pues ¿qué mejor que hacerle entrar en situaciones propias del género? El prologo es una maravilla, con Buzz enfrentándose a todo tipo de robots y peligros hasta llegar ante su enemigo, el General Zurg. Ese tramo es vibrante y digno del mejor videojuego con homenajes a “Star Trek”, “Star Wars” o “2001”. En el transcurso del film todo lo que concierna a Buzz tendrá algún paralelismo con films fantásticos, rematado con una frase dicha por el villano que nos deja tanto descolocados como partiéndonos de risa.

Si hurgamos muy en el fondo “Toy Story 2” no posee un gran avance argumental. Muchas situaciones se repiten en plan guiño a la anterior y la aventura de rescatar a Woody se asemeja un poco a la anterior en que había que rescatar a Buzz enfrentándose al mundo exterior. Aquí tan solo se amplia mucho más gracias a los medios técnicos que han avanzado y a que se trata de una secuela, cuya máxima siempre suele ser: más grande todavía.
A pesar de resultar muy similar a la anterior “Toy Story 2” no oculta su naturaleza de comedia pura y dura con toques de homenajes-parodias. Todo resulta fresco, dinámico y muy, muy divertido. John Lasseter volvió a encargarse de la dirección en que la primera secuencia es fiel a la naturaleza que representa, un videojuego, y no oculta que lo que estamos a punto de ver es un divertimiento audiovisual de primera. Si por algo es remarcable “Toy Story 2” a nivel técnico es por sus sensacionales secuencias de acción que alcanzan la genialidad en ese apasionante climax final en el aeropuerto. Como pega diré que el momento musical sobra, ya que la película aguanta muy bien sin canciones, pero Lasseter parece que necesita ese guiño Disney e introduce el relato de Jessie a través de una canción, que no vamos a negar que es bonita y que la secuencia esta maravillosamente realizada.
De nuevo aparecen muchos juguetes reconocibles y por fin se pudo introducir a la Barbie, cosa que en la anterior no se consiguió. Más allá del simple cameo Barbie aparece como secundaria al dar vida a una guía turística de los almacenes de Al seduciendo a los juguetes protagonistas, y se marca un gag final junto con el Capataz memorable.
Como no podía ser de otra forma PIXAR se homenajea a si misma, y esta vez lo hace introduciendo a un personaje protagonista de un cortometraje suyo, Geri. El anciano resulta ser el restaurador de figuras que limpia a Woody y lo deja como recién estrenado en una secuencia fenomenal con un excelente dominio del montaje y tempo (atención a ese momento alfiler). Además siguen con algo ya propuesto en “Bichos”, las tomas falsas.
Tom Hanks y Tim Allen volvieron a prestar sus cuerdas vocales a Woody y Buzz, mientras Joan Cusack lo hizo para Jessie y Kelsey Grammer para Pete el Capataz.
Randy Newman volvió a crear una partitura a la altura de las circunstancias, diferenciando la parte épica de Buzz frente a la nostálgica de Woody.

“Toy Story 2” superó a su predecesora en técnica y en recaudación, además de ser galardonada con el Globo de Oro a la Mejor Comedia, pero la historia resulta una ampliación de lo anterior narrado, quedando un poco a la sombra de su predecesora.
John Lasseter cerró así un ciclo dentro de PIXAR, el que podríamos llamar más Disney, en que las historias eran accesibles para toda la familia. Lo que vendría a continuación sería muy diferente de lo antes realizado, un cúmulo de historias destinadas a todos los públicos pero orientadas sobre todo a los más mayores.

Lo Mejor: Es muy divertida. El prólogo. Las secuencias de acción.

Lo Peor: Estar a la sombra de su original.

Pixar Shorts: Geri´s Game

En 1997 la PIXAR realizó este cortometraje galardonado con el Oscar. En él vemos que el protagonista es por primera vez un ser humano, realizado con mimo para que represente de manera fiel a un anciano. El corto es una maravilla, ya no solo porque técnicamente se ha avanzado con respecto a los personajes humanos, sino porque cinematográficamente es magistral en el juego plano contraplano llegando a confundirnos sobre lo que está sucediendo. A pesar de su naturaleza cómica cargada con humor negro podemos ver un triste retrato de la soledad cuando se llega a la madurez. Geri, el protagonista, es un anciano que dedica su tiempo libre a jugar al ajedrez en el parque. Lo curioso es que juega contra si mismo, cambiando de personalidad cada vez que se pone a un lado del tablero. Podemos pensar que PIXAR habla también de la enfermedad de la esquizofrenia al retratar tan bien el cambio de personalidad, ahí cada uno lo interprete como quiera.

Bichos, de John Lasseter

Tres años después de “Toy Story” la PIXAR volvió a las carteleras con su segundo largometraje animado compitiendo por primera vez con la que sería su rival más directa en el terreno de la animación por ordenador, la Dreamworks. La compañía de Spielberg y Katzenberg se adelantó estrenado antes “AntZ”, la historia de una hormiga obrera que inicia una rebelión en su colonia al escapar con la princesa, cuyo mayor reclamo era el contar con un excelente reparto vocal, que funcionó también como modelo para caracterizar a cada personaje, humanizando así a las hormigas. Por su parte la PIXAR preparaba el estreno de “Bichos”, una película cuyas únicas similitudes con la cinta de Dreamworks es que se desarrolla en el mundo de las hormigas y que el protagonista marca la diferencia, pero no revelándose ante sus iguales sino ante el grupo dominante, los saltamontes.

“Bichos” narra la historia de Flik, una pequeña hormiga inventora a la que nadie entiende dentro de su comunidad, Isla Hormiga, en donde la existencia de las hormigas se resume en trabajar recopilando comida para los saltamontes antes de las lluvias. Cuando los saltamontes están a punto de llegar la ofrenda se pierde por culpa del último invento de Flik, causando así un ultimátum por parte de los opresores que exigen doble ración para cuando caiga la última hoja del árbol. A Flik se le ocurre la idea de ir en busca de guerreros que espanten a líder de los saltamontes, Hopper, y así las dejen tranquilas. El consejo real, con la princesa Atta al frente, aceptará la iniciativa de la hormiga no porque les parezca buena idea sino para alejar al torpe Flik de su colonia y así no cause más problemas hasta que vuelvan los saltamontes. En su búsqueda la hormiga inventora dará con unos insectos de circo confundiéndolos con guerreros, con lo cual le ofrece que le acompañen a su hogar. Los insectos acceden pensando que se trata de un cazatalentos pero cuando descubran la verdad tendrán que unirse a Flik para convencer a la colonia de que no deben temer a los saltamontes y de que con su ayuda los vencerán.

Podemos decir que “Bichos” es un cruce entre la fábula de “La Cigarra y la Hormiga” y la película de “Los siete samuráis” con un poco de denuncia social y mucha comedia.
En la fábula la hormiga advierte a la cigarra de que si se pasa todo el día divirtiéndose y haciendo el vago en lugar de almacenar comida lo pasará muy mal en el invierno. Pues en “Bichos” parece que la cigarra, los saltamontes en este caso, ha aprendido a aprovecharse de su inferior obligándolo a recoger siembras para su consumo y así no preocuparse de pasar hambre en el invierno. Las hormigas son trabajadoras como en el cuento, pero aquí son el doble pues tienen que conseguir alimento tanto para los saltamontes como para ellas, entrando así en la explotación laboral, que es el rasgo social, y adulto, que puede entreverse en la película. Los saltamontes bien podrían ser los jefes, o empresarios, que abusan de sus empleados (las hormigas en este caso) obligándolos a trabajar más para aumentar la producción. Esto lo consiguen mediante el miedo, la amenaza. Hopper no duda en amenazar a pequeños miembros de la comunidad hormiga y les advierte de que si no recolectan lo acordado perderán su protección. Es el opresor que además conoce muy bien cómo tratar a sus inferiores para que estas no se revelen ante él, cosa que teme puesto que las obreras son mucho mayores en número. Flik es, por decirlo de alguna manera, el que alza la voz en defensa de sus derechos, el defensor del pueblo. Es el único que se atreve a enfrentarse a Hopper provocando las iras del saltamontes y su temor a que se levante una rebelión contra él, cosa que no permitirá bajo ningún concepto. Todo este aspecto provoca en el film momentos épicos, sobre todo en su tramo final cuando Flik se levanta tras una brutal paliza y planta cara a Hopper frente a toda su colonia.

“Los siete samuráis” están personificados en los supuestos guerreros que Flik parece haber encontrado y que resultan ser artistas de circo. Los cirquenses querrán huir una vez sepan lo que de verdad quieren de ellos en el hormiguero pero, cosas del destino, rescatarán a la pequeña princesa Dot y serán aclamados por toda la colonia, rasgo que los empuja a ayudar a las pequeñas hormigas. El grupo lo forman una mariquita con una crisis de identidad, un bicho palo que no sabe exactamente su función en el mundo de los insectos, dos cucarachas gemelos que se llevan mal, un saltamontes con una extensa carrera como mago a sus espaldas, su esposa la bella mariposa, una viuda negra, una oruga que sueña con convertirse en mariposa y una garrapata. Estos siete personajes son lo que dan al film todas las situaciones divertidas y absurdas destinadas para niños y mayores. Del grupo heroico quizás el que más simpatías despierte sea Francis, la mariquita con mala leche al ser siempre confundida con una chica, aunque también los dos hermanos cucarachas son un punto, sobre todo cuando se encuentran con el pájaro por primera vez.
El personaje de Flik por su parte representa al héroe que descubre su valía y se gana el respeto del pueblo que antes le dio la espalda. Nervioso, hiperactivo y creativo la hormiga es toda una rareza dentro de la colonia por sus interminables inventos.

Han pasado tres años desde “Toy Story” con lo que las técnicas han avanzado y eso se nota. La riqueza visual del film es muy superior a la anterior película PIXAR dejándonos boquiabiertos ante escenas tales como la del enfrentamiento con el pájaro y aquellas en que aparecen grandes multitudes. John Lasseter volvió a encargarse de la dirección con la ayuda de Andrew Stanton, que aparece acreditado como codirector. Lasseter vuelve a maravillarnos con una narración perfecta ayudada de un ritmo imparable en donde tenemos comedia, aventura y épica en ese magnifico final en que las gotas de lluvia caen mientras nuestro protagonista se enfrenta al villano. La película consigue ser una maravilla visual gracias, además de a sus excelentes escenarios que convierten latas y cartones en ciudades, al uso de un sin fin de colores. Los personajes están muy bien realizados y, al contrario que en “AntZ”, no se trata de humanizarlos más allá de dotarlos con ojos y boca. Para resultar más espectacular el film fue realizado en formato widescreen, completamente panorámico, con lo que la sensación es más embriagadora, siendo el primero de la compañía en realizarse así.
El guión es muy bueno, en esta ocasión prima por encima de todo la comedia pensando en los más pequeños, pero es en el retrato que hace del mundo diminuto donde el film alcanza altas cotas de imaginación y creatividad.
La música de Randy Newman es excelente, con dos temas poderosos como son el que describe a las hormigas y el de la batalla. Esta vez no se usó canción alguna en el film, salvo en los créditos en donde además se implantaría una novedad que sería vigente para posteriores películas de la compañía como son las tomas falsas, muy divertidas e imprescindibles.
Kevin Spacey como Hopper, Denis Leary como Francis y Bonnie Hunt como Rosie fueron los únicos actores conocidos que cedieron sus voces a personajes del film.

“Bichos” fue un nuevo éxito de PIXAR. Auque inferior en recaudación a “Toy Story” superó a su rival “AntZ” y demostró la maestría técnica de PIXAR y el cuidado que tiene al narrar las historias.

Lo Mejor: La historia. El ritmo. El tercio final épico.

Lo Peor: Algún que otro gag infantil.